GPS SONORO

Junior Wells - Come on in this House

2012-03-09T11:29:00.000+01:00

Era un tipo malo, caminando a través del escenario como un gangster, intérpretando la armónica, llamando la atención del público con sus modales de tipo duro y un buen golpe del blues de Chicago. Maravillosamente, Junior Wells logró mantener toda este suerte de elementos por más de 40 años, fue un intérprete activo desde el comienzo de los 50 hasta su muerte, a finales de los 90.

Antes del final de su carrera, Wells no parecía verse grabando nuevamente. Un par de álbumes para Telarc a comienzos de los 90 fueron sus mayores equivocaciones, pero su último álbum, en 1997, “Come on in this house” lo llevó nuevamente a los primeros lugares de los listados y la crítica del blues lo aclamó. El álbum ganó el premio W.C. Handy a la mejor grabación de blues tradicional.

En este álbum, una verdadera obra maestra, uno de los álbum que sin duda se llevaria con usted a una isla desierta, es acompañado por algunos de los mejores "jóvenes" guitarristas de blues: Corey Harris, Alvin "Youngblood" Hart, Sonny Landreth , John Mooney, Derek Trucks, Tab Benoit y el veterano Bob Margolin "Muddy Waters Band".

TRACKS

1. What My Momma Told Me / That's All Right.
2. What Are People Like That.
3. Trust My Baby.
4. Million Years Blues.
5. Give Me One Reason.
6. Ships On The Ocean.
7. She Wants To Shell My Monkey.
8. So Glad You're Mine.
9. Mystery Train.
10. I'm Gona Move To Kansas City.
11. King Fish Blues.
12. You Better Watch Yourself.
13. Come On In This House.
14. The Goat.

Album a 320 Kbps + caratulas

Come on in this House

Manos Hadjidakis, Lena Platonos & Savina Yiannatou - THE '62 OF MANOS HADJIDAKIS [Grecia]

2012-03-09T00:03:00.004+01:00

Álbum muy tierno y sensible, con interpretaciones de las primeras baladas de amor de Manos Hadjidakis, adaptadas, orquestadas y ejecutadas por la talentosa compositora y pianista, Lena Platonos. La cantante es Savina Yiannatou con su muy delicada y expresiva voz. Savina es una verdadera maestra en las improvisaciones vocales. Todo el álbum es una obra de rara belleza. Disfrute de una experiencia musical relajante de excelente calidad.

Mános Hatdjidákis es tal vez el más prolífico, influyente e importante compositor griego de música contemporánea del siglo XX, nació en Xanthe, norte de Grecia el 23 de octubre de 1925 y falleció el 15 de junio de 1994.

Desde 1945 inició una fecunda colaboración con el Teatro Nacional Griego, componiendo la música para las principales tragedias clásicas que se incorporaron desde entonces al repertorio contemporáneo como Agamenon, Medea, Lisístrata, Cíclopes, Eurídice, etc. Igualmente compuso la música para otras obras maestras de la literatura llevadas al teatro como Hamlet (1955) o Don Quijote (1972). En 1947, en colaboración con el poeta griego Nikos Gatsos que realizó la primera y espléndida traducción fuera de España de la obra Bodas de Sangre de Federico García Lorca, Hatzidakis compuso la música para la representación de la obra en Grecia, lo que desde entonces supuso un idilio ininterrumpido entre el público griego y la obra del malogrado poeta granadino. Compuso para Maurice Béjart, creador del ballet contemporáneo, la música de la primera representación dentro de su programa Ballets del siglo XX en Bruselas, en 1965, que fue una puesta en escena de Los Pájaros del clásico griego Aristófanes.

Además de su intenso trabajo en el teatro, Hatdjidákis es autor de importantes y espléndidas bandas sonoras de películas como Estela (1955), América América (1962) Sweet Movie (1974) así como músicas para dos documentales de Jacques Ives Costeau en 1977. Pero probablemente, la banda sonora más conocida es la que le valió un Oscar en 1960 con el film dirigido por Jules Dassin, "Nunca en domingo"; protagonizado en el papel femenino por la inolvidable Melina Mercuri.

Desde 1966 a 1972, Hatdjidákis residió en Nueva York, donde produjo algunos de sus más influyentes trabajos discográficos como Ritmología, Reflections (nuevamente también con textos del propio Hatdjidákis y de Nikos Gatsos) o la Sonrisa de la Gioconda.

Organizador de numerosos festivales para recuperar la música tradicional griega, Hatdjidákis dejó una herencia importantísima tras su paso por la radiodifusión griega, creando el TRÍO PROGRAMA dedicado a difundir la música clásica y de calidad que él mismo dirigió entre los años 1975 a 1981 y que actualmente sigue siendo un referente extraordinario en Grecia. En 1989, fundó asimismo la Orquesta de Colores, que también sigue hoy siendo un referente en el panorama orquestal griego.

La música de Hatdjidákis destaca por su poética intimista, llena de matices armónicos, de sorprendentes combinaciones melódicas enraizadas en la música tradicional griega y por una enorme riqueza de ritmos y timbres. Fuente

Lena Platonos es una música griega, pianista y compositora de música electrónica. Fue una de las pioneras en la escena musical griega electrónica de los años 80 y permanece activa hasta el día de hoy.

Ella ha contribuido mucho a la escena electrónica griega con registros tales como Μάσκες ηλίου (Maskes Iliou), Γκάλοπ (Gallup), Λεπιδόπτερα (Lepidóptera) que fueron hechos exclusivamente con instrumentos musicales electrónicos analógicos y la narración –frecuentemente con datos personales– de la realidad griega.

Canciones acerca de los inmigrantes, el poder absoluto de los ordenadores en nuestra vida cotidiana y la guardia hermética de nuestros espacios privados, a través de la habilidad narrativa única y poética que sólo Lena Platonos ha logrado, nos dan la imagen de una artista que trabajó adelantándose a su tiempo, con un talento excepcional para la concepción de los temas que iban a conquistar nuestras pantallas de televisión y periódicos, muchos años después.

Ella nació en octubre de 1951 en Creta, Grecia y creció en Atenas. Comenzó a aprender a tocar el piano a la edad de dos años y se convirtió en una pianista profesional antes de cumplir los dieciocho. Poco después recibió una beca y estudió en Viena y Berlín, donde estuvo expuesta al jazz, rock y la música de Oriente Medio.

Regresó a Grecia de forma permanente a finales de los años 70 y comenzó a trabajar en el Trío Programa de la radio ERT, donde conoció Μάνος Χατζιδάκης (Manos Hadjidakis) (en ese momento su director), con quien mantuvo una estrecha relación profesional y personal hasta su muerte.

Savina Yannatou: ha sido una de las artistas griegas más consistentemente interesantes de los últimos años. Su elección del material es siempre interesante, excelente voz y sus actuaciones en directo siempre vale la pena asistir.

Una intérprete líder del estilo barroco, renacentista y músicas tempranas, Savina Yannatou es una de las cantantes más respetadas de la música griega. Ella es conocida, no sólo de su dominio de la música antigua, el repertorio formal, sino también por su experiencia en el jazz de vanguardia. Desde 1983, ha sido miembro del Taller de Música Antigua de Atenas, actuando en festivales en toda Grecia, así como fuera de ella. Fuente

Pistas:

01. Let's go to the moon for a promenade (Pame mia volta sto fegari)

02. The train left (Pai efige to treno)

03. The postman is dead (O tahidromos pethane)

04. Mr Antonis (O kyr Antonis)

05. The song of Euridice (To tragoudi tis Evridikis)

06. Moon of paper (Hartino to fegaraki)

07. Somewhere is my love (Kapou iparhi i agapi mou)

08. He was the proudness of the dawn (Itan kamari tis avgis)

09. The mandolin (To mantolino)

10. The sea is deep (To pelago einai bathi)

11. Epilog (Instrumental)

12. Where do they guide the guy (Pou to pane to pedi)

THE '62 OF MANOS HADJIDAKIS
Clave (pass): musicmund
mp3 a 320 kbps + booklet

Bob Holroyd – A DIFFERENT SPACE [Reino Unido]

2012-03-08T21:33:00.002+01:00

Subido por Guayacas

Bob Holroyd is one of those musicians you hear without knowing it. He spends a lot of his time producing library albums, and generic music used for commercials, films, and industrial presentations. He writes to a nonspecific mood and other people put it to imagery. Every couple of years he surfaces with an engaging ambient album, and A Different Space is his latest. It finds him taking a techno-tribal turn, using lots of global instrumental and vocal samples from Africa, the Middle East, and Asia, and putting it on top of propulsive dance grooves à la Deep Forest. Then he tosses in live players like trumpeter Kevin Robinson doing a Hugh Masekela-style solo on "Drumming Up a Storm" or Dirk Campbell weaving in uilleann pipes and ney flute. It's all been done by Deep Forest, Loop Guru, Banco De Gaia and others, and Holroyd adds little to the form, but there's no denying the slick, sonically rich landscapes he creates. But like his library music it has the feel of formula. In fact, the more he gets away from his loops, such as "Dark Waters" (with its live guitar, percussions, and bass), the more lively and "authentic" his music gets. --John Diliberto. Fuente

Pistas:

01. Drumming up a storm 5:58

02. Journeyman 6:38

03. A Promise to return 2:20

04. Passing through 5:16

05. Dark waters 4:34

06. African drug (original Tribal Mix) 6:01

07. Balance 3:09

08. Something understood 4:24

09. Open 2:59

10. The sheer weight Of memory 5:25

11. Adrift in Kerala 6:06

12. Earthwatching 4:11

13. A different space 8:41

A DIFERENT SPACE

Clave (pass): musicmund

Alkistis Protopsalti - San Ifestio Pou Xipna (Grecia)

2012-03-08T19:49:00.000+01:00

Nacida en Egipto de padres griegos, Alkistis Protopsalti tiene una de esas voces absolutamente maravillosas, con la que es capaz de adentrarse en los géneros más diversos con una solvencia que está al alcance de unos pocos privilegiados. Una voz que parece descender directamente de los dioses del Olimpo, como si saliera de unos tiempos legendarios, clásicos, cincelada según los más puros cánones del clasicismo a los que dieron forma, entre otros, Fidias y Mirón. El público griego le ha concedido, con total merecimiento, el estatus de diva musical, con todo lo que ello conlleva tras de sí, honor al que Alkisitis ha sabido responder con lo mejor de su talento.

La voz va acompañada de una gestualidad que tiene mucho de teatral, en el sentido de estar llena de matices, de contenidos que sólo por medio de la expresión corporal se puede transmitir al espectador atento, dejando el alma en cada canción, en cada estrofa. Letras detrás de las cuales se esconde en muchas ocasiones, la poetisa Lisa Nikolakopoulou, en una de esas colaboraciones de una fertilidad extraordinaria.

En Alkistis se reúnen las tradiciones del Asia Menor, lugar de origen paterno, y de la isla de Chios, de donde era originaria su madre, a lo que se unen los años pasados en la ciudad egipcia de Alejandría, de la que nuestra cantante recuerda "el olor del mar, las puestas de sol, el murmullo de las palmeras, los pescadores con sus redes, el tranvía, los dulces, los viajes en coche al Sahara". Elementos que le servirán a Alkistis para desarrollar la peculiar sensibilidad que se recoge en sus canciones.
Amigo Alfredo Gracias por esta magnifica Reseña

http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com/2008/05/alkistis-protopsalti.html

"San Ifestio Pou Xipná" ("Como un volcán que despierta", 1997), con música de Nikos Antipas sobre letras de su amiga Lina Nikolakopoulou

1 DITHESIO 3:58

2 LAVA 4:55

3 MONO TOU 4:09

4 EMIS I DIO 4:14

5 TRIANTAFILLIA TOU KOSMOU 3:08

6 MORO 3:23

7 KATHREFTIS 3:35

8 SINERGIO 3:34

9 PORTOKALI 3:32

10 DOXA NA LES 4:26

11 POST LOVE 2:43

12 EGEO 4:24

13 EPILOGOS 0:58

San Ifestio Pou Xipna

ALKISTIS PROTOPSALTI : ANTHROPON ERGA [folk griego]

2012-03-08T19:44:00.000+01:00

1993 es cuando sale: «Anthropon Erga » (La Obra del Hombre), la música es una vez más por Stamatis Kraounakisy las letras, por supuesto, de Lina Nikolakopoulou. Otra monumental obra maestra musical.
Alkistis es una inquieta y valiente mujer. Junto con Andreas Voutsinas, Lina Nikolakopoulou,Stamatis Kraounakis, Ilias y Marosoulis se creó la "más caliente" escena en Atenas, que transformóuna zona muerta en el centro de música en directo.
Gazi 1993-4, la increíble actuación musical "Anthropon erga", que viajó después por toda Grecia, y en el extranjero 190 actuaciones: Nueva York en el City Center, con 7 apoteosis bises, Atenas, Peiraeus, N. Ionia, Vrilisia, Petroupoli,Gazi, Chipre: Lemesos, Lakatamia, Larnaka, Leukosia, La Canea, Rodas, Lesbos, Kavala, Volos, Florina y muchas más ciudades

TRACKS

1. DERVISIS
2. ANTHROPON ERGA
3. TA LAIKA
4. KASTRO
5. IPEROKEANIO
6. GATOS
7. TA DIO PALTA
8. I DOULIA
9. TO SIDERO

10. VRAHOS

11. ARAHNI

DESCARGAR-subido por fulcanelli

Thierry David - Zen World

2012-03-08T18:37:00.000+01:00

Thierry David
Zen World

Zen World" es una buena muestra de Pop Atmosférico sofisticado y a la vez cálido.
En este último aspecto, el impresionante tema "Beyond Sadness" es quizá el que más hondo llega. Tanto las piezas que son instrumentales como las que cuentan con las sensuales voces de las cantantes Audrey, Esther, Juvie y Marcia, destacan por sus cuidadas melodías y arreglos. La paleta de sonidos electrónicos refuerza el aire sofisticado de la música.

