Bassekou Kouyaté & Ngoni Ba - Ba Power (2015) [Mali]

Bassekou Kouyaté y el cuarto álbum de Ngoni Ba "Ba Power" (y su primera para Glitterbeat Records), una sorprendente marca de por vida que define marcado por canciones hipnotizantes, riffs afilados y emociones a todo gas. Después de dos años de gira por todo el mundo para el álbum Jama Ko tan anunciada, la banda de Bassekou, Ngoni Ba, ha subido el volumen y la dinámica de manera significativa y de juego ngoni magistral de Bassekou ha alcanzado un nuevo nivel de intensidad que sólo puede ser llamado: afro-rock. La distorsión y wah wah y los ritmos de propulsión son ahora la columna vertebral definición de sus canciones y las voces de rayos de calor de su esposa Amy Sacko, más que nunca sirven de la lámina apasionado y perfecto. Este no es el mismo Ngoni Ba. Esta es, en efecto: Ba Poder. Cuando se le preguntó lo que significa Ba Power para él, Bassekou nos dijo: "Ba", en bambara significa "fuerte" o "grande" y también significa que se llama el álbum Ba Poder porque creo que los mensajes que son muy "grupo". importante y fuerte, y también es sin duda el álbum con el sonido más duro que he hecho nunca. Quiero que estas canciones para agarrar a tantas personas como sea posible ". Sin lugar a dudas Bassekou Kouyaté y Ngoni Ba ha revolucionado el sonido y posibilidades narrativas del Ngoni, el instrumento laúd como que es esencial a la cultura griot de Malí. Los griots son estimadas músico / narradores cuyo linaje se remonta siglos. Bassekou nació en el seno de esta tradición resonante pero su relación con él ha sido todo menos estática. Desde el comienzo de su carrera, a través de su invención de un repertorio inédita construido alrededor de las melodías y los ritmos de cuatro enclavamiento (ya veces eléctrica) ngonis, Bassekou ha demostrado su respeto por el pasado tirando radicalmente en el futuro. Ba Power contiene toda la arrogancia, la precisión y la emoción con los ojos abiertos que el título implica. Es el álbum donde la música de Bassekou se relaciona con el mundo de una manera que podría haber imaginado sólo 10 años antes. Es el álbum en el que confirma su estatus entre los siglos 21 artistas musicales más relevantes. Creo que la música y la cultura africanas merecen ser extendido a la audiencia más amplia posible. Eso es lo que quiero lograr con Ba Power. -Bassekou Kouyaté Tracks 1.Siran Fen 2.Musow Fanga 3.Abé Sumaya 4.Ayé Sira Bla 5.Borongoli ma Kununban 6.Waati 7.Fama Magni 8.Te Duniya Laban 9. Bassekoun

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G.S. Sachdev - Full Moon (1992)

GS Sachdev comenzó a tocar el bansuri cuando tenía 14 años, y ha creado una forma rara de comunicación instantánea con el público a través de su música. A diferencia de muchos músicos, ha renunciado a la fusión, encontrando gran placer y una sensación de inmensa satisfacción con los rigores de la exploración infinita dentro de la música clásica de la India tradicional. Más allá de sus actuaciones en directo en todo el mundo, la música de Sachdev es disfrutada en estudios de yoga, ashrams de meditación, salas de masajes, centros espirituales y hogares de todo el mundo. Su música se considera un antídoto contra el estrés, la fatiga y el cinismo. Las giras mundiales frecuentes de Sachdev y grabaciones le han ganado muchos laureles y és una leyenda de renombre internacional respetado por los músicos y el público en todos los ámbitos de la música del mundo hoy en día.
http://www.shakuhachi.com/R-Bansuri.html
Descendiente de una cultura con una tradición musical dos mil años, Sachdev realiza la música clásica de la India. La complejidad se encuentran en las sutiles variaciones sobre el tema, la ornamentación de las notas, coloración modal, y en la interacción entre la flauta y la tabla. Dado que cada nota está solo, se presta especial atención a la pureza de entonación. La base de la música clásica de la India es raga - la forma melódica, y tala - la medida del tiempo. Más allá de la forma melódica, cada raga abarca un estado de ánimo particular, y síntesis de emoción, que un músico hábil como Sachdev evoca. La música clásica de la India tiene sus raíces en la tradición vocal y la flauta se considera especialmente cerca de la voz, capaz de muchos matices sutiles del estilo vocal.

