Fundado en 1981 por Omar Issa, Remane Gimo y la vocalista Zena Bacar, Eyuphuro ("torbellino" en lengua macua) es uno de los grupos más aclamados de Mozambique, en su afán por preservar los ritmos tradicionales de su Ilha de Moçambique. Su música refleja, precisamente, su sincretismo cultural (influencias africanas, árabes y portuguesas), ofreciendo una rica mezcla de ritmos de la provincia de Mampula (toba, namahandga, masepua, djarimane, morro y chakacha) que narran la forma tradicional de vida de la isla junto con canciones de amor y crítica social.
En 1989, Eyuphuro se embarcó en su primera gira europea, convirtiéndose en todo un éxito en el circuito de festivales europeos. Sus impresionantes actuaciones en el festival WOMAD les llevaron a que Real World relanzará su Mama Mosambiki (1986) en 1990, convirtiéndose en el primer grupo de Mozambique en hacer un lanzamiento internacional, llevando a su cantante Zena Bacar a ser reconocida como "la voz de oro de Mozambique", y a Eyuphuro ser considerado como patrimonio cultural del país.
01. Samukhela (The Nostalgic Man)
02. Mwanuni (The Bird)
03. Akatswela (Love Is So Bewildering)
04. We Awaka (You Are Mine)
05. Kihiyeny (Leave Me Alone)
06. Nifungo (The Key of the House)
07. Oh Mama (Oh Mother!)
08. Nuno Maalani (A Single Mother of a Single Mother)
Joyce Silveira Palhano de Jesus, más conocida como Joyce, es una cantautora brasileña , así como una consumada guitarrista y arreglista. Nació en Río de Janeiro el 31 de enero de 1948.
Astronauta - Canciones de Elis presenta una breve descripción de la carrera de Elis Regina. Con la voz incomparable de Joyce, esas canciones han ganado una nueva vida. Joyce no trató de copiar el estilo de Elis Regina. Joyce ha recreado las canciones con estilo y clase. El énfasis en las canciones se ve reforzada por el acompañamiento excepcional que ella eligió. Además de su propia guitarra, Joyce se puso del lado de los músicos de jazz de primer nivel: el saxo tenor Joe Lovano, el bajo de Rodolfo Stroeter, el batería Tutti Moreno y la percusión de Guello. A veces, Mulgrew Miller o Renee Rosnes añaden acompañamiento de piano y un fuerte influencia del jazz a estos clásicos brasileños. Otros dos músicos excelentes completan este conjunto maestro: Dori Caymmi y Romero Lubambo. Dori Caymmi, además de tocar la guitarra acústica, también contribuye con la voz. Su participación cantando a dúo con Joyce en la pista de cierre, "Aguas de marzo" (de Antonio Carlos Jobim), es particularmente sorprendente. En los primeros versículos, la voz de Dori Caymmi es sorprendentemente reminiscente de la propia voz característica de Antonio Carlos Jobim.
Astronauta se abre con una composición propia de Joyce "Samba Pra Elis". Esa canción sirve como una obertura y dedicación a este CD magistralmente diseñado. La canción habla de lo que significaba Elis Regina en la música brasileña y los brasileños en general. Ella era una luz, que era un volcán, era una mujer enamorada de la música. Con letras sencillas Joyce pinta un cuadro perfecto de esa mujer que redefine los estándares brasileños en el canto. Joyce capta la esencia de Elis Regina en la canción.
Para aislar una canción en particular, como mejor que las demás sería una tarea imposible. Cada nota en Astronauta lleva el peso de toda la vida. Dedicación de Joyce a la presentación de estas canciones perfectamente es evidente en cada pista. Si en las actuaciones introspectivas de "Essa Mulher", "O Cantador" y "Morro Velho" o el redescubrimiento vibrante en "Aquarela do Brasil" o "Folhas Secas", Joyce es magnífica. El uso del tema de Milton Nascimento "Vera Cruz", como una introducción a la "Aquarela do Brasil" crea un círculo musical que sólo un actor principal como Joyce podría tratar de crear.
La pista del título, "Astronauta (Samba da Pergunta)" es otra manera de definir a Elis Regina. Ella podía volar alto como una cometa o un pájaro. Ella era la estrella de la mañana en la música brasileña. Ella era la estrella que brillaba y se fue demasiado pronto. Ahora, gracias a la oportuna homenaje de Joyce, Elis Regina reaparece y toma su lugar en nuestra memoria. Un artista estelar, Joyce es encantadora y fascinante.