Tracks
01. Close To Heaven
02. Asian Rhapsody
03. I Miss You So
04. Walking On Skies
05. Mahal Kita
06. Deep Inside
07. Mystic Trip
08. Forgive Me
09. Song Of Freedom
10. Babel
11. Sometimes
12. Peaceful Dreams
13. Beyond Sadness

Zen World

Ying Ying's - Language of Flowers [China, New Age]

2012-03-08T18:07:00.000+01:00

Preface
Daniel Deng
Please forgive my obstinate predilection for words. In fact my music creation
can not be separated from the inspiration of the words these years, such as
The Past, Present & Future of Guangzhou, Girls of The Red Chamber, Tragic Love
Story Of Xishi, Ancient Love Stories, Ying Ying’s Language of Flowers,
anyone of them is like this.

One day I woke up at noon, the new green courtyard outside the window was very
silent, but I listened to the steps of thin cloud floating in the sky and also
the joy of all the flowers on the branches. Then I read this passage:
“……Begonia turned from a infatuated woman’s tears according to the legend.
The woman waited for her lover but she never got him and she was very sad,
tears came from her eyes to drop into the earth then begonia grew up.
So begonia was tears of all infatuated women’s in the world,
It was most brilliant and could be against storms.”How beautiful it is!

I telephoned the lady who wrote the words of begonia. I asked her:
“What else flowers do you write? Give all to me!Maybe the fragrance of flowers
can be also heard and seen.”

Then we created this music album----YingYing’s Language of Flowers.
http://www.yuanct.com/en/dispnews.asp?newsid=34
Producer: Yang Lanxiang & Lin Haodong
Chief Supervisor: Lin Haodong & Zhao Haiwei
Planning Director: Li Guangping
Composer, Supervisor & Conductor: Daniel Deng
Zither(Chief Player): He Ying
Urheen, Gao Hu: Huang Jiangqin
Xiao, Flute: Tan Yanjian
Guitar, Synthesizer: Daniel Deng
Chinese Zither and String Music Instrumental Quintet: He Ying(Zither) Zhang Yi(Chief-violin) Li Yebo(Secondary -violin) Ye Kaiying(Viola) Yu Ping(Cello)
Cello Solo: Yu Ping
French Horn: Fu Lei
Strings Group: Strings Group of Guangzhou Symphony Orchestra
Zi Hou of Cantonese Opera(Soprano): Su Chunmei

Recorder: Sun Shaojian, Li Rongsheng & Zhang Zheng
Overdub: Sun Shaojian
Text&Poem: Zhong Zheping
Translator: Wang Xiaoya
Spreader: LI Guangping& Qu Yafei
Graphic Designer: Ding Zhiming
Recording Studio: Daniel Deng’s Music Studio, Chinese Disc Company Guangzhou Company’s Recording-room, Studio of Guangzhou Military Region Soldiers' Troupe

Track List
01. Dream — Birdwood's Mucuni
02. Women — Jasmine
03. Autumn Rain — Begonia
04. Years — Chrysanthemum
05. Climbing on Branches — Kapok
06. Zhujiang Water — White Orchid
07. Expecting — Daffodil
08. Admiration — Water Lily
09. Blue — Tulip
10. Valley — Gynura

Language of Flowers

Nâ Hawa Doumbia - La Grande Cantatrice Malienne Vol. 3 (Africa-Mali)

2012-03-08T17:18:00.000+01:00

Nâ Hawa Doumbia

La Grande Cantatrice Malienne Vol. 3

Awesome Tapes From Africa, 2011

Otra joya de África

por Víctor Lenore

Entre la saturada blogosfera actual, hay muy pocas apuestas que destaquen claramente por encima de las demás. Una de ellas es Awesome Tapes From Africa, un espacio donde la información prima sobre la opinión y que realmente enriquece la variedad musical disponible en la Red. Su impulsor, Brian Shimkovitz, es un promocionero neoyorquino que decidió dar rienda suelta a su amor por la música africana colgando en la red archivos de casetes difíciles o imposibles de encontrar en occidente. No pontifica sobre el descubrimiento y simplemente debate en la sección de comentarios como un visitante más.

Con el tiempo, ha creado una comunidad de aficionados y se ha convertido en un modelo de monetarización. Shimkovitz vive de hacer sesiones de DJ, dar conferencias sobre el blog, algo de merchandisingcool y ahora arranca un sello de vinilos. Incluso ha recibido becas gubernamentales para viajar a Ghana. Cada día visitan su blog entre 100.000 y 200.000 personas.

Su primera referencia es esta dulce, cálida e hipnótica vocalista de Mali. Nació en el pueblo pequeño de Mafélé, en la región Sikasso (cerca de la frontera de la Costa de Marfil). Su abuela tuvo que criar a la recién nacida porque la madre de Nahawa murió poco después del parto. Ojo a este dato doméstico: "La familia de Nahawa Doumbia no pertenecía a la tradición de los jali (la casta mandinga que interpreta música), pero la madre de Nâ Hawa predijo antes de morir que su hija sería cantante. Eso fue algo que su familia trató de prevenir, solicitando los poderes mágicos de hechiceros, pero sin ningún efecto", explica la web Músicas del Mundo.

Dejando aparte los destellos de realismo mágico, Doumbia (pronunciado dumbia) suele cantar sobre el papel de la mujer en África, rechazando restricciones, estreotipos y paternalismos. Este intenso EP contiene solo cuatro piezas que en total duran treinta minutos, pero no encontrarán ningún momento de relleno. Se grabó en 1982, aunque podría llevar fecha de 1967, 1998 ó 2011, porque consigue un sonido atemporal, tranquilo y a la vez vigorizante, casi mágico. Ideal para escuchar cuando el sol se está poniendo.
http://numerocero.es/critica/N%C3%A2-Hawa-Doumbia/243
http://www.amazon.com/Grande-Cantatrice-Malienne-Vol/dp/B005HI7MOW

Nâ Hawa Doumbia, "Kungo Sogoni" by The FADER

La Grande Cantatrice Malienne Vol. 3

Yungchen Lhamo - Coming Home [Tibet]

2012-03-08T16:50:00.000+01:00

El viaje desde Lhasa en el Tíbet en el Himalaya, a Dharamsala en la India tiene que ser uno de los más exigentes y físicamente extenuante hazaña que cualquier persona puede realizar y, sin embargo cientos de tibetanos lo hacen cada año en busca de libertad. Yungchen Lhamo a recorrido este camino del exilio cuando era un adolescente en 1989. Su talento musical ya había sido reconocido en el Tíbet, donde su nombre, que significa "diosa de la melodía y la canción" fue dado a ella por un hombre santo.

En los últimos años ha publicado tres álbumes en Real World Records. "Tíbet Tíbet", "Coming Home" y, más recientemente, "Ama", que incluye duetos con Annie Lennox y Joy Askew. Yungchen tiene una voz con una claridad y pureza asombrosa. Sus canciones son cuentos íntimos de amor por su patria su pueblo y su historia es un emblema de coraje, la perseverancia, la dedicación y el genio musical.

Personal:

Yungchen Lhamo (vocals);

Henry Frayne (guitar, background vocals);

David Rhodes (guitar);

Kent Condon (acoustic guitar, electric guitar);

Timo Trovinen (kantele);

Richard Bourreau (violin);

Caroline LaVelle (cello);

Chris Liliedahl, Hossam Ramzy (percussion);

Hector Zazou (loops, sound effects);

Sister Soleil, Ben Findlay (background vocals).

1. Happiness Is

2. Sky

3. Heart

4. Per Rig Chog Sun

5. Khyab Sangye

6. Ngak Pai Metog

7. Dream

8. Defiance

9. Coming Home

Yungchen Lhamo - Coming Home - Khyab Sangye

Coming Home

Himekami - Tsugaru (Japon)

2012-03-08T09:54:00.002+01:00

Himekami se inspira en la cultura,
las gentes y el paisaje de la region
de Tosaminato, en la peninsula japonesa de Tsugaru.
El resultado de su contacto con todo ello es una
musica que ejerce un importante efecto
de choque sonoro en el oyente,
ya que auna elementos dispares para construir
piezas a menudo inclasificables.
No se trata de experimentar por experimentar,
sino que Himekami edifica temas melodicos
de gran belleza, otros ritmicos que pueden bailarse,
y hasta algunos misteriosos.
La principal via de fusion viene marcada por el encuentro
entre el pop y la musica folklorica nipona.

Tracks
01- Tosa-no-Haru
02- Kita-no-Umi-Michi
03- Tsugaru-Bue
04- Toh'i-Uta
05- Tosa Dunes
06- Tsugaru-i Chinkon (Original Title-Adohadari)
07- Tsugaru - ii Umi-no-Toki
08- Tsugaru - iii Aisoh
09- Tsugaru - iv Tsuki-Mandoro-ni
10 Himekami - Tsugaru - v Tosa-Yakyoku
11- Tsugaru - vi Kaze-no-Komoriuta
12- Tsugaru - vii Ruten (Original Title-Adohadari)

Tsugaru

Himekami - Mayoiga [Japon]

2012-03-08T09:50:00.000+01:00

Himekami fusiona en este CD la musica tradicional japonesa y las tendencias pop vanguardistas.

Este trabajo resulta mucho mas proximo a planteamientos pop que los anteriores, y hasta se adentra en el Tecno en ciertos pasajes.

Las barreras entre lo folclorico y lo vanguardista son rotas por el peculiar estilo de Himekami, contribuyendo a ello el uso conjunto de instrumentos acusticos y electronicos.

Otra caracteristica llamativa es que en algunas piezas aparece la voz.

MAYOIGA ES LA MISTERIOSA CASA PERDIDA EN EL

BOSQUE TONO.APARECE EN EL LIBRO TONO MONOGATARI

(LEYENDAS DE TONO),UN CLASICO DE LA LITERATURA

JAPONESA. NOS MUESTRA CLARAMENTELA EVOLUCION

ARTISTICA EMPRENDIDA POR HIMEKAMI DESDE SU ANTERIOR

TRABAJO, 'TSUGARU'. LOS ASPECTOS MAS ETNICOS DE LA

CULTURA MUSICALJAPONESA SON CADA VEZ MAS EVIDENTES

EN LAS OBRAS DE YOSHIAKI HOSHI.

Mayoiga

Haig Yazdjian - BEAST OF THE MOON (Siria/Grecia)

2012-03-07T19:35:00.003+01:00

Subido por Guayacas

En verano del 2000, Haig publicó BEAST ON THE MOON, un álbum que trajo consigo un nuevo giro en su búsqueda musical.

Pistas:

01 - Pari Louso (Intro)
02 - Pari Louso
03 – Home
04 – Wedding
05 - In my face
06 - The pram
07 - Evening pray
08 - Dream of life
09 - Sirounner mik neghanak
10 - Beast on the moon
11 - Aram and Seta
12 – Despair
13 - Vorsgan Akhber
14 - My life
15 - Mer dan (Vocal)
16 - Mer dan (Instrumental)
17 - Mer dan

BEAST OF THE MOON
Clave (pass): musicmund

mp3 a 192 kbps

Gianmaria Testa – EXTRA-MUROS [Italia]

2012-03-07T18:55:00.003+01:00

Subido por Guayacas

Gianmaria Testa canta en italiano y vive en Italia. Por pura casualidad los tres primeros discos han sido publicados en Francia (Montgolfières, Extra-Muros y Lampo), pero en cinco años se ha impuesto como artista con talento: la prensa (bien la francesa y la italiana) ha sido unánime en individuar en él uno de los más importantes cantautores italianos contemporáneos.

