viernes, 28 de marzo de 2014

Malena Muyala - Temas Pendientes (1998) + Viajera (2007)


Malena Muyala (23 de marzo de 1971, San José de Mayo) cantante y compositora uruguaya de tango, valses, milongas y milongones. Una de las principales voces femeninas de Uruguay.
Muyala nace en Uruguay en Departamento de San José donde transcurre su infancia y parte de su juventud. El ámbito familiar, especialmente su abuela, siempre fomentaron el gusto por la música y el teatro.
En el año 1997 presenta ante el Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay su proyecto "Malena, tanto tango y tanto amor" que es seleccionado entre 70 propuestas para realizar una gira a nivel nacional. Un año después graba su primer disco compacto dando inicio a su carrera discográfica. Desde ese año hasta la actualidad se ha dedicado de forma continua y constante a su carrera artística que la ha llevado a realizar diversas presentaciones nacionales e internacionales, siendo reconocida por diversas distinciones y convirtiéndose en una artista multipremiada.

En el año 2000 graba su segundo Disco "Puro Verso". Seguido por "Viajera" en el 2007, el cual obtiene el reconocimiento de Disco de Oro
http://es.wikipedia.org/wiki/Malena_Muyala

 

miércoles, 26 de marzo de 2014

Habib Koité - “Soô” (2014) [Mali]





Encomiable, una vez más, el esfuerzo de Habib Koité por proclamar unos valores sociales de paz, convivencia y armonía en el tan castigado Malí. Especialmente en el Oeste africano son los músicos los que detentan ese “servicio social”, ese papel cohesionador que sirve de argamasa reivindicativa de unas raíces, de una cultura propia, de un día-a-día con futuro. Por el mensaje y también por la música. En el caso de Habib Koité nos encontramos ante uno de los músicos más formados e intelectuales de su país (un músico “de conservatorio”, si aplicamos la “terminología” que tenemos en Occidente). De los pocos capaces de cantar en varias lenguas locales y de integrar en sus canciones elementos originales de todos y cada uno de los territorios que componen tan vasto y disperso país. Con las raíces en la mano es también capaz de hacer un trabajo tan perfectamente actual y cosmopolita como el que nos ocupa, con espacio para pensar pero también para bailar y disfrutar.

¿Algunas recomendaciones? ‘L.A.’, por ejemplo, una pieza que ya grabó con el bluesman Eric Bibb en su maravilloso “Brothers in Bamako” y que aquí no canta en inglés sino en bambara. O ‘Bolo mala’, con ese estribillo chapurreado en un ininteligible castellano, vestigio de aquellas décadas en que la música cubana y sus orquestas eran tremendamente populares en el continente. O ‘Khafole’, con esos bellísimos coros y su suave toque de guitarra. O por supuesto, ‘Téréré’, tan cien por cien maliense, con sus cambios de compás y la inestimable aportación de Toumani Diabaté en la kora y Bassekou Kouyate en el n’goni.




1. Deme
2. Diarabi niani
3. Bolo mala
4. Drapeau
5. Terere
6. La
7. Khafole
8. Need you
9. Soo
10. Balontan
11. Djadjiry


miércoles, 19 de marzo de 2014

Adrian Raso & Fanfare Ciocarlia - Devil's Tale (2014) [Romania / Canada]






