sábado, 28 de diciembre de 2013

Steve Kindler & Teja Bell - Dolphin Smiles


Dophin Smiles is what all "New Age" artists strive for. A rare blend of mysticism and jazz, the music flows like dophins swimming in the sea. Steve Kindler's violin and Teja Bell's guitar work are first rate and the execution of the compositions never fails to impress and surprise. Kim Atkinson, on a variety of percussion instruments, completes the team of talented and visionary musicians who produced this ablum in the late 1980"s, and yet it still sounds completely contemporay.
Fuente: Amazon




Steve Kindler:  
Synthesizer, Violin, Arranger, Autoharp, Drums, Producer, Engineer, Emulator, Violin (Electric), Performer, Drum Machine, Mixing, Synthesizer Bass, DX-7, Electric Violin.
Teja Bell:
Synthesizer, Bass, Guitar, Arranger, Bass (Electric), Guitar (12 String), Producer, Performer, Executive Producer, Mixing, DX-7
Kim Atkinson:
Bongos, Conga, Triangle, Multi Instruments, Surdo, Agogo, Shaker, Guiro, Wood Block, Cabasa, Afuche

Tracks
1. Windsurfer
2. Kaimana
3. Dolphin Suite: Introduction/Dolphin Smiles/The Dolphin's Dream/Dolphin
4. Leeward Sail
5. Sounding
6. Farthest Shore

jueves, 26 de diciembre de 2013

Steve Kindler - Across a Rainbow Sea


Steve Kindler's music is a bit difficult to place but easy to listen to.
Some of the tunes are catchy while others primarily set introspective moods.
Most of the music is upbeat and Kindler's violin is quite attractive;
he is also heard in spots on guitar and synthesizer. The personnel changes
constantly throughout the program, yet there is a unity to the music as one
piece flows naturally into the next. The music could be called light fusion
with straight-ahead and new age sections or even superior background music,
but in general it is beyond simple classification. This CD from the defunct
Global Pacific label will be difficult to locate, but is worth searching for
due to Steve Kindler's violin.
Review    by Scott Yanow All Music

    
   
Name                    Credits    
Andrew Annenberg     Artwork
Kim Atkinson             Bongos, Conga, Timbales, Guiro
Jimi Behringer             Guitar (Electric)
Suzanne Ciani             Synthesizer
Isaac Epps             Keyboards, Triangle, Pandeiro, Surdo, Agogo, Ganza, Wood Block, Tamborim
David Friesen             Bass
Larry Grenadier     Bass (Acoustic)
Barklie Henry             Executive Producer
Clay Henry             Producer, Shaker, Shekere, Tamborim
Michael Hollyfield     Design
Melisa Kary             Vocals
Steve Kindler             Synthesizer, Guitar (Acoustic), Violin, Vocals, Producer, Engineer, Violin (Electric),Guitar (Classical), Kurzweil Synthesizer, Zeta Violin
Frank Martin             Keyboards
Katalin Matavovsky     Vocals
Howard Morris             Coordination
Pinchey Pete             Conga
Carlos Reyes             Bass (Electric), Guitar (Rhythm), Paraguayan Harp
Jackie Ryan             Vocals
Howard Sapper             Coordination
Casey Schelierell     Drums, Dynachord
Greg Shaw             Digital Transfers
Sulubika             Flute


1 For the Americas         Kindler         4:57
2 Plumeria                 Kindler         4:31
3 Agua Caliente         Kindler         4:42
4 Caught Up in the Rapture  Glenn, Quander  4:37
5 Wistari Reef                 Kindler         5:40
6 Little Fuji                 Kindler         4:57
7 Mystic Fire                 Kindler         5:25
8 Bodysurfer                 Kindler         4:40
9 Across a Rainbow Sea         Kindler         8:03

jueves, 19 de diciembre de 2013

Adam Hurst - Obscura (2012)


Adam Hurst utiliza el violonchelo como una voz melódica en solitario y crea poesía musical apasionada y emotiva que cava directamente al alma. La música original de Adam Hurst es a la vez inquietante, etérea, evocadora y romántica. Su música tiene toques de árabe, india, de Europa del Este, nativo americano y de las tradiciones celtas.

Hurst ha publicado doce CDs de música original. Su más reciente, llamado "Obscura", es una colección de canciones para Cello, Tanpura Drone, y tambor.



01. Hidden Door
02. Smoke and Ash
03. The Innocent
04. Four Winds
05. Meridiem
06. Unveiling
07. Obscura
08. Specter
09. Incantation
10. Oracle
11. Waning Hours

martes, 17 de diciembre de 2013

Andre Mehmari - De Arvores e Valsas [Brasil]



De Árvores e Valsas es el primer disco de Andre Mehmari, enteramente dedicada a su producción de compositor, con énfasis en sus habilidades de multi-instrumentista.

Grabado entre 2004 y 2007 en el estudio del compositor mismo y contando con las voces de Mónica Salmaso, Sergio Santos y Zé Miguel Wisnik, el disco hace un viaje lírico a través del universo de la música brasileña, y trae influencias desde el jazz y la música clásica, los trazos inconfundible del músico.
Participan también los Instrumentistas Teco Cardoso, Gabriele Mirabassi Sergio Pray, Neymar y Zé Alexandre Carvalho Dias.


Tracks
1. Um Anjo Nasce
2. Os Amores Dificeis
3. Noturno Espanhol
4. Mairiporã
5. Modular Paixões - com Zé Miguel Wisnik
6. Veredas
7. Valse Blues
8. Vento Bom - com Sérgio Santos
9. Passeio
10. O Espelho - com Mônica Salmaso
11. Lullaby Zulu
12. Toada
13. Ná!
14. Eternamente
15. Aria
16. Um Anjo Nasce(Piano Solo)
17. Ouro Preto

sábado, 14 de diciembre de 2013

Pierre Akendengué - Destinee (2013) Gabón






Nacido en una pequeña isla en el estuario del río Ogowe Gabón Pierre Akendengue ha señalado a la fuerza de la naturaleza, como la selva, a menudo se canta.

Letrista del genio, uno de los más grandes del África francófona que ha llevado a este día, pertenece a un linaje de poetas de cabotaje.

Myene canto, francés y otros dialectos menores de Gabón se dominan, se compara el artista a una "caja de resonancia" de la sociedad, sin el cual pronto esclerosis.

Sr. Gran africana canción cuya música se disfruta como una buena botella de Burdeos.

Más información: www.akendengue.com

Setenta años y todos los rangos!

En este año en particular, en la que el cantante se prepara para celebrar sus siete décadas, Pierre Akendengue vuelta con vigésimo álbum (¡sí!), Una especie de "una carrera singular que se hace el artista Una de las leyendas de la música africana "(de acuerdo a la producción).

Y si hay una cosa que sólo se puede estar de acuerdo, es el icono de estar con este artista, por desgracia, tan poco conocido en Francia .

Pierre Akendengue, cantante, músico, arreglista, es ante todo un hombre de letras como la música en realidad casi la actualidad. Arreglista famoso, que es de hecho conocido por ser el uno de los más grandes compositores del continente desde su creación en la década de 1970.

En París, su música y atractivas letras y conducen a la señal para el legendario sello Saravah (la de Jacques Higelin y Brigitte Fontaine y otros).

Lanzó su primer álbum "Nandipo" en 1974. Haciéndose eco de él, "Destiny" encuentra aquí su primer amor con composiciones elegantes y refinados, perfectamente controlada (pata), donde coros y voces femeninas ocupan un lugar prominente.

La percusión de latón, teclado guitarras, la mano del maestro está en todas partes, y si usted no conoce el mundo de Pierre Akendengue este álbum que se encuentre como si fuera el primero.

Singular y único.




1 Destinee Start
2 Y'a du´aimer Start
3 Eningo Start
4 Luanda Start
5 Ma foret Start
6 Mama y´oma Start
7 Eneka Start
8 Sah! Sah! Start
9 Mpoge bwe Start
10 Taper le diable Start
11 Y'a plus de peche Start
12 Dongwambeya


VB-261 kbps - 110,5 MB


viernes, 13 de diciembre de 2013

Garmarna - Hildegard von Bingen



Garmarna es el nombre de un grupo de música folk sueco.

Sus inicios se remontan a 1990, cuando tres adolescentes de Sundsvall, Gotte Ringqvist, Stefan Brisland-Ferner y Rickard Westman, decidieron montar una banda tras quedar impresionados por el montaje musical de la obra "[Hamlet]".