Gianmaria Testa es un cantautor muy popular y refinado a la vez; un cantautor con la voz ronca y aterciopelada que tiene en la canción nuda su verdadera fuerza.

Hay textos que parecen pequeñas poesías que hablan de nieblas y encuentros, de soledades y colinas; músicas que evocan el tango, la bossanova, la habanera, el valzer, y crean sugestiones calientes, intensas, que saben embarullar.

Su cantar imagen y sentidos es simple, de fuente popular, tradicional, y por eso vencedor; sobrepasa comparaciones banales y fáciles acercamientos depositándose en lo íntimo del oyente.

Es verdad que es tan importante el acierto internacional de los primeros discos producidos, como los embriagados aplausos de l’Olympia y los conciertos en los grandes teatros europeos y americanos. Pero son extraordinarios, íntimos y personales los colores de las tierras de Langa. Es propio de Testa convertir en música los tacones de una mujer que se extravían en la lejanía en una marquesina de una anónima estación de trenes; así como las uñas encaladas de un albañil que muere en su casa, construida por sí mismo.

La carrera de Gianmaria es internacional con un activo acerca de 2000 conciertos, desenrollada en Francia (entre el New Morning y l’Olympia), en Italia (en algunos de los más prestigiosos teatros: Teatro Regio de Turín, La Pergola de Florencia, el Valle de Roma, el Duse de Bologna, el Comunale de Modena, el nuevo Auditorium de Roma, el Teatro Rossini de Pesaro, etcétera…), en Bélgica, en Suiza, Alemania, Austria, Portugal, Canadá y Estados Unidos. Fuente

Pistas:
01. Per accompagnarti
02. Un po' di là del mare
03. Come un'America
04. Cavalli di frisia
05. Il mio gallo
06. Joking lady
07. Il viaggio
08. Via da quest' avventura
09. La ca sla colin-a
10. Un' altra città
11. Extra-muros
12. Canto

EXTRA MUROS

Clave (pass): musicmund

mp3 a 128 kbps + portadas

Gianmaria Testa – LA VALSE D’UN JOUR [Italia]

2012-03-07T17:59:00.002+01:00

Subido por Guayacas

Italian chanteur Gianmaria Testa, if that's what he can be called, has accomplished in La Valse d'Un Jour what many less talented singer/songwriters spend their whole careers trying to do: create an album with the intimacy of a living room session, the spontaneity of a live show, and the professionalism that comes in a studio (perhaps for those reasons was the album re-issued worldwide after the success of its first edition, Il Valzer di un Giorno). Many of the songs on La Valse d'Un Jour come from Testa's previous recordings, specifically Montgolfiéres -- though "Il Viaggio" is from Extra-Muros -- but they're gentler, played on only two guitars, his and that of Pier Mario Giovannone (who also composed four of the five poems on the album; the fifth, "Plage du Prophéte," is by French writer Jean Claude Izzo). The simplicity of everything allows listeners to truly focus on the subtle power of Testa's singing, which moves around in various states of gruffness without ever being harsh. The gentle "Piccoli Fiumi" is quiet yet lush, reflecting the both the Italian landscape and the sincerity of his love, and the longing in the Sting-like "La Traiettorie Delle Mongolfiere" is apparent not only when he says "anche noi, anche noi/abbiamo cercato e perso le tracce del loro volo" ("we too, we too/searched for and lost the traces of their flight"), but also in the timbre of his voice itself. It's honest and passionate, which gives Testa a credibility that sometimes can be hard to find in other artists' work, and certainly impossible to fake. And the poetry in La Valse d'Un Jour, which is recited over either a softly picked and melodic acoustic guitar or a melodica, flows nicely and compatibly with the songs, creating an album that is not only cohesive in its presentation, but also provides a well-rounded and impressive picture of all that Testa can do. ~ Marisa Brown. Fuente

Pistas:

01. Il viaggio 3:35
02. Sono belle le cose 1:38
03. Dentro la tasca di un qualunque mattino 2:48
04. Un aeroplano a vela 3:20
05. La traiettorie delle Mongolfiere 3:31
06. Sappi che tutte le strade 0:22
07. Come le onde del mare 3:05
08. Lampo 2:55
09. Città lunga 3:49
10. Avrei voluto baciarti 0:20
11. Gli amanti di Roma 2:50
12. L'automobile 3:20
13. Le donne nelle stazioni 3:04
14. Piccoli fiumi 3:57
15. Mi sento solo 1:12
16. Polvere di gesso 4:22
17. Il valzer di un giorno 3:3318. Plage du prophète 1:34

LA VALSE D'UN JOUR

Clave (pass): musicmund

mp3 a 256 kbps

Kayhan Kalhor & Ali Bahrami Fard - I WILL NOT STAND ALONE – 2012 (Iran)

2012-03-06T22:49:00.007+01:00

Subido por Guayacas

For most of us in the West classical music calls up visions of men in tuxedos and women in long gowns playing highly formalized and rigidly controlled music. This is the last type of music we'd ever associate with any sort of improvisation as the musicians are there to serve the wishes of the composer as interpreted by the conductor. Unless they're soloists of very high standing they have little or no say in how the music sounds and what it expresses.

So it might come as a bit of shock to find out that the traditions surrounding classical music in other cultures actually encourage improvisation. For, while in countries like India there are certain formal patterns of structure adhered to, within the form there is plenty of room for the musician to interpret the music. The performances of music is considered a personal and spiritual journey, a means of expressing a connection to the gods, so it can't help but change from individual to individual. India is not unique in having this kind of musical tradition, and considering the cross-pollination of culture between the two countries down through history, it's not surprising to find a similar tradition has existed in Iran since the Persian classical music, like many others where there was originally nothing committed to paper, involves a long and involved training period for anybody wishing to perform it. First of all a student has to memorize a canonic repertoire known as radif (literally translated as "order") comprised of over 200 modal pieces of music known as gushehs. These gushehs are grouped together as progressions of modally related pieces into twelve distinct dastgah (systems). Once a musician has memorized all the gushehs individually and collectively in their respective dastgah, they are ready to begin creating. Unlike in the West where we have specific pieces of music to perform, the radif is not something that is actually performed as an individual piece of music, but instead serves as the starting point for creative improvisation.

Of course in listening to music the theory behind it usually flies out the window as you get swept up in the sounds and emotions being generated by the artist in question. Such is the case with I Will Not Stand Alone the latest release from Kayhan Kalhor on World Village Music. The recording features Kalhor playing a variation on the traditional Middle Eastern four-stringed bowed instrument, the kamancheh (called a shah kaman) accompanied by Ali Bahrami Fard on a hammered, dulcimer-type instrument known as a bass santor. If you have any thoughts that the conditions described above for the creation and playing of music were restrictive they will be quickly dispelled as you listen to what these two men are able to generate between them.

Looking at a picture of a kamancheh—the shah kaman has a slightly deeper tone then the original—you'll be amazed at the quality of sound Kalhor is able to create with what looks like a very simple instrument. With only four strings and a resonating chamber made out of a gourd covered by an animal skin, you'd assume its sound would be limited or at least thin. I don't know whether it's the virtuosity of the player or a matter of appearances being deceiving, but on this recording it seems to have the ability to sound like most of the bowed four-stringed instruments in an orchestra. From the heart-stopping emotional clarity of a violin to the rich texture of the cello to the mid tones of the viola, Kalhor not only covers almost the entire musical scale as we know it but its emotional equivalent as well.

Serving as a combination percussion and bass Fard's bass santor not only offers a rich counterpoint and underpinning to Kalhor's playing, he also adds the additional element of being able to emphasize the rhythm through his use of the hammers required to play his instrument. Any expectations we might have as to its limitations based on our experiences of bass instruments in other compositions are quickly dispelled. For Fard does far more than merely play a simple bass line; instead he plays a melodic accompaniment in the lower In the liner notes accompanying the recording Kalhor describes the eight pieces of music as having their origins during a period of unrest in Iran. He's unclear as to whether he's talking about the revolution which saw the overthrow of the Shah back in the 1970s or the more recent period of turbulence and its unsuccessful attempt to push for reforms. Whenever the period, he describes it as one of the most difficult periods in his life, "where darkness and violence seemed to be taking over". Out of this period came the realization that music has the capability to open what he refers to as doors of hope and he made the choice to play his music for the people for this reason. The actual playing and recording of the music was a way for him to break out of the isolation he felt because of the unrest and to connect with those around him—hence the title I Will Not Stand Alone.

Listening to the music after reading these notes one can't help but be struck by how well they capture the journey he took from darkness to light. The titles of individual pieces aren't what you'd call an accurate indication of their musical content; you'd think tunes called "The Laziest Summer Afternoon" or "Dancing Under The Walnut Tree" would be lighthearted and carefree when the former sounds nothing at all like any idle summer day I've ever had and the latter bears no relation whatsoever to dancing. Perhaps something was lost in their translation from the original Farsi, but I think he's commenting on the sense of disconnect he must have felt witnessing scenes of violence and trouble on beautiful summer days. Idyllic conditions have no bearing on how humans behave. It can be a beautiful day and people can still commit atrocities just as easily as if a horrible storm were taking place. The distance between the meaning conveyed by the title of the song and the story the music tells us captures that horrible irony better than anything I've heard before.

Everyone of these pieces has an emotional depth that far outstrips most music we're used to hearing, whether popular or classical. Kalhor has taken the basic skill set required to play Persian classical music to build a collection of pieces that explore both the depths the human spirit can sink to and the heights to which it can ascend. You may have trouble believing this is the work of only two men playing given the multitude of sounds, tones, and emotions they express, but it is indeed only Kalhor and Fard and their two instruments on each track. If you've never experienced non-European classical music this recording will be an eye opener, dispelling any doubts you've ever had of music's capacity to cross cultural and linguistic boundaries. The gulf between the Iranian and Western governments is huge these days. Yet listening to recordings like this one help to remind us that the divide between the people of our respective cultures is far smaller than some would have us think. Richard Marcus - Fuente)

Tracks:
01. Between the heavens and me 14:20
02. Where are you? 11:55
03. The laziest summer afternoon 6:44
04. Dancing under the walnut tree 7:46
05. Hear me cry 3:31
06. Pluck a star from the sky 1:41
07. Here I am alone again 7:15
08. I will not stand alone 5:36

Clave (pass): musicmund
mp3 a 320 kbps

I Will Not Stand Alone

Yothu Yindi - Freedom (1993) [Australia]

2012-03-05T20:59:00.000+01:00

Yothu Yindi es un fenómeno australiano. Liderados por el cantante y guitarrista Mandawuy Yunupingti, los Yothus Yolungus son parte (los aborígenes) y balandas parte (que no son aborígenes). Desde su creación hace ocho años la banda de 10 piezas ha cortado una franja independiente, a través principalmente de Australia, de rock orientado a la producción. Reproducción de música tradicional sacudió-para un público diverso, el contenido de la cultura aborigen celebra al mismo tiempo contiene una voz política fuerte. La canción Mabo, por ejemplo, comienza con las palabras 'Terra nullus "- del latín" tierra vacía "- refiriéndose a la vista de los colonizadores europeos falsa del territorio australiano por carecer de la habitación humana.
Este álbum está lleno de relatos de sueños aborígenes, costumbres y sabiduría tribal. El mundo moderno - con sus derechos a la tierra de las campañas - es también cada vez más presente y el sentido de la interconexión de la existencia humana y natural fluye a través de la música. Si los pulsos de didgeridoo se puede comparar a una aceleración del latido cardíaco libertad se convierte en un relato de una fuerza de vida que se niega a ser negada.

La combinación de diferentes géneros musicales que se maneja con destreza. Timeless Land, por ejemplo, las capas de instrumentación moderna y tradicional, con las palabras de una antigua canción de Rirratjingu desde el noreste de Arnhem. Lingüísticamente también este álbum es una mezcla de dialectos Yongu Matha - traducida en la manga - e Inglés.