Samba Pra Elis (Joyce - Paulo César Pinheiro)
Canto de Ossanha (Baden Powell - Vinícius de Moraes)
Upa Neguinho (Edu Lobo - Gianfrancesco Guarnieri)
Morro Velho (Mílton Nascimento)
Aquarela do Brasil (Ary Barroso)
O Cantador (Dori Caymmi - Nelson Motta) - w/ Dori Caymmi
Astronauta (Samba Da Pergunta) (Pingarilho - Marcos Vasconcelos)
Oriente (Gilberto Gil)
Folhas Secas (Nelson Cavaquinho - Guilherme de Brito)
Querelas do Brasil (Maurício Tapajós - Aldir Blanc)
Menino das Laranjas (Theo de Barros)
Essa Mulher (Joyce - Ana Terra)
Na Batucada da Vida (Ary Barroso - Luiz Peixoto)
Waters of March (Antônio Carlos Jobim) - w/ Dori Caymmi
Philharmonics (2010) es el título del primer álbum de la pianista y compositora danesa Agnes Obel. Composiciones lentas, sombrías, e incluso lúgubres en ocasiones, pero dotadas de un sentido singular de la belleza, austeras y delicadas, construidas perfectamente en torno al piano y la voz, que hacen de este trabajo un disco excepcional.
Realizado bajo la licencia de PIAS Recordings, Philharmonics es, prácticamente, un trabajo artesanal, compuesto, interpretado y producido por la propia Agnes Obel entre 2004 y 2010 en Dinamarca, Noruega, Alemania y otros países europeos.
Philharmonics es como una instantánea autobiográfica, una mirada de una vida sencilla con doce piezas en el conjunto, efímera, frágil y carente de cualquier tipo de artificio o decoración innecesaria. La intensidad que evocan las interpretaciones es sorprendente; voz y piano (ocasionalmente acompañados de alguna instrumentación sutil –como el cello o la guitarra-) en un esfuerzo sostenido de excluir cualquier elemento que pueda perturbar la tranquilidad sonora que se evoca. Ejemplo de ello es el tema de igual título "Philharmonics", un arreglo a modo de vals bendecido con unas armonías vocales encantadoramente límpias. O "Beast", un suave himno con un fascinante juego de piano y cello.
"Riverside" es una delicada canción, una balada de raíces populares que nos habla de tiempos perdidos y lejanas voces ancestrales, al igual que "Brother Sparrow", una preciosa instantánea cotidiana de la añoranza a través de una ventana. "Just So" es un pegadizo tema con coros de Alex Brüel Flagstad. "On Powdered Ground" brinda al disco un cierre señorial y majestuoso.
En definitiva, Philharmonics es un impresionante álbum debut, construido con canciones atemporales para perdurar a lo largo del tiempo y de las modas. Esencial.
01. Falling, Catching
02. Riverside
03. Brother Sparrow
04. Just So
05. Beast
06. Louretta
07. Avenue
08. Philharmonics
09. Close Watch
10. Wallflower
11. Over the Hill
12. On Powdered Ground
Conocido inicialmente como director de la orquesta de Cesária Évora (entre 1995 y 1998), Bau ha demostrado con creces, a lo largo de su carrera musical, ser uno de los artistas con más talento de la rica escena musical de Cabo Verde. Café Musique (2010) es una preciosa recopilación de sus seis discos en solitario y una edición ampliada de Cape Verdean Melancholy (2002), su primera selección de éxitos.
Rufino Almeida, Bau, es compositor e intérprete del violín, la guitarra y el cavaquinho (pariente de la guitarra y el timple), instrumentos que el mismo fabrica y labor que aprendió de su padre, un fabricante de instrumentos de cuerda en Mindelo.
La compilación Café Musique reune 18 de sus mejores temas instrumentales de sus seis álbumnes como solista, selección que nos permite disfrutar de su virtuosismo instrumental y de su instintiva sensibilidad autodidacta: Tôp d´Coroa (1993), Jailza (1995), Inspiração (1998), Blimundo (2000), Silencio (2004), e Ilha Azul (2005), todos disponibles en Lusafrica. Señalar que muchas de sus piezas han sido utilizadas por la gran bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch, y el tema "Raquel" forma parte de la banda sonora de la película de Pedro Almodóvar "Hable con ella".