Legend has it that the Devil likes to frequent crossroads, cutting deals for souls and spinning his cunning yarns. Yet not all crossroad pacts are diabolical; some are just damned brilliant. Take the crossroads encounter behind Devil s Tale, where the eastern force field of Balkan brass meets Gypsy Jazz guitar, as Romania's Fanfare Ciocarlia joins up with Canadian guitarist Adrian Raso.
Fanfare Ciocarlia are a 24-legged brass beast whose eastern funk groove has torn up halls and festivals across the planet. Raso is a master guitarist, deeply versed in the French Manouche / Gypsy Jazz stylings of Django Reinhardt.
Could a string musician find a way into Fanfare's fierce Balkan brass blast? Could the legends of brass adapt their horns to the fluid eloquence of a jazz guitarist? The answer, as heard on this album, is one of brilliant defiance.
Adrian Raso has dreamt of this project for years. The gifted guitarist possesses a vast musical vocabulary rooted in Gypsy Jazz yet, in his fleet fingers, capable of referencing metal, Latin, funk and his family's Italian tarantella roots. Raso built his virtuoso reputation playing Toronto's toughest clubs as a teenager. More than two decades later he remains on a musical quest that demands he challenge himself.
The quest lead to him reaching out to Fanfare Ciocarlia - the Romany Gypsy orchestra from the invisible village of Zece Prajini in north eastern Romania - who blast a fierce, very individual brand of Balkan brass. Both Raso and Fanfare share a love of Django and big band jazz but initial concerns surrounded whether their very different backgrounds would allow for a common musical dialogue to ensure. Meeting the band was a great experience, says Raso. We bonded instantly. We joked about being separated brothers as it really did feel like that. Musically we understood each other from the get go. Fanfare Ciocarlia are the world's greatest Balkan brass band. When a band is at the top, the undisputed heavyweight champion, they have two options: either get lazy and repeat themselves or seek out new challenges. Fanfare Ciocarlia are hungry men and, having seen too many Balkan brass bands descend into the farce of playing-standards-too-fast or allowing tone deaf DJs to exploit them as decoration over a lame electronic beat, they chose to broaden Balkan brass's vocabulary. Meeting Adrian Raso gave Fanfare the perfect musical foil.
Across several chilly Toronto days the Romanians and the Canadian came together. Raso called in several heavy friends to contribute to sessions. These included legendary guitarists John Jorgenson and Rodrigo (of Rodrigo & Gabriela) and rock drummer Kevin Figueiredo (of Extreme).
This album - reaching down to New Orleans, across the Atlantic to Paris, deep into the Balkans and back through decaying Detroit to Toronto's grandeur - is the result. Raso's guitar sets off on a fluid journey, caressing and cajoling the horns who tell tales of a music that has ancestors in Africa and India, one shaped in old Europe and young America. Spread the word - here is magic that might charm even jaded old Mephistopheles! (Garth Cartwright)




 Urn St Tavern
Swing sagarese
The Absinthe-Minded Gypsy
C'est la vie
Quattro cicci
Charlatan's Waltz
Devil's Tale
Leezard's Lament
Cafe con leche
Spiritissimo
Bireli's Waltz
Django

domingo, 16 de marzo de 2014

Violons Barbares - Saulem ai (2014) [Mongolia, Bulgaria, Francia]




Violons barbares, c'est la preuve par trois que la culture dont chacun est dépositaire peut s'enrichir sans crainte des apports de l'autre. Trois musiciens issus d'horizons mongol, bulgare et français façonnent un espace d'une grande originalité ; en concert, leur cohésion fait mouche à tous coups et leur premier album est déjà un collector. Ce second volume explore de multiples directions sans perdre une once de son énergie phénoménale ! Dandarvaanch ig Enkhjargal : morin khoor, chant diphonique Né à Ulan Bator, Mongolie, il grandit en traversant la taïga avec sa famille et leurs troupeaux de chevaux. Il étudie la musique au conservatoire d'Ulan Baator et devient disciple du célèbre maître du morin khoor Professeur Jamjan. Depuis 1989, il vit en Europe (Allemagne) et donne de nombreux concerts avec des musiciens issus de la world music.

Dimitar Gougov : gadulka, chant Né en Bulgarie, Dimitar baigne depuis son enfance dans les musiques traditionnelles. Disciple du grand maître de la gadulka Atanas Vultchev et membre de l'orchestre de l'ensemble Philippe Koutev, il part vers la France en 2000 et s'installe à Strasbourg où il crée les groupes Boya et Violons Barbares. Il écrit et arrange des chants pour des voix de femmes et anime des stages de musique des Balkans.