Dos años más tarde, habían conseguido cierta popularidad local y decidieron probar suerte en el festival de música folk de Umeå (donde volverían a partircipar nuevamente varios años después). Consiguieron llamar la atención de un reportero radiofónico que les invitó al festival de Hultsfred.Con motivo de su participación en este festival de música rock, se unió al grupo el batería Jens Höglin. En la noche de agosto de su actuación, consiguieron atraer no sólo la atención de la que sería más tarde su vocalista Emma Härdelin, sino también de Mats Hammerman, presidente de la discográfica Massproduktion, que les ofreció un contrato el mismo día.
Su primer disco fue publicado a principios de 1993, y se tituló "Garmarna". Recibió buenas críticas, por lo que se realizó una gira por todo el país. A finales de ese mismo año se comenzó a trabajar en un nuevo disco, que sería publicado el 18 de abril de 1994 bajo el título "Vittrad". Dicho álbum supuso un nuevo éxito, lo que les permitió continuar con su gira por toda Suecia e, incluso, por Alemania.

Drew Miller (bajista estadounidense del grupo Boiled In Lean) se hace con una copia de dicho álbum durante el verano de 1994 y decide publicarlo en su país, así como en Canadá. Dicho disco (cuya versión en inglés fue "Crumbling Away") supuso el primer viaje de la banda a los Estados Unidos en marzo de 1995, para luego continuar con su gira por Finlandia, Alemania y Noruega.

El éxito de la banda es tal, que la productora Massproduktion proyecta la publicación del disco en Alemania, Austria, Suiza, los países del Benelux y algunos estados asiáticos.Tras su gira alemana, se publica "Guds Spelemän" a finales del mes de febrero de 1996. Recibió nuevamente unas críticas inmejorables, y más tarde recibiría el Premio Al Mejor Álbum de Música Folk. Su versión en inglés, "Fiddlers of God" se publicaría en varios países europeos, así como Taiwán, Corea del Sur y Japón.

Al año siguiente, la banda participó en el Melodifestivalen 1997 con un tema compuesto por Mats Wester y Py Bäckman. Su participación fue cuestionada, debido al carácter comercial de este festival nacional, pero la banda supo presentar su canción ("En gång ska han gråta") con su toque especial.


El año 1998 se caracterizó por la elaboración de un nuevo álbum que, tras su tour estival, se retrasaría hasta el 5 de marzo de 1999 bajo el nombre de "Vedergällningen" En 2001 participaron en un álbum con versiones del legendario grupo punk-reggae Rasta Junden con el tema "Rastlös" y comenzaron a trabajar en su nuevo trabajo, "Hildegard von Bingen". Publicado a finales de abril, recibió nuevamente alabanzas por parte de críticos musicales suecos y del resto del continente.
Al año siguiente, realizaron una gira por toda Europa, Estados Unidos y Japón. En 2003, celebrando su décimo aniversario, comienzan a trabajar en un nuevo trabajo musical. Paralelamente, Emma, la solista del grupo, afianza su carrera en solitario con la publicación de varios trabajos con su propio grupo, más orientado al Folk tradicional y con más presencia de su voz. Dicho grupo se denomina Triakel. Cuyo primer disco ve la luz en el año 2002.
http://es.wikipedia.org/wiki/Garmarna


domingo, 8 de diciembre de 2013

Julie Fowlis - Cuilidh (2007)



Continuación a su premiado debut de 2005, “Mar a tha mo chridhe” (Así es mi Corazón) la cantante de las Hébridas edita el luminoso “Cuilidh”, nombre gaélico que significa  tesoro o lugar secreto para esconder cosas de valor.
Como siempre, las canciones y melodías provienen del folclor histórico de su nativa North Uist en las islas Escocesas del Oeste.
http://www.elcohete.com/juliefowlis.htm


Julie Fowlis - Mar A Tha Mo Chridhe (2005)



Julie Fowlis es una intérprete de música celta originaria de Escocia (Reino Unido), que canta principalmente en gaélico escocés.
Fowlis creció en North Uist, una isla de las Hébridas Exteriores, una comunidad de mayoría gaélico hablante.  Desde muy pequeña, se involucró con la música tradicional y aprendió a cantar, a bailar y a tocar la gaita. En 2012 participa en dos temas de la banda sonora de la última película de los estudios Pixar, Brave
http://www.juliefowlis.com/

Mar a tha mo chridhe is the début music album by Scottish musician Julie Fowlis. It is sung entirely in Scottish Gaelic, and the album title means As My Heart Is.

    Julie Fowlis – Vocals, Highland Pipes, Flute, Whistles
    Muireann Nic Amhlaoibh – Vocals
    Eamon Doorley – Bouzouki, Fiddle
    Iain Mac Donald
    John Doyle - Guitar

 

miércoles, 4 de diciembre de 2013

The Baghdaddies - Dancylvania (2010) [Inglaterra]

Baghdaddies son:

Nigel kirkpatrick Trompeta, Voz y Melódica, Flugal Cuerno

Guitarra Paul Susans Bajo, Voz, Sousaphone y Contrabajo

Martin Douglas Drums, Vocals, Marching batería y percusión

Paul Ruddick Saxofón, Voz y flauta

Ziad Jabero Guitarra, voz y trombón

Recorriendo el mundo durante 14 años, la música los Baghdaddies 'es la música del mundo con fuertes tendencias de los Balcanes junto a las ranuras del Caribe, los ritmos del Medio Oriente e incluso algunos toques Geordie [Newcastle] nativas, todo inundado de influencias como el ska, jazz, punk y metal, entregado con el teatro y la exuberancia. Edificante y contagiosa y bailable, lleno de latón ampollas, conmovedoras armonías vocales 5 y una sección de ritmo que no se puede mantener todavía. Canciones para escuchar y fiesta!

"La banda tiene un estilo particular para los Balcanes y la captura de su frenética energía y extravagancia maravillosamente. También hay una parte justa de klezmer, jazz, ska y punk - una fusión anárquica donde Ivo Papasov reúne The Clash se reúne The Beat '[la revista songlines]

escuchar nuestra música siguiendo el siguiente enlace
http://soundcloud.com/baghdaddies
Los Baghdaddies realizan en festivales y lugares de todo el mundo, sino que también realizan espectáculos de calle y también pueden cambiar su forma de instrumentalización de vagar y proceso en un estilo de la banda Roma latón con tambor que marcha, sousaphone, trombón, saxo y trompeta. Los Baghdaddies también están felices de tener reservas privadas y son el anillo de bodas perfecto!
 
Hop en la alfombra mágica Baghdaddies para un increíble viaje musical recorriendo muchos rincones de la tierra. Los Baghdaddies han sido las audiencias asombrosas en toda Europa durante muchos años con su mezcla anárquica de estilos musicales europeos y mundiales tradicionales de todas las épocas, tirando juntos para formar una marca única infecciosa de música que nunca deja de tener un público saltando en un frenesí!

Los Baghdaddies juegan un batiburrillo ecléctico de alegría musical, ideal para acompañar el baile, la bebida, la fiesta y de compras. La banda se formó en 1996 y desde entonces ha lanzado cuatro álbumes. Han realizado giras y gigged extensamente por todo el Reino Unido y Europa - En etapas a lo largo y ancho, grandes y pequeñas, en las calles, en los pasillos de la aldea, los recursos de la música a todos.

Su sonido está influenciado por la música de todo el mundo - de la boda gitana, banda de música y la música gitana de Europa del Este, a través de reggae, ska, calypso, jazz y punk rock. Los Baghdaddies mantengan siempre un lado verdaderamente feliz y seriamente bailable a su música.

Provenientes de Newcastle upon Tyne, Inglaterra, la banda tienen la suerte de haber jugado en muchos eventos importantes y festivales, y ha aparecido en la radio y televisión en toda Europa. , Los Baghdaddies garantizan una velada estimulante de la fiesta musical y cavortment .... no se olvide de los zapatos de baile!!!



