01. Mazurka
02. Bau
03. Situações Triangulares
04. Blimundo
05. Som di Nha Esperança
06. Raquel
07. Toy
08. Pescador
09. Céu Azul
10. Ronco di Mar
11. Top D'coroa
12. Estronhe e Criolo
13. Cucli
14. Nhe Peadade
15. Morena
16. Café Musique
17. Ilha Azul
18. Jailza
Bob Brozman es un musico remarcablemente prolífico cuyo ingénio, energia y técnica musical se combinan poderosamente para crear un directo inolvidable. Un maestro del slide, del punteo y del “tapping”, el show de Bob atraviesa el espectro global y musical cautivando a las audiencias y manteniendo a todo los espectadores ensimismados, pidiendo mas y mas de su entrañable y pegajosa energía.
La familiaridad de Bob con diversidad de músicas del mundo produce una mezcla de influencias rítmicas y timbricas que no tienen parangón en el medio musical actual. Su destreza rítmica resuena con elementos del Blues, Jazz, Gipsy Swing, Calypso, Sega, hasta el los ritmos del mas moderno Hip Hop y Ska.
Asimismo, su tono y sus armonías articulan una acentuada mezcla de timbres de música Hawaiana, India, Africana, Japonesa/Okinawan, Caribeña y Blues americano. Su trabajo con los dedos ha sido descrito en el mundo de la crítica como único y asombroso, además de lleno de humor. Bob tiene una colección de trucos que hace que el público se pierda buscando efectos electrónicos que de hecho no existen. Su show es el producto limpio de un genio de la acústica.
Desde 1997, Rita Ribeiro ha sido considerada como una nueva revelación de la música
brasileña, la creación de su carrera con una sinceridad poco común, con especial atención al folclore de su casa en el estado de Maranhão, y el registro de los viejos valores olvidados. Sus álbumes han sido bien aceptados y tiene una carrera internacional, habiendo actuado en el Festival de Montreux, junto con Milton Nascimento, Nei Matogrosso, Zeca Baleiro, y Chico César.
Desde que tenía ocho años, era un entusiasta del reggae, también interpone la cultura afro-brasileña a través de las manifestaciones religiosas y folklóricas como la umbanda, bumba-meu-boi, y el tambor de crioula. En 1986, se unió al grupo Fuzarca, que recuperó los valores olvidados de Maranhão. Fue allí donde hizo contacto con la obra de Antonio Vieira, un compositor de 77 años de edad, de gran talento, prácticamente desconocido para el público a pesar de ser el compositor de más de 300 canciones. Ribeiro hizo su primera actuacion en 1989, dirigida por Zeca Baleiro (que también es de Maranhão), con quien también hizo presentaciones en bares y locales. Ese año, se casó y se mudó a São Paulo, donde trabajó como gerente de recepción, sin dejar de cantar en los bares locales. Ella comenzó a estudiar canto con Ná Ozzetti y Madalena Bernardes en ese período, continuando durante tres años. En el lado opuesto de la calle donde vivía, Chico César (también de Maranhão) y Zeca Baleiro compartió un apartamento. En 1997, Ribeiro grabó su primer CD, Rita Ribeiro (Velas), producido por Zeca Baleiro, y grabó "Cocada" y "Quem Tem Queira" de Antônio Vieira. En ese año, grabó para Fuji un especial de televisión, que fué transmitido en Japón y fue considerada una cantante revelación. Dos años más tarde, lanzó un segundo álbum, Pérolas aos Povos (MZA), la grabación incluye de nuevo a Vieira ("Banho Cheiroso"), junto con los compositores nuevos y desconocidos de Maranhão.
01 - To
02 - Filhos da Precisao
03 - Deja Vu
04 - Banho Cheiroso
05 - Jamais Estive Tao Segura de Mim Mesma
06 - Pensar em Voce
07 - Vendedor de Bananas
08 - Mambo da Dor
09 - Ha Mulheres
10 - Muzak
11 - Eclipse em Meia Lua
12 - Mana Chica
13 - Perola aos Povos
14 - Na Gira
El pianista y compositor Chucho Valdés y la diva cubana Omara Portuondo vuelven a unir su talento para grabar juntos grandes clásicos de la música cubana en Omara & Chucho, catorce años después de que hicieran Desafíos (1997), repitiendo lugar: el estudio Ojalá de Silvio Rodríguez.