Freedom es un álbum que se puede bailar, tocar la bocina del didgeridoo jugadores de distancia con el virtuosismo de una Downunder Keith Richards desplazados. Eso Yothu Yindi ha logrado tal éxito sin diluir su mensaje o ser consignado a un gueto musical es un logro admirable que merece una escucha cerca.
MacDonald Daly

1/ Timeless Land (MY,WM,SK,Bridie) 5.10
2/ World of Innocence (MY,Kellaway,Faith) 3.57
3/ Freedom (Yunupingu) 3.05
4/ Baywara (Yunupingu,Kellaway) 4.48
5/ Ngerrk (Traditional) 1.28
6/ Back To Culture (MY,Kellaway,Faith) 3.17
7/ World Turning (Yunupingu,Marika) 4.27
8/ Mabo (MY,GY,Kellaway,GY) 3.24
9/ Milika (Traditional) 0.36
10/ Danggultji (Traditional) 1.14
11/ Gunitjpirr Man (Yunupingu) 3.20
12/ Yolngu Boy (Yunupingu) 4.14
13/ Dots on the Shells (Yunupingu,Finn) 3.20
14/ Our Generation (MY,SK,Farriss) 3.17
15/ Gany 'tjurr (Traditional) 2.16
16/ Gapu (Tidal Mix) (Traditional) 5.11

Recorded at Festival Studios, Sydney, Australia, Greenpoint Studio, Brooklyn,
New York Capricorn Studio, Darwin, Australia, EMI 301, Sydney, Australia
and York St. Studios, Auckland, New Zealand
Mixed by Ian Faith at Quad Recording, NY
Mix engineer: David Lumsdaine
Assistant: Mike Anzelowitz
Tracks 2,4,6,7,8,13 & 14 produced by Ian Faith
Original recording and production on tracks 1,3,5,9,10,12 & 15 by Robert
Musso
Additional production on track 1 by Ian Faith
Additional production and arrangements on tracks 3,4,8 & 12 by Bill Laswell
Track 11 produced by Bill Laswell
Track 16 produced by Lamar Lowder

YOTHU YINDI -
Mandawuy Yunupingu: vocals, guitar;
Witiyana Marika: vocals, bilma, dance;
Makuma Yunupingu: yidaki, vocals, bilma;
Stuart Kellaway: bass;
Mangatjay Yunupingu: dance;
Banula Marika: vocals, dance;
Bunimbirr Marika: yidaki;
Cal Williams: guitar;
Natalie Gillespie: vocals;
Galarrwuy Yunupingu: vocals, bilma, clan leader;
Mikayngu Mununggurr: yidaki;
Gurrumul Yunupingu (The Guru): guitar, vocals, keyboards;
Jodie Cockatoo: vocals;
ADDITIONAL MUSICIANS -
Neil Finn (13): vocals;
Bill Laswell: bass;
Nicky Skopelitis: 6 & 12 string guitars;
Bernie Worrell: Hammond B-3 organ;
Terepai Richmond: drums;
Huey Benjamin: drums;
Daniel Watson: percussion;
Allen Murphy: drums;
Andrew Belletty: drums.
Tracks 5,15 and 16 arranged by G. Yunupingu
Track 9 arranged by W. Marika

320 kbps + small covers + track list

Yothu Yindi - Freedom

a disfrutarlo!

Burhan Öçal & The Trakya All Stars - Trakya Dance Party

2012-03-05T18:05:00.000+01:00

Subido por Marhali.

Burhan Öçal es uno de esos músicos únicos y excelentes que nos ofrece ese país riquísimo en interculturalidad que es Turquía. Percusionista, compositor y erudito en música turca y otomana, Öçal se atreve con todo, logrando fundir estilos hasta crear uno propio, fusionar culturas hasta llegar a ese punto en el que todos los colores, sexos y religiones son un todo completo y pleno.

Trakya Dance Party (2006), junto con sus amigos rumanos The Trakya All Stars y bajo la producción del músico y productor tunecino francés Smadj, “invites listeners curious about Roman cultura into a vibrant world of what life is like in the Thrace region of Turkey through the stories related in the text of the songs. “Karabiber” is the tale of a bride-to-be, while in “Kayınço” a man reproaches his perennially intoxicated brother-in-law. “Zigoş” features a Turkish man named Abidin an a Greek man named Gurgule who engage in verbal volley while fighting over the object of their mutual affection, a Turkish girl. The son “Opaz” illustrates the musical battles, sparring, and jamming that are characteristic of special occasions such as Roman weddings, while “Sülo” offers scenes from Roman daily life. Colourful, energetic, upbeat, fun, and full of surprises…” (extraido del CD).

Sitio web oficial: Burhan Öçal

01. Kara Çalı (The Intruder)
02. Karabiber (Black Beauty)
03. Kayınço (Brother-in-Law)
04. Opaz
05. Hovarda Mustafa (The Pleasure Seeker)
06. Sülo (Hanging with Sülo)
07. Şüpheli Aşk (Haze of Love)
08. Zigoş (Zigosh)
09. Limoncu (The Lemon Seller)
10. Isırgan Otu (The Stinging Nettle)
11. Smadj'la Sohbet (Conversations with Smadj)
12. Opaz (Smadj Mix)

Trakya Dance Party

Chico & Rita (BSO)

2012-03-05T17:46:00.000+01:00

Subido por Marhali.

"Chico & Rita" (2010) es la última película animada de Fernando Trueba y Javier Mariscal que narra una historia de amor a ritmo de bolero. Como telón de fondo, un homenaje al cine clásico, a los músicos cubanos, a la vida en La Habana de los años cuarenta y cincuenta y, sobre todo, la música de Bebo Valdés como excepcional banda sonora que recorre el filme en su totalidad.

En la Cuba de finales de los cuarenta, Chico y Rita inician una apasionada historia de amor. Chico es un joven pianista enamorado del jazz y Rita sueña con ser una gran cantante. Desde la noche en que el destino los junta en un baile de La Habana, la vida va uniéndolos y separándolos como si de la letra de un bolero se tratara, esta es la trama de "Chico & Rita".

La película exhala música y comienza con hip-hop en La Habana para enlazar con un "Sabor a mí" ambientado en 1948. A partir de ahí, "Chico & Rita" es un viaje sentimental personal y musical que nos lleva al Tropicana en La Habana, a la Sala Pleyel en París, al Radio City Music Hall en Nueva York, al Village Vanguard, al Palladium… Escenarios míticos en los que aparecen la Orquesta de Woody Herman, Charlie Parker, Chano Pozo, Dizzie Gillespie, Tito Puente, Nat King Cole… Todo esto mezclado con la historia sentimental de Chico y Rita rodeada por mil historias más, desde el asesinato de Chano Pozo a unas deliciosas imágenes que parecen sacadas de Historias de la radio, pasando por la deportación.

Y todo bañado en música grabada única y exclusivamente para la película. "Chico & Rita" se ha grabado con Bebo Valdés, siempre sentado al piano, liderando algunas de las diferentes agrupaciones de músicos que han tocado en el álbum, con canciones y temas instrumentales interpretadas por Bebo Valdés (como Chico), Idania Valdés (Rita), Freddy Cole (Nat King Cole), Jimmy Heath (Ben Webster), Michael P. Mossman (Dizzie Gillespie), Amadito Valdés (Tito Puente), Germán Velazco (Charlie Parker), Yaroldi Abreu (Chano Pozo), Pedrito Martínez (Miguelito Valdés)… y Estrella Morente que canta "Lily", el tema central de la película con Bebo Valdés al piano, Andy González al bajo y Steve Berrios a la batería. Una Estrella Morente de dibujos animados que marca uno de los momentos cumbre de la película, como guiño definitivo y homenaje al gran Bebo Valdés.

Más información: Chico & Rita. Amor, color y música

01. Cachao creador del mambo
02. Blues For Andre (Bebo's Blues)
03. Bésame mucho
04. Con poco coco
05. Ebony Concerto (Allegro Moderato)
06. Persecución
07. Celia
08. Paran pan pan
09. Sabor a mí
10. Ay que mala e
11. Sabor a mí (instrumental)
12. A Mayra (desamor and coda)
13. A Mayra (descarga)
14. A Mayra (sad walk)
15. Chico's Dream -Medley
16. Ecuación
17. Tin tin deo
18. Chano Pozo
19. Nocturno en Batanga
20. Nocturno en Batanga (suite cubana)
21. Love For Sale
22. Love For Sale Reprise
23. A Mayra (Lily)
24. Stardust
25. A Mayra (Lily instrumental)
26. Vanguard Strings
27. Mambo Herd
28. Deportación
29. Lily - con Estrella Morente
30. La bella cubana

BSO

Kelly Joe Phelps - Sky Like a Broken Clock (Usa - Blues)

2012-03-03T20:09:00.002+01:00

“Sky like a broken clock” es el título del cuarto álbum del mago de las seis cuerdas, Kelly Joe Phelps. Si en su anterior album “Shine-eyed mistery Zen” ya lucía su capacidad instrumental y compositora, interpretando los temas con escaso acompañamiento pero con brillante resultado, en este “Sky like a broken clock” Kelly Joe Phelps rodea sus guitarras de una base rítmica de bajo acústico y percusión, arropadas además por órgano, acordeón, cello y armónica. Tal como reza en los créditos del álbum, los diez temas del álbum fueron grabados a la vieja usanza, es decir “en directo” en el estudio, sin ningún tipo de manipulación posterior a la grabación.

La voz de Kelly Joe Phelps es muy personal y suena como un cruce entre Bob Dylan y Tom Waits, aunque con un mayor registro vocal, lo que le permite moverse fácilmente de los tonos más graves a los más agudos, añadiendo riqueza a unas interpretaciones ya adornadas por las contínuas figuras musicales de su guitarra. Phelps bebe de las fuentes del folk y del blues tradicional y sobre ellas incorpora unas letras enigmáticas y llenas de metáforas, a lo Jay Farrar (Son Volt), lo que produce un resultado altamente personal y con unas texturas realmente sugerentes. Este álbum está lleno de grandes temas que van calando con cada escucha, como el que inicia el disco, “Taylor John” (por él sólo ya vale la pena adquirir el álbum), “Clementine”, “Beggar’s oil”, “Tommy”, “Fleashine” o “Worn out”, donde la influencia de Tom Waits es especialmente patente. Absolutamente recomendable para los que gusten descubrir nuevos talentos.
http://www.kellyjoephelps.net/

Tracks

1: Taylor John
2: Clementine
3: Sally Ruby
4: Beggar's Oil
5: Flash Cards
6: Gold Tooth
7: Tommy
8: Fleashine
9: Mr. NY Go
10: Worn Out

Sky Like a Broken Clock

Otis Taylor - White African (2001-Usa-Blues)

2012-03-03T19:43:00.002+01:00

Otis Taylor tiene un don para los títulos interesantes; Blue-Eyed Monster y When Negroes Walked the Earth son algunos de los CDs que el músico de Denver ha registrado antes de White African. Taylor también tiene la habilidad para grabar temas muy oscuros y serios esta versión de 2001, está lleno de ellos. En White African, Taylor cuestióna los linchamientos en el Sur Profundo ("Santa Marta Blues") para las personas sin hogar ("Hungry People") por no poder pagar la atención médica de un niño enfermo, ("3 Days and 3 Nights" ). Taylor no trata de disimular sus inquietantes letras con melodías felices. Muy influenciado por John Lee Hooker, el alma de Taylor es muy a menudo temperamental, oscura, inquietantes surcos. White African es tan oscuro musicalmente como líricamente. Con los años, el humor negro ha jugado un papel importante en el blues, los artistas de hip-hop y blues son conocidos por la búsqueda de una variedad de formas de humor inteligente para decir lo cruel de la vida para los negros en Usa. ~ Alex Henderson

Personal:

Otis Taylor (vocals, acoustic guitar, banjo, electric banjo, mandolin, harmonica);

Eddie Turner (guitar, slide guitar);

Kenny Passarelli (keyboards);

Cassie Taylor (background vocals).

1. My Soul's In Louisiana

2. Resurrection Blues

3. Momma Don't You Do It

4. 3 Days And 3 Nights

5. Round And Round

6. Stick On You

7. Rain So Hard

8. Lost My Horse

9. Saint Martha Blues

10. Ain't No Cowgirl

11. Hungry People

White African

ELLIKA & SOLO ''TRETAKT TAKISSABA'' (2002)[SUECIA-SENEGAL]

2012-03-03T16:52:00.000+01:00

Uno de los encuentros más refrescantes e inesperados del panorama de las músicas étnicas: Ellika Frisell de Suecia y Solo Cissokho de Senegal. La violinista sueca, ex Filarfolket y Den Fule, conjuga un repertorio tradicional sueco con las notas de la kora del senegalés Solo, proveniente de una conocida y gran familia de griots.

ELLIKA & SOLO
Tretakt takissaba (Xource/Stage Planet)

De una invitación para acompañar a la poesía del poeta africano Luis Faye surgió hace cinco años en Estocolmo el proyecto formado por el griot y músico senegalés afincado en Noruega Solo Cissokho y la violinista nórdica Ellika Frisell. La naturalidad con la que el sonido cristalino de las cuerdas de kora dialogan con las del violín clásico explica el revuelo que la unión de dos tradiciones tan elejadas han causado en el universo de la world music.
fuente

1. Brodkakan/Kodinadioulou 04:12
2. Schottis Efter Per Myhr/Nouria 05:33
3. Takissaba Polska 05:19
4. Mama Tonkara 08:04
5. The Violin Is Waiting for the Kora 06:30
6. Konkoba 05:37
7. Lyckovalsen/Soum Soum 07:02
8. Bingsjopolskan/Dounia 02:31
9. Mambore/Tradgardsvalsen 02:50
10. Lilla Langdansen/Saara 08:29
320 kbps + small covers

ELLIKA & SOLO ''TRETAKT TAKISSABA''

a disfrutarlo!