Fabien Gu yot : percussions de barbarie, chant Après un parcours en musique classique au CNR de Nice, il se tourne vers les percussions digitales perses et maghrébines pour finalement ouvrir son horizon sonore à tout ce qui serait susceptible de bruiter... Percussionniste au sein du collectif strasbourgeois L'Assoce Pikante (Shézar, Grand Ensemble de la Méditerranée, Hijâz Car), il participe actuellement sur scène aux projets Les Violons Barbares, Furieuz Casrols (trio de percussions recyclées), Les Cavaliers de l'Aurès (création Houria Aichi et L'Hijâz Car) ou l'Electrik GEM (big band méditerranéen électrifié).


   01 Saulem ai
   02 Saturday yurt fever
   03 Wind in the steppe
   04 Konil ashar
   05 Gipsy wedding
   06 Djore dos
   07 The walls of Constantinopol
   08 Rockin' camel
   09 Karawane
   10 Satybaldynyn kuii

sábado, 15 de marzo de 2014

Ron Allen - Sacred Places (1996)


Sacred Places es un exquisito tapiz de melodías, ritmos y sonidos que
visitan ocho sitios sagrados alrededor del mundo, el ultimo tema Gaia
diosa de la Tierra en la mitología griega, es un homenaje a nuestra madre Tierra


Great Spirit Makes the Mountain (6:44)
Giant's Dance (5:47)
Dreamtime (7:19)
City of Temples (6:17)
Under the Bodhi Tree (7:27)
Heaven Within the Earth (6:03)
Jerusalem Trinity (10:32)
Secret Kingdom (4:33)
Gaia (7:12)

jueves, 13 de marzo de 2014

Realejo - Cenarios (1998) [Portugal]





«Confesso os meus receios: que dizer de algo que foi criado para ser ouvido? Que aqui e agora se procura dar presença máxima às raízes, procurando antecipar a razão de ser do futuro, (re)criando no presente uma música cuja razão de ser é vida e emoção cultural? Ou que são fragmentos culturais de uma memória colectiva não raro adormecida e não menos raro menosprezada? Não isto já todos sabem e nada acrescenta à audição destes "Cenários", do Realejo!

Já sei: avanço pela questão da autenticidade expressiva que dimana de cada composição, com uma originalidade assente na variedade dos estilos musicais aqui soberbamente ilustrados ou sugeridos. Pois, mas já todos sabemos que os cânones tradicionais não podem (nem devem!) ser encarados como algo de estático, parado num tempo determinado, mas sim como expressão de mutações permanentes, de enriquecimentos constantes no diálogo com outros povos e outras culturas. Mas, assim colocadas as coisas, uma vez mais a sensação de estar a limitar-se a simples constatações!

No entanto, uma coisa é certa: com a música do Realejo, a (re)criação inspira-se e alicerça-se nos elementos significantes do nosso legado tradicional, sem menosprezar as pressões estéticas da modernidade, mas de uma contemporaneidade expressiva de tal modo enraizada que as novas composições parecem emergir do mais profundo da nossa mais autêntica tradição. Aqui chegados, dirão alguns: pois, a velha questão da identidade!... Claro que sim, a "velha" questão da identidade, mas não de uma identidade abstracta e criada em vácuo formalista mas sim num contexto de amplas interacções influentes. Tanto mais que nenhuma cultura pode reclamar como própria uma música desligada do intercâmbio e do diálogo com as expressões musicais de outros povos. E é tudo uma questão de equilíbrio expressivo, direi. Mas isso é mais que evidente e nada de original, dirão outros, invocando Nettl: trata-se de um equilíbrio entre a ideia da música tradicional como fenómeno nacional ou regional e o conceito de música folclórica como um tipo de música supranacional.

