viernes, 29 de marzo de 2013

Niyaz - Sumud (2012) [Irán]


Los arreglos modernos del grupo persa Niyaz están inmersos en persa, kurdo, afgano, palestino, y canciones populares turcos. Los arreglos contemporáneos en los teclados, electrónica, tambores y percusión se deben al talento Rizzo Carmen. Azam Ali es el vocalista, pero también toca la percusión santoor y variada. Loga Ramin Torkian juega saz, robab, kamaan, djumbush, la ALALC, guitarra y viola. Las composiciones impresionantes son modernizado, pero no tanto que se diluyen con adornos aburridos o barato. En cambio, el resultado es un enfoque atractivo, en movimiento, y amable oído a la música folk. El resultado popularizó no carece de encanto criollas. Sumud, que significa "firmeza" en árabe, es apropiadamente-titulado. Sumud asombrará, asombrar y aterrorizar-inspirar a todos los que la escuchan. ~ Mateo Forss



01. Parishaan 3:55
02. Sosin 3:36
03. Shah Sanam 4:41
04. Mazaar 5:41
05. Vafa 5:40
06. Dertli 4:17
07. Masooz 4:05
08. Rayat Al Sumud 3:21
09. Mahtaab 4:36
10. Arzusun 6:25


256 kbps + covers

NIYAZ - SUMUD

miércoles, 27 de marzo de 2013

Niyaz - Sumud Acoustic EP (2013) [Iran]


Niyaz’ six song acoustic EP features three acoustic performances of songs from the band’s 2012 electronic album SUMUD, as well as three brand new songs. Although Niyaz is dedicated to creating music which is a true hybrid of electronic and acoustic music, with roots in ancient cultures as well as the modern world, the acoustic performances and recordings play a crucial role in the process of reaching this goal. The emphasis on song structure and performance is the driving force behind the band’s music, which is why Niyaz have remained committed to presenting audiences with acoustic versions of songs from their albums.
The three new songs featured on the acoustic release are original songs composed by Niyaz. The instrumental track “Sahar”, is a piece written for Santour(Persian Hammered Dulcimer) and the Turkish Djumbush. It features a fiery duet performance between Azam and Loga on these instruments. “Naseem” features a duet between Azam’s voice and Niyaz percussionist and Flute player Habib Meftah Boucheri on his self-made flute playing a haunting melody. “Nalona” is a ambient journey through sonic landscapes created by Loga on Guitar Viol and Azam singing in a language of her own design.



1. Sahar 4:16
2. Nalona 5:15
3. Mazaar (feat. AR Rahman) [Acoustic] 5:52
4. Vafa (Acoustic) 6:12
5. Parishaan (Acoustic) 3:19
6. Naseem 4:45


320 kbps + covers

Niyaz - Sumud Acoustic EP

domingo, 24 de marzo de 2013

Catrin Finch - Crossing The Stone (UK 2003)


Although the Welsh harpist Catrin Finch is only 23 years old, she has already been able to get the status of a virtuoso musician worldwide. Catrin is the first female harpist to whom The Prince of Wales granted the prestigious, traditional position of The Royal Harpist in 2000, another Welsh celebrity Karl Jenkins asked her to become involved in making the previous Adiemus album, Adiemus IV - The Eternal Knot. In addition, HRH The Prince of Wales commissioned even more music from Karl, and the result was a double harp concerto based on a Welsh folk tune "Over The Stone". After the work was premiered in Wales in 2002, Karl Jenkins became a producer of her next album, composed some more music for it, and the album Crossing The Stone (Sony Classical (UK) SK87320, 2003) was born.

Stylistically the album is a rainbow of various musical styles, and in addition to the original compositions of Karl himself, he has also arranged some very interesting pieces for the album. Most of the double harp concerto movements have been included, as well as very fine and, more or less, modernised versions of some famous classical tunes. Catrin is accompanied by the Prague Philharmonic Orchestra, with Karl Jenkins as a conductor, but there are also pieces of solo harp included.
http://www.musicaldiscoveries.com/digest/digest.php?a=viewr&id=405



1. Mountain Dance
2. Harpers Bizarre
3. James
4. Crossing The Stone (Tros Y Garreg)
5. Prelude From Partita No. 3
6. Third Movement From Electric Counterpoint
7. Eternal Dream
8. The Arrival Of The Queen Of Sheba From Solomon
9. Cafe Vamp Latino
10. Spain
11. Buenos Aires Hora Cero
12. Clair De Lune
13. Prelude In C/Ave Maria
14. Thingamujig
15. Suo Gan
16. Palladio (1st Movement)

Crossing The Stone

sábado, 23 de marzo de 2013

Elis Regina - Elis [Brasil - 1972]

Elis Regina (1945 ~ 1982) é considerada por muitos a maior e melhor cantora de música brasileira. Contrariando a regra informal vigente desde o início do século XX, onde os grandes artistas eram provenientes do Rio de Janeiro, São Paulo e Bahia, Elis era do sul do país (Rio Grande do Sul) até então cenário desapercebido do mundo musical brasileiro.
Após uma breve carreira em Porto Alegre, “estourou” em São Paulo, em 1964/1965, nos famosos “Festival da Canção” (havia vários em um mesmo ano). Quem a viu cantando “Arrastão” (Edu Lobo), percebeu estar ali um diamante, ainda bruto, mas de muito brilho e valor.
Sua carreira foi meteórica, em dois anos (1967) já era considerada a maior cantora de música brasileira. Seu repertório inicial, essencialmente constituído de samba e canções românticas (o chamado “samba-canção”), paulatinamente foi se abrindo para outras influencias, como o jazz, o blues, o folclore e o rock. Em todos os estilos e fusões, um “banho” de interpretação.
Elis teve também a importante ação de dar oportunidade a novos talentos. Ela foi a primeira a gravar músicas de Milton Nascimento, Ivan Lins, João Bosco, Belchior, etc(querem mais???), além de regravar clássicos antigos da música brasileira, esquecidos na época da bossa nova.
Suas apresentações, sempre muito arrebatadoras e emotivas, freqüentemente a levavam (e o público também) às lagrimas.
Infelizmente Elis não suportou uma forte crise de depressão e nos deixou, prematuramente, em 1982, antes de completar 37 anos.
Mais informações: WIKIPEDIA - ELIS REGINA

