sábado, 27 de diciembre de 2014

Lavinia Meijer - Glass - Metamorphosis - The Hours (2012)


Lavinia Meijer hizo furor en 2012 con su álbum Metamorphosis - The Hours en las que realiza con el arpa piezas minimalistas de Philip Glass. El álbum alcanzó el tercer lugar en el Top 100 y recibió un disco de platino.

Lavinia Meijer nos cuenta que:
"Mi primer encuentro con Philip Glass en 2011 fue verdaderamente una de esas oportunidades que se me presentaron en mi vida como arpista, siento mucho el privilegio de tener estas nuevas experiencias. No sólo en el escenario, sino también detrás de las escenas en la colaboración con los compositores. es un aspecto importante de esto, las nuevas ideas no se presentan con poca frecuencia a través de encuentros personales y la inspiración mutua. este fue el caso cuando conocí a Philip, que nunca antes había escuchado su metamorfosis en vivo con el arpa. Después de mi nerviosismo inicial, la tensión pronto se derritió cuando toqué los primeros compases y él comentó "que suena muy bien!".




Since their first encounter in May 2011, Lavinia Meijer has worked with some frequency with Philip Glass, even though he has never written solo works specifically for the harp. However, many of his piano works and piano transcriptions, after minor adjustments, prove to be well suited to the modern pedal harp. Initially, Lavinia Meijer added Glass's five movement Metamorphosis to her repertoire, on the instigation of the undersigned, the Amsterdam gallery owner Robert Malasch and the American composer himself. After a first and successful performance (in the composer's presence) in the Amsterdam 'pop temple' The Melkweg, a first official recording was made for Channel Classics in June 2011 in the Dutch town of Schiedam. Since this recording was exclusively intended for a brief national marketing campaign, it has now been followed up by this complete Glass CD for international distribution. Lavinia Meijer is recognized worldwide as one of the most successful rising stars. Besides performing the standard harp repertoire Lavinia Meijer is very keen on playing modern music. She is also interested in experiments with electronic music, theatrical performances and jazz.
http://www.prestoclassical.co.uk/r/Channel/CCSSA33912

martes, 23 de diciembre de 2014

Bembeya Jazz National - 10 ans de Succes (1971) [Guinea Conakry]


Este es un maravilloso documento de una gran banda en la cima de sus poderes, ejemplificando la hermosa música creada por el movimiento 'authenticité' en Guinea durante los años 1960 y 1970.

Bembeya Jazz fueron el premier 'orquesta nacional de Guinea, financiado y promovido por el régimen del presidente Sekou Touré en nombre del nacionalismo cultural. Combinaron una deslumbrante variedad de influencias de la rumba cubana al swing de las grandes bandas de mandinga tradición oral en un brebaje embriagador, excitante que se capturó brillantemente en este álbum, su concierto aniversario de diez años en el Palacio del Pueblo en Conakry en 1971.

 La primera canción adecuada, la épica de nueve minutos Temtemba, es probablemente mi pista favorita africana, con solos virtuosos de los guitarristas y sección de metales de construcción a un final super-cargado entregado por el cantante Demba Camara. Las cosas se calman un poco después de eso, pero la música se queda de primera categoría en todo, y la gente es tan fuerte entusiasmo que casi te sientes como si estuvieras allí. Me hubiera gustado haber estado
.
 

SIDE 1 : Introduction / Temtemba / Wouloukolo / Lefa
SIDE 2 : Camara mousso / Oers / Doni Doni / Bembeya / Festival national

viernes, 12 de diciembre de 2014

Otis Taylor - Blue Eyed Monster (1996) [Usa Blues]


Blue-Eyed Monster, was released in 1996. The album's stark lyrical themes and fascination with African-American history and mythology marked Taylor out as a challenging new voice on the northern blues scene.
His interpretation of electric country blues grew even darker on subsequent releases When Negroes Walked The Earth (1997) and White African (2001), the latter the first of his albums to gain national distribution and the catalyst for his being named Best New Artist at the W.C. Handy Blues Awards.



1.  Black Betty (0:38)
2.  Harry, Turn The Music Up (3:19)
3.  Hungry For Love (6:56)
4.  Nobody Knows My Name (3:44)
5.  Sito's Banjo Rag (0:33)
6.  Odie's Train Time (4:51)
7.  Coffee Woman (4:17)
8.  Sito's Banjo Rag (0:33)
9.  Ham Bones (1:38)
10.  Hey Joe (7:17)
11.  Sleepwalking Monster (4:56)
12.  Crawlin' Kingsnake (6:18)
13.  Laughing At The Moonlight (2:15)

lunes, 8 de diciembre de 2014

Lavinia Meijer - Einaudi by Lavinia: Passaggio (2014) [Holanda]

El 1 de noviembre de 2013, el nuevo álbum de Lavinia, la arpista que recibió un premio de platino por su último álbum con Glass. Einaudi por Lavinia: Passaggio contiene una selección muy personal de obras del compositor y pianista Ludovico Einaudi, incluyendo Divenire, I Giorni, Le Onde y Nuvole Bianche. El álbum marca el debut de Lavinia en Sony Classical Internacional y se dará a conocer en todo el mundo en 2014. Desde el momento en Lavinia entró en contacto con la música de Einaudi se volvió más y más agitado e inspirado por. Su confianza en que esto funciona para piano se prestan muy bien para arpa fue apoyada por el propio compositor. Cuando, a principios de este año durante una reunión con él para tocar su arpa editado versiones de sus obras. "Con su guía, por lo cual estoy agradecido, me sacó su música para mí. La búsqueda de cómo su música hasta la extrema belleza, sino también con mi propia visión sobre ella, para llevar a cabo, no me dejó ir. Sabía que esto debe y voy a incluir ", dijo Lavinia .. Lavinia hará una gira con la música de Einaudi en el próximo período y se presentará en vivo en varios lugares, incluyendo Paradiso, El Caballo de Troya, 013, La reina y Metrópolis. Para la próxima primavera es, además, una extensa gira de teatro en la agenda. Einaudi por Lavinia: Passaggio incluido en la Gran Sala 1 de la antigua radio y estudio Funkhaus complejo de Alemania Oriental. Un estudio es famoso por su acústica perfecta y por lo tanto también se utiliza para las grabaciones de grandes figuras como Lang Lang, Sting y Murray Perahia. Productor es 'Tonmeister' Andreas Neubronner, que son recompensados ​​13 de sus producciones con un premio Grammy. Tracklist 1. DIVENIRE 2. I GIORNI 3. OLTREMARE 4. UNA MATTINA 5. LE ONDE 6. DIETRO LINCANTO 7. ORA 8. THE SNOW PRELUDE NO.15 9. PASSAGGIO 10. NUVOLE BIANCHE 11. DUE TRAMONTI

jueves, 4 de diciembre de 2014

ALISSID JAZZ AND NIKOLAY OORZHAK - OOrJAZZ



For their album with Tuvan Shaman Nikolay Oorzhak, compared to the previous, more jazz orientated release , the group here shows a different, and more ethnic inspired sound, based on improvisation which is theme-related, and is building consciously on combinations of well fitting sounds. Songs are now of minor importance.. Each member contributes to this in a specific way, so that together something happens on different levels, slowly describing, exploring and then if possible, also transforming and transcending its content.

The first track, “Oortapes” starts calmly with throat singing and didgeridoo, and there are build up harmonic tensions mostly. Great in the first few tracks especially is that there are added (with keyboards ?) some feeling of background sounds that replace a natural environment (by Slava Logutin ?). On the second track, “OorDance” I have the impression that there are also added some small pre-recorded throat singing textures, and exactly fitting very natural sounds of overtone keyboards. On the 5th track I even think I hear insect-like harmonies be added to the global harmonies. Another thoughtful and clever interpretation comes from drummer Kirill Kachanov who adapts his playing with drums so well it becomes closer to a hand percussion rhythmic tonality and sensibility. Jazzy piano makes the improvisations always moody. Kate Kandalina this time is much more of a rock singer ; she sings with heavy strength in her voice.

Nikolay Oorzaak not only adds with his vocal technique descriptive truly imaginable worlds, always building along with the group at first, then, like a real shaman he also always changes the spheres in a benefit of a multi-dimensional conscious experience. While Kate sings more heavy than ever, even the wildest exaggerations are adapted in dialoguing ideas, and then transcending into a natural feeling. On “Hunter” for instance she goes wild, almost aggressive, with a second voice as overtone. The shamanic voice then goes in contra-attack. The song is about the hunter, expressed with fire. She continues with high toned pushed singing, but then the improvisation calms down first in a walking rhythm, changing sounds and nature. “Kate’s Song” is the only real song-focused track, most comparable to the previous album, with Kate singing, accompanied by piano only. “NewAgeDance” is based upon a whole different idea.

It starts calmly improvised with a sax like dugs, with sounds of keyboards that partly recalls a bit, Nature, but this time also with the addition of some new age meditative sounds. Moody sax, flute, and jazz drum comes in and build it up further. But then suddenly the sphere is broken into a challenging change, with an avant-garde idea of wilder sounds on sax, a rocking bass, fitting throat singing, almost neo-prog keyboards with piano. The track evolves to all kinds of different moods, rather intuitively and emotional. It is not really leading to a composition, but has vividly working changing tensions, just like the winds. It ends with a rather melancholic goodbye with singing and throat singing. So even with no specific structural composition here happens a real emotional evolution, and when suddenly 2 throat singers appear, the ending sounds like sung to end with a cured feeling. The bis/bonus track is much more of a jazz improvisation, which went completely in the group’s entity, forgetting the individuality of each member, because now all participate equally. A great ending for a special album.