Stash
Keep Ya Feet Still
Into the Ether
Sufi’s Beard
Shri
Slow March to China
Pan’s Peephole
Biccy
Why
Flying Dragon
Happy Accident
Ivo


The Baghdaddies - Dancylvania

320 kbps + covers

sábado, 30 de noviembre de 2013

Joan Bibiloni - Balears


Compositor, guitarrista, vocalista, arreglista y productor discográfico, nacido en Mallorca en 1952. Cuenta con un historial musical que lo une a nombres internacionales de la talla de: JON ANDERSON, DAVID ALLEN, GILLY SMITH, KEVIN AYERS, DAVID GRAHAM, LARRY CORYELL, CELIA CRUZ, JOHN CALE, etc., con quienes ha colaborado, tocado o grabado en varias ocasiones.A los quince años, graba su primer álbum y durante los cuatro años siguientes toca con diferentes grupos de las islas: HARLEM, TALAYOTS. Más tarde forma el grupo ZEBRA (fusión de los BRAVOS y Z-66) juntos editan 11 discos, más tarde forma el dúo “MILAN Y BIBILONI”. Graban un disco y realizan numerosas giras dentro y fuera de España. En 1981 y 1982 se une a la KEVIN AYERS BAND, actuando en España y Europa y coproduciendo un L.P.En el año 1982 aparece su primer disco en solitario “JOANA LLUNA”. En 1983 produce y graba junto a JORGE PARDO. Durante este tiempo crea una super-banda, que une a grandes músicos del país, como son JORGE PARDO, MAX SUÑER y KITFLUS, realizando actuaciones y colaboraciones discográficas. BIBILONI compagina su labor en Europa, con viajes frecuentes a Estados Unidos, donde edita un disco “COLOR DROPS” junto al flautista americano ERNIE MANSFIELD.En 1985 y 1986 forma dúo junto a LARRY CORYELL. El trabajo como productor de JOAN BIBILONI , abarca estilos que van desde la música popular de TOMEU PENYA, hasta producciones pop como FURNISH TIME. 1988, nueva e importante etapa encaminada a su lanzamiento internacional de la mano del sello discográfico POLYGRAM (Londres) con quien firma contrato por tres años. En 1989 presenta su disco FOR A FUTURE SMILE en el Festival de Jazz de Montreux (Suiza).También produce y compone para MARINA ROSSELL con motivo de la presentación del disco CINEMA BLAU. Colabora con MARIA DEL MAR BONET componiendo y grabando para su disco BON VIATGE FACI LA CADERNERA.Desde entonces hasta el año 1998 produce PALABRA DE GUITARRA LATINA con guitarristas como TOMATITO, LARRY CORRYELL, LUIS SALINAS, RAY GOMEZ, TITO ALCEDO, JORDI BONELL, RAIMUNDO AMADOR, JAIME STINUS...Y así hasta hoy, editando discos y produciendo otros artistas, como Antonio Vega, desde su productora Satie.
http://www.musicaib.cat/artistes/artista/36/joan-bibiloni/
http://www.produccionsblau.com/catalogo/artista/55/joan-bibiloni?lang=es

Joan Bibiloni nos presenta en este doble CD una importante muestra de su faceta como músico y compositor. "Balears" reúne 27 piezas instrumentales que son una delicia musical ofreciendo ambientes y atmósferas que sólo un gran guitarrista y compositor como Bibiloni sabe dibujar. Esta obra se acompaña de una extraordinaria colección de fotografías artísticas a cargo de Pere Colom.

Si se llamase John tendria unos cuantos Grammys, pero vive, respira entre nosotros y me da la sensacion de que aun no le hemos valorado suficientemente.
Creo que es el mejor y mas grande guitarrista de Ses Illes, una rara avis muy sui generis que se siente balear y deberia tener denominacion de origen porque, partiendo de la esencia del mas puro mallorquinismo, transciende cualquier tipo de localismo y se hace siempre isleño, manacorense internacional.
Su musica festiva, tierna, humana,inteligente... tiene sabor mediterraneo reminiscencias del blues, el swing, el jazz, la bossa nova, la rumba, los ritmoscubanos, africanos, sobretodo flamencos... conjuntados siempre con un toque bibiloniano de maestria que lo hacen, marca de la casa, multietnica original.
En este doble cd hay un tema de amor: "The Guitar Center" que es un sentido homenaje al hoy desaparecido "Centro de la Guitarra" de Palma y nunca he oido una version tan magica y autentica como la suya de la celebre cancion "Alfonsina  y el Mar".
Balears combina piezas propias con versiones personalisimas y magistrales que van creando seductoras una atmosfera donde las notas de la guitarra fulguran como chispas llameantes.
Bibiloni explora alegre el cuerpo vibratil de las cuerdas y sus dedos son brujos agiles que exorcisan la guitarra, sacan de ella acordes que estimulan emocionales las ganas de vivir y se inventa sonidos que nos encantan, nos fascinan y nos llenan el espiritu de musicalia.
Joan Bibiloni nos regala toda su sabiduria en este "Balears" que es un prodigio de vocacion guitarrera, de estimacion y una fiesta para los sentidos.



The Guitar Man
Como una mujer
que amas con pasion,
como una novia
que abrazas con dulzura,
como una amiga
feliz tocas las cuerdas
sensuales de su cuerpo
y el aire vibra.
tiembla de emocion.
Haces que el silencio
te añore y tienes el don
de decir sin palabras,
de convertir
en ternura sonido.
Joan alegria,
Bibiloni amoroso,
pequeño genio que encantas
las musas con acordes,
pozo de notas aladas
manantial de solfa y gozo,
mallorquin que con nostalgia
salvas tiempo y recuerdos,
guitarrista inspirado
de culturas y ritmos
que renueva el mundo
vivo del arte,mago, duende,
que eres amigo de los caballos
y al sonar haces florecer
agradeciodo un orgullo
balear de ser isleños
que nos hace, mas humanos,
escuchar transidos,
fascinados tu universo
musical que el viento lleva
transparente mas alla
de las costas y confines
del corazon donde escribo.
injertado de futuro,
tu nombre Joan, sobre el mar,
Bibiloni, de Ses Illes.

Cd1.
01 - Balears
02 - Pinzells
03 - Flors musties dins un palau
04 - Tot fermat
05 - The guitar centre
06 - Indies
07 - Mar blau
08 - La Espanyola
09 - Alfonsina y el mar
10 - Viatge en el temps
11 - Sunrise
12 - Ulls verds
13 - Joana Lluna
14 - No piquen

Cd2
01 - Waltz for a baby
02 - El silenci romput
03 - 1492
04 - Baix el blau
05 - Blue may
06 - Ballad for a empty street
07 - Una vida llarga i tranquil-la
08 - Colour book
09 - El salt del blauet
10 - Sa fosca
11 - Gates d'aigo
12 - Un adeu
13 - Un altre adeu

sábado, 23 de noviembre de 2013

Urna Chahar-Tugchi - Jamar (Mongolia)



Urna Chahar-Tugchi nació en el seno de una familia de ganaderos y agricultores de las tierras de Ordos al suroeste de Mongolia. Hoy Urna es una de las vocalistas femeninas más reconocidas de Asia. Desarrolló su instinto y talento musical mientras aprendía el Yangqin (equivalente al dúlcemele chino) en Hohhot, la capital de Mongolia interior, con un profesor del Conservatorio de Música. A los 18 años decidió dejar Mongolia para estudiar en el Conservatorio de Música de Shangai –una decisión valiente ya que por entonces, no hablaba ni una palabra de chino mandarín y su familia conocía muy poco de Shangai- y Urna se encontró solo en su nueva ubicación. Con este movimiento, la vida y la carrera de Urna cambiaron rotundamente.


Urna, junto con la cantante de Tuva Sainkho, son reconocidas por la critica musical internacional como las dos “Divas asiáticas”. Urna tomó posición dentro de la música del mundo en Europa cuanto obtuvo el premio alemán Ruth a la mejor artista internacional.

Posee la habilidad de comunicar con su audiencia a través de su música porque traspasa las barreras lingüísticas y culturales con su dinámica y altísima voz. Muchas de sus canciones evocan la inmensidad de las praderas de Mongolia y describen la forma de vida en su país, sus actuaciones son inolvidables para los que conocen y participan de su música. Algunos definen la forma de cantar de Urna como una experiencia religiosa, a pesar de que su música no necesariamente habla de religión, lo explica así: “Interpreto mis canciones con toda mi vida y mi energía; y siento como si volviera a nacer después de cada concierto”.