Embora a música do Realejo se inscreva no contexto das eurofonias tradicionais e de inspiração tradicinal, nunca é de mais reconhecê-lo em termos culturais. Recordo um concerto do Realejo nos palcos Intercélticos: da memória dos sons da surpresa parte hoje para a alegria da (re)criação dos sons da cultura. Mais do que um grupo, o Realejo afirma-se hoje como um verdadeiro projecto cultural. E é aqui que as palavras de revelam de todo inúteis. E porque esta música é acima de tudo emoção da vida, que cesse a crónica e se renove em cada audição o sortilégio da nossa própria (re)descoberta.» (Mário Correia, 1998)



 1. Amanhecer (Amadeu Magalhães)
2. Music for a Found Harmonium (Simon Jeffes)
3. Bendito das Trovoadas (Tradicional – Beira Baixa)
4. Maragato Son (Tradicional – Paradela, Miranda do Douro)
5. Cenários I (Nau Trevairs, Rondeau – tradicional de Gers; Polka de Force Majeure – Patrick Couton; Polka Piquée d’Allard – tradicional; Rondeau du Savès – tradicional de Gers)
6. Quiçá (Amadeu Magalhães)
7. São Gonçalo de Amarante (Tradicional – Douro Litoral)
8. Cantiga de Realejo (Amadeu Magalhães)
9. Deus te salve, ó Rosa (Tradicional – Aljezur, Algarve)
10. Nunca me canso (Amadeu Magalhães)
11. Final de Inverno (Amadeu Magalhães)
12. Tornelinho (Amadeu Magalhães)
13. Cenários II (Moda de Harmónio – Carregal Fundeiro, Castanheira de Pêra; Frei João – Ilha da Madeira; Escumalha – Moinho da Mata, Montemor-o-Velho)

Recolhas: Michel Giacometti ("Bendito das Trovoadas" e "Maragato Son"), César das Neves e Gualdino de Campos ("São Gonçalo de Amarante"), Fernando Meirelles ("Moda de Harmónio"), Xarabanda ("Frei João") e Júlio Gomes ("Escumalha")

Realejo:
Fernando Meireles – sanfonas, cavaquinhos, bandolim, trancanholas e percussões
Amadeu Magalhães – concertina, gaita-de-foles, flautas, viola braguesa, cavaquinhos, bandolim, bandola, guitarra, sarronca, trancanholas e percussões
Ofélia Ribeiro – violoncelo
Miguel Areia – violino
José Nunes – guitarras e bandolim

Arranjos – Amadeu Magalhães

Gravado nos Estúdios Namouche, Lisboa, por João Pedro de Castro
Misturado nos Estúdios Êxito, por Dominique Borde
Masterizado nos Estúdios Edit, por Dominique Borde e Joaquim Monte

Fotografia do grupo – Miguel Ramos
Fotos e pormenores dos instrumentos – Carlos Barata
Design gráfico e tratamento de imagens em computador – Dupla

Fuente

sábado, 8 de marzo de 2014

Kristi Stassinopoulou & Stathis Kalyviotis - Greekadelia (2012)


En su largo y paciente camino por encontrar una nueva forma de entender la música popular griega, Stassinopoulou y Kalyviotis han dado otro paso más. Por un lado, han desarrollado el material de este disco sin compañía: trabajo de campo, composición, arreglos e interpretación corren por cuenta exclusiva de la pareja. Por el otro, han confeccionado trece temas basados en piezas tradicionales para reflejar sus experiencias urbanas.

Cada una de las canciones es originaria de una isla o de una región helénica y nuestro inquieto dúo ha añadido detalles propios (efectos electrónicos, voces de gaviotas o capitanes de barco, ecos de campanarios, un harmonium...) que confluyen en una música meditativa, íntima, con capacidad para recrear paisajes sonoros. Viejas canciones de marineros, de pescadores o de pastores toman nueva forma, a partir de la voz de Stassinopoulou y el lauto de Kalyviotis, transformándose en la lenta tensión de Anamesa Nissirou, con una melodía triste y resignada, o en la deriva rítmica de Rodo Tis Protanastasis, con una línea de bajo insistente y efectiva. Destacan también Halassia Mou, una canción de la zona de Epiro que habla del amor ausente, o To Ponemeno Stithos Mou, una dramática lamentación procedente de la costa egea. Combinando una mínima instrumentación, su visión contemporéna del arte y un amor apasionado por su cultura ancestral, Kristi Stassinopoulou y Stathis Kalyviotis consiguen forjar un sonido único y propio, original y hermoso.