  • Alexander (Aliss) Alekhin - baritone saxophones, flutes
  • Kate Kandalina - vocals
  • Slava Logutin - keyboards
  • Kirill Kachanov - drums
  • Timur Pirogov - bass
  • Andrei Baranov - didjeridoo (an Australian Aboriginal wind instrument in the form of a long wooden tube)
  • Special Guest: Nikolay Oorzhak - throat singing

  1. Oor Tapes (12:19)
  2. Oor Dance (14:11)
  3. Hunter (11:09)
  4. Kate Song (5:33)
  5. New Age Dance (17:46)
  6. Early Birds (16:58)

lunes, 1 de diciembre de 2014

Mamani Keita-Kanou



A former backing singer with Salif Keita, Mamani Keita is best known for her 2001 recording debut Electro Bamako, which found her accomplished Malinke roots-based song craft comfortably couched in the jazz, reggae and electronic settings of her producer, Marc Minelli. Kanou largely leaves behind the occasional rock guitar dynamics of her subsequent two albums with Nicolas Repac in favour of sparser, more rootsy arrangements by Marc-Antoine Moreau.

The veteran Rail Band guitarist Djeli Moussa Kouyaté provides hypnotic guitar work, punctuated by spicy interjections from ngoni luminary Moriba Koita. Mamani’s warm, silky voice is best showcased on the memorable title-track, while the frisky and infectious ‘Dounia’ confirms her status as a writer of rootsy, dance floor-friendly pop.

Mali is already blessed with a surfeit of fine female artists and Mamani Keita is sure to get the share of the limelight she deserves if she keeps making records as good as Kanou.



1. Djalal Kibali
2. Kanou
3. Demissenou
4. Fanatan
5. Dougale
6. Dounia
7. Djigihia
8. Anissu
9. Deliko
10. Mogobaou
11. Marie Massa


domingo, 30 de noviembre de 2014

Barra MacNeils - O Christmas Three



The latest release is a play on the fact that this is the band’s third seasonal recording. Featured songs by some of Canada’s top artists include Ron Sexsmith’s Maybe This Christmas, Rita MacNeil’s For Mary and Joseph and Bruce Guthro’s Bound for Bethlehem. Marked by Lucy’s velvet vocals, soaring group harmonies and note-perfect musicianship, the Cape Breton-produced recording reflects the sound that has proved a winner with audiences across North America over the Barras’ 26-year career.http://barramacneils.com





  1. Bound for Bethlehem
  2. Maybe This Christmas
  3. Miners’ First Noel
  4. Here We Come a-Wassailing
  5. The Green Tree Set
  6. Oran Nollaig Na Bretainn Bhig (A Breton Carol)
  7. Christmas Belongs to Children
  8. For Mary for Joseph
  9. A-Walkin’ Christmas Morning
  10. The Parting Set

Aurelio - Landini (2014) [Honduras]



Subido por zeporro
En la costa caribeña de Honduras, en la pequeña aldea de compositor Plaplaya, Garifuna, cantante y guitarrista Aurelio primero aprendió música en las rodillas de su madre. Al final del día, los aldeanos regresaban en sus barcos hasta el rellano río, reuniendo a escuchar parranda, la música de la guitarra impulsado de trovadores garífunas que bromeó y enseñó, lamentó y elogió a la vida comunitaria.

Su pueblo de la infancia se ha convertido en una piedra de toque para Aurelio, defensor de la cultura garífuna dedicado e innovador musical. En canciones originales hechos a mano por Aurelio y su madre María Martínez, así como canciones tradicionales, regresa al lugar de aterrizaje que le lanzó con Landini ("aterrizaje" en garifuna), un vaivén, homenaje agridulce a su amado hogar y personas.

"Considero que este álbum será el sonido de mi pueblo garífuna. En el disco anterior [Laru Beya] experimentamos y colaboró ​​con otros artistas para volver a conectar lo que se perdió entre África y América. Este álbum es puramente garífuna, y todo el espíritu de la música refleja la experiencia Garifuna ".

A pesar de que incorpora elementos de una amplia variedad de fuentes, el corazón de la música garífuna late con cuentos muy personales, engañosamente simples. Aurelio da crédito a su madre María, que soñaba con ser una cantante profesional, con él la introducción a los fundamentos de Garifuna songcraft. Al igual que muchos Garífuna, ella compone sus propias canciones basado en eventos de la comunidad y su experiencia personal, canciones. Ella le enseñaría el verso y el coro de las canciones a su hijo, que entonces van a construir en el cuento mediante la adición de otro verso, en estilo tradicional garífuna.

Mi madre es la única fuente de inspiración para este álbum ", dice Aurelio." Mi madre ve a sí misma reflejada en mí, en gran medida, el único de la familia que podría cumplir su sueño de cantar profesionalmente. Me recuerda a las canciones, y me dará consejos sobre la música y las canciones. Ella es el mejor ejemplo que tengo en mi vida de lo que un ser humano debe ser, mi asesor principal y confidente ".

"Irawini" ("Midnight") refleja este vínculo afectivo, la colaboración entre la madre y el hijo. Compuesto por María, que nos habla de escuchar a Aurelio tocar la guitarra en la distancia, mientras espera ansiosamente su regreso a casa una noche.

Canciones garífunas, ya sean nuevos o muy viejo, están a menudo llenas de humor y bromas meditaciones sencillas en las relaciones. Ellos crónica de acontecimientos importantes en la vida de una comunidad; "Milaguru" es un alegato a favor de que el capitán de un ferry que se hundió, matando a todos a bordo, que tener cuidado y dirigir sus pasajeros casa. Otras canciones hablan de dolores personales: la persecución y la angustia de "Durugubei Mani", que lamenta la persecución de la cantante por la comunidad, o "Nafagua", que lamenta la muerte de un ser querido.

"Lo que es realmente importante es cómo el oyente interpreta una canción a través de su propia experiencia", explica el productor Ivan Duran álbum. "Cuando una canción Garifuna se vuelve popular en la comunidad, por lo general no es porque tiene una melodía pegadiza o que es una canción divertida. Es porque la experiencia que se transmite en la canción resuena con las propias experiencias de los oyentes." Las canciones que resuenan son reutilizados, transformado con el tiempo como cantantes agregan nuevos nombres y lugares, nuevos pensamientos y versos.

En su simplicidad rígida, canciones garífunas encuentran inesperada profundidad. Ellos llevan a menudo un doble significado que abarca la ambivalencia de la vida, la zona gris entre el amor y la irritación, entre la felicidad y la desgracia. Es una combinación trovadores garífunas han refinado a la perfección aerodinámica, la vinculación, ritmos dinámicos optimistas con melancólicas melodías sentidas.

En la grabación de Landini, Duran, quien es oriundo de Belice y ha dedicado la mayor parte de su vida profesional a trabajar con artistas garífunas, se esforzó para acentuar doble naturaleza canciones, con sus complejas resonancias emocionales. Toques de Durán son restringidos y sutil, dejando el centro de atención en Aurelio y actuaciones de accionamiento y apasionados delicados de su banda desde hace mucho tiempo, en los sonidos de los tambores, voces y guitarras magistralmente interpretados por Guayo Cedeño.





1. Sañanaru
2 Nando
3. Milaguru
4. Nafagua
5. Nari Golu
6. Lándini
7. Lirun Weyu
8. Durugubei Mani
9. Irawini
10. Funa Tugudirugu
11. Nitu
12. Chichanbara

Mari Boine - Leahkastin (1994)


Subido por fulcanelli
La región de Laponia está ubicada al norte de Noruega, Finlandia, Suecia y Rusia. Aunque algunos los llamen noruegos o suecos, ellos son los originarios habitantes de la región y la tierra donde viven es el país Sami. Allí vive Mari Boine. Allí lucha por conservar la cultura, la lengua y la música el pueblo de los Sami. Mari Boine Persen nació en 1956 en el pueblito de Gàmehhisnjàrga, al lado del río Anarjohka, en el seno de una familia de pescadores de salmón. Creció en un hogar muy devoto y estricto.

 La primer música que escuchó fueron los salmos cantados del movimiento fundamentalista cristiano "Laestadian", con muchos seguidores entre los Sami. De acuerdo a Mari "los colonizadores trajeron la cristiandad y dijeron a los Sami que tenían que olvidar su religión primitiva, y la música es parte de esa religión. Mucha gente de la generación de mis padres no acepta la música, dice que es música diabólica que cantas cuando estas borracho; los colonizadores también trajeron el alcohol". Estudió para ser profesora, pero luego abandonaría esta ocupación para orientarse definitivamente hacia la música. Mari había crecido sintiendo vergüenza de sus raíces; es este sentimiento de inferioridad el que más tarde superaría y denunciaría con su música. En la actualidad, la mayoría del pueblo Sami considera a Mari Boine una de sus más grandes embajadoras. Puede decirse que representa a Noruega y a los Sami, por igual, tanto en su musica como en entrevistas tal como ella explica: “Solía pensar que los hombres que oprimen a mujeres, o los gobiernos que oprimen a la gente eran conscientes y simplemente eran unos cínicos. Pero entonces me di cuenta de que a menudo no se dan cuenta y están llenos de miedo.