MÚSICAS

01 – 20 anos blue
02 – Bala com bala
03 – Nada será como antes
04 – Mucuripe
05 – Olhos abertos
06 – Vida de bailarina
07 – Águas de Março
08 – Atrás da porta
09 – Cais
10 – Me deixa em paz
11 – Casa no campo
12 – Boa noite amor







ELIS REGINA 1972 (2013)

Robert Haig Coxon - Crystal New Age Stories


"Robert Coxon is undoubtedly one of the great composers reincarnated. If you are looking for a perfect blend of New Age and classical music, this is it! Coxon studied composition at McGill University in Montréal, Canada, and it shows. His skill as a composer is nothing short of mastery. He has achieved some of the most beautiful drop-dead gorgeous musical phrases I have ever heard. Coxon uses a combination of synthesizer and real instruments to create magnificent melodies with a lush symphonic background. All are calm, soothing and will unravel the tightest knots of stress. You'll fall in love with The Silent Path. Don't be surprised if you experience goose bumps and cleansing tears while listening to this incredible music. Highly Recommended!"
Karen Smith-Pearson, Overtones Magazine




Tracks:
01 - Sunny Holiday
02 - Sparkling Diamonds
03 - Soft Surf
04 - Winter Dreams
05 - Thru Clouds
06 - Garden of Peace
07 - Nature's Rebirth
08 - Oriental Wonders
09 - Special Memories
10 - Pure Quartz
11 - Inner Garden
12 - Romantic Shades
13 - Glass Pyramid

 Crystal New Age Stories

jueves, 21 de marzo de 2013

John McLaughlin - Molom - A Legend Of Mongolia


This McLaughlin album is a rare limited edition French release - soundtrack to a limited edition film "Molom - A Legend Of Mongolia". All this combination sounds a bit strange, so I almost missed that album. It could be a big mistake!

Album contains 22 compositions, only around half of them is McLaughlin pieces, all others are original Mongolian folk songs played and recorded very tastefully, with all acoustic mysticism possible!

McLaughlin plays acoustic guitar, mostly in short jazz-world fusion compositions, with scent of Eurasian atmosphere.

Usually I hate soundtracks, but this one is rare exception. Don't think about it as about soundtrack at all - it sounds much more as concept album heavily based on Mongolian folk music, but transformed and melted in organic mixture of old Eurasian deserts shamanism and tasteful influence of best modern acoustic fusion.

If you noticed, I can only name this folk ( or world) elements of this music as Eurasian. The reason is there is no Central Asian music, and there is not pure SE Asian folk, but unique mix of Russian and Chinese music components. And to be fully correct, The Mongol Folk Orchestra participated in recording was not from Mongolia, but from Russian town of Ulan-Ude. All this both together presents a very unusual and interesting world fusion.

I believe that this album will be a gem for any world fusion music fan, but can attract much wider listener circles as well. Not for jazz purists for sure!!!
Fuente:Amazon

John McLaughlin, guitar, guitar synthesizers;
Trilok Gurtu, drums, percussion;
with various Mongolian artists:
Oulan Oudè Choir, Inch Taven, Railway Culture Palace Orchestra, Mongol Folk Orchestra, The Opera Choir, Chogtu

01 Un Mani Padme Hum
02 Molom Theme Song 1
03 The Boy's Theme 1
04 Breakfast - Cave
05 The Four Seasons
06 Horses
07 Boudamchou
08 Little Girl's Theme 1
09 Cows in the Water
10 The Man Hunts
11 The Camel Walk
12 Hunting - Witch
13 The Boy Walks
14 Melody
15 The Dream of the Boy
16 The Boy Cries
17 Traditional Song
18 Introduction of the Boy to the Monk
19 The Little Girl Says Goodbye to the Boy
20 The Boy Leaves
21 National Song
22 Molom Theme Song End



A Legend Of Mongolia

miércoles, 20 de marzo de 2013

Te Vaka - Havili (2011) [Oceanía]




El séptimo álbum de Te Vaka no trae grandes sorpresas, pero entonces no lo necesita. Ellos han perfeccionado su sonido Pacífico Sur en un arte hermoso, con armonías cálidas y un montón de pasión, y los tambores de registro en todo (el didgeridoo en "Lalo Ma Lug", añade algunos terrenal primario real a la pista. Pero depende mucho de lo que en la percusión, y que recibe un entrenamiento adecuado en "Vevela." Gran parte del álbum es un recordatorio de lo bien que un compositor director de orquesta Opetaia Foa'i es, y sus habilidades se han desarrollado a lo largo de los años. Él crea melodías infecciosas, e incluso si usted no puede cantar en su idioma, que sin duda puede tararear y toque los pies. Hay un ambiente muy tribal a la llamada y la respuesta en "Logo Pate Te," por ejemplo. En el fondo son una banda acústica , pero hay una fuerte electricidad en los sonidos que hacen, las voces mezcladas brillante y adelantado para aprovechar las voces masivo. Su objetivo siempre ha sido hacer música para el Pacífico Sur, y en Havili que han hecho exactamente eso, en su propios términos. ~ Chris Nickson Es interesante mirar hacia atrás en el tiempo para el inicio del viaje de Te Vaka.

Mi derecho objetivo declarado desde el principio era hacer algo musicalmente para el Pacífico Sur.

Profundamente inspirado y de navegación en el temor de los logros de los antepasados, habilidades y cómo vivían, me puse a contar sus historias a través de canciones y bailes a las audiencias de todo el mundo.

El proceso de escribir canciones para estos álbumes ha sido un viaje fantástico y una experiencia emocional, llegó en una progresión natural a partir de el pasado, entonces moviéndose hasta la actualidad, y ahora me está tomando en el futuro.

Este es el séptimo álbum de Te Vaka y estoy muy orgulloso de lo que hemos logrado.