Full Moon presents ragas of deepening night, played with passionate detachment by the Indian bamboo flute master, G.S. Sachdev. Each raga on Full Moon contains the essence of the moment. Evening Prayer, traditionally performed at sunset, expresses peace and devotion. Introspection is a serious and inward piece played at mid-evening. Full Moon, traditionally performed at midnight, greets the risen moon with a renewed vigor reflecting a mood of romance, fulfillment, and joy. Accompanied only by the sound of the tanpura and swarpeti, Sachdev improvises fluently within the classical form of the ragas.
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Bansuri – G. S. Sachdev
Sruti Box [Swar-peti] – Elb Souders
Tambura [Tanpura] – Gay Kagy

1 Evening Prayer (Raga Kalyan)    22:24
2 Introspection (Raga Rageshwari)    11:08
3 Full Moon (Chandra-Kauns)    11:24

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Ajoyo-Ajoyo

AJOYO is the vision of multi-reed player Yacine Boularès, a mystic brew blending african tradition, jazz and soul. More than music, it's a joyful ceremony, a fuller experience bringing musicians and audience close together.

Sarah Elizabeth Charles lead vocals
Linton Smith trumpet, vocals
Alon Albagli guitar & vocals
Can Olgun piano fender rhodes & C3 organ
Foluso Mimy percussions & vocals
Fred Doumbe bass & vocals
Guilhem Flouzat drums




01. Jekoro
02. Chocot'
03. Idanwo
04. Benskin
05. The Pearl
06. Soke Ijo
07. Tashikere
08. Houb Ouna

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Djeli Moussa Conde – Womama

Nacido en Guinea-Conakry, de una familia de griots Djeli aprende muy temprano el arte del canto y la kora. Durante cuatro años, el Maestro Lamine Sissoko le enseña la kora y la cultura musical de su país. Muy talentosa, Djeli es otorgado por la Unesco diploma de participación en el primer Festival de Kora África Occidental en Conakry. Ya, comenzó a expresar sus habilidades compositivas. Luego se trasladó a la aventura, por muchos años, a través de África occidental. Gambia, Senegal, Mali ...

Abiyán, fue descubierto por Souleyman Koly y se convirtió en 1989-1993 Compositor del conjunto Kotéba de Abiyán con el que participó en las giras internacionales de prestigio. notement cuatro piezas que compuso para Mandingo primer premio ópera "Waramba" en el Festival de Aviñón en 1993. Djeli luego se trasladó a París en 1993.

Sin papeles, ha sido patrocinado por Bernadette Lafont y "Músicos sin Fronteras" y termina  de conseguir su permiso de residencia.

http://www.djelimoussaconde.com/djelimoussaconde/djeli_moussa_conde.html

http://fr.wikipedia.org/wiki/Djeli_Moussa_Cond%C3%A9



01. Gambia
02. Jilan
03. Womama
04. La Salsa Africana
05. Mandela
06. African Bond
07. Koutouba
08. Palma
09. Tounia
10. Miri
11. Lady

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Fadimoutou Wallet Inamoud -Isswat

Isswat recordings from Azawad region of the Sahara desert. Music of nostalgia, longing, and revolutionaries, sung by Fadimoutou Wallet Inamoud in her debut recording, a local production from 2008. Sparse rhythms and hand claps punctuate the meditative hypnosis, accompanied by a the signature vocal drone of her group. Lyric translations insert, some of the first ever translated isswat.

Vinyl version comes in beautiful printed and hand glued covers. Edition of 500. credits released 20 March 2015

Performed by Fadimoutou Wallet Inamoud,
Accompanied by Oukana Ag Raytak, Alhassane Ag Banjar, Bay Ag Ibrahim, Mohamed Ag Barka, Rhissa Ag Balla
Recorded at Studio Maison du Luxembourg, 2008
Technical Assistance: Christophe Pérotin
Director: Malick Ag Rhissa
Photo: Ibrahim Ag Aminy
Translation: Mouhamadine Ag Ibrahim, Nadia Belalimat
Mastered by Timothy Stollenwerk at Stereophonic
Printing by Charles Eberhardt
Prod. Director: Christopher Kirkley