Pensé que tenía que encontrar la forma de llegar a sus corazones para hacerles saber lo que estaban haciendo. Es la única forma de cambiar las cosas. Por eso pienso que mi música es importante”. “Nuestra primera relación es con la naturaleza. Eres parte de la naturaleza, no el señor de la naturaleza. Esto también te dota de un poderoso sentido de la solidaridad - eres parte de otra gente. El dinero no es importante. Es más importante tu personalidad, el ser humano”. “Creo que tu voz es el espejo de tu alma y de cómo te sientes por dentro. Cuando comencé, cantaba canciones pop y baladas y no cantaba desde el corazón. En los últimos diez años he estado luchando contra este sentimiento de inferioridad respecto a los noruegos o los occidentales, y mi voz se ha ido haciendo más fuerte a medida que tomaba la determinación de que nadie podría oprimirme, y que tenía valor como Sami. La cultura occidental marca una distancia entre tú y tu cuerpo o tu corazón. En la cultura Sami piensas en todo como un conjunto inseparable”.


Cuovgi Liekkas by Mari Boine on Grooveshark

Tracks
1. Gumppet Holvot/The Wolves Howl 6:29
2. Ale Sat/No More 1:22
3. Guovgi Liekkas/Radiant Warmth 5:04
4. Ahccai/To my Father 6:06
5. Maid Aiggot Muinna Eallin/What du you want life? 6:54
6. Mielahisvuohta/Lunacy Lunacy 4:58
 7. Gilvve Gollat/Sow your gold 5:07
8. Gulan Du/Hearing you 4:35
9. Vuolgge Mu Mielde Bassiv Arrai/Come with me to the sacred mountain 6:51
10. Mun Da’han Lean Oaivamus/Just when I had … 4:37
11. Da Lean Mun/Here I am 6:59

jueves, 27 de noviembre de 2014

Mamani Keita - Gagner L'argent Français



Au Mali la tradition interdit à ceux qui portent le nom royal de Keita de chanter ou de jouer d'un instrument. Heureusement, il y a des exceptions.

Mamani Keita en est une qui, d'ancienne chanteuse d'un autre Keita en rupture de caste (Salif), est en passe de devenir l'une des principales ambassadrices de la modernité musicale africaine. Gagner l'Argent Français, son troisième album est le plus rock, le plus électrique à ce jour. Celui où elle prend le plus de risques. Il révèle intégralement une personnalité forte, passionnée, insoumise, une voix rebelle dont la part mandingue se débride au contact d'un univers sonore aussi inventif qu'hétéroclite conçu par Nicolas Repac, guitariste et arrangeur connu pour sa collaboration au long cours avec Arthur H.




01. Gagner Largent Francais (05:27)
02. Demissen Koulou (04:45)
03. Doussou (03:47)
04. Sinikan (04:23)
05. Nenibali (04:20)
06. Massigui (05:08)
07. Konia (04:31)
08. Waleya (04:55)
09. Douba (03:27)
10. Siya (05:44)

martes, 25 de noviembre de 2014

Ghada Shbeir-Andalusia



Specialist and professional performer of traditional Middle Eastern folks and Arabo Andalusian songs, Syriac and Ancient Maronite chants, Ghada Shbeir has an exquisite talent and the ability to move easily and with professionalism from traditional folk songs to religious chants. She has earned frequent comparison to some of the best Middle Eastern singers.

Born in Lebanon, after graduation from high school, Ghada Shbeir moved to the USEK (Universite St. Esprit - Kaslik - Lebanon) to pursue a music career. Her big break came as a soloist of the USEK choir that highlighted her professional talent throughout the media.

After earning an advanced degree with high distinction in traditional Arabic music performance, Ghada Shbeir received her Master's degree in Musicology from the same university. Due to her unique style in performing, she became a professor of traditional Arabic singing techniques at the USEK, AlMuwashshah singing techniques at the Lebanese University and sacred Syriac chants at the National Conservatory of Lebanon.

Furthermore, she participated in several festivals, concerts and conventions. Ghada presented a lot of conferences in Lebanon and all over the world (Paris, London, Canada, Estonia, Slovakia, Greece, Egypt, Oman, Abu Dhabi, Spain, etc.) She has also worked with “Enchordais” for five years. During this period, Ghada performed in many concerts and festivals, in addition to registering with “Enchordais” a CD containing traditional Arabic music. Furthermore, she is working, not exclusively, with Zaman Production, in France for organising concerts in Europe.





  1. Lamma Bda Yatathanna (لما بدا يتثنّى (04:48
  2. Aatini Bikr Eddinane (عاطِني بِكرَ الدّنان (07:04
  3. Badro Ellail (بدرُ اللّيل (04:39
  4. Nabbah Elnadman (نبّه الندمان (03:14
  5. Mala ELkasat (مَلا الكاسات (02:57
  6. WalhawaThalethona (والهوى ثالِثُنا (03:15
  7. Zarani Elmahbob (زارني المحبوب (04:31
  8. Hebbi Zorni (حبي زرني (04:15

lunes, 24 de noviembre de 2014

Mamani Keita-Yelema (By Nicolas Repac)



Assitan Keïta, popularly known as Mamani Keïta (Bamako, 20 October 1965) is a singer and musician from Mali."Mamani" literally means "grandmother".

She was raised speaking Bambara, and was a backup singer for Salif Keïta.She is best known in English speaking countries for her album with Marc Minelli, Electro Bamako. She is credited on four tracks of the soundtrack album of the French animated film Kirikou et les bêtes sauvages (2005).Mamani Keita released her second album entitled Yéléma in 2006 and Gagner l'Argent Français in 2011. Both albums were produced and composed by French multi-instrumentalist Nicolas Repac.





1. Djekato
2. Lado
3. Eye Djama
4. Djama Nyemao
5. Cocotte Minute
6. Kassi Koun
7. Kedide
8. Tamata
9. Diarabi
10. A Ya Mine
11. Mali Denou
12. Yelema

sábado, 22 de noviembre de 2014

Mamani Keita & Marc Minelli - Electro Bamako



Mamani Keita
En Mali la tradición prohíbe cantar o tocar un instrumento a los que llevan el nombre real Keita. Por suerte, hay excepciones. Nacida en Bamako y educada por su abuela materna en la más pura tradición Bambara, MAMANI KEITA es una de las que, de antigua cantante de otro Keita (Salif), ha pasado a convertirse en una de las principales embajadoras de la nueva escena musical africana.


Marc Minelli
Né en Normandie, il émigre à Paris dans les années 90 après divers groupes et un crochet aux états-unis où il collabore avec la scène 'punk' de Boston, on le retrouve plus tard en spécialiste des premières parties 'challenges', Cigale avec Chris Isaak, Zénith avec Aubert, Olympia avec les Communards.... Les mêmes années le verront sortir un tube improbable 'Love Atomic', passer à la télé chez Ardisson 'Lunettes noires pour Nuits blanches', Fréderic Mitterrand 'Du côté de chez Fred' , composer la musique d'un spectacle nautique, écrire pour Dani ou remixer Carmel, bref.... La suite se passe en Afrique avec le projet 'Electro Bamako' et Mamani Keïta, le disque fait le tour du monde, Minelli réalise quelques rêves (jouer à New York au festival d'été de Central Park, à Londres au Royal Albert Hall, au Paradiso d'Amsterdam...), il réalise aussi l'album d'Ernest Ranglin ""Alextown"" pour Chris Blackwell (Island) et remixe Amadou et Mariam.




01 - N'Ka Willy
02 - Abdoulayi Djodo
03 - Mirri Ye
04 - Macary
05 - Laydou
06 - Demisenoun
07 - Nedjagnè
08 - Nani
09 - Djonni
10 - Si Gui Té Mogoson

viernes, 21 de noviembre de 2014

Oreka TX-Nömadak TX



Un puñado de vascos locos recorriendo el mundo con una txalaparta y proponiendo compartir experiencias con cantantes y músicos de lugares remotos. Una aventura sugerente, capturada con toda su magia. La txalaparta es un instrumento tradicional vasco de percusión. Se construye con cuatro maderas de distintas especies con una determinadas medidas y condiciones que afectan al sonido resultante (por norma general las maderas deben estar muy secas, tener un grosor de entre 2 y 7 cm, un ancho de 20 cm y un largo que depende del tono que se pretende conseguir), las cuales se suspenden sobre dos soportes (tradicionalmente eran dos cestas de labranza). Las maderas se golpean por dos músicos (el "tukutun" que mantiene el ritmo y el "herrena" que aporta la variedad tonal y los contrapuntos), que utilizan dos palos cada uno (de un ancho de entre 3 a 6 cm y longitudes de entre 50 y 80 cm). En ocasiones el instrumentó en manipulado por más de dos personas a la vez.