Umalali - The Garifuna Women´s Project

2012-03-02T14:20:00.000+01:00

Subido por Marhali.

La cultura garífuna hace referencia a un grupo étnico zambo de Centroamérica, conocido también como Garifune o Caribes Negros. En concreto, el término "garífuna" se refiere a su idioma, mientras que “garinagu” es el término usado para la colectividad. El grupo originario procedía de Nigeria, población esclava que escapó de un naufragio español en el siglo XVII, y se mezcló con los caribes. Actualmente, la mayoría del pueblo Garífuna se encuentra asentado en el Golfo de Honduras y, en particular, al sur de Belize, en la costa de Guatemala (alrededor de Livingston), en la isla de Roatán, así como en las ciudades costeras de Honduras y Nicaragua.

Umalali (que significa “voz”), editado en 2008, forma parte de un proyecto de difusión de la cultura garífuna del músico Andy Palacio y el productor de Belize Iván Durán, donde el protagonismo es de las mujeres –que ponen sus voces- del “Proyecto de las Mujeres Garifuna” (The Garifuna Women´s Project). La gestación del trabajo discográfico abarcó diez años. Su productor, Iván Durán, invirtió los cinco primeros en recorrer los diversos países en que se conserva algún vestigio de cultura garífuna, observando fiestas y ceremonias tradicionales y acudiendo a sus casas para oírlas cantar en su entorno cotidiano. Descubrió, según explica, no sólo voces de una belleza extraordinaria sino también la fuerza y el coraje de esas mujeres anónimas que son las principales responsables de difundir, a través de sus canciones, la historia de su pueblo. Fueron necesarios cinco más para plasmar en un disco toda esa riqueza y conseguir emparejar la esencia de esas voces y ritmos tradicionales con el aire contemporáneo de los arreglos del propio Durán.

El recorrido por los diferentes países con población garífuna se percibe claramente en los diversos temas, así como la variedad de influencias de esta cultura. Las percusiones tradicionales se mezclan con los sonidos de las cuerdas de las jaranas, con los ritmos africanos y con la rumba caribeña, destacando especialmente las impresionantes voces de las mujeres, a veces desgarradas, a veces dulces y melosas, pero siempre cargadas de emoción y sentimiento.

Sitio web: Umalali - The Garifuna Women´s Project, Umalali en MySpace Música

01. nibari (my grandchild)
02. mérua
03. yündüya weyu (the sun has set)
04. barübana yagien (take me away)
05. hattie
06. luwübüri sigala (hills of tegucigalpa)
07. anaha ya (here i am)
08. tuguchili elia (elia´s father)
09. fuleisei (favours)
10. uruwei (the government)
11. áfayahádina (i have traveled)
12. lirun biganute (sad news)

Umalali

the rough guide to the music of the balkans (2003) [Balcanes]

2012-03-01T18:45:00.000+01:00

Esta colección contiene música de gran encanto y distinción. Si no hay tal cosa como un "sonido balcánico" es una mezcla de diferentes influencias étnicas que van desde las cadencias de Turquía a las antiguas polifonías albaneses.

Música gitana Plus! Un elemento común es que los ritmos suelen ser complejos, así como irresistible movimiento hacia delante. Un ejemplo de todo lo anterior se puede encontrar en la pista ", Mara Djeli" por Saban Bajramovic y respaldado por el muy talentoso Mostar Sevdah Reunion. Empieza lento, con una guitarra acústica, al igual que la apertura de una pieza flamenca. A continuación, una pared de sonidos gitanos se derrumba sobre ti, que suena como klezmer (o tal vez es al revés). Al final, los tambores de establecer un shuffle de que suena como el musette francés. (Otra pista de Mostar en el disco tiene la misma calidad). Ese sonido flamenco se lleva a cabo por Esma Redzepova, un gitano de Macedonia. Ella trae definitivamente que la calidad desgarradora la llamada española "duende" de su canto.

No es posible ir en cada pista, pero hay que mencionar que hay varios números de los anillos de bronce, todos ellos expertos jugado y muy pegadizo. Si usted tiene el más mínimo interés en la música de la región, que debe salir The Rough Guide to the Music de los Balcanes. ~ Kurt Keefner

o1. Djeli Mara - Saban Bajramovic
o2. Pet Je Kumi - Cinkusi
o3. Asfalt Tango - Fanfare Ciocarlia
o4. U Lijepom Starom Gradu Visegradu - Mostar Sevdah Reunion
o5. Nesatova Sa-Sa - Maleshevski Melos
o6. Chaje Skukarije - Esma Redzepova
o7. Disko-Dzummbus - Boban Markovic Orkestar
o8. Jora De La Bolintin - Toni Iordache
o9. Karafili Edhe Zamaki - Gonda Manakovska
10. Belmont - Yuri Yunakov
11. Jarnana - Ayde Mori
12. A Pirin Medley - Angelite
13. Taranjkanje - Marusic Is Trio
14. Trigona - Kristi Stassinopoulou
15. Do Mare Ciften - Ensemble Tirana

320 kbps + covers

the rough guide of the balkans

a disfrutarlo!

Zenet - Los Mares de China [jazz, España]

2012-02-29T23:29:00.000+01:00

Subido por Marhali.

Los Mares de China es el primer trabajo discográfico de Toni Zenet. Editado en 2009, Zenet fué premiado como Artista Revelación en la "XVI Edición Premios de la Música" en España (2010). Y no es para menos: es un Sinatra con acento malagueño que siente como Chavela Vargas… “un viaje por el mundo lleno de canciones que huelen a barrio andaluz, a malecón cubano y a callejón de Nueva York”. Jazz, copla y swing… difícilmente etiquetable.

Dicen de él que es un “crooner andaluz”, pero realmente es lo que se proponga, porque arrastra su faceta de actor hasta el escenario. De hecho, se diplomó en la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga. Su historia artística es una fábula de supervivencia. Tras el primer conato de éxito al dar vida al joven Picasso en una serie de televisión de los noventa (y participar en películas como "Morirás en Chafarinas", "Mensaka" y "El Camino de los Ingleses"), Toni ha sido casi todo: mimo, profesor de teatro, entrenador de actores y regidor. También pintor de brocha gorda, albañil, animador en barcos de recreo, comerciante en mercadillos medievales ambulantes y vendedor de filtros de agua, teléfonos y de enciclopedias.

Ahora, tras trabajos de subsistencia y algún intento fallido con su anterior grupo de funk andaluz, "Sur S. A.", ha llegado la recompensa. No en el cine, sino en la música. Zenet conoció hace cuatro años al compositor y poeta Javier Laguna en un bar. Laguna, que firma todos los textos de su primer disco, le animó a seguir y se convirtió en el sastre musical que le ha confeccionado este traje a medida. El resultado se llama Los mares de China, su primer disco, acompañado de su inseparable José Taboada y con música del propio Zenet. Algo nuevo con vocación de convertirse en clásico. Música de toda la vida que no se ha hecho hasta ahora. Casi ná.

Más información: El "joven Picasso" conquista los garitos

Web oficial: Zenet

01. Soñar contigo
02. Estela
03. Un beso de esos
04. En el mismo lado de la cama
05. Entre tu balcón y mi ventana
06. Yo que un día te quise siempre
07. Dientes de rata
08. Agua de Levante
09. Las causas perdidas
10. Ná de ná (Non Je Ne Regrete Rien)

Los Mares de China

Lokua Kanza - Nkolo [R.D. del Congo]

2012-02-29T23:15:00.001+01:00

Subido por Marhali.

Lokua Kanza encarna la antítesis de la imagen que tenemos en occidente de la música africana. Su estilo es intimista, acústico, de percusiones delicadas y sonidos puros. Su origen es congoleño, de padre mongo y madre tutsi. Después de vivir un tiempo en París, donde hizo un gran trabajo en producción para otros (incluido nuestro Pedro Guerra) y para sí mismo, desde hace un par de años se ha establecido en Brasil, atraído por su crisol cultural.

Desde Brasil lanzó su sexto trabajo en 2010, Nkolo. La música africana, las estructuras del jazz y algún que otro ritmo brasileño se dan la mano en él. Lokua es un erudito de la música contemporánea y este conocimiento le permite crear uniendo la belleza, el encanto y la fascinación que produce las diferentes músicas del mundo juntas. Ambientes tranquilos y relajados, sonidos creados con singulares instrumentos como la sanza, la cuica, un Ondas Martenot, un Cristal baschet e incluso un precioso coro de niños dominan la obra. Voces claras que cantan las letras de sus canciones en lingala (su lengua materna), swahili, francés, un idioma inventado y por supuesto el portugués de acogida.

Ha reunido a excelentes colaboradores como a Kool Matope y a una joven promesa llamada Fally Ipupa; además de su propio hermano René Lokua; un coro de 55 niños de Kinshasa, antes nombrados, en la canción “Famille”; Sylvain Luc, uno de los mejores guitarristas del mundo; Thomas Bloch, un virtuoso del Ondas Martenot, y del Cristal baschet y, sobre todo, destacar la colaboración del cantante Vander Lee en “Vou Ver”.

El resultado es este esperado Nkolo que no defrauda las expectativas creadas. Una gozada para el oído y especialmente para el sosiego del espíritu tan necesario en estos tiempos agitados. (Fuente: "Crisol de Músicas")

01. Elanga Ya Muinda
02. Dipano
03. Mapendo
04. Nakozonga
05. Famille
06. Nkolo
07. Loyenge
08. Soki
09. Vou Ver
10. On veut du soleil
11. Yalo
12. Oh Yahwe

Nkolo

Kailash Kher - Yatra (Nomadic Souls) [India,World Music]

2012-02-29T23:11:00.000+01:00

En un país con más de mil millones de personas, innumerables idiomas y multitud de influencias musicales, se necesita un talento especial para sobresalir entre la multitud como un artista. Por suerte, el talento es lo que Kailash Kher tiene ha sacos llenos.

Uno de los cantantes/compositores más populares en la India en este momento, Kailash Kher, llamó la atención en 2002 con su éxito, Alá Ke Bande. Desde entonces se ha convertido en un nombre familiar que realiza en más de 150 bandas sonoras de películas Hindi, grabó más de 400 sintonías de radio y televisión y se presentó Indian Idol y otros programas de televisión.

Además de esto, Kher, de alguna manera ha encontrado tiempo para colaborar con los hermanos músicos Naresh Paresh Kamath para formar la banda Kailasa, que se ha convertido en uno de los grupos más populares en el subcontinente.

Así que se trata como una pequeña sorpresa (sobre todo después de éxito mundial Slumdog Millionaire's) que el trío trataría como un avance con su lanzamiento internacional en primer lugar, Yatra (Nomad Souls). Una colección de nuevas canciones junto a grabaciones de estudio y acusticas de algunos de sus éxitos más admirados, Yatra es una excelente introducción a la música de la India contemporánea.

La incorporación de elementos espirituales de cantos sufíes, Rajasthani ritmos gitanos, la danza Punjabi y otros estilos regionales, fusionados con guitarra eléctrica, ritmos modernos y una gran variedad de instrumentos tradicionales, Yatra se eleva por encima de la música del mundo genérico.

A menudo se ha comparado a Kher con el difunto maestro qawwali Ustad Nusrat Fateh Ali Khan, y con razón. Su destreza vocal y letras que evocan el misticismo sufí el resultado son hipnotizantes canciones como Dilruba, Kaise Main Kahoon y Jhoomo Re.

Otros temas sobresalientes incluyen la influencia árabe en Taubah Taubah y una impresionante versión acustica de Teri Deewani, una oda a los delirios del amor cantadas desde la perspectiva femenina, y posiblemente una de las canciones más sentimentales en hindi de la última década.