Quiero agradecer a todos los que, pasados ​​y presentes, que han ayudado a . remar la canoa muy emocionante e intenso

Honestamente puedo decir que me siento como el objetivo se ha alcanzado, la canoa ha llegado y mi trabajo está hecho. Opetaia Foa'i - compositor y cantante de Te Vaka






1 Havili
2 Taku uo pele
3 Luga ma lalo
4 Vevela
5 Logo te pate
6 Moemiti
7 Tu i fea
8 Taumalo
9 Lovely World
10 Tamaiti Uma
11 Manuia
12 Puketu
13 Kofu o lakau

320 kbps + folleto

TE VAKA - HAVILI

lunes, 18 de marzo de 2013

ORACION A LA VIDA - ( Versiones) Raúl Mercado-Angel Ritro - [ARGENTINA]




ORACION A LA VIDA


Es un himno de nuestra época, sobre todo para los seguidores y coleccionistas de

Los Andariegos.

Como siempre contamos con la ayuda incalculable del maestro Raúl Mercado a quien

agradezco eternamente su paciencia.


Gestación de la obra.


En el transcurso del 74 y cuerpeándole a los cuarenta, con los sueños destrozados

ante el inconcebible y sangriento golpe de estado en Chile, con Cacho Ritro comenzamos a

gestar una canción, ambos impulsados por la inconturnable utopía del artista comprometido

con su pueblo. Así fue surgiendo cual una plegaria de esperanza, de paz y de justicia,

esta canción que con el tiempo, ya lleva una decena de grabaciones.


En el año 74, Canal 11 de la Televisión Argentina programaba un Concurso de la Canción.

Decidimos con Cacho presentarnos con ese tema recién concebido, que titulamos “Oración

a la vida”. Ambos encorajeados por los sucesos obtenidos en los concursos de la canción

programados por el Festival de Cosquin, en donde en 1972, Cacho Ritro ganó el primer

premio con la milonga “El Potro Mario”, sobre texto del Poeta de Ramallo, Leonardo

Castillo, interpretada por Cesar Isella, y yo era seleccionado con dos temas en 1973 :

“La Trunca Norte” , con música de Oscar Alem, interpretada por Los Huanca-Hua, y “Hacia

el surco”, con poema de Roberto Margarido, por Los Andariegos.


Tuvimos la suerte de ser seleccionados. Relataré algunos detalles importantes del transcurso

de dicho concurso. Uno de los temas seleccionado venía perfilado de ser como el ‘caballo

del Comisario’. Interpretado por un duo muy en voga en esos momentos y sus autores eran de

mucho peso, uno de ellos, co-autor de una canción conocida internacionalmente y el otro,

miembro de SADAIC.

Nuestra canción, representada por el joven y prometedor cantor José Angel Trelles, llegó

a la fase final.

La confrontación resultó de una inolvidable emotividad.

La decisión era tomada por el voto de los oyentes, mas el voto calificado de cinco

personalidades, disponiendo cada uno de ellos de cinco votos a su poder .


Una Sra. Miembro de jurado, conocida escritora y periodista, criticó Oración a la

vida por utilizar la frase: “Hablar de tí”. Argumentando que no era usual en la

canción popular ese tipo de expresión. Yo le respondí que mi padre era maestro

de escuela rural en los llanos de la Rioja y que nos trataba de ‘Tu’ . También dijo

no conocer la palabra: “espigó”. El gran Poeta Hamlet Lima Quintana, uno de los

miembros del jurado, replicó que “Era necesario cruzar la General Paz para conocer

el sentido de la expresión ‘espigar’…”


Todo indicaba que el triunfo de la canción ’favorita’ era inevitable, y cerca del

final, nuestro tema estaba con cuatro votos de retardo. Llegado el turno de la

votación de Hamlet, con su bella voz henchida de profunda convicción: expresó ;

« Sin lugar a dudas, mis cinco votos son para Oración a la vida! »

Ante la algarabía de todos nuestros amigos, ganamos el Concurso

por un voto de diferencia!


Raúl Mercado



A la cofradía Andariega, que me ayudó a recopilar versiónes (Andres Gomez - Piri Araoz - Carlos

Groisman - Alberto Rotolo)


www.losandariegos.dx.am

www.raulmercado.dx.am


A toda la Cofradía de Voces de la Patria grande.

http://vocesdelapatriagrande.blogspot.com.ar/


Se adjuntan, Partituras originales,una para voz y guitarra adaptada para José Angel Trelles.

a 6 voces realizada por Andres Gomez,letra en Frances,a pedido de (Angel Ritro)


Con mi admiración de siempre a Los Andariegos - MARIA ANTONIETA


TEMAS


01 - Oración a la vida - LOS ANDARIEGOS

02 - O. la vida- Perla Aguirre) Arreglos y dirección Pepete Vertis

03 - O. a la vida- Graciela Susana

04 - O. a la Vida-Grupo IIuman

05 - O. a la vida-Grupo Sur

06 - O. a la vida-Jorge Rojas

07 - O. a la vida - Roberto Guiet 2009

08 - O. a la vida - A.Piri Araoz

09 - O. a la vida (Hablar de ti)-Quimera

10 - O. a la vida Nahuel (Carlos Porcel de Peralta) y Alberto Caleris

11 - O. a la vida-R.Mercado-Flute indienne R.Lopez-D Loustau-H-Guerra

12 - O.A LA VIDA Los Andariegos en vivo en un asado en Río IV, Córdoba (1976).

13 - O.A LA VIDA R. Mercado-Vivo-con amigos- Francia solo con la guitarra

14 - O. a la Vida-Midi-arreglo 2-10-12 Por R. Mercado-para José Angel Trelles




DESCARGAR Oración

domingo, 17 de marzo de 2013

Kirsten Braten Berg - From Senegal to Setesdal


De Senegal a Setesdal combina la calidez africana y el frio nórdico en una colaboración única. La vocalista Noruega Kirsten Braten Berg y los solistas africanos Solo Cissokho y Sereba Kouame mezclan sus tradiciones en un sonido fresco y atemporal que va desde canciones populares para violín hasta melodías de canciones de cuna.
Aunque predomina el sonido de Noruega, África sigue siendo la especia suficiente para que De Senegal a Setesdal sea un híbrido sin estudiar.
Kirsten Braten Berg tiene una de las más bellas, voces puras del planeta, y vaya que si suena bien enmarcado por la magnífica kora y percusión africana proporcionada por sus colaboradores. Una experiencia encantadora, divertida de escuchar, hermosa que demuestra que la música es realmente el lenguaje universal

Kirsten Braten-Berg, Bjorgulv Straume (vocals, mouth harp);
Solo Cissokho (vocals, kora);
Kouame Sereba (vocals, mouth-bow, djembe).