El origen del instrumento es incierto, aunque se han realizado numerosos estudios en ese sentido. Además el hecho de que no se conozcan instrumentos similares en zonas geográficas cercanas (aunque sí variantes dentro de los territorios vascos) lo rodea de un halo de misterio. En los últimos años el uso del instrumento ha tenido un resurgimiento, gracias a que su sonoridad es rica y colorida, casando muy bien con ritmos y músicas modernas. El grupo Negu Gorriak fue pionero al utilizarlo en su disco "Gure Jarrera" (1991) y desde entonces ha contado con un buen tirón entre la juventud. En el año 1997 nació el dúo Oreka Tx, formado por los txalapartaris Harkaitz Martínez e Igor Otxoa, quienes desde entonces han formado parte de la banda de directo de Ruper Ordorika (participando también en sus grabaciones desde aquel año) y han trabajado con otros muchos artistas como Carlos Nuñez, Berrogüeto, Dulce Pontes, Pat Metheny o María del Mar Bonet.

Oreka TX publicó un primer álbum en el año 2001, "Querqus Endorfina" (Elkarlanean), y el segundo en el año 2006, tratándose de este doble CD que ahora comentamos y que es el resultado del proyecto "Nömadak TX". Este proyecto nació de las inquietudes de los dos músicos de Oreka TX y de su trabajo junto a los realizados cinematográficos Raúl de la Fuente y Pablo Iraburu. Los cuatro formaron equipo entorno a la idea de utilizar la txalaparta como una semilla para lograr encuentros entre pueblos y culturas. Así se plantearon viajar a la India, Laponia, Mongolia y el Sahara, para acercar el instrumento a aquellas tierras lejanas y hacer grabaciones juntos a músicos de la zona. El resultado pretendido era una película documental y un álbum discográfico. El documental se estrenó en la edición del año pasado del Festival de Cine de San Sebastián, donde sin entrar en concurso logró un notable éxito entre el público y una mención especial de la CICAE. Después pasó por salas comerciales del País Vasco, Navarra, Madrid y Barcelona.

Estando prevista su próximo publicación en DVD. El álbum también se puso en circulación en el año 2006, a finales, con un formato de doble disco compacto, presentado en un lujoso y artístico digipack. Con dibujos alusivos a los lugares visitados y con explicaciones sobre cada una de las canciones en varios idiomas (euskera, castellano, inglés y francés). Además, curiosamente, cada disco incluye un regalo simbólico, que se presenta de la siguiente forma: "edición única, con un obsequio en el interior que hace diferente cada CD". Los temas incluido en este disco son como hojas de un diario, cada una dedicada a una vivencia. El primer corte es la excepción, pues se trata de una mezcla de estudio con tomas de los diversos lugares visitados y sumados a la voz de Mikel Laboa, pero el resto son instantánea de un momento, grabados in-situ, y que vienen muy bien explicados en el libreto. Además, y fundamentalmente, al oyente se le transmite dulzura, armonía y una calma feliz.

La orientación de los cortes es variado y además de la aproximación entre culturas también se percibe el acercamiento de conceptos musicales modernos y tradicionales. Incluso alguno de los cortes tiene una base de bombo constante compatible con el sonido habitual en las discotecas. Estos dos discos, con el "envoltorio" como elemento documental y pieza de arte, sumergen a quien lo disfruta en una viaje lleno de magia y sensaciones. Por ejemplo, en el segundo corte del segundo CD, se presentan las primeras pruebas realizadas en País Sami, donde a 40 grados bajo cero se trabajó para construir una txalaparta de hielo. Ahí se puede escuchar un cántico sami, conversaciones en euskera del equipo de rodaje, los golpes del nuevo instrumento construido (también construyéndose) y todo rodeado por el sonido de las ráfagas de viento helado. Un viento que casi lo sientes golpear en tu cara. "Nömadak TX" fue una aventura y estos dos discos son reflejo de ella.

Unas grabaciones realmente especiales, que harán disfrutar de algo singular y auténtico a cualquier verdadero aficionado a la música, además de poderse considerar, por el concepto, la calidad de las grabaciones y por la exquisita presentación, como una pieza de coleccionista. http://historiasderock.es.tl/Oreka-Tx.htm






1.- Lauhazka 4:11
2.- Saapmi 3:39 
3.- Garinisa 2:11
4.- Jai Adivasi 3:07
5.- Areloreak 4:33 
6.- Dzuüd 4:12 
7.- Lakuko Lotura 1:58
8.- Bagu-Ahmedabad 3:21
9.- Ice Tx 3:43 
10.- Amazigh 4:25
11.- Harpeslat 3:33
12.- Ebue Ebue 4:33
13.- Etzgarit 3:49 
14.- Martxa Baten Lehen Notak 4:00

jueves, 20 de noviembre de 2014

Kronos Quartet - A Thousand Thoughts

Subido por Marhali.

Cuatro décadas después de iniciar su andadura, Kronos Quartet ha logrado romper las barreras entre la música popular y la clásica, explorando las tradiciones folk de todo el mundo. Su nuevo recopilatorio por su 40 aniversario, A Thousand Thoughts (2014), celebra esta victoria bien ganada al reunir una generosa ración de estas excursiones musicales trotamundos en un solo disco.

A Thousand Thoughts forma parte de esta celebración junto con la edición de un paquete retrospectivo (The Kronos Quartet Explorer Series) que incluye cinco de sus discos esenciales: Pieces of Africa (1992); Night Prayers (1994, música de Europa del Este y Asia Central); Caravan (2000, con el grupo romaní Taraf de Haïdouks), Nuevo (2002, música de compositores mexicanos) y Floodplain (2009, música de Oriente Medio).
Para la grabación de este disco, el director artístico de Kronos Quartet David Harrington ha invitado a tres cellistas que han grabado con el grupo a lo largo de su carrera: Joan Jeanrenaud (1978–1999), Jennifer Culp (1999–2005) y Jeffrey Zeigler (2005–2013).

Con canciones de catorce paises diferentes, vale la pena darse una vuelta por el álbum sólo por la espectacular lista de estrellas invitadas que el cuarteto, formado por David Harrington y John Sherba (violín), Hank Dutt (viola) y Sunny Yang (cello), ha llevado al estudio en los últimos años. Una de las grandes estrellas de la música bollywood, la exquisita Asha Bhosle, presta su asombrosa voz a una melodía compuesta por su marido, el legendario cantante y compositor Rahul Dev Burman (más conocido como Pancham), junto con el virtuoso de la pipa china Wu Man.

Las sorprendentes voces del Coro Femenino de la Radio y Televisión estatal Bulgara, también conocido como Le Mystère des Voix Bulgares, canta una pieza escrita por Kronos y el gran Terry Riley, compositor estadounidense asociado al minimalismo. El maestro argentino Astor Piazzolla toca el bandoneón en una grabación de un tango que compone expresamente para el cuarteto.

Pero tan impresionante como estos cameos estelares es el juego camaleónico del cuarteto, que logra fusionarse en músicas procedentes de paises como China, Afganistán, Vietnam y Siria, manteniendo el núcleo característico de su sonido: combinar un espíritu audaz de exploración con el compromiso de ampliar las sonoridades del cuarteto de cuerda.

01 Tusen Tankar
02 Dark Was the Night, Cold Was the Ground
03 La Sidounak Sayyada
04 Lưu Thủy Trường
05 Aha Gèdawo
06 An Buachaillín Bán
07 The Round Sun and Crescent Moon in the Sky
08 Eviç Taksim
09 Rangin Kaman (excerpt)
10 Smyrneiko Minore
11 Cry of a Lady
12 Sim Sholom
13 Mera Kuchh Saaman
14 Asleep from Five Tango Sensation
15 Danny Boy

Gotan Project - Best Of

Subido por Marhali.

Escuchar un bandoneón entre secuencias electrónicas es hoy casi un tópico en las ambientaciones, pero en décadas anteriores se consideraba impensable algo así antes de que surgiera Gotan Project. El "neotango" inventado y masificado por este trío multinacional asentado en París le hizo ganar en misterio y modernidad al género de baile, pasión y desamor surgido en Buenos Aires a fines del siglo XIX.

El tango tomó una nueva dimensión gracias a Gotan Project, un grupo multinacional compuesto por el suizo Christoph H. Müller, el DJ francés Philippe Cohen Solal y el argentino Eduardo Makaroff, sin olvidarnos de la voz de la barcelonesa Cristina Vilallonga. Esta mezcla tan "extraña", que se gestó en París en el año 2000, es la que ha creado la fusión de jazz, tango, música electrónica y mucho arte. Como particularidad, la palabra Gotan es Tango pasada por el tanguero mecanismo del revés.

En celebración por su primera década de vida (y éxito), en 2011 Gotan Project presentó casi en simultáneo dos nuevas e interesantes publicaciones a partir de su combinación de electrónica, jazz, tango y sampleos vocales. La revancha en cumbia, un proyecto atrevido que lleva aún más lejos la vocación del grupo por la fusión de géneros rara vez relacionados. Esta vez, el trío convoca a nueve DJs sudamericanos asociados a la llamada "cumbia digital" (Bomba Estéreo, Tremor, Chancha Via Circuito, King Coya, entre otros) para que graben en clave cumbiera nuevas versiones de todos los temas de su primer álbum, el famoso La revancha del tango (2001), abriendo el oido a un sonido verdaderamente novedoso y fresco.