Mientras Urna continua con la música y las raíces de su país, también la lleva en otras direcciones. Sus últimas composiciones están salpicadas de libertad e improvisación inspiradas por sus recientes experiencias con otras músicas y culturas y en sus vivencias fuera de Mongolia. Con su música, tan poco convencional Urna ha colaborado con muchos artistas de reconocimiento internacional entre los que destacan: el violinista húngaro Zoltan Lantos, Ramesh Shotham de la India, Muhammud Reza y Saam Schalamminfer de Asia central o el fantástico acordeonista polaco del grupo Kroke Jerzy Bawol.
http://urna.com/joomla/
http://espiritudelsur.com/artistas/urna-ensemble-mongolia-hungria-iran/


Urna Chahar-Tugchi (vocal)
Robert Zollitsch (zither, throat-singing)
Burintegus (morinkhur)
Ramesh Shotham (percussion)

01. Temeen yawudal
02. Arwan tawtai
03. Ordosiin hawur
04. Jamar
05. Ejin bogdiin hoyor jagal
06. Nagai eji bida hoyuulaan
07. Gajariin Oron
08. Tenggeriin Oron
09. Baruun Nomundalai
10. Banchan somo

sábado, 16 de noviembre de 2013

Hevia - Obsession


En Septiembre de 2.007 Hevia editó su último disco “Obsessión”. Un trabajo en el que además de los sonidos de la gaita acústica y la flauta, ganan protagonismo sonidos novedosos creados por el propio artista y expresados a través de su gaita midi. Aunque a lo largo de su trayectoria, Hevia se ha inspirado en sonidos tradicionales que combinaba con modernidad, en este álbum las melodías de composición propia cobran más relevancia.


En sus discos siempre ha habido colaboradores coherentes con su discurso. En Obsessión, el Coro Minero de Turón aporta una increíble y emocionante fuerza en Albandi. El gran músico Ramón Prada orquestó a la Orquesta Sinfónica de Ciudad Real que interpretó magistralmente la cuerda del disco. En Keltronic está presente el particular sonido de la excepcional Judith, una violinista celta de Cuenca. En The Morning Star, Carlos Aragón, uno de los luthiers de Hevia, Parrado y Aragón, aporta la magia de la uillean pipe. Faltriqueira suma intensidad con sus bellas voces en Carrandi. Joaquín Torres interpreta excelentemente la guitarra en Taranus.


El último tema “Lluz de Domingu”, es el tema central de la pelicula de José Luis Garci “Luz de Domingo”. En esta película, además, Hevia hace un cameo. Aparece tocando la gaita en una procesión al comienzo del largometraje.
http://blog.hevia.es/?p=18


01. Albo
02. Albandi
03. Obsessión
04. Los mártires de Rales
05. Vueltes
06. Carrandi
07. Soy pastor
08. Keltronic
09. Morning star
10. Keltic brass
11. Taranus
12. Lluz de domingu

miércoles, 13 de noviembre de 2013

Finis Africae - El Secreto De Las 12 (The Secret Of 12 O'Clock) (2013) [España]





Da que pensar que sellos extranjeros, en este caso uno japonés, sean los que se ocupen de descubrir la música de vanguardia española (por poner una etiqueta amplia) realizada hace unas pocas décadas. Tras empezar con un doble LP que ya ofrecimos, continúan con la recuperación del grupo madrileño Finis Africae con este disco (LP y CD) que selecciona 6 temas de los álbumes que publicaron durante los ochenta. Uno de ellos fue un temá clásico de las famosas sesiones de José Padilla en los buenos tiempos del Café del Mar en Ibiza.
fuente

Cara 1
1. "El Secreto De Las 12 (The Secret Of 12 O'clock)"
2. "Pipo Y Las Libelulas (Pipo & The Dragonflies)"
3. "El Hichicero (The Wizard)"
Cara 2
1. "Dobie Reflejo De La Luna En El Agua (Double Reflection Of The Moon On The Water)"
2. "Hombres Trueno (Thunder Man)"
3. "Ceremonia Magica En El Estanque (Magical Ceremony In The Pond)"





 154,5 MB flac + covers

Hadouk Quartet - Hadoukly Yours (2013) [France]




1. Chappak
2. Ayur
3. Bora
4. Bollo
5. Shadow Maker
6. Bawu Call
7. Chaloupé de Chameau
8. Rouge Bambou
9. Danse des Lutins
10. Bittersweet Lullaby
11. Suite Cabaline 1
12. Suite Cabaline 2
13. Blueberry Hill


Didier Malherbe DOUDOUK, FLUTES
Loy Ehrlich HAJOUJ, GUMBASS, YAYLI TANBUR
Eric Löhrer GUITAR, LAPSTEEL, BANJO, CAVAQUINHO
Jean-Luc Di Fraya DRUM, PERCUSSIONS, VOICE

The Hadouk are back, but this time, they are four. This is a beautiful revival and a total success for this group that keeps searching for new inspiration.




 335,8 MB - flac + covers

lunes, 11 de noviembre de 2013

Vusi Mahlasela – Say Africa

Subido por Marhali.

En su país natal, la hermosa Sudáfrica, el cantante, compositor y poeta Vusi Mahlasela es cariñosamente conocido como "La Voz". Aparte de su notable talento como compositor, Mahlasela ha sido bendecido con una de las voces más destacadas de la música contemporánea.

Nacido y criado en el gueto de Mamelodi, a las afueras de Pretoria, desde su adolescencia Vusi Mahlasela fue testigo de la crueldad del régimen del Apartheid que se vivía en su país. De hecho, fue testigo de la masacre de Soweto en 1976, lo que le marcó profundamente y le llevó a utilizar su música como instrumento de protesta.

Su gran día llegó cuando fue invitado a participar en el concierto que siguió a la toma de posesión de Nelson Mandela como Presidente de Sudáfrica, en 1994, en el que interpretó "Thula Mama", dedicado a todas las mujeres sudafricanas y, en especial, a su abuela (que lo crió) que demostró una valentía inquietante enfrentandose a la opresión policial en la era del Apartheid. Vusi Mahlasela fue un líder de la lucha anti-Apartheid y ahora sigue pregonando la igualdad de todos los seres humanos. Sus canciones hablan de amor, paz, esperanza, orgullo de ser lo que se es y, por supuesto, de la lucha por la libertad, sin olvidar el perdón y la reconciliación.

Say Africa (2011) es el álbum número once de su carrera, en el que recoge una colección de canciones que hablan de libertad, de revolución, de amor y de vida. Letras poéticas y optimistas que son interpretadas, también, por Angélique Kidjo ("Nakupenda Africa"), J.B. Ntuli ("Umalume") y Taj Mahal ("In Anyway"), que también se encarga de realizar una bellísima producción. Un precioso disco con un mensaje central que se plasma en la letra de "Say Africa" (que Vusi Mahlasela interpretó en el concierto inaugural de aquel inolvidable Mundial de Futbol de 2010): la nostalgia que sienten las y los africanos que tienen que vivir fuera de su país, de la grandeza del continente y del deseo de Ubuntu (paz) y esperanza.

01. Say Africa
02. Woza
03. Ro Yo Tshela Kae
04. Conjecture of the Hour
05. Umalume (feat. J.B. Ntuli)
06. Mokalanyane
07. In Anyway (feat. Taj Mahal)
08. Ode to Lesego
09. Vezubuhle
10. Nakupenda Africa (feat. Angélique Kidjo)
11. Korodi
12. Ba Kae?
13. Naka Mokhura
14. Ntate Mandela

domingo, 10 de noviembre de 2013

Aly Bain & Ale Möller - Beyond The Stacks


Aly Bain and Ale Möller are tremendously good together -- but then again, you can hardly ask for a better duo, where the Scots/Shetland sound of fiddler Bain meets the several instruments (mandola, harmonica, Jew's harp) of Swedish folk legend Möller. You'd be hard-pressed to find a more simpatico duo, meeting, for the most part, on the middle ground of Shetland music, but played with glorious finesse (just listen to the breathtaking delicacy of "Da Slockit Light," for example). They're perfectly at home with uptempo material, but it's on the slower pieces that the beauty of this pairing truly comes through, whether it's "Hector the Hero," where Bain caresses his fiddle lines and Möller gives spare, emotional support, or the lament "Auld Swaara." When a record is this lyrical, there's absolutely no need for a voice -- or even any more instruments. There's an empathetic communication between the two that knows when to fill the gaps and when to leave space. At a little under 50 minutes it might seem short by today's standards, but the disc is so dense with melody that it truly seems longer (in the very best way). The Swedish tunes here mesh perfectly with those from Shetland, showing just how one tradition feeds into another. This isn't their first recording together (that was in 1999, Fully Rigged), but age has brought a true patina of beauty to their work together. Exquisite is a word that's overused at times, but it describes this album perfectly.
http://www.allmusic.com/album/beyond-the-stacks-mw0000579040