From Senegal to Setesdal
Saludos!!...fulca..

sábado, 16 de marzo de 2013

V.A. - China Lounge - Feat Shanghai Divas


La sabiduría, la iluminación y el calor de las antiguas culturas de Asia se combinan bien con arreglos innovadores y productivos.
Más que nunca los sonidos asiáticos están anclados en lo que llamamos música de club occidental. El creciente movimiento de los inmigrantes en Europa y América traen los sonidos tradicionales del sudeste asiático a las culturas occidentales. Estos sonidos se mezclaban con vibraciones de escenas populares de clubes locales. Esto resultó un triunfo global de estilos de nuevo desarrollo, los sonidos orientales se integran en su cosmos y lo llevan a la pista de baile. Red Buddha se convirtió en uno de los cazadores más importantes y coleccionistas de esta música y también un productor fantástico, en la compilacion de "China Lounge", pone su amor por Asia.



01. Bai Kwong - Waiting 4 You (5:40)
02. Dubdiver - Night Tides (6:22)
03. The Shanghai Restoration Project - Pudong New District (4:42)
04. Li Xiang-Lan - Plum Blossom (2:58)
05. Red Buddha - White Bamboo (6:55)
06. Remix By Ian Widergy - Remind Me (4:35)
07. Sow Keng Poon - Lover's Tears (5:47)
08. TMSK Ensemble - Jade Love (2:57)
09. The Shanghai Restoration Project - Miss Shanghai (3:16)
10. Remix By Ian Widergy - Let Your Bird Free (6:37)
11. Linda Wong - Tongli Water Garden (6:28)
12. TMSK Ensemble - Yi's Dance (6:13)
13. Red Buddha - Spirit Of Ladakh (6:30)

viernes, 15 de marzo de 2013

Flamenco Patrimonio de la Humanidad (2011) [España]





Flamenco: Patrimonio de la humanidad es un Disco-Libro con cuatro CD (69 canciones). Difícilmente se puede reunir en un álbum un elenco de artistas flamencos de semejante categoría, amplitud y diversidad estilística y generacional. Antes de seguir, la mejor demostración de la enorme calidad y representatividad del álbum es la relación de los artistas que aparecen.


Son:

Enrique Morente, Paco de Lucía, Camarón, Manolo Sanlúcar, José Mercé, Miguel Poveda, Carmen Linares, Mayte Martín, Cañizares, Remedios Amaya, Estrella Morente, Dieguito el Cigala, Tomatito, Manolo Caracol, Arcángel, Juan Habichuela, Chano Lobato, Chano Domínguez, Manuel Soto “Sordera”, Fernanda y Bernarda de Utrera, Chocolate, Porrina de Badajoz, La Paquera de Jerez, Pericón de Cádiz, Diego Carrasco, Esperanza Fernández, Rancapino, El Lebrijano, Sandra Carrasco, Ketama, Lole y Manuel, Pata Negra, Tomasito, Alba Molina, Dorantes, Antonio Rey, Juanito Villar, Víctor Monge “Serranito”, Juanito Valderrama, Rafael Farina, Sabicas...


El Libro-Disco Flamenco: Patrimonio de la humanidad se publica para celebrar este acontecimiento y contiene una parte fundamental de la historia del flamenco de todos los tiempos, del más antiguo al más evolucionado. Más de 30 estilos diferentes y algunas de sus variantes junto a “encuentros naturales” con otras músicas hermanas para un álbum que reúne a las grandes figuras, las más mediáticas: Enrique Morente, Camarón, Paco de Lucía, José Mercé, Miguel Poveda, Estrella Morente, Carmen Linares… A su lado, la pureza primitiva del cante representada por La Paquera de Jerez, Bernarda y Fernanda de Utrera, Caracol, Pericón, Chano Lobato, Chocolate, Rancapino o El Lebrijano, para llegar a la última y magnífica hornada representada por Sandra Carrasco.


Lo mismo pasa con los guitarristas, y ahí están desde maestros antiguos como Sabicas a la generación de Juan Habichuela y Serranito para llegar a Manolo Sanlúcar, Tomatito o Cañizares y terminar en novísimos como Antonio Rey. Y de los que llevaron y llevan el flamenco por otros cauces, qué decir de Pata Negra, Ketama, Tomasito, Diego Carrasco, Lole y Manuel, Chano Domínguez…


Es un abanico completo del universo flamenco del ayer al hoy, un paseo enriquecedor por los diferentes cantes, estilos, voces, quejíos, épocas… Y para que esta inmersión en el mundo flamenco sea completa, los cuatro CD llegan acompañados por un libro de más de 40 páginas que contiene declaraciones de artistas y personalidades con sus impresiones de la incorporación del flamenco a la lista de Patrimonio Inmaterial de la Humanidad; un texto sobre la historia del flamenco que incluye referentes literarios; una muy documentada cronología desde 1847 hasta nuestros días con amplia información sobre los artistas, los discos y los acontecimientos más significativos; una clasificación de estilos y cinco patrones rítmicos con gráficos de fandangos, soleá, bulería, seguiriya y guajira; bibliografía y páginas web relacionadas con el tema…





FLAC + ARTWORK


CD 1 - 443,68 MB


CD 2 - 446,06 MB


CD 3 - 407,68 MB


CD 4 - 409,43 MB


ARTWORK - 53,96 MB

jueves, 14 de marzo de 2013

The Souljazz Orchestra - Solidarity

Subido por Marhali.

The Souljazz Orchestra es un grupo multicultural canadiense, creado en Ottawa, que lleva más de una década perfeccionando su característico sonido: una explosión de percusión de soul, jazz, afro, ritmos latinos y caribeños, respaldado por un arsenal de teclados al estilo analógico de los años 60 y 70 del siglo XX.