Best Of (2011) es una primera antología de sus grabaciones, con espacio para trece títulos tomados de su discografía anterior y el regalo de dos composiciones nuevas. El disco resulta un estupendo modo para introducirse no sólo en la trayectoria de Gotan Project sino en el subgénero completo del "tango electrónico", donde hoy también brillan nombres como Bajofondo, Metrotango, Tango Crash y San Telmo Lounge.

01. Santa María (del Buen Ayre)
02. Época
03. La gloria
04. Diferente
05. Rayuela
06. Una música brutal
07. Mi confesión (feat. Koxmoz)
08. Peligro
09. Tríptico
10. Strength to love (feat. Tumi)
11. Panamericana
12. Amor porteño (feat. Calexico)
13. El norte
14. Checkmate / Jaque mate (feat. Christopher Ettridge)
15. Last Tango In Paris


Africando - Viva Africando

Subido por Marhali.

Africando es una famosa y legendaria agrupación nacida en Senegal, referencia ineludible de la llamada "salsa africana". Conformada por artistas de África, además de neoyorquinos y puertorriqueños, la banda fue creada como proyecto musical a inicios de la década de los noventa y celebra la tradición africana de la música salsa. Transcurridos siete años desde su última producción, Ketukuba (un trabajo que hace énfasis en los vínculos entre Cuba y África), Viva Africando (2013) es su octava producción, para el sello londinense Sterns Music.

La historia de este disco es toda una odisea. Mientras que los siete primeros álbumes de Africando fueron grabados en su mayoría o en su totalidad en Nueva York, para este octavo trabajo los neoyorquinos tuvieron que viajar a París. No era ese el plan inicial, pero la guerra en Malí intervino, por lo que era imposible para el arreglista y director musical, Boncana Maïga, renovar su visa para Estados Unidos. Afortunadamente, pudo ir a Francia, aunque las primeras pistas fueron grabadas en Bamako (Malí) y Dakar (Senegal). En París se vuelve a conectar con Ibrahima Sylla, productor y autor intelectual de Africando (que falleció al finalizar la producción), y en noviembre de 2012 se les unen los seis músicos de Nueva York, dirigidos por el pianista Oscar Hernández, quien ha sido una parte integral de Africando desde Gombo Salsa (1996)

Muchas voces familiares adornan Viva Africando. El veterano cantante senegalés Medoune Diallo, miembro fundador de la banda. Sékouba Bambino, una de las grandes estrellas de Guinea desde su juventud en Bembeya Jazz National, que se unió a Africando en 1996 y sigue siendo miembro permanente mientras continúa su carrera exitosa como solista. Roger Eugène, más conocido como Shoubou, un patriarca de la destacada banda haitiana Tabou Combo, que ha combinado con su participación en Africando durante diecisiete años. Un pionero de la música moderna en Burkina Faso, Amadou Ballaké, que aparece por cuarta vez en una producción de la banda.

Jos Spinto, que ha participado en Africando en la última década, dedica una de las canciones a Gnonnas Pedro, una estrella de la música en su país de origen, Benin, y que fue cantante principal de Africando entre 1995 y 2004, año de su fallecimiento. Pascal Dieng, de Super Cayor de Dakar, vuelve a repetir con un segundo álbum con Africando, al igual que su compatriota, el cantante senegalés Bassirou Sarr del grupo Dieuf-Dieul.

En este álbum se presentan cuatro artistas destacados que hacen sus primeras apariciones con Africando: René Cabral, en la escena musical de Cabo Verde desde hace tres décadas; Lokombe Nkalulu, miembro de uno de los mejores grupos congoleños de los años 70, Les Grands Maquisards; James Gadiaga, un notable de la Senegal´s Royal Band de Thiès, y Raymond Fernandes, nacido en Dakar y de origen caboverdiano, que grabó su tema pero que falleció antes del lanzamiento.
Africando siempre ha recibido a grandes artistas tanto en el escenario como en el estudio, no sólo cantantes sino, también, solistas instrumentales. Viva Africando tiene un trepidante final con un tema interpretado por una orquesta invitada: The Spanish Harlem Orchestra, bajo la dirección de Oscar Hernández y con el cantante Ray de la Paz. Los grandes de la salsa clásica de hoy, The Spanish Harlem Orchestra, rindiendo homenaje con "Africa Es" a su gran aliado en la causa, Africando.

01. Deni Sabali (Amadou Ballaké)
02. Xallas Xallas (Bassirou Sarr)
03. Doundari (Sékouba Bambino)
04. Xam Sa Bop (James Gadiaga)
05. Es Para Ti Gnonnas (Jos Spinto)
06. En Vacances (Shoubou)
07. Maria Mboka (Lokombe)
08. Ma Won Mio (Jos Spinto)
09. Yen Djiguengny (Pascal Dieng)
10. Noche con Santana (Rene Cabral & Eddie Zervigon)
11. Destino (Raymond Fernandes)
12. Bouré Yayé Diama (Medoune Diallo)
13. Africa Es "Tribute to Africando" (Ray De la Paz & The Spanish Harlem Orchestra)

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Спиридон Шишигин, Антон Борисов, Аксентий Бескровный - Туйаарар хомус / Поющий варган



The album includes both collaborative and solo improvisation vargan different peoples of the world and the famous Yakut melodies played on the concert flute. But the foundation of the album was just cultural interaction khomus and Jew's harp. Except for some festival collections, this is the first music album, the main theme of which was the joint game Yakut virtuoso with a western performer.

Spyridon Shishigin - known worldwide khomusist improviser, one of nine winners of the international competition "Virtuosi Jew's harp." Khangalassky region, city Pokrovsky.
Anton Borisov - Excellence in Culture and Education, a teacher of children's music school. Megino-Kangalassky District, p. Maya
Axentii Beskrovny - this one on the right on the cover, yeah.

Recording - Ilya neboslov
Naming - Tuyara and Nurguyaana Degtyareva
Photos - Evgeny Sorokin
Design - Axentii Beskrovny



01 - Туйаарар хомус - Поющий варган - 2:33
02 - Доруобай буолуҥ - Будьте здоровы - 5:39
03 - Оһуор тыллыыта - Узоры в цвету - 2:01
04 - Күн бытархайа - Блики солнца - 1:18
05 - Сибэккилэр түһүүллэр - Сон цветов - 3:39
06 - Көлүкэчээн - Озерко - 1:56
07 - Саха үҥкүүтэ - Якутский танец - 1:12
08 - Киһиэхэ төрөөбүт дойдута - О родине - 2:34
09 - Арай биирдэ - Однажды - 2:33
10 - Хайа саҥата - Голос гор. - 2:53
11 - Устар былыттар - Плывущие облака - 2:58
12 - Салгын үҥкүүтэ - Танец воздуха - 4:28
13 - Саҥа күн - Новый день - 2:42
14 - Үөрүү-көтүү - Веселье - 3:46
15 - Чыычаах - Птичка - 2:25
16 - Тута айыы - Экспромт - 2:54
17 - Самаан сайын - Теплое лето - 3:22

martes, 18 de noviembre de 2014

Kasse Mady Diabate - Kiriké



Kassé Mady Diabaté is one of the finest singers in Africa. He’s a griot, a guardian of Mali’s ancient culture, but in the west he is best known for his fusion projects. He sang on Taj Mahal and Toumani Diabaté’s Kulanjan, an album praised by President Obama, worked with Toumani’s amplified big band, Symmetric Orchestra, and performed alongside Cuban stars in AfroCubism. But now he has gone back to his roots, with some crucial outside help.

This is an immaculately recorded, intimate set in which Kassé Mady is backed by a classy acoustic band of n’goni, balafon and kora (from the celebrated Ballaké Sissoko). The ancient African instruments are joined, sometimes surprisingly, by delicate cello work from producer Vincent Segal; but from the slinky Ko Kumi Magni to the stately Hera, the quietly powerful and soulful vocals always dominate. At 65, Kassé Mady is still in magnificent voice.



01. Simbo (feat. Makan Tounkara, Lansiné Kouyaté & Vincent Segal) by Kassé Mady Diabaté 5:28
02. Sori (feat. Makan Tounkara, Lansiné Kouyaté & Ballaké Sissoko) by Kassé Mady Diabaté 6:04
03. Ko Kuma Magni (feat. Makan Tounkara, Lansiné Kouyaté & Vincent Segal) by Kassé Mady Diabaté 6:50
04. Sadjo (feat. Lansiné Kouyaté) by Kassé Mady Diabaté 4:33
05. Toumaro (feat. Makan Tounkara, Lansiné Kouyaté & Vincent Segal) by Kassé Mady Diabaté 4:32
06. Kiriké (feat. Makan Tounkara & Vincent Segal) by Kassé Mady Diabaté 5:37
07. Douba Diabira (feat. Makan Tounkara & Lansiné Kouyaté) by Kassé Mady Diabaté 7:21
08. Hera (feat. Ballaké Sissoko) by Kassé Mady Diabaté 8:11


domingo, 16 de noviembre de 2014

Amira Medunjanin - Silk & Stone (2014) [Bosnia]



En su nuevo álbum,  la sirena de Sarajevo  Amira Medunjanin (que ahora incluye su apellido ...) nos seduce con otra selección de canciones tradicionales Sevdah de la región de los Balcanes; sus interpretaciones revelan una intensidad emocional desenfrenada. Seda y piedra es la siguiente etapa en el viaje Amira Medunjanin s traer Sevdah, el estilo musical que es el corazón de Bosnia, al mundo. Seda y piedra es también una continuación de sus relaciones musicales con el pianista de jazz serbio Bojan Z y el contrabajista serbio Nenad Vasilic Sur, pero con este nuevo álbum volvió incorpora nuevos instrumentos en la forma: el line-up incluye oud y kanun como así como la guitarra, difuminando las fronteras y la demostración de la versatilidad y universalidad de la fórmula Sevdah.