1. Woo'd An' Marrit An' A' - Doon Da Rooth
2. Peerie joel's Waltz
3. Auld Swaara - Up Da Stroods Da Sailor Goes
4. Spread Thy Wide Wings (Bred Dina Vida Vingar)
5. Crying Waltz (Gratvalsen)
6. Medley: King Karl's Marsch (King Karl's March)/Djavulspolska (Devil's Polka)
7. O'Farrel's Welcome To Limerick
8. Medley: If I Get a Bonnie Lass/Jeannie Shoke Da Bairn
9. Medley: Lady Mary Ramsay/Mary Ramsay
10. Medley: But Your Hoose An Ben Your Hoose/Da Black And Da Broon
11. Da Slockit Light
12. Medley: Hauchdon House/Heave An' Go/Da Cross Reel
13. Hector the Hero
14. Da Broon Coo (The Brown Cow)

Martin Hayes & Dennis Cahill Live In Seattle


In guitarist Dennis Cahill, Martin has found the perfect foil, a collaborator equally drawn to subtle invention and exploration of his instrument. Live in Seattle is their second recording, documenting their intimate interplay one special evening at the Tractor Tavern. Combining a jazz sensitivity with the potential of a melody with a classicist's sense of timbre, Martin and Dennis explore the melodies of County Clare in a way unique to Celtic music. From the playful interpretations of classic tunes to an epic twenty-seven minute medley that is the hallmark of their live shows, Live in Seattle puts you in the front seat for new directions in Celtic music. 1999
http://www.martinhayes.com/albums.htm


Martin Hayes & Dennis Cahill - Lonesome Touch


This long-awaited duet album captures the astonishing musical kinship between two master players, and is their first recording together. In the manner of great jazz duos, Hayes and Cahill inspire and urge each other on, trading passages, stretching out and digging in. 1997
http://www.martinhayes.com/albums.htm

Martin Hayes (fiddle)
Dennis Cahill (guitar)

sábado, 9 de noviembre de 2013

Aswad - Not Satisfied (1982) [UK]




subido por Camilo.leon8

Album style : roots, dancehall, solo vocal, group vocal

Playlist :
Oh Jah
Drum And Bass Line
Not Satisfied
Reality
African Children (Part 2)
Pass The Cup
I Need Your Love
No More Living A Lie
Down The Line
Your Recipe
Girls Got To Know
Unsatisfied *
Oh Jah (Dub) *
Pass The Cup (12 Inch A-Extended Version) *
Pass The Dub (12 Inch B-Dub Version) *

Producer : Michael Campbell (UK)

Fuente: roots-archives.com
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Steel Pulse - African Holocaust (2004) [UK]



subido por Camilo.leon8

1 Global Warning
2 Blazing Fire
3 There Must Be a Way
4 Make Us a Nation
5 Dem a Wolf
6 No More Weapons
7 Tyrant
8 Door of No Return
9 Born fe Rebel
10 Darker Than Blue
11 George Jackson
12 African Holocaust
13 Uncle George

Noel "Asher" Barnes Percussion
Selwyn Brown Keyboards, Vocals (Background)
Capleton DJ
Wayne "G-Sharp" Clark Drums
Colin Cooper Harmonica
John Dent Mastering
Graham Dickson Mixing
Adam Drake Guitar
Bob Dylan Composer
Alvin Ewen Bass, Group Member
Tiken Jah Fakoly DJ
Sandra Francis Vocals (Background)
Focett Gray Guitar
Hunter Hamedah Vocals (Background)
Michael Henry Audio Production
Micheal Henry Producer
David Hinds Bongos, Composer, Conga, Cowbell, Djembe, Guitar, Guitar (Rhythm), Percussion, Vocals
Raheemah Hunter Vocals (Background)
Lee Jeffcoate Art Direction, Design
Conrad Kelly Drums, Group Member, Percussion
Damian "Junior Gong" Marley DJ
Sidney Mills Drum Programming, Group Member, Organ, Programming
Steve Morrison Trombone
 Nana Percussion
Jacko Peake Saxophone
Chris Petter Trombone
Clifford Pusey Guitar
Clifford Moonie Pusey Group Member, Guitar
Junie Ranks DJ
James Renford Sax (Alto)
Donna Sterling Vocals (Background)
Donnie Sterling Group Member, Vocals (Background)
Sylvia Tella Vocals (Background)
Raymond Walker Percussion
Simon Wilcox Trumpet
Mike Williams Vocals (Background)

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viernes, 8 de noviembre de 2013

Mo'Kalamity - Deeper Revolution (2010) [Cabo Verde-Francia]






subido por Camilo.leon8

Mo´Kalamity es para mi de lo mejor que escuche en este ultimo tiempo. Esta artista nacida en Cabo Verde, radicada desde pequeña en Francia es dueña de un voz excelente, unica, carismatica y cautivante. Asimismo esta acompañada de los Wizards: guitarrista principal, Kubix excelente musico quien arrastra una excelente carrera dentro del ambiente como "riddim maker", acompaña a Winston McAnuff como guitarrista, subio al escenario con figuras como Omar Perry, Queen Omega y Kiddus I, entre otros y en el estudio de grabacion compartio notas con Alpha Blondy, Elephant Man, Jah Mason, Takana Zion y una larga lista de excelentes artistas. El propietario del bajo es Benoit Demuynck, un autodidacta del instrumento, con mucho Jazz en su historial, la segunda guitarra y los coros llegan a traves de Kael. La exquisita flauta y coros son de Yann Clery, a los teclados Anne Riou y la bateria de Mano.
Sin más, les recomiendo que ya mismo se pongan a escuchar, este, su ultimo material y a la brevedad les estoy dejando su disco anterior del que gusto un poco mas.-


Deeper revolution (2010)
Formato: mp3
Track listing / Lista de temas:
Another way
Autour de toi
Inner peace
Walls
Never alone
About prince charming
Politika
Fears
Without faith, no law
Woman scorned
Terre mere
Jah love
Deeper revolution
Inner dub

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Mo' Kalamity - Warriors Of Light ( 2006) [Cabo Verde]




subido por Camilo.leon8

Mo'Kalamity, cuyo verdadero nombre es Mónica Tavares, nació en Cabo Verde y creció en Francia. Su estilo canaliza el reggae y el soul clásico de
la época dorada de Jamaica en la década de los 60 y los 70 para expresar sus temas favoritos de comentario social e idealismo.
Después de trabajar como vocalista del coro para la estrella francés de reggae, King Malik, Mo’Kalamity se independizó en 2002, dando énfasis a sus
principios éticos de tolerancia y amor junto con exponer el egoísmo e indiferencia que caracterizan nuestras vidas. Prefiriendo cantar principalmente
en inglés, se encontró con la banda de reggae caribeña Exode, varios de cuyos miembros actualmente forman parte de su propia banda,The Wizards.
Ella produjó su primer album solista,Warriors of Light, en 2006, y ha presentado su obra en conciertos importantes por toda Europa.
En su canción “Vision” (Visión), Mo’Kalamity canta sobre las ironías de la condición humana, caracterizada por el aislamiento espiritual incluso
cuando se está rodeado de multitudes de personas. “Visión de cosas comunes que son inusuales / Permanecemos solos en la ciudad / Todos
necesitamos calor humano / Sólo necesitamos un poquito de algo”

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Dezarie- Gracious Mama Africa (2003) [Virgin Islands USA]


subido por Camilo.leon8


Dezarie es una cantante femenina de reggae nacida en la isla de St. Coix (Islas Vírgenes USA). Recibiò el premio a la mejor cantante de reggae n Atlanta, USA. Al momenti tiene 4 discos editados, en su mayorìa son trabajos en conjunto de la badna Midnite: Fya (I Grade Records), Gracious Mama Africa, Eaze The Pain and her most recent is entitled The Fourth Book.