Igualmente loable es el uso de los hermanos Kamath "del rock y las influencias electrónicas que dirigen el álbum claramente de la Indi-pop convencionales a sonidos que a menudo se producen cuando los artistas asiáticos adaptan su música para una audiencia occidental. En cambio, sus arreglos musicales superiores aumentan la sensibilidad popular Kher a escrto las letras de manera significativa para hacer una exploración de la condición humana y las complejidades del amor.
Fuente

Kailash Kher (vocals)
Tapas Roy (mandolin, oud, saz)
Sunil Das (sitar)
Ashwin Srinivasan, Naveen Kumar (flute)
Jaipur Kawa Brass Band (trumpet, French horn, trombone, tuba)
Naresh Kamath (keyboards, background vocals

&amp;amp;lt;a href="http://kailashkher.bandcamp.com/album/yatra-nomadic-souls"&amp;amp;gt;Kaise Main Kahoon (International Version) by Kailash Kher &amp;amp;amp;amp; Kailasa&amp;amp;lt;/a&amp;amp;gt;

01. - Kaise Main Kahoon (International Version)
02. - Dilruba (International Version)
03. - Guru Ghantal
04. - Turiya Turiya
05. - Chaandan Mein
06. - Kar Kar Main Haara
07. - Tauba Tauba (International Version)
08. - Bheeg Gaya Mera Mann (Cherapunji)
09. - Piya Ghar Aavenge
10. - Na Batati Tu
11. - Rang Rang Ma
12. - Jhoomo Re (International Version)
13. - Teri Deewani (Unplugged)
14. - Joban Chalke (Unplugged)

Yatra

Habib Koité & Bamada - Afriki [Malí]

2012-02-29T23:04:00.000+01:00

Subido por Marhali.

Habib Koité es una de las mayores estrellas de la música de Malí, y su reputación como guitarrista ha llegado a ser casi mítica. Afriki, editado en 2007, trajo de regreso al músico seis años después de su última entrega discográfica, Baro, colmando las expectativas puestas en Habib Koité que, acompañado de Bamada, narra en los once temas de este disco la peripecia de sus compatriotas en su viaje emigratorio a Europa o Estados Unidos.

Afriki, África en el idioma bambara malinense, ofrece la oportunidad para hacerse una idea de la riqueza cultural de Malí. La diversidad étnica y cultural se refleja en los estilos musicales peculiares de cada región a los que suelen ceñirse la mayoría de artistas locales. Sin embargo, Habib Koité integra en sus composiciones el amplio patrimonio musical existente, recorriendo a lo largo de los once temas del disco su vasta geografía y no apartándose en demasía de la tradición, utilizando instrumentos tradicionales africanos en desuso (como, por ejemplo, los cuernos de antílope) que, junto a las percusiones y los cantos, envuelven los temas de un aire ancestral capaz de convencer a cualquiera sobre la conveniencia de conservar la herencia del folklore musical. Por otra parte, Koité muestra su habilidad con la guitarra a la que confiere un sonido personal utilizando los acordes y el estilo de los instrumentos tradicionales de cuerda de la región.

Sus letras, en consonancia con su concepto musical, insisten en la importancia de conservar las raíces sin renunciar a las aportaciones de nuevas influencias, lanzando también un mensaje a la gente de su país para que luche junta por un futuro mejor sin dejarse envolver por las falsas promesas que les lleva a emigrar hacia otros continentes.

Sitio oficial: Habib Koité

Namania
N'tesse
Africa
Fimani
N'ba
Mali Ba
Barra
N'Teri
Nta Dim
Massake
Titati

Afriki

Sara Tavares - Balancê [Portugal]

2012-02-29T13:45:00.000+01:00

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Sara Tavares, cantante, guitarrista y compositora, es el fruto genuino del mestizaje afro-portugués: nacida en Lisboa en el seno de una familia de Cabo Verde, funde sonoridades de las islas atlánticas con un formato de cantautora lusa.

Inicialmente conocida como intérprete de góspel, funk y soul, gradualmente ha ido incorporando su faceta más africana a sus composiciones. Su segundo álbum Mi Ma Bo (1999) fue producido por el congoleño-parisiense Lokua Kanza. La mezcla de ritmos africanos y canciones de música pop melódicas le hizo alcanzar un gran éxito en su Portugal natal. En Balancê (2006), Sara compone todas las canciones (además de tocar casi todos los instrumentos) y logra combinar, de forma sutil y honesta, aires caboverdianos, portugueses y brasileños con melodías contemporáneas. Este trabajo le supuso la nominación a los “BBC Radio 3 Awards for World Music”.

01. Balancê
02. Bom Feeling
03. Lisboa Kuya
04. Ess Amor
05. One Love
06. Poka Terra (feat. Melo D)
07. Amor é
08. Dam Bô
09. Guisa
10. Planeta Sukri (feat. Boy Gê Mendes)
11. Novidadi
12. Muna Xeia
13. De Nua (feat. Ana Moura)

Balancê

Sara Tavares - Xinti [Portugal]

2012-02-29T13:44:00.000+01:00

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El último álbum de Sara Tavares, Xinti (2009), rebosa de toques de guitarra caboverdiana, ritmos angoleños y cálidas voces portuguesas. Su dulce voz acrecienta su belleza gracias a los magníficos arreglos que consigue, haciendo que las canciones de Xinti suenen luminosas, espléndidas y sugerentes.

“Este álbum no es sobre una canción, es algo para sentir. La vida tiene que girar y girar, como el mar. Tiene que borbotear, como una sopa; tienes que removerla para hacerla sabrosa. La vida a veces tiene que ser dura, para lograr algo puro...” (Sara Tavares, extraido de “Crisol de Músicas”)

01. Quando Dás Um Pouco Mais
02. Sumanai
03. Ponto de Luz
04. Caminhanti
05. Pé na Strada
06. Bué (você é...)
07. Di Alma
08. Keda Livre
09. Só Imagina
10. Minino
11. Voz Di Vento
12. Exala
13. Fundi Ku Mi
14. Manso Manso

Xinti

Rachid Taha - diwân y diwân 2 [árabe, raï]

2012-02-29T13:36:00.001+01:00

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Rachid Taha fué uno de los pioneros del rock árabe en los años 80 del siglo XX, momento de nueva conciencia política entre hijas e hijos de inmigrantes, particularmente de Argelia, que comenzaban a reclamar espacio propio en la ciudadanía francesa. Músico prolífico, originario de Orán (la capital del raï), desde sus comienzos sus canciones han sido un intento de hermanar el folklore mediterráneo con el rock, agitando conciencias contra las formas de exclusión a través de su música, que apuesta por el mestizaje y la fusión.

Diwân (1998) y Diwân 2 (2006) son dos de sus trabajos más representativos. Producidos por Steve Hillage, en ambos discos revisa grandes compositores e intérpretes de la canción árabe como Farid El Atrache (de Egipto), Abderrahmane Amrani (Dahmane El Harrachi), autor del hit "Ya Rayah", y otros clásicos de Marruecos y Argelia como Mohamed Mazouni, estrella de la canción franco-árabe de los años 70 con el tema "Ecoute Moi Camarade". "Agatha", tema del camerunés Francis Bebey, es una de las mejores canciones contra el racismo, salpicada de ironía y humor, donde la utilización de un instrumento tradicional de la cultura mandinga como la kora da un toque rítmico y armónico espectacular.

Las canciones están cantadas en francés y árabe, utilizando instrumentos tradicionales como el oud, flautas, darbukas… que recuerdan el ambiente ahumado de los cafés de Orán y El Cairo. Al hipnotismo que produce su escucha contribuye la participación de The Cairo String Ensemble, el virtuoso intérprete de laúd Hakim Hamadouche, la cantante de origen marroquí Amina Alaoui y el percusionista egipcio Hossam Ramzy.

Imprescindibles.

Sitio web oficial: Rachid Taha

Diwân (1998)

01. Ya Rayah
02. Ida
03. Habina
04. Bent Sahra
05. Ach Adani
06. El H´Mame
07. Enti Rahti
08. Menfi
09. Bani Al Insani
10. Malheureux Toujaurs
11. Aiya Aiya

diwân

Diwân 2 (2006)

01. Ecoute Moi Camarade
02. Rani
03. Agatha
04. Kifache Rah
05. Joséphine
06. Gana El Hawa
07. Ah Mom Amour
08. Mataouel Dellil
09. Maydoum
10. Ghanni Li Shwaya

diwân 2

Youssou N´Dour - Immigrés/Bitim Rew

2012-02-29T11:43:00.000+01:00

Subido por Marhali.

Immigrés-Bitim Rew (1984) fue el primer disco editado en estudio de Youssou N´Dour, disco considerado como uno de los pilares de la música africana y que la crítica musical ha incluido entre los 1000 discos de todos los tiempos. Distribuido en 1989 bajo la colección de Earthworks de Virgin, situó a Youssou N'Dour como el más valorado en Occidente de entre todos los músicos africanos que comenzaron a ver su obra difundida más allá del continente a partir de los años ochenta.

Immigrés es un álbum de concepto infrecuente para oídos educados en el pop-rock. En primer lugar, por la distribución: cuatro temas muy largos para un disco muy corto y, sobre todo, por la necesidad de adaptar nuestro oído para el disfrute pleno de una polisemia rítmica que difiere radicalmente de las formas mucho más básicas a las que el rock nos había habituado hasta el momento.

En estas canciones (con letras que evocan historias tradicionales de su país), los ingredientes parecen gozar de una vida propia e independiente. Circulan por su carril, se entrecruzan con otras secciones o ritmos, las melodías se intuyen y desaparecen apenas esbozadas; se dejan barrer por los teclados, son devueltas o no por la guitarra, y todo bajo la apariencia de una jam impredecible entre Youssou y su gente de Le Super Etoile de Dakar, que acaban tomando una férrea y secreta coherencia.

Immigrés: tres temas hechos de endiabladas sucesiones de ritmos y una canción (si así podemos llamar a "Pitche Me") de apariencia mucho más ceremoniosa y donde la bellísima voz de N'Dour nos deja noqueadas a base de arabescos imposibles. Una llamada a sus compatriotas emigrantes y una muestra de su esfuerzo por llevar su música al resto del mundo.

01. Immigrés/Bitim Rew
02. Pitche Mi
03. Taaw
04. Badou

Immigrés-Bitim Rew

Okna Tsahan Zam-Shaman Voices (2004) [Kalmukia, Rusia]

2012-02-27T22:52:00.000+01:00

Okna Tsahan Zam es un ejecutante excepcional de las personas Kalmyk épicas, sólo los budistas en Europa, deportados por Stalin en la década de 1940.

Él ha acompañado a la dombra , un laúd en forma de pera con un mango largo y se redujo de dos cuerdas hechas a vibrar con los dedos. Hay dos tipos de dombra de diferentes alturas.

Otros dos instrumentos Kalmyk aquí se utilizan: huuchir (anteriormente conocido como biwa , su caja de resonancia estaba formado por una vejiga) es un día de campo de edad en el tubo de sonda, equipada con dos (o, a veces cuatro) secuencias. El bloqueo de su arco de bambú se divide en dos partes, se utiliza la vibración (de la) cuerda (s) baja (s) y el otro (los) cable (s) alta (s). El lavado varía la tensión del cabello con un dedo con el fin de variar los colores de tono.

El djinguenuur es una cítara trapezoidal cuyas cuerdas son golpeadas por los coros de dos palos de luz. La cítara es un nativo de Irán, donde dio a luz a el salterio Europea. Esto fue llevado a China ( yangqin ) por los misioneros católicos italianos y franceses, antes de extenderse a Asia Central y Mongolia ( yoochin ).

Otros instrumentos (aparte de los de Europa) se juegan en Mongolia, que comenzó con la icónica huur Morin , el viejo caballo. Su caja trapezoidal está rematada con un mango largo de dos cuerdas que colgaban aguda y grave, respectivamente, la yegua de pelo y el caballo. Lacrosse es en forma de cabeza de caballo. Cuenta la leyenda que el primer instrumento fue construido por el Namjil cuco héroe con los huesos, la piel y el pelo de su caballo alado, Jonon Har (el Príncipe Negro), asesinado por una mujer celosa.

El Shanz , también llamado shudraga , es un laúd de cuello largo, montado con tres cuerdas, la caja de resonancia y de la plaza inferior de la resonancia son de piel de serpiente. La flauta, llamado limbo de los calmucos y los miembros de los mongoles, cuenta con seis hoyos de juego de construcción tradicional de bambú o de cobre, ahora se hace a menudo de un tubo de plástico. Los mongoles distinguir dos tipos de lámina de las mujeres ( EM ) - tiene el agujero estrecho y jugó en voz baja - y un macho ( c ), una flauta corta y juega con vigor. Los músicos suelen utilizar la técnica de respiración circular ( bituu am'sgal ), que le permite reproducir frases largas sin interrupción.