Solidarity (2012) es su último trabajo (después de su estupendo Rising Sun de 2010) realizado por el sello británico Strut Records. En él participan un rango único de artistas conectados con el grupo a través de la vibrante escena underground canadiense, procedentes de una variedad de orígenes, desde Senegal a Brasil y Jamaica, que catalizan el intercambio artístico y permiten al grupo mantenerse arraigado a tradiciones musicales a la vez que amplian los límites de los estilos soul, jazz, reggae, tropical y afrobeat (reinterpretando cada género como nunca se haya escuchado con anterioridad) unificado por un mensaje subyacente de cambio social e interculturalidad.

Unos ritmos emocionantes, inclasificables, con la rara habilidad de saltarse todos los clichés de la fusión musical.

Personal:
Zakari Frantz (Alto Sax, Percussion, Vocals)
Ray Murray (Baritone Sax, Percussion, Vocals)
Steve Patterson (Tenor Sax, Percussion, Vocals)
Pierre Chrétien (Keyboards, Percussion, Vocals)
Philippe Lafrenière (Drums, Percussion, Vocals)
Marielle Rivard (Percussion, Vocals)

01. Bibinay (feat. El Hadji "Élage" M'Baye)
02. Kelen Ati Leen
03. Cartão Postal (feat. Rômmel Teixeira Ribeiro)
04. Ya Basta
05. Jericho
06. Serve & Protect (feat. El Hadji "Élage" M'Baye)
07. Conquering Lion
08. Kingpin
09. Tanbou Lou
10. Nijaay
Solidarity

domingo, 10 de marzo de 2013

Armand Amar - Bab Aziz [BSO]


Armand Amar - Bab Aziz
El Principe que Contemplaba su Alma

Sobre un desierto avanzan dos figuras, una niña llamada Ishtar y su anciano abuelo ciego, un sufí llamado Bab'Aziz. Buscan la gran reunión de derviches  que tiene lugar cada treinta años en un sitio desconocido al que se llega con fe y escuchando el silencio del desierto.

El abuelo entretiene a su nieta contándole cuentos, como el del príncipe que se pierde en el desierto y se convierte en derviche tras contemplar en el agua su alma. Abuelo y nieta se cruzan en el desierto con Osman, que sufre por volver a ver a una bella mujer que encontró una vez en el fondo de un pozo; y con Zaid, cuyo canto hizo que recuperara la belleza que había perdido.
http://es.wikipedia.org/wiki/Bab%27Aziz,_el_sabio_suf%C3%AD




Poema de los Atomos
Oh día, despierta! Los átomos bailan.
Todo el universo baila gracias a ellos.
Las almas bailan poseidas por el éxtasis.
Te susurraré al oido... a donde les arrastra esta danza.
Todos los átomos en el aire y en el desierto... sabes, parecen locos.
Cada átomo, feliz o triste... está encantado por el sol.
No hay nada más que decir.


El director Nacer Khemir ha creado un poema sobre las arenas de Irán y Túnez que intensifica su conmovedora lírica con la maravillosa banda sonora de Armand Amar.

Musique Armand Amar
1. Maryam
2. Bab Azîz
3. Poem Of The Butterflies
4. Salvacci Denducci Pace
5. Zikr
6. Poem Of The Atoms
7. You Created The Night, I Made The Lamp
8. Ishtar
9. Song Of The Red Dervish
10. Poem Of The Atoms
11. Dream Of The Palace
12. The Wedding

 Bab Aziz

viernes, 8 de marzo de 2013

Nor Dar - Opus of the Lizard [Armenia]


En este grupo hay una gran armonia entre la musica tradicional Armenia, con toques de jazz y una formacion clasica. Kora alma de este grupo, compositora y arreglista, tocaba el piano desde los 5 años y tuvo una educacion clasica ti­pica del sistema sovietico, haciendolo con extraordinaria brillantez. La corta carrera de este grupo se desarrolla en Grecia y su primer trabajo fue Opus of the lizard, dedicado a Soghomon Soghomonian padre de la musica Armenia.

Su segundo album fue Ampel'a junto con musicos indios y la fantastica cantante Lakshmi Shankar , muy interesante musica donde se funden instrumentos tradicionales de dos pai­ses muy diferentes con el talento de Kora y una forma de cantar hindu de unos 1500 años de antiguedad. Su ultimo CD fue Letters home donde aparece, bajo mi punto de vista, la gran calidad de sus composiciones y su clara formacion clasica. Kora murio el año pasado debido a una grave enfermedad, una gran perdida para la musica . Nadie puede imaginar donde hubiera llegado aunque tambien es verdad que nadie casi la conoce.



En su primer álbum NOR DAR (Tigran Sarkissian, Kora Michaelian, Orestis Moustidis) nos dan una singular muestra de expresión musical contemporánea. El álbum está dedicado a Komitas, el hombre que trabajaba tediosamente a través de su vida, con el fin de recoger y guardar la tradición musical de Armenia. NOR DAR tiene la oportunidad de dar una nueva brisa a su tradición musical, enriqueciéndola con el jazz-fusión. El clásico fondo de Kora Michaelian y su canteo de jazz, le da la oportunidad de expresar en una lengua moderna los interminables canciones melódicas que ha planteado. El álbum "OPUS OF THE LIZARD 'ganó en 1998 el premio a la mejor cubierta del álbum (obra de Alexandros Kaloutas), con una especial referencia a los arreglos musicales de la banda, desde el Comité Internacional de la música armenia Awards (Los Angeles, EE.UU.)

Tracks
1. Alagioz
2. Sari Sirun
3. Kaghanem Anum
4. Chinares
5. Harsi berd
6. Hov Arek
7. Dance
8. Apricot
9. Hoinazan
10. Nazan
11. Alagiaz
12. Berd
13. Chinares II
14. Shurma

Opus of the Lizard

miércoles, 6 de marzo de 2013

Cesaria Evora - Mae Carinhosa (2013) [Cabo Verde]





Disco de temas inéditos, recogidos de descartes de otros discos o de actuaciones en directo de temas no publicados que ha salido después de un año de la muerte de la gran cantante caboverdiana.

Cesaria Evora’s velvet-and-grit voice flowed from her humble beginnings and from her striking intuition for interpretation. Evora put Cape Verde and its characteristic musical form, the bluesy and bittersweet morna, on the global map. When she passed late in 2011, the world lost one of its most distinctive artists.