 1. Eleno Kerko (4:32)
2. Cula Jesam Da Se Dragi Zeni (3:10)
3. Kradem Ti Se U Veceri (6:59)
4. Iz Banju Ide Sejtan Devojce (4:26)
5. Sejdefu Majka Budjase (6:13)
6. Ima Dana (5:49)
7. Ajde Da Li Znaes, Pametis Milice (5:54)
8. Sto Te Nema (6:19)
9. Telal Vice (11:28)

320 kbps + art

VA - Africa Greatest Hit Songs, Vol. 1











01. Khadja Nin — Wale Watu — Remix (03:58)
02. Vusi Mahlasela, Angelique Kidjo — Nakupenda Africa (03:11)
03. Hugh Masekela — Thanayi (05:24)
04. Jabu Khanyile, Bayete — Sponky Ponky (05:36)
05. Youssou N'Dour, Neneh Cherry — 7 Seconds (05:06)
06. Platform 1 — Theledi (05:14)
07. Khadja Nin — Sambolera mayi son — Remix (04:30)
08. Jonas Gwangwa — Morwa (06:09)
09. Zamajobe — Ndawo Yami (04:49)
10. Letta Mbulu — Maru A Pula (03:44)
11. Caiphus Semenya — Matswale (05:45)
12. Stompie Mavi — Nomganga (05:44)
13. Sliq Angel — Izuka (04:24)
14. Umanji — Moloi — (Witch) (05:59)
15. Sibongile Khumalo — Khumbula Ukholo Lwakho (04:25)
16. Judith Sephuma — Tseleng (04:40)



sábado, 15 de noviembre de 2014

VA - I Love Balkan Music 2



Recopilatorio extensa de la nueva música balkanica/Gipsy que se esta haciendo ahora mismo .Fusiones gitanas con swing,folclore con tecno,20 canciones para animarnos un poco estos días de lluvia fríos y grises .






01. Goran Bregovic, Gipsy Kings — Balkaneros (03:51)
02. Opa Cupa — Opa Cupa (02:45)
03. Bubamara Brass Band — Djelem, Djelem (03:40)
04. Kumpania Algazarra — Pudim (03:32)
05. Deniz Vardaryildizi — Kirmizi Kar — Summer Mix (04:01)
06. The Zuralia Orchestra — Sukar Transylvania (03:05)
07. Orchestre International Du Vetex — Alkalin Cocek (Roel Poriau) (03:41)
08. Balkanauten — Fejk (03:14)
09. Dubioza kolektiv — Kazu (03:46)
10. Tash Tash — The Magician (03:39)
11. Clea & Kim — Balkan Bachata — Radio Edit (03:17)
12. Boban i Marko Markovic Orkestar — Go Marko Go — Robert Soko Remix (03:17)
13. Los Transatlanticos, DJ Galletas Calientes, Liana, Mr. Baba — La Receta (03:30)
14. Fanfare Tirana, Transglobal Underground — Weeping Willow Tree (04:04)
15. Kottarashky, The Rain Dogs, Fanfare Ciocarlia — Pancho Says (02:56)
16. Mahala Rai Banda — Balkan Reggae — Jstar Remix (03:34)
17. Otros Aires — Los Vino-Movilo (02:39)
18. Ivo Papasov — Dance of the Falcon (Kaba Zurna) (07:54)
19. Kocani Orkestar — Romani Caj (03:13)
20. Ali Cem Cehreli, Gulbahar Kultur, Ebru Ozpirinc. — Arabaya Tas Koydum (03:30)

viernes, 14 de noviembre de 2014

Dhafer Youssef & Wolfgang Muthspiel-GLOW



Although it's a dual-leader album, in which oud player Dhafer Youssef's performance is at least as important as that of guitarist Wolfgang Muthspiel, one of Glow's chief causes for celebration is Muthspiel's on-form presence. After releasing the shimmeringly beautiful Bright Side (Material Records, 2006)—a little-known masterpiece which may yet take its place alongside such jazz guitar iconographs as Johnny Smith's Moonlight In Vermont (Roulette, 1953, reissued 2004) and Wes Montgomery's Incredible Jazz Guitar (Riverside, 1960)—Muthspiel's project with drummer Brian Blade, Friendly Travelers (Material Records, 2007), was a disappointment, interesting in conception but not entirely convincing in execution.

Glow finds Muthspiel back in immaculate form as both guitarist and producer (significantly, the Blade album was a co-production while the Youssef is solely produced by Muthspiel). The disc reunites the Tunisian oud player and Austrian guitarist after a gap of six years following Muthspiel's playing and composing collaboration on Youssef's Electric Sufi (Enja, 2001). The album, Youssef's breakthrough, was a thrilling, perfectly realized collision of traditional Maghrebi music, European jazz and a lively slab of dirty, visceral rock.

Glow inhabits similar territory, but with a broader, and perhaps deeper, emotional range. In large part this is down to Youssef's singing, which Muthspiel, as producer, has coaxed to new expressive peaks. At times Youssef's voice achieves the ecstatic intensity of the late Pakistani qawwali master Nusrat Fateh Ali Khan, at others it suggests the winsome vulnerability of the late electric troubadour Jeff Buckley. He sounds by turns beatific and scary, caressing and chilling, alternating lustrous tenor passages with tortured, almost weeping, falsetto. It's an extraordinary performance.

Extraordinary, too, is the instrumental content and, again, comparisons with Electric Sufi are pertinent. The earlier album was recorded by a nine-piece, the new one by a quintet. The smaller line-up retains a trumpeter, with Tom Harrell replacing Markus Stockhausen, but makes more of the interaction between Youssef and Muthspiel. Both have an exquisite gift for melody, and an understanding of the power of silence, and both place every note with precision. It's a commonplace to say such and such a musician "makes every note count," but Muthspiel, in particular, really does.

Glow uses electronic wizardry with a lighter touch than its predecessor, though textural post-production continues to be a feature of Muthspiel's work. Alegre Correa replaces drummers Mino Cinelu and Will Calhoun, and works in intimate partnership with the young bassist Matthias Pichler (who debuted so brilliantly on Bright Side).

Some music has the ability to condense time, a smaller proportion stretches it. Glow, its every bar a micro-world of eventful creation, is amongst the latter.http://www.allaboutjazz.com/glow-dhafer-youssef-material-records-review-by-chris-may.php#.VGXFeMmGnTo





01. Mon Parfum
02. Babylon
03. Sand Dance
04. Mein Versprechen
05. Etude #3
06. Lamento
07. Maya
08. Emmerich
09. Cosmology
10. Rhaspodie



martes, 11 de noviembre de 2014

Djivan Gasparyan & Erkan Ogur- Fuad



«La Turquie de Hasan Saltik est plurielle. Elle est à la fois kurde, ottomane, arménienne. Depuis une dizaine d'années, ce producteur s'efforce de faire connaître, grâce à la société qu'il a créée, les musiques de l'Anatolie d'hier et d'aujourd'hui. Avec l'espoir qu'à travers elles la Turquie si jacobine accepte enfin ses différences. Fruit d'un minutieux travail d'archéologie musicale, son catalogue compte à présent 300 titres, qui vont des chants révolutionnaires à la musique classique ottomane. «Il y a, dit-il, en Anatolie une richesse formidable qui ne demande qu'à être découverte.»

Originaire de Tunceli, dans l'est de la Turquie, il a 11 ans lorsque ses parents s'installent à Istanbul. Il poursuit pendant un an des études au conservatoire. Mais la vie, pour toute la famille, se révèle difficile et l'enfant se retrouve rapidement dans la rue en train de vendre des simit, des petits pains ronds couverts de sésame que les istanbuliotes mangent à toute heure. Il sera aussi peintre ou maçon sur différents chantiers. Jusqu'à ce jour de 1991 où, grâce à un emprunt de 500 euros, il loue une boutique de 4 mètres carrés à Unkapani, le temple de la production musicale d'Istanbul, et crée la société Kalan. Ses premiers poulains sont un groupe de musiciens d'extrême gauche. L'affaire marche bien et, grâce aux bénéfices engrangés, il va enfin pouvoir réaliser son rêve: découvrir et faire découvrir les mélodies d'Anatolie dans leur diversité.