1. Yalalela 05:52
2. Ilana 04:30
3. Wana L'Ancien 04:32
4. Wana Le Nouveau 04:21
5. Adyamina 04:11
6. Ahaylalou 04:18
7. Alehawan 05:03
8. Ahimana 04:48
9. Inaregh 02:51

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Loituma - In The Moonlight (1998)

Loituma es un cuarteto finlandés cuyos miembros combinan la tradición vocal de Finlandia con los sonidos del kantele. Loituma fueron seleccionados Grupo del Año en el Kaustinen Folk Music Festival 1997.
La formación inicial de loituma fue en el otoño de 1989 como un septeto llamado Jäykkä Leipa ("Pan rígido"), nacido en el departamento de música Folk de la Academia Sibelius. La formación original incluyó a las cantantes Sanna Kurki-Suonio y Tellu Paulasto, que más tarde se fueron a Suecia para unirse con Hedningarna.

Con los años, el grupo ha seguido persistentemente su propio camino musical, la aplicación de diferentes influencias musicales de su música. Ha buceado en corrientes musicales de diversos orígenes. Una de las piedras angulares de la música popular finlandesa es el arte del canto las historias y los sentimientos se transmiten mejor a través de este instrumento. Las canciones de Loituma transmiten la herencia finlandesa, ayudados por Martti Pokela y Toivo Alaspää. Otra piedra angular del arte de Loituma es un instrumento popular finlandes llamado kantele, que se ofrece en formas variadas en sus grabaciones.

Los miembros de Loituma componen y arreglan las canciones por sí mismos, a menudo utilizando la improvisación. Las letras vienen de muchas fuentes, dos principales fuentes tradicionales son el Kalevala, la epopeya nacional de Finlandia, y el Kanteletar. Las letras son en finlandés.
Wikipedia


 Sari Kauranen — kanteles, vocals
 Anita Lehtola-Tollin — vocals, 5-string kantele
 Timo Väänänen — kanteles, vocals
 Hanni-Mari Turunen — vocals, fiddle, 5-string kantele, alto recorder, double bass, Lapin drum



[03:29] 01. Singing Keeps You Lazy / Laulu laiskana pitävi
[05:00] 02. Minuet / Menuetti
[03:15] 03. Dissertation Polska / Inttäjäispolska
[05:44] 04. The Bells Of St. Michael's / Mikaelin kirkonkellot
[05:02] 05. Shooting Star / Tähden lentäessä
[03:42] 06. Beach Cooing / Hiekkarantakuhertelua
[03:24] 07. Secret Tears / Salaisa kyyneleitä
[04:40] 08. Te Quiero Dijiste / Kutamolla kahden
[02:34] 09. Back To Sniff Road / Nuustielle
[04:24] 10. Haze / Utu
[03:48] 11. Hearing His Beloved / Kultaansa kuuleva

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Medeski Martin & Wood - Let's Go Everywhere

When John Medeski, Chris Wood and Billy Martin go into the studio to record any new album, they're never sure what will emerge. It was no different when the trio gathered in an upstate New York studio with a few concepts, a few musical ideas and a few friends, to create Let's Go Everywhere, the first recording designed to please their youngest fans.

The group settled on the idea of a journey, of travel both literal and figurative. It proved to be a motivating concept. But we didn't have much going in, says Wood. It was a thread we followed as we improvised, composed and working through each piece on the spot. We call it spontaneous composition. Martin agrees that we really had very little figured out. Maybe a few ideas about a beat or a nursery rhyme we liked, but we went into the studio not knowing what would happen.

Then the fun part began. Wood and Martin enlisted vocals from their children Nissa and Dakota. In the perfect party song, the band gets into a funky groove that stops suddenly, prompting enthusiastic young voices to shout, ''Where's the Music''? and the music to start up again. We got that idea from our kids love of musical chairs, explains Wood. As the party continued, the trio brought in other friends to add to the musical journey, including brother Oliver, John Lurie (Lounge Lizards), and inspired newcomer Tim ''Big Time'' Ingham. From the hard-core Meters-esque celebration Where's The Music to the Latin and Asian-tinged jazz of Hickory Dickory Dock and Far East Sweets, MMW and their friends will have your child moving their bodies, expanding their musical experience and sharing the joy of this very special group of musicians.

http://en.wikipedia.org/wiki/Medeski_Martin_%26_Wood




1. Waking Up 
2. Let's Go Everywhere 
3. Cat Creeps 
4. The Train Song 
5. Where's the Music 
6. Pat a Cake 
7. Pirates Don't Take Baths 
8. Far East Sweets 
9. On an Airplane 
10. The Squalb 
11. Let's Go 
12. Old Paint 
13. Hickory Dickory Dock 
14. All Around the Kitchen 
15. We're All Connected 

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Rapoon – Cultural Forgeries

Cultural Forgeries is a pagan festival, held in Miles Davis’ Sanctuary.