From her career as a bar singer in the Cape Verdean city of Mindelo to her triumph on Europe’s foremost stages, Evora kept her trademark style. Engaging but never pandering, she managed to woo the world, often performing with no shoes to earn the name “the barefoot diva.” Over the course of eleven studio albums, Evora and her close collaborators—including producer and longtime champion Jose da Silva—gathered a plethora of high-quality performances, songs that worked on their own but didn’t quite fit on a particular album. Now these gorgeous, characteristically subdued yet passionate tracks are finally seeing the light, with Mãe Carinhosa (Mother Affection, Lusafrica; March 5, 2013).

With exquisite instrumentation behind her, Evora’s voice sounds as fresh and melancholy, as sweet and heartfelt as ever. With songs by Evora’s favorite songwriters and with cameo appearances by musicians like Manu Dibango (who plays marimba on “Esperança”), Mãe Carinhosa draws on Evora’s love for mornas (the lush “Dor di Sodade”) and rollicking coladeras (“Tchon da Franca”), for wry lyrics (the almost goofy but instructive culinary mix up in “Cmê Catchôrr”) and deep emotion (the touching “Mãe Carinhosa“).




Tracklist:

01. Sentimento (5:01)

02. Tchon De França (4:32)

03. Mae Carinhosa (3:42)

04. Dor Di Sodade (5:55)

05. Talvez (4:17)

06. Dos Palavras (2:39)

07. Essencia D'Vida (4:40)

08. Quem Tem Odio (2:23)

09. Cabo Verdeanos D'Angola (4:56)

10. Emigue Ingrote (3:26)

11. Esperança (3:38)

12. Cme Catchorr (2:48)

13. Nos Cabo Verde (5:16)

14. Campiao D'Parodia (3:35)

nota: en realidad en todos los sitios de ventas viene como formado por 13 temas, pero en todos los sitios dónde he mirado en internet viene para descargar con 14 temas. que cada uno decida si quitar el último tema o dejarlo como está.

320 kbps + covers

CESARIA EVORA - MAE CARINHOSA

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CESARIA EVORA - MAE CARINHOSA

martes, 5 de marzo de 2013

John Martyn - One World [Uk- Folk]


La carrera de John Martyn empieza en 1967 cuando lo descubre Chris Blackwell y lo ficha para la discográfica Island Records, siendo el primer cantante blanco de la casa.2 Ese mismo año edita su primer álbum London Conversation.

En 1969 se casa con Beverley Martyn (Kutner de soltera), con quien publicará dos álbumes bajo el nombre de "John & Beverley Martyn" (Stormbringer! y The Road to Ruin), hasta que su discográfica le obliga a abandonar esta colaboración y continuar su carrera en solitario. Finalmente se divorciarán en 1979.

Martyn siempre fue un innovador, lo que le llevó a experimentar con sonidos como el Delay en su álbum Bless the Weather, el primero publicado tras abandonar el dúo con su esposa.

Publica el álbum Solid Air en febrero de 1973, dedicado a Nick Drake que se encontraba sumido en una profunda depresión (cantautor de folk inglés). En este largo explora por primera vez el jazz, con la colaboración esencial de Danny Thompson al contrabajo, Tristan Fry al vibráfono y John "Rabbit" Bundrick con el piano electrónico, y por supuesto, el propio Martyn a la guitarra acústica.

Tras la muerte de sus amigos Nick Drake y Paul Kossoff (guitarristas de Free), y cansado de la industria discográfica, decide tomarse un año sabático en Jamaica, alrededor de 1975, tiempo que aprovecha para colaborar con grupos como Burning Spear (Man in the Hills, 1976).

Vuelve de Jamaica cargado de ideas que le llevan a One World, LP cargado de canciones románticas, donde participan amigos como Steve Winwood, que en esos momentos iniciaba su carrera en solitario tras abandonar Traffic; también colaboran Rico Rodriguez, con un impresionante solo de trombón, Jon Field (Jade Warrior), Dave Pegg y Danny Thompson.
http://es.wikipedia.org/wiki/John_Martyn



 John Martyn - vocals, guitar, harmonica
John Field - flute
Steve Winwood - bass, electric piano, Moog synthesiser
Dave Pegg - bass
Neil Murray - bass
Andy Newmark - drums
Morris Pert - percussion
Harry Robinson - strings
Hansford Rowe - bass
Bruce Rowland - drums
Kesh Sathie - tabla
Danny Thompson - bass
John Stevens - drums
George Lee - saxophone
Rico Rodriguez - trombone

    "Dealer" – 4:58
    "One World" – 4:10
    "Smiling Stranger" – 3:29
    "Big Muff" (Martyn, Lee Perry) – 6:30
    "Couldn't Love You More" – 3:07
    "Certain Surprise" – 3:52
    "Dancing" – 3:43
    "Small Hours" – 8:45

 One World

lunes, 4 de marzo de 2013

Franco & Le TPOK Jazz - Francophonic (2008) [Zaire] (2x2cd)




As his recording career stretched over about 35 years and more than 150 albums, it would be impossible for any Franco compilation, even a two-CD one, to give but a taste of his overall work. If you're willing to accept the limitations inherent in a two-CD set for such a prolific artist, however, Francophonic does a pretty good job of both assembling highlights from his discs and providing some sort of outline to his musical evolution. It samples from numerous eras over the course of its 28 tracks, spanning the years 1953-1980 and lasting a good two and a half hours. In some ways it reflects the changes in African popular music as a whole during this period. It almost sounds a little like a light fusion of Latin and jazz influences in its early rhumba-like tunes, growing toward a more steadily rhythmic and ebullient Zairian sound by the end of the '60s, and stretching out into far longer groove-oriented pieces on the '70s recordings that take up most of disc two. It's important to remember, however, that guitarist-songwriter Franco was not simply following trends, but was among the most prominent initiators of these developments in African music. The cluster of recordings from the early '70s on this set seem to be the ones in which he both cements his musical vision and lays down some of his best tracks, particularly in the more haunting tunes that include some call and response vocals, and the tougher outings that contain some of his most forceful guitar work. The 48-page booklet presents an historical overview of his life and music (in both English and French), though some might find it frustrating that more thorough discographical information beyond the original years of release isn't included. It can be a little confusing for Franco newcomers in particular to get a handle on the personnel he used as well, though to be fair to the compilers, discographical data is hardly an easy thing to acquire for African recordings of this vintage, and the booklet does list years of service for many of the singers and musicians with whom Franco played in his bands.