Sin embargo, el principal instrumento Okna Tsahan Zam es la voz. Es un maestro particular de höömii , canto de armónicos. Esta técnica, común en el oeste de los pueblos de Mongolia, es un tema fundamental al mismo tiempo un tono más serio que sirve como un zumbido de tono alto y la generación de una melodía armónica. Los mongoles saben seis técnicas, la höömii la nariz, la garganta, el pecho, el abdomen, la narración, la isgereh (o "la voz de flauta de nariz"). Esta técnica extraordinaria, que ha fascinado a muchos músicos occidentales, probablemente se relaciona con el universo chamánico. Y creemos que tiene efectos beneficiosos sobre los caballos y el ganado. Para Okna: "Estos sonidos nos conectan con el espacio, con las almas de nuestros antepasados, es la acumulación de energía, la revelación de la conciencia.". Henri Lecomte.
Fuente

01. Intro
02. EDJIN DUUN - Firecamp in the steppe
03. KHMEI (solo) - Chanz musician in the distance
04. AKHNER DUNER - Wolves in the windy slope
05. MOUKHNA TSAHAN - Djinguenuur ambience, Deportation train
06. SIBIR - In the village
07. EDJIN DUUN - Horses (acoustic)
08. STRING DUET
09. SAMARINE - Under the stars
10. KNOMEI (3 voices)
11. MOUKHNA TSAHAN - Thunder in the steppe (Featuring BAVAUSH)
12. DJANGAR - After the storm
13. AR BUMBIN ORN - Meditation
14. KHOMEI (choir)
15. Outro
Bonus Tracks Urban Remixes
16. DAVOUR GHALZEN
17. DAVOUR GHALZEN (Radio RMX by D.DALCAN)

Dedicado a Zaram, que creo le gusta el "throat singing"

320 kbps + small covers

Okna Tsahan Zam-Shaman Voices

a disfrutarlo!

The Chehadé Brothers - The Bridge Over The Mediterranean [folk/fusion, Palestina]

2012-02-25T18:58:00.000+01:00

Subido por Marhali.

The Chehadé Brothers son dos hermanos palestinos, de Jerusalén, virtuosos de, prácticamente, todos los instrumentos árabes conocidos de cuerda, viento y percusión.

Formados en la música oriental y en el arte poético del zajal, ghazal, hija´a (formas antiguas) y del taqsim, comenzaron siendo conocidos a través de los más importantes circuitos culturales interpretando folklore palestino. En Beirut se unieron a la legendaria Oriental Roots Orchestra, una big-band compuesta por los mejores músicos del mundo árabe y encabezada por el polifacético artista y compositor libanés de origen griego Michel Eléftériades.

Es, precisamente, con Michel Eléftériades como productor con quien lanzan, en 2005, su primer trabajo The Bridge Over The Mediterranean. Las letras llenas de humor, escritas en su mayor parte por el poeta Elia Azar, junto con la experiencia de Eléftériades, fusionando world music, dan como resultado un estilo personalísimo que puede ser descrito como “light popular tarab”, con influencias griegas, balcánicas y turcas. Un trabajo hermoso, divertido y a la vez riguroso que evoca, como su título mismo, toda la esencia de la cultura mediterránea.

Sitio web: Michel Eléftériades

01. Sitti - Granny
02. Darawish - We Are Not Rich
03. Al Nashal - The Day Pickockets
04. Niyal Albou - Lucky Man
05. Hasrah - Positive Thinking
06. Sigara - A Cigarette
07. Bahhar - The Sailor
08. Aarkal - Traffic Jam
09. Sahra - Antipthy
10. Kif El Hal - How Are You
11. Sitti Instrumental
12. Al Nashal Instrumental

Bridge Over The Mediterranean

forró etc. Music of the Brazilian Northest

2012-02-25T18:56:00.000+01:00

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Brasil tiene un riqueza musical extraordinaria y personalísima. El crisol humano que constituyen sus habitantes, mezcla heterogénea de razas blanca, india y negra, ha dado como resultado un sinfín de músicas propias o, cuando menos, de adaptaciones propias de ritmos foráneos. En Brasil la música está en todas partes. Y el forró es la música de la fiesta, fuertemente identificado con las celebraciones de junio (San Juan, San Antonio, San Pedro), música europea, africana, india pero, sobre todo, brasileña.

Varios de los estilos musicales de Brasil que se congregan bajo el termino genérico de forró, cuyo origen proviene del Nordeste de Brasil, derivan de los bailes populares del siglo XIX: arrasta-pé, en el que las parejas bailan arrastrando los pies contra el suelo; xote (análogo, por así decirlo, al “chotis” madrileño, un baile en parejas) y xaxado, un baile en linea. El sonido base del forró gira en torno a tres instrumentos básicos: el acordeón, el triángulo y la zabumba (zambomba).

forró etc. music of the brazilian northeast es una recopilación de David Byrne, para Luaka Bop, con objeto de dar a conocer intérpretes y conjuntos clásicos de estos estilos. El LP original es de 1991, y la edición que se presenta es una remasterización de 2006, con cuatro temas extra. Las notas sobre los temas y artistas seleccionados/as, contenidas en el LP, se encuentran en la página de Luaka Bop.

O Fole Roncou - Luiz Gonzaga (forró/xaxado)
Festa Do Interior - Gal Costa (frevo/arrasta-pé)
Tum-Tum-Tum - Jackson do Pandeiro (forró/samba)
Danado de Bom - Luiz Gonzaga (forró)
Querubim - Dominguinhos (xote)
O Sucesso da Zefinha - Anastácia (arrasta-pé)
É de Dar Água na Boca - Nando Cordel & Amelinha (arrasta-pé)
Vou Com Você - Dominguinhos (arrasta-pé)
Asa Branca - Gonzaguinha (arrasta-pé)
Recordação de Vaqueiro - Clemilda (aboio-toada/forró)
Bom Demais - Jorge de Altinho & Dominguinhos (arrasta-pé)
Tarde Nordestina - Marinalva (forró)
A Feita de Caruaru - Luiz Gonzaga (forró/xaxado)
Aniversário do seu Vavá - Genival Lacerda (forró/samba)
Chiclete com Banana - Jackson Do Pandeiro (forró/samba)
Rejeição - Trio Nordestino (forró)

forró etc.

Dadawa - Seven Days [china, folk, new age]

2012-02-25T18:50:00.000+01:00

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Dadawa es el nombre artístico de Zhu Zheqin, cantante de reconocido prestigio tanto en China como en Occidente, referida como la “Enya o Björk china” por la crítica, y la primera cantante china en vender un millón de discos en su país.

Descubierta por el compositor He Xuntian, profesor de música de Shangai que durante veinte años se dedicó a recopilar música tibetana, fué el mismo Xuntian el que le introdujo en el Tibet y su cultura. Su primer trabajo grabado en China, Yellow Children (1992), fue muy bien acogido en su país. La experiencia tibetana se refleja tanto en Sister Drum, publicado en 1995, como en Voices From The Sky (1998), que se convierten en éxitos internacionales y le llevan a ser considerada como estrella de la música china. No obstante, el uso del folklore tibetano como base de sus grabaciones no les eximieron de polémica, tanto a Dadawa como a su productor He Xuntian, en el contexto de la ocupación del Tibet por parte de China. En su defensa, Dadawa reivindica su amor por la música y la cultura del Tibet más allá de cuestiones políticas.

Después de unos años de paréntesis, en agosto de 2006 lanza su álbum Seven Days (nominado en los "BBC World Music Award in 2007"), con un concepto musical más dirigido hacia las canciones tradicionales de origen chino, en el que conserva referencias líricas a las ideas budistas, pero conservando “su marca registrada”: melodías maravillosamente cantadas, percusión asiática e instrumentación clásica y electrónica.

1. Flown Away
2. Fragrant Nirvana Tree
3. In the Setting of the Sun
4. Already Song
5. Satori
6. Passing by the Earth
7. Seventh Day

Dadawa - Seven Days

Beirut – The Flying Club Cup (2007) [USA]

2012-02-25T18:36:00.001+01:00

Zachary Francis Condon (nacido en Santa Fe, Nuevo México) tenía solamente veinte años cuando creó el grupo Beirut en el 2006. La inspiración le vino cuando, tres años antes, viajó a Europa y se hizo familiar con la música popular de la península balcánica (más precisamente con la de Goran Bregovic y la orquesta de Boban Markovic).

Su primer disco “Gulag Orkestar” fue lanzado al mercado en mayo del 2006, parte gracias a la ayuda brindada por Jeremy Barnes (de Neutral Milk Hotel y Hawk and a Hacksaw) y Heather Trost (Hawk and a Hacksaw). En este CD, Zachary fusiona de una forma espléndida música folk, mezclado con melodías de Europa del este y de México.

El segundo álbum, “The Flying Club Cup“, fue lanzado en octubre del 2007. Condon habría de comentar sobre este albúm que su inspiración vino en parte por el compositor belga Jacques Brel y la “chanson” francés. Contando con 13 canciones, hasta el día de hoy es su álbum más popular y ha sido alabado por críticos alrededor del globo.

Un dato verdaderamente curioso a tener en cuenta: Beirut apareció cierta vez en una mini-serie brasilera llamada “Capitu” y, desde ese momento, ha tenido un éxito rotundo en dicho país. Esto inspiró de tal forma a los músicos brasileros que no tardó en organizarse el “Beirutando na Praça” (Beiruteando en la plaza) que ocurrió en agosto del año pasado. Allí, bandas se juntarían a hacer covers de Beirut por las calles, inclusive agregándole un “toque” brasilero para adaptarlas a su cultura.

Resumiendo: “The Flying Club Cup” es un popurrí musical y podría ser el mejor ejemplo (hasta el momento) de lo que la banda puede lograr. Uno no puede evitar escuchar alguna de sus canciones e imaginarse caminando por alguna calle de Albania o Rumania. Culturalmente variado, Beirut es música para todos y es un grupo que nadie debería perderse.

Fuente

Lista de canciones:
1. A Call to Arms
2. Nantes
3. A Sunday Smile
4. Guyamas Sonora
5. La Banlieue
6. Cliquot
7. The Penalty
8. Forks and Knives (La Fête)
9. In the Mausoleum
10. Un Dernier Verre (Pour la Route)
11. Cherbourg
12. St. Apollonia
13. The Flying Club Cup

320 kbps + covers

Beirut – The Flying Club Cup

a disfrutarlo!

Ibrahim Ferrer - Mi sueño

2012-02-25T11:14:00.000+01:00

Subido por Marhali.

Mi sueño es el álbum póstumo, de 2007, de Ibrahim Ferrer, el gran vocalista cubano y cantante de Buena Vista Social Club y constituye el proyecto con el que el artista soñó toda su vida: un tributo al estilo musical cubano más romántico, el bolero. Está compuesto por 12 temas grabados en el Teatro Nacional de Cuba, en La Habana, y son nuevas a partir de canciones tradicionales, recreadas con el estilo personal de Ibrahim Ferrer. La producción del álbum corrió a cargo de Nick Gold y Roberto Fonseca.

Mi sueño forma parte de la colección Buena Vista Social Club presenta, y en él colabora Rubén González al piano en el tema “Melodía del río” producido por Ry Cooder, y Omara Portuondo cantando a dúo en “Quizás, quizás'. En cuanto a los músicos que acompañan a Ferrer, son: Roberto Fonseca, al piano; Orlando “Cachaito” López, al bajo; Manuel Galván, a la guitarra; y Ramsés Rodríguez, en la percusión.

Ibrahim Ferrer, conocido en todo el mundo por su participación en el disco Buena Vista Social Club (que ganó un Grammy y resucitó el interés por la música tradicional cubana), comenzó su carrera musical a los 14 años, identificada por una mezcla de sus raíces chinas y afroantillanas. En la década de los 50 del siglo XX se integró al conjunto de Pacho Alonso y Enrique Bonne, y fue también artista invitado en orquestas que hicieron leyenda como la Chepin y la de Benny Moré. Sin embargo, en los años 80 se retiró y se alejó de toda actividad musical hasta que el guitarrista estadounidense Ry Cooder lo redescubrió y su voz recorrió el mundo a partir de 1997 de la mano del disco Buena Vista Social Club, en el que Ferrer grabó 12 de los 14 temas incorporados a la producción, uniendo su nombre a otras glorias del son cubano como Omara Portuondo, Compay Segundo, Rubén González, y el guitarrista Galbán, entre otra gente.

Dos almas
Si te contara
Melodia del río
Cada noche un amor
Deuda
Uno
Convergencia
Quiéreme mucho
Perfidia
Copla Guajira
Quizás, Quizás
Alma Libre

Mi sueño

Goran Bregović - Alkohol, Šljivovica & Champagne

2012-02-25T00:00:00.001+01:00

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El gran difusor del folclore balcánico, Goran Bregović, presenta en 2009 Alkohol, Šljivovica & Champagne con su Banda de Bodas y Funerales, en el que vuelve a combinar los sonidos del folklore tradicional con el rock.

Dividido en dos capítulos, el primero se titula Šljivovica, en honor a la bebida tradicional yugoslava, una especie de brandy de ciruela, grabado en directo en Guca (Serbia) durante el verano de 2007, en un festival anual de bandas de metales y que atrae a unas 150.000 personas que, bajo unas tiendas que les protegen del sol abrasador, comen carne a la brasa y chucrut cocinado a la manera serbia, y beben y escuchan música y vuelven a beber… durante siete días. Las canciones grabadas en Guca nunca han sido publicadas antes y están pensadas para ser escuchadas y bailadas con el acompañamiento de bebidas fuertes.