Sa première production, en 1992, est un disque de chants populaires arméniens. Le pari est risqué, mais l'album se vend bien. Les Turcs découvrent avec intérêt la proximité qui les lie à cette musique et à ce peuple. Sur sa lancée, Saltik produit peu après la première cassette de chants kurdes. Puis, en 1998, le premier CD de musique laze, un peuple de la mer Noire originaire du Caucase. Il réédite aussi des morceaux composés par les musiciens occidentaux pour le sultan lors de la guerre de Crimée ou fait revivre les chants oubliés des juifs séfarades de Turquie. Kalan est aujourd'hui une entreprise prospère qui s'autofinance. Son catalogue est un démenti au nivellement unitaire, encouragé par un Etat centralisateur à outrance. Il permet aussi aux Turcs, plus habitués aux sonorités des variétés anglo-saxonnes, de redécouvrir un véritable patrimoine culturel. Le siège de la société est au cœur d'un quartier qui compte de nombreuses maisons de production. On y croise, tout près des souvenirs de l'ancienne Byzance, des vedettes de la chanson et des adolescents rêvant d'enregistrer leur première cassette. Une proximité qui plaît à Saltik, dont le bureau donne sur la Corne d'Or. «L'âme de la vieille ville vit encore, dit-il. Les vieux bâtiments sont là, blessés et silencieux, mais ils ne se sont pas encore rendus.»

Saltik «tire les gens vers leurs racines». Fasciné par la diversité, le producteur voudrait recréer la fantastique interpénétration des traditions culturelles née de l'empire ottoman. Il a ainsi rassemblé dans un même disque baptisé Fuad le vieux joueur arménien de duduk - une flûte traditionnelle aux accents mystiques - Gasparyan et Erkan Ogur, un musicien turc virtuose de tous les instruments à cordes d'Anatolie. Pour Lari Dilmen, directeur de projets chez Kalan, Saltik est quelqu'un qui «tire les gens vers leurs racines». Dilmen, fils d'un juif d'Edirne et d'une Géorgienne, a proposé à Saltik de faire renaître la musique religieuse que jouaient ensemble, dans les synagogues, au XVIe siècle, des soufis et des juifs de Thrace. Saltik a financé pendant deux ans les recherches et les répétitions qui ont permis à ces partitions oubliées de revoir le jour. Le disque a été baptisé Maftirim. Ce sont des recherches similaires qui ont permis à Birol Topaloglu de faire renaître la musique laze. Topaloglu n'était pas, à l'origine, un professionnel de la musique. Mais, quand il a proposé son projet à Saltik, celui-ci s'est enthousiasmé et lui a donné les moyens de le réaliser. Aujourd'hui, il parcourt le monde pour donner des concerts (1). Et les diplomates turcs ont même appris à se servir du trésor de la maison de production de Saltik. L'ancien ministre des Affaires étrangères, Ismaïl Cem, avait ainsi pris l'habitude de distribuer des disques de Kalan à ses homologues européens pour leur prouver que la diversité culturelle de la Turquie n'était pas aussi mal vue que cela des autorités...» (Nükte V. Ortaq, L'Express, 07 août 2003 – MEDEA)



1. Yemen
2. Siresi Yarisdaran
3. Volor Molor
4. Yes Pucur Yaris Pucur
5. Fuad
6. Perde Kalkti
7. Siyah Percemlerin Gonca Yuzlerin
8. Mayrig
9. Lorik
10. Dunus Yolu

domingo, 9 de noviembre de 2014

Abnoba-Vai Facile



Vai facile takes hold from the first listen, and has the qualities to enchant both folk music afficionados and those in search of more modern sonorities. But far from being a mere hybrid mishmash of styles, ABNOBA’s music is perfectly balanced, forging a wide variety of sounds into solidly constructed original pieces that are unashamed of their folk roots (in Northern Italy and elsewhere) while having their sights clearly set on the future. As the band’s members says “ABNOBA’s music is the fruit of artistic research whose aim isn’t so much to rediscover or reappropriate a particular folk repertoire as to provide the raw materials for composition and improvisation, creating a real evolution in folk music.

” On Vai facile, these three foundation stones of tradition, compostion and improvisation come into perfect alignment. Hours of amusement can be had tracing the myriad different shadings and musical fragments that are brought together to form a music of great stylistic cohesion. One of the band’s intentions is in fact to interweave musical cultures from past and present, to come up with melodies inspired by the Italian and French traditions and fuse them with influences ranging from jazz and Balcan music, to classical harmony and funk. It was in the summer of 2004 that Vincent Boniface (clarinet, bagpipes, flutes), Simone Bottasso (melodeons), Paolo Dall’Ara (bagpipes, flutes, tarota), Pietro Numico (piano), Marco “Mammo” Inaudi (bass guitar) and Giovanni “Zap” Delfino (percussion) had the idea to form ABNOBA.

These young musicians, all from Northern Italy, who had previously been involved in projects and collaborations both in Italy and abroad decided they wanted to follow in the footsteps of groups like Harmoniraptus, Stygiens and the Suriscot Trio. Harnessing their experience and knoweldge they started from their own ethnic background using classical folk instruments but modifying and adapting them and using new techniques to extend their possibilities. ABNOBA’s aim is partly “to try to create an Italian avant-folk whose sounds and ideas will attract a wider audience not necessarily au fait with the history of the instruments used.”

MUSICOS
Vincent Boniface - clarinet, bagpipes, flutes
Simone Bottasso - melodeons
Paolo Dall'Ara - bagpipes, flutes, tarot
Pietro Numico - piano
Marco (Mammo) Inaudi - bass
Giovanni (Zap) Delfino - percussion

INVITADOS
Patrick Bouffard - hurdy-gurdy
Sabrina Pallini - voice
Silvia Carbotti - voice
Sebastien Tron - electric hurdy-gurdy


01 Andro
02 Tourdion
03 Abnoba
04 Pero su hermana
05 Archivolto - La Forge
06 Fenne
07 Dop
08 UOT dios Tacsi draiver
09 mezcla Abnoba (remix por el Dr. Marcus)


sábado, 8 de noviembre de 2014

Nguyen Thanh Thuy - Suoi Tranh Vol.2 (2013)


Nguyen Thanh Thuy lleva a la audiencia a un nuevo concepto de sonido, sutil y con un misterioso encanto, escucha los inspirados ricos y poderosos sonidos de este instrumento. Toca la vibración en el principio de la tradición será el primer peldaño para la creatividad. La creatividad de Nguyen Thanh Thuy es fuerte y llena de inspiración. Ahora se siente lo suficientemente madura, totalmente redondeada para dar a luz a su ultimo trabajo Suoi Tranh Vol.2.


Nguyen Thanh Thuy - Ðoc tau dàn tranh Vol.1 (2005)


El Dan Tranh es uno de los más populares y románticos instrumentos musicales en Vietnam. Con 17 a 22 cuerdas, es el miembro más pequeño y versátil de la familia de los instrumentos de Oriente como la cítara.


Nguyen Thanh Thuy nació en una familia musical y creció con la música popular tradicional en su niñez. Se graduó en 1998 en la Academia Nacional de Música y este fue el año en que ganó el Primer Premio y Premio al mejor intérprete de música tradicional en Vietnam. En 2002 se graduó como Master of Arts del Instituto de Folklore. Nguyen Thanh Thuy está activa en ambos campos tradicionales y experimentales de la música como intérprete en numerosos países. Actualmente imparte clases dan tranhat en la Academia Nacional de Música de Vietnam.


Nguyen Thanh Thuy is Vietnam's best zither player.
The zither (Dan Tranh) is a traditional string instrument.
She played today at the Vietnamese Culture Day 

 

domingo, 2 de noviembre de 2014

Rima Khcheich - Yalalalli



Rima Khcheich, a Lebanese singer, was born in ‘Khiam’, South Lebanon, in 1974.

She started singing Classical Arabic music at the age of nine, and was awarded the bronze medal at the ‘Bizert Festival for the Mediterranean Song’ in Tunisia, 1985.

Rima’s singing career started off with the children’s choir at the ‘Arabic Cultural Club’, and later evolved into a solo performance with the ‘Beirut Oriental Troop for Arabic Music’ under the supervision and direction of Maestro Salim Sahab.

Rima studied the tradition of classical Arabic singing at The Lebanese National Higher Conservatory of Music’ in Beirut, and her efforts were supported by her father Kamel Khcheich who encouraged her to memorize and master classics from the Arabic music heritage like *Muwashahat, Adwar and other styles. She has performed Zakariah Ahmad, Al-Kassabji, Sayyed Darwish, Kamel Al Khal’i and Muhammad Abdel Wahab, amongst others.

Having participated in various concerts in Lebanon and around the world, Rima has gained international repute and admiration for her gift at performing complex Arabic classical forms such as Dor ‘Emta El hawa’, and Muwashah ‘Anta al Mudallal’.

Currently, Rima teaches Oriental singing at the Lebanese National Higher Conservatory of Music and is invited on a yearly basis to Massachusets, USA where she teaches voice and classical Arabic singing at Mount Holyoke College under the framework of the Arabic Music Retreat program directed by renown musician and composer Simon Shaheen.

Her professional collaborations include performing with Simon Shaheen, singing in renown composer Toufic Farroukh’s album ‘Tootya’ released in 2006, and being an integral part of the Dutch-Lebanese- Iraqi band ‘Orient Express’. This band tried to create meeting grounds between the Arab musical heritage and Jazz. The band released one album ‘Orient Express’ in 2002, of which this live recording documents their musical experimentations.

In 2006, Rima Khsheish released her debut solo album, entitled ‘Yalalalli‘ which features a number of old songs and Muwashahat, that she performs in a personalized, contemporary manner, alongside new compositions.