VOLUMEN 1

CD1

01. Esengo Ya Mokili

02. Tika Kondima Na Zolo

03. Anduku Lutshuma

04. On Entre O.K., On Sort O.K.

05. Tcha Tcha Tcha De Mi Amor

06. Mosala Ekomi Mpasi Embonga

07. Sansi Fingomangoma

08. Bato Ya Mabe Batondi Mboka

09. Bazonzele Mama Ana

10. Bolingo Ya Bougie

11. Ku Kisantu Kikwenda Ko

12. Tozonga Na Nganga

13. Annie Ngai Nalinga

14. Marie Naboyi

15. Boma L'heure

16. Nzube Oleka Te

17. Likambo Ya Ngana

18. Infidelite Mado


CD2

01. AZDA

02. Mambu Ma Miondo

03. Minuit Eleki Lezi

04. Mabele

05. Kinsiona

06. Alimatou

07. Cherie Bondowe

08. Liberte

09. Lisolo Ya Adamo Na Nzambe

10. Nalingaka Yo Yo Te





Franco spent the final decade of his career mostly in exile, overseeing his franchise. A national treasure in Zaire (he was to the former Belgian Congo roughly twice what Springsteen is to Jersey), he lived in Paris for a good deal of the 1980s, as he fell in and out of favor with Zaire's dictator Mobutu Sese Seko. His group Tout Puissant ("The Almighty") OK Jazz-- a dance band, not a jazz band-- had one cluster of members based in Brussels, another back home in Kinshasa. They marked their 25th anniversary with a series of four albums, and followed that up with a "just like old times" collaboration with their former singer Sam Mangwana, then a "we're buddies despite our differences" collaboration with Franco's longtime professional rival Tabu Ley Rochereau.


That all sounds like a recipe for tepid cash-ins, right? But this 2xCD sequel to the first Sterns anthology of Franco's recordings (which covered 1953-1980) is thunderbolts and fireworks, start to finish. Maybe it's just canny song selection by compiler/annotator Ken Braun, who boiled down the dozens of albums Franco released in the 1980s to these 13 songs, but it sure sounds like the final quarter of TPOK's career was its best, which would make them close to unique in pop history.


That may be because they operated on a different model from most bands. Franco was the guy who ran the show, and a superb musician (his chiming, flickering guitar parts defined soukous as much as Jimmy Nolen's defined funk), but he was only one of many guitarists in the group, one of many songwriters, and one of many singers (far from the smoothest). The band needed Franco-- they imploded after his 1989 death, at 51, of what nobody's quite willing to say for sure was AIDS-related causes-- but they were a lot more than just sidemen. "Tokomo Ba Camarade Pamba", the glorious opener here, flutters along Francolessly for its first couple of minutes, stacking up interlocking guitar figures and sinuous vocal harmonies; then the boss's gruff voice lurches into the mix a second before the horns kick in and the whole thing achieves liftoff.


The excellence of '80s TPOK Jazz also had a lot to do with the band's shift, a few years earlier, from 45s to LPs. Soukous songs are meant to stretch out: the sebene that was a feature of a lot of Franco's best numbers is less a jam or a rave-up than a good bit that goes on for a while with limited variation. Of the 13 tracks on these two discs, only three are under 10 minutes long. "Bina Na Ngai Na Respect", written and sung by Ntesa Dalienst, is a brief, stately stroll followed by 15 minutes of spark-spitting dance-floor blowout. 1985's "Mario", arguably Franco's greatest hit, is an all-sebene hipshaker on which he and Madilu Bialu sing in the character of a widow with a moocher for a boyfriend-- its functional Anglophone equivalents are probably UTFO's "Roxanne, Roxanne" (who might they be talking trash about?) and the Velvet Underground's "What Goes On" (just keep playing that riff forever, please).


Mostly, though, the late-period work collected here is a joy because Franco was perpetually pushing his band toward the future, almost always with excellent results. (The embarrassingly dated synth-drums on "Pesa Position Na Yo" are a rare exception.) These songs are formally riskier than most musicians with a catalog as successful as his would ever dare, and there's a wonderfully mischievous streak to them. The prettiness of TPOK Jazz's records was often threaded with rage and indignation, and the last couple of songs here understandably address mortality face-on, but even in his darkest moments Franco treated moving the crowd as a sweet responsibility.


VOLUMEN 2

CD1

01. Tokoma Ba Camarade Pamba

02. Bina Na Ngai Na Respect

03. Sandoka

04. Princesse Kikou

05. Nostalgie

06. Cooperation


CD2

01. Suite Lettre No.1

02. Missile

03. Pesa Position Na Yo

04. Kimpa Kisangameni

05. Mario

06. Testament Ya Bowule

07. Sadou





FLAC+ARTWORK

VOLUMEN 1

VOL1CD1

VOL1CD2

ARTWORK VOL1


VOLUMEN 2

VOL2CD1

VOL2CD2

ARTWORK VOL2

sábado, 2 de marzo de 2013

The Rough guide of Senegal (2013) [Senegal]



Among the fabled sounds of West Africa, Senegal is a land of musical giants. This Rough Guide includes a roll call of the legends; Baaba Maal, Cheikh Lo, Orchestra Baobab, Ismael Lo and a young Youssou N'Dour all feature alongside contemporary sounds from the rootsy kora of griot Diabhel Cissoko to the cutting edge Sister Fa.

Bonus CD: Daby Balde - ‘Introducing Daby Balde’

Daby Balde is one of Senegal's best-kept musical secrets, long celebrated at home and now exploding on to the international scene. His stunning arrangements are based on his Fula traditions from the south of the country and feature the fiddle, accordion and flute alongside the more familiar West African sound of the kora, acoustic guitar and percussion. With strikingly rich and beautiful melodies, captivating vocals and a repertoire that ranges from euphoric to melancholic, Daby Balde is a West African star on the rise.