El segundo capítulo, Champagne, es un concierto para violín, una banda balcánica de metales, seis voces masculinas y un quinteto de cuerda. El violín se toca aquí de tres maneras distintas: de la manera clásica en la que se toca en la tradición europea y cristiana; de la manera en la que se toca en la tradición judía (Kletzmer), y a la manera oriental. Para esta segunda parte, Goran recomienda disfrutar de las canciones con alcoholes menos fuertes y luces difuminadas…

Sitio Oficial: Goran Bregović

01. Yeremija
02. Paradehtika
03. Venzinatiko
04. On the back-seat of my car
05. Imagine
06. Truckers´ Song
07. Gas Gas Gas (Shantel vs. Bregovic)
08. Ruzica (Rose)
09. For Esma
10. Streets are drunk
11. Kerna mas
12. Na 'tan Ixara Olikopedo
13. Tis Agapis Sou To Risko

Alkohol, Šljivovica & Champagne

Jazz Playground

2012-02-24T23:57:00.000+01:00

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Jazz Playground (2010), dentro de la colección “Putumayo Kids”, es una nueva selección de jazz internacional destinada tanto a familias como a personas que quieran introducirse en el tema. Desde el bebop y el swing, pasando por el jazz latino, el jazz gitano, la bossa nova brasileña y el jazz africano, este multicultural disco celebra la vibrante diversidad global del jazz, mostrándonos cómo artistas en Sudamérica, Europa, Asia, África y Oceanía han adoptado el jazz incorporándole sonidos propios.

Como acostumbra Putumayo, el libreto se presenta con deliciosas ilustraciones para cada tema de Nicola Heindl, con la introducción en inglés, castellano, francés y alemán.

01. Lewis Franco & The Missing Cats - Stomp, Stomp (USA)
02. Chris McKhool - Spider-man (Canada)
03. Jose Conde - Cumbamba (USA/Cuba)
04. Triocéphale - Sur Le Pont d'Avignon (France)
05. Oran Etkin with Charenee Wade - Little Lamb Jam (Israel/USA)
06. Kinderjazz - Gazooba (Australia)
07. Barbara Morrison - Sing a Song of Sixpence (USA)
08. Trapperdetrap - Zuignapje (The Netherlands)
09. Selloane with Famoro Dioubaté - Shortnin' Bread (South Africa/Guinea)
10. The Mighty Buzzniks - Agree & Disagree (Australia)
11. Gui Tavares - Dois Meninos (Brazil)
12. Modern Conya - Oyatsu no Jikan (Japan)
13. Ingrid Lucia - This Little Light of Mine (USA)

Jazz Playground

Buika - El último trago [jazz, cubano, España]

2012-02-24T23:49:00.001+01:00

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Chucho Valdés y Concha Buika han llegado a la excelencia de la música por caminos diferentes, pero signados por el origen africano de sus ancestros y por la pasión, la espontaneidad y lo impecable de la entrega. Buika, una de las más particulares intérpretes españolas del momento, y una verdadera revelación para los que consideraban que el flamenco no tenía ya demasiado que aportar a la canción española y al jazz; Chucho Valdés, con un inmenso talento y unas manos privilegiadas que le han convertido en una leyenda del jazz y de la música en general.

En abril de 2009 se reunieron en los estudios Abdala de Cuba para grabar un nuevo álbum, de la mano de Javier Limón, que salió en el mismo año, en octubre. El trabajo, que lleva por título El último Trago rinde tributo a Chavela Vargas en su 90 cumpleaños, y recoge el repertorio que la acompañó a lo largo de toda su carrera. “Las ciudades”, “Las simples cosas”, “Sombras” y “Luz de Luna” son algunas de las canciones que Chavela paseó por los escenarios de todo el mundo.

01. Soledad
02. Sombras
03. Las ciudades
04. Cruz de olvido
05. El andariego
06. En el último trago
07. Se me hizo fácil
08. Un mundo raro
09. Las simples cosas
10. Somos
11. Luz de luna
12. Vámonos

El último trago

Anouar Brahem Trio - Astrakan café

2012-02-24T23:45:00.000+01:00

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Astrakan café (2000) es un excepcional trabajo de fluidez entre el sonido suave del laúd de Anouar Brahem, la percusión de la darbuka o del bendir de Lassad Hosni y el clarinete de Barbaros Erköse.

Se consigue un sonido particular y relajante, místico (quizás por haber sido grabado en el Monasterio de St. Gerold de Austria) pero, sobre todo, árabe (hay versiones de clásicos de la tradición árabe otomana), norteafricano y mediterráneo (visita la fusión indisoluble entre la cultura ibérica y maghrebi), y también influenciado por el jazz, con numerosos solos instrumentales, pero sin romper jamás la línea rítmica y melódica. Ideal para degustar con un buen té moruno.

01. Aube rouge à Grozny
02. Astrakan café
03. The Mozdok´s train
04. Blue jewels
05. Nihawend Lunga
06. Ashkabad
07. Halfouine
08. Parfum de gitane
09. Khotan
10. Karakoum
11. Astara
12. Dar es Salam
13. Hijaz pechref
14. Astrakan café (2)

Astrakan café

Live 8 En el Eden: Africa Calling (2006) [Africa/Inglaterra]

2012-02-24T20:12:00.000+01:00

Este álbum es un registro de un día único, en la celebraciónde la música y el espíritu de África, con Youssou N'Dour, Siyaya, AngeliqueKidjo, Mariza, Tinariwen, Daara J, Mapfumo Thomas, Ogada Ayub y muchos más!

Esta recopilación especial fue compilado con cariño demuchas horas de grabaciones desde el concierto Live 8 Africa Calling en elEden, el 2 de julio de 2006 con el principal objetivo de representar losaspectos más destacados musicales de ese día tan especial.

Incluye 8 pistas no publicadas anteriormente de este evento.

[quote]".... Probablemente el mejor día de la músicaafricana ha visto en el Reino Unido. Los artistas se han superado,proporcionando una sorpresa tras otra ". (Froots)[/quote]

1. Set by Youssou N’Dour Et Le Super Étoile De Dakar
2. Beyeza by Shikisha
3. Agolo by Angelique Kidjo
4. Barco Negro by Mariza
5. Louanges by Akim El Sikameya
6. Amassakoul (Africa Calling Mix)Tinariwen
7. Lumbul by Modou Diouf And O Fogum
8. Kuvarira Mukati by Thomas Mapfumo and The Blacks Unlimited
9. Lapwony by Geoffrey Oryema
10. Mbani by Siyaya
11. Lei Lei (I Feel Alone) by Maryam Mursa
12. Billi by Kanda Bongo Man
13. Gua by Emmanuel Jal
14. Na Menguele by Coco Mbassi
15. Changamire by Chartwell Dutiro
16. Lori Swela by Ayub Ogada and Uno
17. Exodus by Daara J
18. New Africa by Youssou N’Dour Et Le Super Etoile De Dakar

320 kbps + covers

AFRICA CALLING

a disfrutarlo!

Richard Bona - Tiki

2012-02-21T09:46:00.000+01:00

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Si hay una persona a la que se la pueda considerar virtuosa, esa es Richard Bona. Vocalista, multi-instrumentista y compositor, con un acervo musical impresionante, Bona es uno de los músicos africanos que mejor ha sabido fusionar los sonidos y tradiciones musicales de su África natal, la influencia europea y el mejor jazz americano, generando grandes canciones. Y su virtuosismo procede, precisamente, de su bagaje experiencial: su abuelo era un destacado percusionista y su madre cantante, empezó a cantar con cinco años y en su infancia construía flautas, instrumentos de percusión e, incluso, guitarras; en sus primeros años en Francia estudió música y composición, empapándose de Miles Davis, Chet Baker y Ben Webster, y trabajando con Didier Lockwood (violinista), Marc Ducret (guitarra), Manu Dibango (batería) y Salif Keita. En sus primeros años en Nueva York acompañó a músicos tan diversos como Paul Simon, Chucho Valdés, Harry Connick Jr., Eddie Palmieri, Pat Metheny, Herbie Hancock, Branford Marsalis y Bobby McFerrin, llegando a ser director musical de la banda de Harry Belafonte.

Sus dos primeros trabajos en solitario, Scenes From My Life (1999) y Reverence (2001) son un auténtico resumen de lo que es capaz de hacer este bajista, tocando jazz ambientado en la música africana, con funky y un poco de cumbia latinoamericana. En 2003 publicó su tercer trabajo discográfico, Munia The Tale, que es un disco con creaciones que Bona fue recopilando en su carrera y con un registro que va desde el jazz a la música de raíz, acompañado por una excelente banda interracial. En el año 2004, se unió al antillano Gerald Toto y al congoleño Lokua Kanza para grabar el disco Toto Bona Lokua.

En Tiki ("Tesoro", 2005) tampoco olvida esos acordes e influencias brasileñas que siempre pueblan sus canciones y emplea las armonías vocales que ha heredado de sus antepasados. Es decir, auna su maravillosa técnica con el bajo con una conexión que transita, en viaje de ida y vuelta, a través de Camerún, Brasil, Estados Unidos y Cuba. Junto a las melodías y cadencias de su zona natal afloran ritmos de bossa y cha cha chá, funky, rhythm & blues, arreglos de jazz y una instrumentación meticulosa, con espacios para el lucimiento individual de los invitados.

Se ha dicho de él: "Si Jaco Pastorius hubiera nacido en el Camerún, se llamaría Richard Bona".

01. Tiki
02. Dipama
03. Kivu
04. O Beta O Siba
05. Esoka Bulu (Night Whisper)
06. O Sen Sen Sen
07. Manyaka O Brazil
08. Three Women
09. Ba Senge
10. Ida Bato (Ancient Song 1789)
11. Akwa Samba Yaya
12. Calçabão de Copacabana
13. Samaouma
14. Nu Sango

Tiki

Omar Sosa - Afreecanos [jazz, afrocuban]

2012-02-21T09:44:00.001+01:00

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Omar Sosa es uno de los artistas de jazz más versátiles del panorama actual: compositor, productor, pianista, percusionista, arreglista y líder de diversas formaciones. En su música fusiona un amplio espectro de las músicas del mundo y elementos de electrónica contemporánea con sus raíces afro-cubanas para crear un sonido urbano, fresco y original, y todo con base de latin jazz.

Y es que su propio mundo afro-cubano (nació en Camagüey, Cuba) le dió las claves para que desarrollara, a lo largo de su vida, un recorrido que lo llevó a conectar con países de África en los que estuvo en los años 80 (como Angola, Congo o Etiopía), o con su actividad artístico-cultural que desarrolla desde sus comienzos en el Conservatorio de Música de Camagüey y luego, a comienzos de los 90, con la experiencia de vivir en Ecuador y descubrir la música de la comunidad de origen africano. También los grandes del Jazz como Peterson, Hancock, Corea, Jarret, Coltrane, o Parker tuvieron su influencia en su forma particular de expresión, sobre todo cuando al finalizar sus estudios entró en contacto con la música de Thelonius Monk.

En Afreecanos (2008), Omar Sosa vuelve a mostrarnos su visión personal del jazz afrocubano, desarrollando componentes de la cultura de raíz africana. Sosa comparte su música con artistas de países como Mozambique, Senegal, Mali, Guinea o Marruecos, que aportan sus riquezas a las grabaciones, estrechando también estos lazos con artistas de cultura de raíz africana (como Cuba o Brasil) e incluyendo a músicos de países multiculturales por excelencia como Francia o Estados Unidos.

Según sus palabras, “Afreecanos es una oda a África. Éste trabajo expresa que somos hijos de una misma madre y siempre, aunque nuestros sonido provengan de diferentes lugares, estaremos conjuntados en una esencia, concepción y origen. Es por esto que no existe dificultades para unir a los muchos artistas que han contribuido con su propio lenguaje musical... manifestación de la gran África viva”.

01. Prologo
02. Ollu
03. Nene La Kanou
04. Yeye Moro
05. Babalada
06. Light In The Sky
07. D'Son
08. Tres Negros
09. Mon Yalala
10. Tumborum
11. Why Angà?

Afreecanos

Omar Sosa - Sentir [jazz, afrocuban]

2012-02-21T09:44:00.000+01:00

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Información web: Omar Sosa - Sentir

Sentir (2002)

01.Opening for Elegguá
02.Sucesión en Blanco
03.Rojo Changó
04.Manto Blanco
05.Toridanzón
06.Azul Yemayá
07.Oda al Negro
08.Sister in Yellow
09.Cielo y Mar Azules
10.Tres Notas en Amarillo
11.Rojo y Negro
12.Eggun
13.Sentir

Sentir