01. Gone Down
02. Poverty
03. Not one penny
04. Strengthen your mind
05. Law Fe de Outlaw
06. Justice
07. Gracious Mama Africa
08. Exhalt
09. Mother and Child
10. Travelers
11. Slew dem an done
12. Judgment come

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Mad Professor - A Caribbean Taste Of Technology (1985) [Jamaica]



subido por Camilo.leon8

Record date : 1985

Album style : digital, dub

Playlist :
Fresh And Clean
Hurricane Gloria
Obeah Power
Buccaneer's Cove
The Heart Of The Jungle
Civil Unrest
Capadulla
1011 Digital
Berbice Mad House
Uncle Sam's Back Yard

Producer : Mad Professor

Studios :
Recording : Ariwa (London, UK)
Mixing : Ariwa (London, UK)

Fuente: roots-archives.com

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sábado, 2 de noviembre de 2013

Clannad - Christ Church Cathedral - 2013


Si alguien quiere conocer el porqué de la importancia de la familiar banda Clannad, sobre todo en su Irlanda natal, este disco puede ser un artefacto idóneo para ello. La banda favorita del líder de U2, Bono (con quien han trabajado en más de una ocasión) son una institución de la música irlandesa y celta en general, además de haber sido artífices de su mezcla con la controvertida new age. El caso es que aquí se han reunido los cinco miembros originales de la formación, cosa que no sucedía desde hace más de 20 años y han tocado junto a importantes invitados en la Christ Church Cathedral de Dublín. Además han reunido en 75 minutos todo su repertorio fundamental que está plagado de deliciosas adaptaciones a su estilo de populares temas tradicionales. Hasta 12 aparecen en este trabajo con especial mención para la paz total y la flauta de la inicial “Thíos Chois Na Trá Domh” o las voces a capella de “Dtigeas A Damsha”. La armónica destaca en “Crann Úll” y la flauta, de nuevo, en el bucólico instrumental “Eleanor Plunkett”.
La mayoría de temas compuestos por ellos los firma Ciarán Brennan. Es el caso de las apacibles acústicas y voces que trufan “Newgrange”. La flauta con ambientes casi a lo Jethro Tull se sale en la extensa “Dúlamán” que también recuerda a los más reposados Gwendal. Entre los numerosos invitados especiales destaca Brian Kennedy en “In A Lifetime”, uno de sus más sonados éxitos. También están presentes otros triunfos comerciales como un medley de la serie de televisión “Robin Of Sherwood”, “I Will Find You” (de la película “El último Mohicano”) o “Theme From A Harry’s Game”.
En toda esta tanda de canciones les acompaña el multitudinario grupo vocal Anúna, aquí con 14 voces más el gran solista Eunan McDonald que también brilla junto a Kennedy en “In A Lifetime”. También íntimo y henchidos de emoción suenan en la adaptación del poema de W.B. Yeats, “Down By The Sally Gardens”. El final con la tradicional “Teidhir Abhaile Riú” es otra apacible gozada. Esta grabación aparece ahora pero el concierto tuvo lugar hace dos años.
 http://www.paisajeselectricos.com/2013/03/17/clannad-christ-church-cathedral/
Recorded 29th January 2011 at Christ Church Cathedral, Dublin, Ireland

Bosphorus Dúo (Serkan Yilmaz & Horacio Cacoliris) - Mago


"Bosphorus dúo" se formó en el año 2010, con el compositor y guitarrista Serkan Yilmaz y el percusionista Horacio Cacoliris.
El dúo interpreta la música de Serkan Yilmaz donde se pueden notar las influencias del jazz, música clásica, étnica, contemporánea, latinoamericana, turca y otras. Si bien toma elementos de dichos géneros, no se encuadra en ninguno de los mismos. Crea una identidad bien particular y muy notable. Con gran creatividad en su toque, Serkan da un trabajo poco común a la guitarra de 7 cuerdas sin perder la claridad y el peso que lo caracterizan como intérprete. También es un notable practicante del arte de la improvisación. Por otro lado Horacio le suma, además del aporte rítmico, diversos timbres, matices y atmósferas, ambientando cada momento con un uso no convencional de la percusión que lo define en un estilo personal. En totalidad el dúo logra parecer una gran orquesta y por momentos genera una intimidad cercana al silencio mismo.
Bosphorus dúo realizó numerosos conciertos en diferentes espacios de la ciudad de Buenos Aires. En el año 2013 fue invitado al "Festival de Guitarras del Mundo" y "Festival de jazz Buenos Aires". El dúo editó su primer trabajo discográfico llamado "Mago" en febrero del año 2013 y proyecta dar conciertos en el interior y exterior del país.
http://www.bosphorusduo.com.ar/index.html


viernes, 1 de noviembre de 2013

Spiro – Kaleidophonica

Subido por Marhali.

Spiro es un grupo que desafía la categorización. Su mérito consiste en desarrollar algo totalmente distinto, impresionante y hermoso. Un cuarteto que juega con el violín, la mandolina, el acordeón, la guitarra y el cello haciendo uso de las melodías tradicionales inglesas en muchas de sus intrincadas composiciones. Pero no son una banda de folk tradicional. Las influencias tradicionales están "atrapadas" (una de sus palabras favoritas) en un elaborado estilo rítmico, aplicando el rigor modernista de compositores como Philip Glass. No hay improvisación y no hay trabajo en solitario, cada pieza ha sido cuidadosamente trabajada con antelación, con melodías y riffs malabáricos entre los diferentes instrumentos.

Al igual que en sus dos trabajos anteriores, Pole Star (1997) y Lightbox (2009), Kaleidophonica (2012) toma, como punto de partida, melodías tradicionales del noroeste de Inglaterra, temas y variaciones en complejidad rítmica y melódica con influencias de la música clásica y minimalista. La influencia de estas formas contemporáneas son claras en la manera en que los cuatro miembros de la banda utilizan instrumentos acústicos para crear ritmos exquisitos, pero Spiro no simplemente reinventa lo tradicional sino que descubre estructuras armónicas que, posiblemente, estaban desde siempre para ser redescubiertas.

Temas como "Rose Engine" y "Softly Robin" detonan como estremecedoras cascadas de notas; "The City and the Stars" pinta la metrópolis de noche. Desde esta planta tradicional Spiro desarrolla construcciones nuevas, composiciones típicamente agridulces como la conmovedora "We Will Be Absorbed". Evocaciones de una hermosa melancolía que es tradicionalmente inglesa y, sin embargo, totalmente de actualidad.

Spiro son una rareza: "true English originals", el sonido de un viaje a través de las verdes colinas ondulantes y las llanuras de Inglaterra.

01. Yellow Noise
02. Steeple
03. The City and the Stars
04. Arches
05. The Mezzotint
06. Rose Engine
07. Abbesses
08. Spit Fire Spout Rain
09. Aerodrome
10. Softly Robin
11. The Gloaming
12. Swarm
13. We Will Be Absorbed
14. When Wars Alarmes

Lo'Jo - Cinéma el Mundo

Subido por Marhali.

Lo´Jo, agrupación radicada en Francia y uno de los grupos de "fusión global" más prestigiosos del mundo, celebra sus treinta años de carrera con la publicación del álbum Cinéma el Mundo (2012). Quince piezas que son "la proyección de la vida en la gran pantalla. No el mundo de la música sino un mundo lleno de imágenes, colores, sonidos e historias".

Fundada en Anger (una apacible región situada en el lado occidental de Francia) por Denis Péan y el violinista Richard Bourreau, desde 1982 Lo´Jo desarrolla un proyecto a base de chanson francesa, dub reggae, sonidos arábigos, africanos y balcánicos con una sensibilidad poética y jazzística.

Cinéma el Mundo es su decimotercer álbum, y recoge las experiencias vividas en sus viajes por el amplio mundo: desde el sur del Sahara -donde organizaron la primera edición del Festival del Desierto en 2001 y sirvió para lanzar a los tuareg Tinariwen-, al Cáucaso, Isla de Reunión (Océano Índico), transitando por las ciudades de varios continentes, urbes como Agadir, Adelaide, Chicago, Nueva York, Buenos aires, Katmandú… Como indica su título, el disco es una presentación de la vida a ritmo cinematográfico en una producción única, con un arreglo de sonidos que captan el brillo melódico y la calidez de los ritmos de todo el mundo, así como la ternura de sus letras, y la profundidad de una poesía que se remonta al eco de los tiempos. Súmese a esto la perfección de voces e instrumentos, y las contribuciones de artistas como Robert Wyatt, Vincent Segal e Ibrahim de Tinariwen.

Piezas luminosas, ritmos cálidos, melodías que envuelven la poesía de las palabras… El resultado: un disco inolvidable.

01. At the Beginning
02. Tout est fragile
03. La Marseillaise en créole
04. Deux Bâtons
05. Magnétik
06. Au temps qui passe
07. Cinema El Mundo
08. Zetwal
09. Alger
10. Lila
11. El cabo blanco
12. Comète algébrique
13. Vientiane
14. African Dub crossing The Fantôms of an Opera
15. Au début

sábado, 26 de octubre de 2013

Taraf de Haidouks - Band of Gypsies (2001)


Taraf de Haïdouks es un conjunto musical romaní, originario de la comuna de Clejani, del distrito Giurgiu (judet) en Rumania. Es el grupo más célebre del género en la era postcomunista.