Cultural Forgeries is an ethnographic trawl through the vision inducing music of the world.

Cultural Forgeries is an unplugged album, (sort of), from Robin Storey, formerly of Zoviet:France.

Cultural appropriation is a weird thing. On one hand, as artists and musicians, we take inspiration from all over, and want to pay homage and explore ideas raised by art from all over, regardless of origin. On the other hand, we don’t want to co-opt other people’s struggles, as if we’d lived them, as a way to seem “cool” or “with it” or “down”. Consider the cases of some white kids adopting gangsta rap to seem tough and from the streets, or another buying some Putumayo world music sampler at a Starbucks to seem more worldly, as they sip on exploitative brews, as illustrations of this tangled skein.

Robin Storey has been taking inspiration from cultures from all over for over 3 decades, beginning with his industrial terror outfit Zoviet:france, and as Rapoon, since 1992. In that time, he’s covered a ton of artistic ground, from harsh noise to smooth ethnological trance to dark ambient, releasing over 60 records on a laundrylist of underground labels.

For all that, this release from our friends Alrealon Musique is an anomaly, in that Robert Pepper, of PAS Musique, asked Storey to make an ‘unplugged’ record. He set to work with a field recorder and a small orchestra of world instruments, from banjo to bodhran, pocket trumpet to mouth harp to squeezebox to slide guitar. The results don’t feel exploitative in the slightest; instead, it’s like a meander through The Secret Museum Of Mankind – a guided tour through the trance music of the world.

For much of his career, Robin Storey has been approaching world music through recordings, bending, warping, and stretching exotic recordings, and spreading them across a framework of whatever style he is working in, at that moment. It’s refreshing, here, to hear him playing instruments live, and capturing the results, which gives a much more “live” and authentic air to the procession. This is helped, in no small part, by excellent performances on the sundry sound making devices. Album opener “Donnez-moi Une Cigarette” wouldn’t sound out of place on Miles Davis‘ Bitches Brew, and is of a similar lonesome quality to “Sanctuary”, from that record, and then cast into an eternal funhouse of echoing mirrors, slathered in bubbling dub delays:

https://forestpunk.wordpress.com/2014/11/29/rapoon-cultural-forgeries-alrealon-musique/


1. donnez­-moi une cigarette
2. Bodhran and ran
3. Banjo Arabiata
4. Suit Toot Coconoot
5. I saw a man
6. Slender...in clouds
7. Some distance
8. The summer lies heavy
9. Along the calling path
10. Sway...down down
11. Bells temple ask
12. Glass
13. Cello transfused
14. Cello yellow
15. Je veux d’l’amour
16. The delta ends
17. murmur now...finis

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Next Stop Soweto Vol 4: Zulu Rock, Afro-Disco & Mbaqanga 1975-1985

Official Press Release

Strut continue their acclaimed ’Next Stop Soweto’ series in March 2015 as they return to the rich archives of South African music to spotlight the fertile era of the late ’70s and early ’80s. Tightly controlled by oppressive Apartheid laws, South Africa’s music scene had nevertheless progressed into myriad new directions, embracing funk, soul, rock and disco.

The era marked a crossroads for the country’s black musicians. While domestic stars of mbaqanga like Mahotella Queens had temporarily disbanded during the onslaught of disco, younger artists like T.Y. Boys and Elias Maluleke embraced and progressed the style in new ways, adding punk and disco touches to the familiar bassline swing.

Imported US R&B and the powerful socio-political message of the Afro-American soul stars, championed by pioneering producers like Hamilton Nzimande in South Africa since the ’60s, continued to be a powerful force. Influenced by bands as diverse as War, Edwin Starr and Yes and the domestic ’malombo’ sound, South African collectives led by Sipho Mabuse’s Harari and including Xoliso, Marumo and Kabana explored new soul and rock directions featuring Zulu lyrics, township harmonies and top level musicianship.