THE ROUGH GUIDE TO THE MUSIC OF SENEGAL

CD1:

1. Cheikh Lo - Jamm

2. Orchestra Baobab - Ami Kita Bay

3. Mansour Seck - Ndiatigue

4. Sister Fa - Amy Jotna

5. Nuru Kane - Bayil (Violin Mix)

6. Fallou Dieng - Weex Bet

7. Etoile De Dakar Feat. Youssou N'Dour - Thiely

8. Baaba Maal - Baydikacce

9. Africando All Stars Feat Thione Seck - Sey

10. Ousmane Hamady Diop And Mansour Seck - Soukabe Leydam

11. Amadou Diagne - Diamano

12. Diabel Cissokho - Senegal-Mali

13. Ismael Lô - Talibé


CD2:

1. Mamadiyel

2. Heli

3. Kaye Waxma

4. Tamania

5. Waino Blues

6. Sora

7. Mbadi

8. Halaname

9. Fouladou

10. Douna

11. Hakurujamane

12. Mbeugel

13. Mido Waino

320 kbps + covers

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viernes, 1 de marzo de 2013

Fela Kuti with Ginger Baker - Live [Africa-Uk]


Live! es un álbum grabado en 1971 por la banda de Fela Kuti Africa 70, con la adición del ex baterista de Cream Ginger Baker en dos canciones. Fue lanzado en 1971 por EMI en África y Europa, y por Capitol / EMI en los Estados Unidos y Canadá. Fue reeditado en CD por Celluloid en 1987 y fue reeditado en CD en formato remasterizado por Barclay con un bonus track de 1978.

Baker con Kuti viajó a África en un Land Rover para aprender acerca de los ritmos del continente. El bonus track en la reedición Barclay CD incluye un dueto de tambor de 16 minutos entre Baker y el baterista Tony Allen de África 70 grabado en el Festival de Jazz de Berlín 1978.
Wikipedia...



Fela Kuti (vocals)
Ginger Baker (vocals, drums)
Peter Animashaun (guitar)
Igo Chiko (tenor saxophone)
Lekan Animashaun (baritone saxophone)
Tunde Williams, Eddie Faychum (trumpet)
Maurice Epko (bass)
Tony Allen (drums)
Henry Koffi, Friday Jumbo, Akwesi Korranting (congas)
Tony Abayomi, Isaac Olaleye (percussion)



01 Let's Start - 8:06
02 Black Man's Cry - 12:12
03 Ye Ye De Smell - 13:55
04 Egbe Mi O (Carry Me I Want To Die) - 12:37
Bonus track :
05 Ginger Baker and Tony Allen Drum Solo - live 1978 (Fela Kuti, Ginger Baker, Tony Allen) - 16:21

Fela Kuti with Ginger Baker - Live
publicado por fulcanelli 

Shao Rong - Orchid [Japon]


 Shao Rong nació y se crió en Shanghai, China. Durante los últimos 12 años, ha residido en Japón - en la actualidad, Tokio.  Ella esta acompañada en Orchid por una colección internacional de músicos:

Jian Xiao Qing (guzheng, cítara china de 21 cuerdas),
Jia Peng Fang (erhu, 2-string laúd tocado con un arco),
Ming Wang Jun (dizi, flauta china pequeña),
Yukihiko Mitsuka (shakuhachi,flauta de bambú japonesa),
Hitoshi Watanabe (bajo),
Kiyotsugu Amano (guitarra)
Naoyuki Onda (piano).



Shao Rong está en ese punto de equilibrio donde la tradición musical de su pais es asequible a todos, fusionando en una serie de composiciones propias la tradición musical china con arreglos occidentales. Aunque su formación es clasica y centrada al principio en el piano, ella se centró pronto en el laud chino, instrumento, como podemos escuchar en el disco, tañe a la perfección.

Los temas son muy agradables tanto para centrarnos en su audición como musica de fondo, y destacan por la conjunción de melodias con instrumentos tradicionales con un piano muy occidental y, a veces, guitarra y bajo.



Orchid, el CD de debut como solista de la artista china Shao Rong, es uno de los discos instrumentales más bellos que he escuchado en mucho tiempo.  Shao Rong es conocida en el Lejano Oriente, por su habilidad tocando la pipa, o laúd chino.  Tiene forma de lágrima, este instrumento de cuerda ha venido evolucionando en diversas formas, tanto en China y Japón durante más de 2.000 años. "Aunque de forma similar, el laúd japonés es más ritmico y orientado se toca con una selección en forma de abanico, mientras que el instrumento chino insiste en la melodía y se toca con los dedos que están cubiertos con clavos especiales, según el material de promoción incluido en el álbum. a los oídos occidentales, la pipa puede parecer una mandolina o un banjo, o algo completamente diferente dependiendo de cómo se escuche.

01. Wild Rose
02. Bamboo Dance
03. Precious Moon (From"Yue Er Gao")
04. True Love
05. A Day Goes By
06. The Land Of Woods And Waters
07. Unicorn
08. Marketplace
09. One More Tale
10. Wild Rose (Reprise)

 Orchid Ape+Covers

publicado por fulcanelli

Shao Rong - Orchid 2 [Japon]


En este, su segundo álbum, Shao Rong vuelve a demostrar su dominio del laúd chino. "Orchid" es una obra maestra. Su melodía, compuesta por la pianista Missa Johnouchi, es una reminiscencia de la musica Europea. Por el contrario, "Desert Flowers" tiene un sabor distintivamente asiático.

Hay dos piezas con voces - "Vía Láctea" y "Dreaming" en la que Shao Rong canta una letra que ella misma escribió. En China, los musicos del laúd no cantan mientras tocan. Esta grabación es el primer intento de Shao Rong en este estilo y estaba un poco una vacilante al principio. Ella admite ahora que estas dos piezas se han convertido en sus favoritas.

Shao Rong con el método de trémolo crea sonidos que brillan como gemas preciosas que se derraman fuera de la caja del tesoro. Estas notas brillantes del laúd chino junto con los instrumentos de tipo occidental como el violín y el piano, transforma la imagen convencional de este instrumento.
Pacific Moon



01. A Tropical Island
02. Eastward Journey
03. A Song of Lilies
04. Milky Way
05. Qingdao Breeze
06. Desert Flowers
07. Orchid
08. Dreaming
09. Early Spring
10. A Tropical Island (Reprise)

Orchid 2 Ape+Covers

Publicado por fulcanelli...