Son conocidos en su Rumania natal como "Taraful Haiducilor". Su traducción cuasi literal sería "Banda de los hombres malvados o fuera de la ley", aunque "taraf" es también el nombre tradicional de un grupo de lautari (músicos gitanos de la tradición rumana). "Haiduc" o "haiduk" es una palabra de origen búlgaro, que significa "bandolero"; en rumano tiene una connotación arcaica o rústica. El nombre del grupo es conocido internacionalmente como "Taraf de Haïdouks" (construcción genitiva francesa).

La agrupación se formó en 1989, poco antes de la muerte del dictador Nicolae Ceausescu, pero actualmente fueron descubiertos por el etnomusicólogo rumano Speranta Radulescu, quien primero los grabó en 1983 para el archivo del Instituto de Etnografía y Folklore. La formación original reunía cerca de 12 músicos; a veces suelen incluir algunos más llegando a tener 30 artistas en sus filas. El primer encuentro serio con el mundo occidental se llevó a cabo gracias al etnomusicólogo suizo Laurent Aubert y los músicos belgas Stéphane Karo y Michel Winter.
http://es.wikipedia.org/wiki/Taraf_de_Ha%C3%AFdouks

En 2001 se unieron a la orquesta de vientos macedonia Koçani Orquestar para editar el disco “Band of Gypsies” (Crammed Discs), donde sintetizan esa irrepetible combinación de sonidos que recorren los Balcanes desde el Adriático hasta Turquía, con secciones de brass funky y ritmos modernos que se entremezclan con el folk centroeuropeo.
http://www.fronteramusical.com.ar/notas/taraf-de-haidouks.html

Los nombres históricos del grupo:
    Nicolae Neacsu ("Culai"), violín y voz, murió en septiembre de 2002
    Dumitru Baicu ("Cacurica"), pequeño cymbalom y voz, murió en septiembre de 2007
    Ion Manole ("Saica" ou "Bosorogu"), violín y voz, fallecido
    Ilie Iorga, voz, originario de Mârsa cerca de Clejani
    Paul Giuclea ("Pasalan"), violín y voz, originario de Mârsa
    Constantin Boieru Lautaru ("Costica"), violín y voz, originario de Mârsa
    Gheorghe Anghel ("Caliu"), violín
    Gheorghe Falcaru ("Fluierici"), flauta, contrabajo
    Marin Manole ("Marius"), acordeón
    Ionitsa Manole, acordeón

Integrantes invitados ocasionalmente:
    Constantin Sandu ("Dinu"): pequeño cymbalom y voz
    Florea Pârvan: contrabajo, acordeón y voz
    Marin Sandu: ("Tagoi"): contrabajo, acordeón y voz


Discografia:
1994: Honourable Brigands, Magic Horses and Evil Eye
1994: Gypsy Music from Romania
1998: Dumbala Dumba
1998: Musiques des Tziganes de Roumanie
2001: Band of Gypsies
2007: Maškarada (sobre reinterpretaciones de la música rumana de Béla Bartók).


Värttinä - Aitara


Estas mujeres de tez blanquecina probablemente sean el elemento más exótico de un verano musical que apuesta por los trópicos. Representan la nueva ola de Finlandia, un país independiente desde hace menos de un siglo, de cuyos habitantes se dice que son los latinos de Escandinavia. A partir de las tradiciones de unas tierras cercanas al círculo polar, el grupo Värttinä ha logrado crear una música original y apasionada.

Värttinä, cuyo disco, Aitara, ocupó durante meses las listas europeas de música étnica. Värttinä, vieja palabra que designa el huso de una rueca "tiene que ver con la mujer y va bien con la música que hacemos, que gira muy rápido", dicen riendo, se fundó hará unos doce años en un pueblecito de Karelia. "Unas chicas se reunían para leer poemas y cantar canciones tradicionales. Más adelante pidieron a varios instrumentistas que les acompañaran", cuenta Sirpa Reiman, una de las cuatro vocalistas del grupo. "De acuerdo con las costumbres de hace cien años o más, mujeres y hombres solían cantar por separado. Las canciones cumplían una función, social. Las mujeres cantaban mientras lavaban la ropa y los hombres no se ocupaban de las tareas domésticas. Desde entonces las cosas han cambiado mucho", explica el violinista Kari Reiman. "Aquello tenía que ver con nuestra tradición del Kalevala, un tipo de poesía y una manera de contar historias, de instrumentos como el kantele [una especie de arpa de cinco cuerdas] y escalas pentatónicas, que, bajo el dominio de los suecos, se mantuvo tan solo en Karelia".

En cada entrevista surge inevitablemente el nombre de Karelia. Y les toca dar una clase de geografía e historia. Se lo toman con buen humor. "Es una región al este de Finlandia. Tras la Segunda Guerra Mundial, se trazaron nuevos límites, y una parte de ella, la más extensa, quedó dentro del territorio de la Unión Soviética. Pero la gente mantuvo su idioma. Ahora que la frontera está abierta, estamos más, en contacto unos con otros.

De Karelia viene esa extraña forma de cantar que Värttinä está llevando por el mundo. "Sari, la fundadora, quería que las chicas cantasen alto y fuerte y así precisamente cantaban las mujeres antaño. Estamos marcadas por voces como las búlgaras, por el setu estonio [armonías disonantes con intervalos de segunda y cuarta] o el róntyska ingrio [que se canta al unísono]. Finlandia ocupa una posición privilegiada, porque tenemos influencias de Oriente, de Occidente y del Sur".
http://elpais.com/diario/1995/07/02/madrid/804684261_850215.html

 

miércoles, 23 de octubre de 2013

Manu Delago - Made In Silence 2


El Hang es un instrumento musical de percusión creado en los laboratorios pertenecientes a la compañía PANART, por Felix Rohner y Sabina Schärer en un cantón de Suiza en el año 2000. Hang significa Mano en idioma Bernés. Fue el resultado de una investigación científica con acero y otros instrumentos de percusión resonante de todo el mundo, como el Gong, el Gamelan, el Steelpan, el Ghatam, etc.
Wiki....
Made in Silence 2 revela la belleza del Hang como instrumento solista. El álbum incluye la pieza más popular  de Youtube, Mono Desire (Hang Drum Solo) una pista que consta de 10 capas de Hang. Otras características destacadas son dos pedazos de colaboraciónes con músicos invitados. Stuart McCallum de Cinematic Orchestra y un trío de cuerdas con Ellie Fagg, Gregor Riddell y Tom Norris (Orquesta Sinfónica de Londres).

sábado, 19 de octubre de 2013

VA. Oriental Blues (2013)



Catorce pistas en la compilación de la música "blues" de Oriente.
Con Dhafer Youssef, Natacha Atlas, Savina Yannatou, Miguel Gil, Sevda, Hossein Alizadeh y Djivan Gasparyan, entre otros.
De los bazares de Estambul, al oasis de Túnez y el paisaje de montaña sin fin, cerca del Mar Caspio, la música de esta región incluye las voces más bellas y los arreglos más delicados.





01 Iness Mezel - Aya Woulis 6:03
02 Aziz Sahmaoui - Maktoube 3:52
03 Karina Nayt - Keyf 4:47
04 Abaji - Gibran 4:19
05 Natacha Atlas - Lammebada 7:10
06 Orquestra Arab De Barcelona, Miguel Gil - Adieu Paure Carnavas / Wa Habibi 6:20
07 Burhan Öçal, Istanbul Oriental Ensemble - Nihavent Oriental (edit) 4:10
08 Sevda - Ele Deme 5:56
09 Abdelli - Tharguith 5:19
10 Amine & Hamza - Ya Nari (edit) 4:28
11 Djivan Gasparyan, Hossein Alizadeh - Sari Gallin (edit) 6:20
12 Dhaffer Youssef - Al-hallaj 3:20
13 Salto Orientale - Kegome 7:07
14 Orchestre National De Barbès - Nabina 2,44



320 Kbps + covers

viernes, 18 de octubre de 2013

Las Hermanas Caronni - BAGUALA DE LA SIESTA [Argentina]

Una es Laura, la otra es Gianna. Una toca el chelo y canta, la otra toca el clarinete y también canta. Juntas forman el dúo Las Hermanas Caronni. Son mellizas y nacieron en Suiza, donde sus padres se habían instalado poco antes de que las fuerzas armadas tomaran el poder en Argentina. Sin embargo, a un año y medio de edad fueron llevadas por sus padres, psicólogo él, médica ella, y ambos melómanos, a Argentina, donde la familia se instaló, en Rosario más precisamente, la ciudad de los progenitores. El árbol genealógico de las Caronni es un concentrado de Europa: un abuelo suizo italiano, y parte de la familia de origen ruso e irlandés.