For all South African musicians during this time, it was a considerable struggle to operate. Following the Soweto Uprising in ’76, bands would play live shows despite performance restrictions with freedom of gathering strictly curtailed and curfews imposed. The Radio Bantu group of stations were among the few media outlets for black musicians to get their music heard. For most, music was no way to make a living and many musicians were forced to hold down other jobs.

Despite the harsh conditions, the period documented in ’Next Stop Soweto 4’ was a hugely important one for South African music, setting the stage for the ’world music’ explosion of the 1980s when South African artists like the reformed Mahotella Queens, Hugh Masekela and Ladysmith Black Mambazo would find a global crossover audience and Western artists like Malcolm McLaren and Paul Simon with his infamous ’Graceland’ project would embrace the sounds of the townships.

As with all previous volumes, ’Next Stop Soweto 4’ is compiled by Duncan Brooker. It will be released on 1CD, 2LP and digital formats with physical formats featuring sleeve notes by author Francis Gooding along with rare photos and sleeve artwork.

http://soundcolourvibration.com/2015/02/10/strut-records-announces-next-stop-soweto-vol-4-zulu-rock-afro-disco-mbaqanga-1975-1985-music-reissues/




1. Kabasa - "Unga Pfula A Chi Pfalo"
2. Elias Maluleke & Mavambe Girls - "Khombo Ranga"
3. The Actions - "Kokro-Ko (Hide & Seek)"
4. Almon Memela - "The Things We Do In Soweto"
5. Marumo - "Khomo Tsaka Deile Kae?"
6. TY Boys - "Lekopokopo Single Moqashoa"
7. Saitana - "1,2,3"
8. The Movers - "Soweto Disco"
9. Abafana Bama Soul - "Masisizwane"
10. Xoliso - "Manano"
11. Damara - "Mmamakhabtha"
12. Margaret Singane - "Ubukhwele"
13. Harari - "Give"
14. Isaac & The Sakie Special Band - "Get Down"
15. The Drive - "Ain't Sittin' Down Doin' Nothing"

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Çiğdem Aslan – Mortissa

Subido por Marhali.

Çiğdem Aslan es una prometedora estrella en el renacer del rebetiko, música de los exiliados y de los bajos fondos interpretada en los Café Amans de Atenas, Pireo y Estambul desde 1920. Con raíces profundas en el puerto de Smyrna/Izmir, el "Blues del Egeo" -como tambien es conocido el rebetiko- es compartido por griegos y turcos, se desarrolló en la parte continental de Grecia (debido a forzados intercambios poblacionales) y desde un principio estuvo proscrito por su marginalidad y su "orientalidad".

Çiğdem Aslan nació en la encrucijada cultural de Estambul: de familia kurda procedente de la comunidad aleví turca, desde siempre ha comprendido el mosaico étnico que compone la moderna Turquía. Trasladada a Londres para avanzar en sus estudios musicales, es en esta ciudad donde desarrolla su proyecto Songs of Smyrna, que celebra el rebetiko y la música sefardí de Turquía, y se une a la She'Koyokh Klezmer Ensemble y al grupo de música balcánica Dunav. Esta experiencia se cristaliza en Mortissa (mujer fuerte e independiente) su debut en solitario en 2013.

Mortissa es un álbum con canciones rebetiko en griego y turco, con raices musicales en Anatolia, con aires klezmer y con diversos matices en cuanto a sus textos. Aslan grabó la mayoría del disco con artistas de la comunidad musical griega y turca del norte de Londres, incluyendo al maestro del kanun Nikolaos Baimpas y a She'Koyokh.

Çiğdem Aslan aborda el rebetiko con una naturalidad impresionante, evocando tiempos pasados con una interpretación fresca y de sencillez exquisita.

01. Aman Katerina Mou (Oh My Katarina)
02. Vale Me Stin Agalia Sou (Take Me In Your Arms)
03. To Dervisaki (Little Dervish)
04. Bir Allah (One God)
05. Pane Gia To Praso (Out For Leek)
06. Trava Vre Manga Kai Alani (Away With You, Manga)
07. Ferece (Veil)
08. Nenni (Lullaby)
09. Çakıcı
10. Sto Kafe Aman (At The Café Aman)
11. Uşaklı Kız (Girl from Uşak)
12. Kanarini (Canary)
13. S’agapo (I Love You)

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