En su primer disco, Desafíos, no quisieron preparar ni ensayar nada, porque querían ver qué pasaba si se metían en un estudio y dejaban volar la imaginación. Omara y Chucho, que se conocen desde que el gran Bebo Valdés (su padre) y ella participaban en el mítico Club Tropicana, vuelven a repetir aquí la misma fórmula. En esta ocasión, la complicidad entre ambos les permitió grabar este disco en tan solo "un día y pico", a pesar de los problemas con la luz.
Omara & Chucho (2011), título de este álbum, contiene grandes clásicos de la música cubana y latina, entre los que destacan "Noche cubana" (de Narciso Cesar Portillo de la Luz, con dos versiones en solitario, una por Omara y otra por Chucho), "Alma mía" y "Esta tarde ví llover" (del mexicano Armando Manzanero, en el que participa el trompetista estadounidense Wynton Marsalis), y se completa con "Claro de luna", "Me acostumbré a estar sin ti" (de Juan Almeida), "Si te contara" (de Félix Reyna), "Huesito" (del colombiano Fredy Solano-Serge), "Mis sentimientos", "Nuestra cobardía", "Babalú Ayé" (de Margarita Lecuona) y "Recordaré tu boca" (de Tania Castellanos).
01. Noche cubana
02. Claro de Luna / Llanto de Luna
03. Y decideté mi amor
04. Alma mía
05. Me acostumbré a estar sin ti
06. Esta tarde ví llover
07. Si te contara
08. Huesito
09. Mis sentimientos
10. Nuestra cobardía
11. Babalú Ayé
12. Recordaré tu boca
13. Noche cubana
Majid Bekkas es un músico marroquí, maestro de la tradición gnawa y su instrumento emblemático, el guembri, que también toca la guitarra y el oud. Conocido en Marruecos como "el mago de los encuentros", en Mabrouk se acompaña de Ablaye Cissoko, a la kora, y de Khalid Kouhen (a la percusión), siendo los tres los que proporcionan las voces.
Sus influencias incluyen al gran Ali Farka Touré, Boubacar Traoré (otro gran guitarrista maliense), y el guitarrista de jazz estadounidense Wes Montgomery, revelando su estilo gran cantidad de técnicas.
Paralelamente a su carrera como músico tradicional, Majid Bekkas también ha colaborado con músicos de la escena del jazz europeo como el saxofonista Archie Shepp, el guitarrista Pedro Soler, el trompetista italiano Boltro Flavio y el saxofonista alemán Doldinger Klaus. Con el pianista alemán Joaquim Kühn y el baterista alicantino Ramón López ha editado tres exquisitos trabajos (Kalimba, Out Of The Desert y, recientemente, Chalaba) donde se destacan sus maestrías musicales en una conversación policultural para dar forma a un espacio lingüístico propio. Fruto de su inquietud por el diálogo intercultural y de su prolífica capacidad creativa, también en este año 2011 se ha presentado el trabajo Makenba, con músicos de distintas nacionalidades.
El álbum Mabrouk (2011) se distingue principalmente por el diálogo entre el guembri de Bekkas y la kora de Ablaye Cissoko, al estilo de un megáfono para transmitir la poesía que en ellos habita, con acuáticas resonancias de las tablas (en "Mabrouk") y el lirismo gnawa del oud (en "Masmoudi"). En el repertorio se alternan piezas tradicionales y composiciones propias de Majid Bekkas, y en "Salya" aportan las letras para el tema original del grupo senegalés Touré Kunda. En definitiva, un maravilloso álbum con el que podemos imaginar una reunificación musical entre el norte y el sur del Sahara, un viaje que se cierra con un homenaje a los ancestros lleno de emoción ("Hommage Aux Ancestres"), que resuena con un gran talento para transmitir la voz de las tradiciones a las que tanto debe la música marroquí.
01. Banya
02. Fangara
03. Mabrouk
04. Salya
05. Masmoudi
06. Bala Moussa
07. Le Monde A L´Envers
08. Hommage Aux Ancestres
Bonga Kwenda (nacido José Adelino Barcelo de Carvalho), más conocido como Bonga, es un cantante de folk y semba y compositor de Angola. Bonga nació en 1943 en la provincia de Bengo, Angola y se fue a los 23 años para convertirse en un atleta, convirtiéndose en el plusmarquista portugues de los 400 metros (Angola fue también uno de los cinco colonias africanas de Portugal). Él ya había comenzado su carrera como cantante a los 15 años.