KODO & Isao Tomita - Nasca Fantasy (1994)


Kodo, es un grupo de percusion japonés de renombre mundial, también conocido como Heartbeat Drummers of Japan, ha colaborado con Tomita y el grupo Kusillaqta de América del Sur en este álbum que contiene piezas de Zaldívar y Villa-Lobos, junto con música original de Tomita inspirado en el misterioso sitio Andino de Nazca.

Isao Tomita nos cuenta:
Kodo me invitó a quedarme en Kodo Village en la isla de Sado. Me alojé allí por una semana en Izumi Guest House trabajando en la música para el nuevo álbum. Lo que he intentado primero fue mantener la mente totalmente abierta para alinearme con las intenciones de Kodo. Sin embargo, pronto, las ideas empezaron a surgir de mi mente cuando pasé algún tiempo con Kodo, yo estaba totalmente encantado por el mundo fascinante del ritmo que crea Kodo. Los Tambores tradicionales japoneses, "wa-daiko," se han utilizado en rituales sintoístas desde tiempos antiguos, y su sonido evoca el sonido de la tierra, y en un grado más amplio, el sonido del universo.



La música de Kodo está generalmente compuesta por el ritmo de los tambores y por lo general la armonía no existe en su música. El estilo musical de Kodo es exótico en la forma en que excluye la armonía europea. Yo estaba un poco nervioso de como mi música saldría con Kodo, mis imágenes musicales estan siempre acompañados por una cierta armonía. Todos estábamos contentos con el resultado, siento que mis armonías en el sintetizador con la música de Kodo han conseguido captar el universo.

Kusillaqta del Perú se unierón a nosotros con la quena y la zampona para este álbum. Cuando viajé por todo el Perú, Lima, Nazca, Cusco y Machupicchu, me subí en un carro en la montaña y escuché al Indio-haciéndose eco con la flauta a través de los Andes. La flauta hizo eco de una manera mística que muestra un patrón lineal que llega al espacio exterior....Isao Tomita
http://www.isaotomita.net/recordings/nasca.html


domingo, 2 de marzo de 2014

Yat-Kha - Yat-Kha (1993)


The legendary band Yat-Kha, led by its founder Albert Kuvezin (also co-founder of the famous Tuvan band Huun Huur Tu) comes from The Republic of Tuva, in Siberia, The Russian Federation.

The music of Yat-Kha is an organic mix of rock and musical traditions of Siberian and Central Asian peoples. Critics have called it ethno-rock, root-rock and even ethno-punk…

For almost 20 years the band have made several Worldwide, European, Russian and Siberian tours, participated in hundreds of festivals around the world such as WOMAD, WOMEX, Glastonbury, Reading, Roskilde, Sfinks, Chicago World Music Fest, Ottawa Blues Fest, Quebec Summer Fest, Meltdown, Riddu Riddu, and others.

Yat-Kha has collaborated with artists such as: The Chieftains, Chicago Symphony Orchestra, Trans Global Underground, Asian Dub Foundation, Väärtinää, Wimme, Susheela Raman, Gojira and others. The band has released ten studio and live albums. The lastest album “Poets and Lighthouses” has reached a number one position at World Music Charts Europe in January 2011.
http://www.yat-kha.ru/en/

Yat-Kha is:
Albert Kuvezin – vocal, guitars
Evgeniey Tkachov aka “Rasputin” – drums
Sholban Mongush – vocal, igil
Theodore Scipio – base-guitar