“Los argentinos que vienen de Rosario o de Buenos Aires estamos cerca de un puerto y vivimos en una permanente nostalgia. De generación en generación estamos yendo y viniendo y un poco de eso es nuestra música”, explica Gianna Caronni. Tras ser diplomadas en Argentina y haber integrado conjuntos de música de cámara, orquestas y grupos de música tradicional, las hermanas Caronni se afincaron en la ciudad de Lyon, ambas becadas, en 1998 y, desde entonces, viven en Francia, en la ciudad de Burdeos.


"Un dúo como el nuestro -explica Laura- es como si uno debe hacer una pintura y sólo tiene blanco y negro, y eso te obliga a explorar todas las posibilidades que hay: yo uso el chelo como percusión, como contrabajo, como violín; Gianna canta, toca el clarinete y algunas percusiones. Tenemos que hacer una especie de construcción minimalista que nos lleva a buscar límites cada vez más lejanos".

Sobre sus grabaciones discográficas precisa Gianna: "en el primer disco prevalece mucho la música argentina y de inspiración latinoamericana. En el próximo reuniremos composiciones más cinematográficas, música para danza contemporánea, teatro y cortometrajes. Queremos que los discos tengan una unidad en sí".

“Nos miran como una rareza y lo somos. Siempre hemos cambiado, somos muy curiosas, no sé si eso es bueno o malo, y, en este caso, la curiosidad es inventar nuestra propia música, la cual es el resultado de lo que somos. Es honesto. No venimos del folclore pero lo conocemos, tenemos formación clásica y hemos hecho música del Renacimiento, hemos tocado con músicos de jazz, de rock o de músicas tradicionales”, concluye Gianna Caronni. Fuente

Pistas:

01.  Chelimbao
02.  Los Ejes De Mi Carreta
03.  El Jarrito
04.  Milonga Campera
05.  La Noche Llega
06.  Yuyo Verde
07.  Antigona
08.  Pollera Azul De Lino
09.  Nabraska
10.  Esta Cajita
11.  Galopando
12.  Chiche Pempe
13.  Baguala Da La Siesta


Christina Pluhar & L'Arpeggiata - Mediterraneo (2013)

ACTUALIZADO!!
La artista Christina Pluhar, que con el arpa y la tiorba ha demostrado al mundo el potencial de los instrumentos del Barroco, se aleja de ese periodo en su último trabajo con un proyecto "mucho más libre", que recorre las tradiciones de la llamada "frontera del olivo".

"Mediterraneo", ofrece un viaje de descubrimiento musical que zarpa de los cantos greco-salentinos y hace escala en las costas griegas, italianas, francesas, españolas e incluso turcas y portuguesas.

El resultado, es un proyecto "muy colorido", que le ha permitido darse cuenta de que el lenguaje musical es mucho más abierto que el verbal y facilita que músicos de cualquier cultura puedan reconocerse en los otros en cuanto suenan las notas.

El mestizaje de este último álbum cuenta con las voces de la portuguesa Misia, las sopranos españolas Raquel Andueza y Nuria Rial, las voces también del italiano Vincenzo Capezzuto y de la griega Katerina Papadopoulou, y la maestría de los músicos turcos Aytaç Dogan e Ismail Tunçbilek.

A ese conjunto llegó cuando la sorpresa de esos cantos greco-salentinos, de raíces italianas pero cantados en griego, la dejó con ganas de explorar otras "pasarelas" que tuvieran el Mediterráneo como punto en común.

"Me he alejado del Barroco. Creo que es la primera vez que lo hago, porque en los otros (discos) seguía buscando fuertes conexiones con la música italiana del siglo XVII. Este álbum es un proyecto mucho más libre, pero creo que como artista tengo la libertad de evolucionar hacia otras ideas", sostiene.

Pluhar (Graz, Austria, 1965) defiende que en canciones tradicionales de Italia, España o Portugal se puede hallar una base barroca, pero no así en las griegas o turcas, lo que provoca que las 19 canciones escogidas sean más heterogéneas que en discos como "Los pájaros perdidos", "Los impossibles" o "La Tarantella".

El repertorio incluye fados como "Cantigas de portugueses", cantos greco-salentinos como "Are mou rindineddha", o canciones españolas como "La dama d'Aragó" o "Los delfines", revisitados con la particularidad que le da el tocarlos con su conjunto de cámara, "L'Arpeggiata".
http://noticias.lainformacion.com/arte-cultura-y-espectaculos/musica-clasica/oda-al-mediterraneo-de-la-artista-christina-pluhar-en-su-ultimo-trabajo_vLogRmtwOf3CWIGLPeRZu1/


viernes, 4 de octubre de 2013

Nathalie Manser - Les Anges



Nathalie Manser, es una violonchelista virtuosa, ha sido criada desde su infancia en el mundo de la música clásica. Después de obtener el "1er Prix de Virtuosité con las felicitaciones del jurado y el más alto diploma de la Academia Estatal de Música de Lausana, "Licencia Concert", estudiando con Philippe Mermoud, tuvo la oportunidad de tocar con varias orquestas en la parte francesa de Suiza y ha continuado su educación musical con clases magistrales en Alemania (Freiburg).
Según parece, la rigidez de la música clásica casi no podía ofrecer ningun espacio para su creación personal o interpretación. Por esta razón, Nathalie Manser se aleja de la música clásica para crear sus propias adaptaciones y composiciones musicales con el violonchelo.
Gracias a su conocimiento y dominio del instrumento, ha sido capaz de producir su propia música, personal y sensual.
http://www.myspace.com/nathaliemanser



Les Anges es su primer album, este que os presento es una edicion Turca con un bonus track el nº15 este no aparece en el que se publicó en Europa



01. Les Anges (5:16)
02. A New Life (Cherokee Mix) (3:42)
03. Aquarium (6:48)
04. Revolution (Intro Hasta Siemre) (0:25)
05. Hasta Siempre (4:11)
06. Arpeggione (8:56)
07. A New Life (7:20)
08. Adagio (4:38)
09. Where Is Bach? (5:13)
10. Tsuglag Khang (5:56)
11. Kikuyu (6:16)
12. Discovery (5:03)
13. Adagio (Rap Mix) (4:46)
14. More To Life (Tribute To Freddie Mercury) (3:01)
15. Nathalie Manser feat. Erdal Kizilcay - Oghuz (5:24)

sábado, 28 de septiembre de 2013

Christina Pluhar & L'Arpeggiata - Los Pajaros Perdidos - The South American Project (2012)


ACTUALIZADO!!
Christina Pluhar nació en Austria donde aprendió a tocar la guitarra. Luego, en Holanda se especializó en música antigua y dominó otros instrumentos como el laúd, el arpa o la tiorba. En año 2000 formó el L'arpegiatta, un conjunto instrumental y vocal "de geometría variable" con el que llevan 12 años explorando repertorio poco conocido de compositores italianos, franceses o españoles del primer barroco. Un conjunto que se reconoce centrado en personalidad musical de su directora y dispuesto a realizar incursiones en otros terrenos, como el de la música tradicional (folklore) o el jazz.



Christina y su conjunto ya exploraron el territorio musical de las Américas en su álbum Los impossibles (2006) donde interpretaban manuscritos españoles y mexicanos con la ayuda inestimable del grupo británico The King's Singers.

Ahora, en Los pájaros perdidos, van más allá porque exploran distintas formas musicales de la música tradicional de Hispanoamérica como el pajarillo -una de las formas más refinadas del folklore de Colombia y Venezuela- representada por 'Pajarillo verde', el polo venezolano (se incluye un 'Polo margariteño). Pero también el tango o el bolero cuya historia nos lleva de Haití a Cuba y de Cuba a Mexico, y que aquí está representado por el mil veces versionado 'Bésame mucho', interpretado en el disco con gran naturalidad por la soprano española Raquel Andueza. Dicen que recuerda a Peggy Lee intepretando esta melodia que Consuelo Velázque compuso con tan sólo 16 años, y sin haber aún conocido plena y físicamente el amor. Una interpretación que cierra el disco y que es como dice Pluhar, casi un "bonus track".
http://www.rtve.es/noticias/20120311/christina-pluhar-propone-viaje-musica-latinoamericana-su-disco-pajaros-perdidos/506098.shtml