Bonga abandonó el atletismo en 1972, concentrándose exclusivamente en su música, e inmediatamente se hizo famoso en su país natal, así como en Portugal, donde se convirtió en un éxito tanto con los inmigrantes de las ex-colonias, y el portugués de los dos descendientes de africanos y europeos. Ha publicado más de 30 álbumes, cantando en portugués y lenguas tradicionales de Angola. Sus temas son una mezcla de sonidos folk portugués, semba, kizomba y elementos latinos.
Mientras que Angola era todavía una colonia portuguesa, Bonga era un abierto partidario de la independencia. Esto lo llevó a ser desterrado de Angola en la década de 1970. Fue durante este tiempo que lanzó su primer álbum, Angola 72.
En este momento, Portugal se rige por la represión, el gobierno de Salazar de la derecha. estado de Bonga como una estrella del deporte le permitió la libertad de movimiento, que usaba para llevar los mensajes entre los compatriotas y luchadores por la libertad exiliados todavía en Angola. A medida que el movimiento por la independencia se calienta, Bonga se vio obligado a exiliarse en Rotterdam, donde, en 1972, grabó su primer disco Angola 72 y adoptó el nombre de Bonga Kwenda. Una orden de arresto Bonga se publicó en Angola por la letra sediciosoa del álbum, lo que le obligó a moverse como nómada entre Alemania, Bélgica y Francia hasta la independencia de Angola de Portugal en 1975. Mientras que en Europa, conoció a otros músicos Bonga de habla portuguesa y aprobó los sonidos de la samba en su estilo de músicas diversas.
Les Nubians, el dúo de RnB conformado por dos hermanas francesas; Héléne y Célia Faussart.
Nacieron en 1975 y 1979 respectivamente, en la ciudad de Bordeaux, Francia, aunque luego en 1985 deciden viajar a vivir junto a sus padres en la república africana de Chad. Siete años después (1992) vuelven a Francia y, a pesar de no ser recibidas de muy buena manera por la crítica musical, con el pasar del tiempo se han convertido en uno de los grupos de habla francesa más aclamados en Estados Unidos.
Comenzaron su carrera siendo adolecentes (cuando regresaron a Francia) cantando a capela, en grupos de la zona, covers de temas africanos RnB y Reggae. Luego comenzaron a tomar un sello más personal en su trabajo y fueron adquiriendo influencias del Soul, RnB, Pop africano y el Hip-Hop para terminar creando un llamativo y sofisticado Rhythm and Blues bajo el nombre de Les Nubians. Dentro de sus influencias se destacan Ella Fitzgerald, Abbey Lincoln, The Fugees y Fela Kuti.
En julio de 1998 Virgin Records publicó Princesses Nubiennes, el álbum debut del dúo francés en Francia, Bélgica y Suiza. Más tarde, en septiembre del mismo año, fue lanzado en norte América y al cabo de poco tiempo se convirtió en el disco de habla francesa más exitoso durante toda una década, lo que las impulsó a realizar grabaciones con grandes artistas como Black Eyed Peas, Youssou N'Dour, Talib Kweli y Dj Krush.
Cinco años después (2003) vendría su segundo álbum; One Step Forward, el cual contó con sesiones grabadas en Paris, Jamaica, Camerún y Londres. Con colaboraciones de Talib Kweli, Manu Dibango (africano), el pianista Ray Lemma y el maestro del Broken-Beat IG Culture. El sello encargado de su difusión y éxito fue Omtown Records.
En 2005 Nubians reaparece con Echos: Chapter One Nubian Voyager. Tercer disco del grupo, publicado bajo la manga del sello norteamericano Rykodisc Records
Longing (2010) es una selección de los temas más queridos de Omar Faruk Tekbilek seleccionados por Celestial Harmonies, el sello discográfico especializado en world music que editó sus primeros 7 álbumes, que ha compilado los temas más populares de esta época para este nuevo trabajo. La selección contiene varias de las composiciones originales de los discos Süleyman The Magnificent (1988) y Beyond The Sky (1992) –con Brian Keane-, Whyrling (1994), Mystical Garden (1996) y Crescent Moon (1998).
En la recopilación se muestran los principales elementos en los que se centran las obras de Omar Faruk: el sufismo, el amor, el folklore y la búsqueda. La cubierta del álbum ha sido diseñada por Sertac Pişkin, y la remasterización ha sido realizada por Mert Medeni bajo el patrocinio de la "Istanbul 2010 European Capital of Culture Agency" y Radio Voyage 107.4.
May the wind blow and bring you to me" goes the title song of CD Sorene. Sorene, the wild bird in the national colors of green, red...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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