A showcase of Rima’s limpid voice, ‘Yalalalli’ not only reveals a deeply emotional and original musical expression, it also stands as a note of rebellion against the dictates of the commercial music market.




  1. Bisat El-Reeh (بساط الريح (05:16
  2. Muwashah Hebbi Zorni (موشّح حبّي زرني ما تيسّر (05:21
  3. Keefak ya Hob (gentle rain) (كيفك ياحب (04:25
  4. Muwashah Lahen Tayyah (موشّح لاهٍ تيّاه (05:17
  5. Souleyma (سُليَمى (06:28
  6. El-Shaytan (الشيطان (02:40
  7. Bikaffini (بيكفّيني (05:37
  8. Ma Baaraef Oul (My Funny Valentine) (مابعرف قول (03:06
  9. Muwashah Aatini Bikr Eddinane (موشّح عَاطِني بِكرَ الدِّنَان (03:09

sábado, 1 de noviembre de 2014

Antología de la música afrocubana 10 Cd´s



El más completo material editado discográficamente de la música folklórica cubana de origen africano, preparado por la connotada musicóloga cubana Dra María Teresa Linares. Además de contar con 10 volúmenes con grabaciones originales interpretadas por cultivadores de esa música en Cuba, reúne un cúmulo de información especializada sobre el tema, de inapreciable valor para estudios de carácter etnológico

Esta colección constituye un valioso acercamiento al rico y complejo panorama musical, resultante del proceso de transculturación operado en nuestro país, a partir del encuentro entre los elementos provenientes de las diversas culturas a las que pertenecían los esclavos africanos traídos a Cuba, y las aportaciones de los conquistadores europeos, choque cultural que ha devenido en un proceso de evolución constante de ritos, cantos, bailes y toques, recogidos aquí a partir de los testimonios tomados de viejos portadores, así como registros in situ de diversas ceremonias a través de las cuales podemos apreciar el rico mosaico que representa la música afrocubana.

Antología de la música afrocubana. Vol. I
1. Enkame (2:05)
2. Canto de Wemba (1:52)
3. Canto a babalú Ayé (1:59)
4. Canto a Elebwa (1:32)
5. Canto de Trabajo (1:50)
6. Canto Ritual de un Poseso (1:37)
7. Canto de Yuca (1:28)
8. Toque de tambor Yuca (0:51)
9. Canto de Asoyin (2:10)
10. Canto a Ebioso (1:54)
11. Canto de Makuta (2:19)
12. Canto de Trabajo (2:19)
13. Canto de Maniseros (2:10)
14. Canto Funerario (1:11)
15. Rumba Columbia (1:03)
16. Moyuba (2:56)
17. Rezo para Changó (2:24)
18. Canto a Oddúdua (1:54)
19. Canto a Obatalá (1:46)



Antología de la música afrocubana. Vol. II
1. Toque a Elebwa (2:39)
2. Toque a Oggún (1:29)
3. Toque a Ochosi (2:23)
4. Toque a Babalu Ayé (1:15)
5. Toque a Orunla (1:29)
6. Toque a Aggayú (1:34)
7. Toque Ayacutá para Aggayú (1:30)
8. Toque para Changó (3:09)
9. Toque para Obbá (2:48)
10. Toque para Oyá (2:08)
11. Toque para Yemayá (4:41)
12. Toque para Obatalá (1:58)
13. Toque para Ochún (1:52)
14. Toque para Yeguá (1:15)
15. Toque para los Idbeyi (0:37)
16. Canto antiguo a Changó (2:20)
17. Otro canto para Changó (2:16)
18. Canto para Oggún (1:42)


Antología de la música afrocubana. Vol. III
1. Toques solos de Tambores (1:52)
2. Toque y canto a Elebwa (2:15)
3. Toque y canto a Oggún (2:09)
4. Toque y canto a Ochosi (2:01)
5. Babalú Ayé (2:14)
6. Toque y canto a Obatalá (2:18)
7. Toque y canto a Yeguá (2:25)
8. Toque y canto a Oyá (2:09)
9. Toque y canto a Ochún (2:51)
10. Toque y canto a Yemayá (2:49)
11. Toque y canto a Aggayú (2:31)
12. Toque y canto a Orula (2:21)
13. Toque Aceleyó Añá Elebwa (3:56)


Antología de la música afrocubana. Vol. IV
1. Toque y canto a Ojún Degara (2:36)
2. Toque Fereketé con tambores solos (1:57)
3. Toque Daluaa con tambores solos (1:33)
4. Toque y canto a Jurajó Tatuó (0:55)
5. Toque y canto a Arggue (1:14)
6. Toque y canto a Ajuangún (2:09)
7. Toque y canto a Kututó (2:39)
8. Toque y canto a Ebbioso (2:10)
9. Toque y canto a Fereketé (2:23)
10. Toque y canto a Foddu Masen (2:30)
11. Toque y canto a Addanó (2:17)
12. Toque y canto a Daluaa (2:39)
13. Toque y canto a Ajosi (2:13)
14. Toque y canto a Ajosi (con palmadas) (1:53)
15. Toque y canto a Ossain Sobola (2:12)
16. Toque de diversión con los santos 1 (1:47)
17. Toque de diversión con los santos 2 (2:44)
18. Toque de diversión con los santos 3 (1:58)
19. Toque de agradecimiento a los santos (2:24)


Antología de la música afrocubana. Vol. V
1. Toques de tambor yuka solos, y canto (3:23)
2. Fiesta, con varios estribillos (15:18)
3. Gavilán pollero (5:07)
4. Ma Lutgarda (4:33)
5. Llora, llora, Magdalena (4:11)
6. Se formo un dilema (5:53)


Antología de la música afrocubana. Vol. VI
1. Fragmentos de la fiesta, parte 1 (18:12)
2. Fragmentos de la fiesta, parte 2 (17:27)


Antología de la música afrocubana. Vol. VII
1. Toque masón (2:56)
2. Toque yubá macota (3:18)
3. Toque yubá cobrero (3:19)
4. Frenta yubá (2:15)
5. Masón (canto solo) (1:31)
6. Yubá cobrero (canto solo) (2:52)
7. Yubá mavota (canto solo) (2:52)
8. Masón (fiesta completa) (10:37)
9. Yubá macota (fiesta completa) (8:57)


Antología de la música afrocubana. Vol. VIII
1. Toque y canto a Eleggua (3:26)
2. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Guataca y Cachimbo (0:11)
3. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Guataca y Segundo (0:13)
4. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Guataca y Caja (0:48)
5. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Guataca y Mula (0:38)
6. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Guataca y Repicador (0:39)
7. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Ensamble en el order anterior (1:30)
8. Toque y canto a Changó (2:19)
9. Toque y canto a Oya (2:20)
10. Toque y canto a Ochún (2:37)
11. Toque y canto a Obbatalá (1:19)
12. Toque y canto a Elegguá (2:44)
13. Oru a Changó (20:00)


Antología de la música afrocubana. Vol. IX
1. Umbé (0:49)
2. Kunañanka (1:13)
3. Iyaka (1:13)
4. Ekuso (1:43)
5. Wanileilo (0:53)
6. Mi sopa (1:05)
7. Ta makuenda (1:44)
8. Kibulayaya (1:22)
9. Tu quiere (1:36)
10. Lupemba (1:33)
11. Kunañanga (1:39)
12. Maninguala (1:09)
13. Pero Zapone (1:31)
14. Nengo nengo (1:40)
15. Andule andule (1:20)
16. Congo Real (1:49)
17. Caravela (1:47)
18. Toque de la mula (0:36)
19. Toque de la mula y la guagua (0:47)
20. Toque de la mula, la guagua y el secundo (0:45)
21. Toque de la mula, la guagua y la caja (1:33)
22. Canto y toque a Mirena (2:28)


Antología de la música afrocubana. Vol. X
1. Enkame - cantos rituales de La Habana (4:47)
2. Marcha efó de La Habana (5:36)
3. Marcha efí de La Habana: el ekón (0:52)
4. Marcha efí de La Habana: ekón y erikundi (0:56)
5. Marcha efí de La Habana: ekón, erikundi y los itones (1:09)
6. Marcha efí de La Habana: ekón y enkomo obi-apá (1:09)
7. Marcha efí de La Habana: ekón y enkomo biankomé (1:03)
8. Marcha efí de La Habana: ekón y enkomo kuchí-yeremá (1:01)
9. Marcha efí de La Habana: ekón y bonkó-enchemiyá (1:10)
10. Marcha efí de La Habana (6:52)
11. Enkame - cantos rituales de Matanzas (2:37)
12. Marcha efó de Matanzas (12:25)
13. Marcha efí de Matanzas: el ekón (0:30)
14. Marcha efí de Matanzas: ekón y erikundi (0:35)
15. Marcha efí de Matanzas: ekón y los itones (0:36)
16. Marcha efí de Matanzas: ekón y enkomo obi-apá (0:37)
17. Marcha efí de Matanzas: ekón y enkomo biankomé (0:37)
18. Marcha efí de Matanzas: ekón y enkomo kuchí-yeremá (0:34)
19. Marcha efí de Matanzas: ekón y bonkó-enchemiyá (1:21)
20. Marcha efí de Matanzas (11:04)