Silly Wizard fue una banda de folk escocés, formada alrededor de 1971 en Edimburgo por Johnny Cunningham (violín, viola, mandola, voz), Bob Thomas (guitarra, mandolina, mandola, banjo, concertina) y Gordon Jones (guitarra, bodhrán, voz, bouzouki, mandola). Actuaron en el Triangle Folk Club durante un tiempo, dando posteriormente una gira por Francia en 1972. Poco después firmaron un contrato con Transatlantic Records para grabar un álbum con Maddy Taylor, quien había cantado con ellos en la gira.
Kiss The Tears Away es un album increíblemente hermoso y conmovedor
Phil Cunningham (Accordion, Whistles, Keyboards, Mandola, Classical Guitar, Acoustic Guitar, Vocals)
Martin Hadden (Bass, Fretless Bass, Acoustic Guitar, String Synthesiser)
Andy M.Stewart (Lead Vocals, Tenor Banjo)
Gordon Jones (Acoustic Guitar, Bodhran)
1. The Queen Of Argyll
2. Golden, Golden
3. Finlay M. MacRae
4. The Banks Of The Lee
5. Sweet Dublin Bay
6. Mo Nighean Donn, Gradh Mo Chridhe
7. Banks Of The Bann
8. The Greenfields Of Glentown / Galtee Reel, The / Bobby Casey's Number Two / Wing Commander Donald MacKenzie's Reel
9. The Loch Tay Boat Song
OKI es un músico japonés de origen ainu. Su nombre real es Oki Kano (加納沖Kanō Oki?) y viene de la prefectura de Kanagawa. Se graduó del departamento de artesanía de la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio. Su padre fue el escultor en madera Bikki Sunazawa. Oki usa el tonkori (arpa con 5 cuerdas) que es un instrumento de la música folclórica ainu, y mezcla la música ainu tradicional con el reggae, dub, y otros estilos de música afro-americana.
No toca solamente en Japón, sino también activamente participa en
festivales de música folclórica en otros países, y en 2006 lanzó un
sencillo, Tóg É Go Bog É con la banda irlandesa de música celta, Kíla.
01 Utarhythm 02 City of Aleppo 03 Hekuri Sarari 04 Arahuy 05 Ankisma Kaa Ka 06 Utari Opunparewa 07 Kenkeyo 08 Suma Mukar 09 Wenko Rock 10 Kamuy Sinta 11 Tama Kooto 12 Rera Tasa Boo 13 NT Special
Reunión transatlántica entre la cantante de Malí Fatoumata Diawara y el pianista cubano Roberto Fonseca.
El pianista cubano y la cantante maliense tienen mucho en común: su juventud, entusiasmo, generosidad y una hermosa ruta a través de la exploración de sus raíces, mientras que se proyecta hacia otras culturas. Al comienzo de su aventura continuará en los grandes escenarios del mundo, estas piezas seleccionadas son un símbolo hermoso; más allá de un encuentro musical que barre los continentes geográficos y musicales, uno siente los mensajes más bellos: una de la tolerancia y la paz.
1. Sowa 6:54
2. Connection 14:01
3. Yemaya 6:08
4. Real Family 6:38
5. Clandestin 7:41
6. Neboufo 6:36
Rim Banna (en árabe: ريم بنا) (Nazaret) es una cantante, compositora y arreglista árabe palestina. Famosa por sus interpretaciones modernas de las tradicionales canciones folclóricas palestinas.
Rim nació en el seno de una familia árabe cristiana en Nazaret, Galilea,
ahí mismo se graduó en la Escuela Bautista de Nazaret en 1984.
Actualmente vive en Nazaret con su marido, el artista ucraniano Leonid
Alexeienko, y sus tres hijos.
Rim Banna estudió música y canto en el Instituto Superior de Música
Gnesin en Moscú, y se especializó en canto moderno bajo la tutela del
famoso artista y compositor Vladimer Karobka, donde se graduó en 1991
con promedio excelente, después de seis años de estudios académicos.
Alcanzó la popularidad en la década de 1990, después de grabar una
serie de canciones a los niños palestinos, luego estuvo un periodo
ausente. Muchas canciones de ella son cantadas por las familias
palestinas nuevamente, ya que gracias a Rim y a su trabajo se han
conservado y han vuelto a tomar vida.
Ella y su marido participan en numerosos conciertos palestinos,
árabes e internacionales, donde ha sido recibida por el público con
admiración y elogios de su voz. Su música es compuesta y arreglada en
colaboración con su marido, y ella ha dejado claro que la música es una
herramienta importante para la autoafirmación cultural, además ha dicho
tener una voz de dos dimensiones, para el canto árabe ornamental y
también para nuevos estilos y gente de otros lugares.
En sus últimos conciertos suele vestirse con un estilo de túnica negra y roja que ha comenzado a caracterizarla.
1. The hymn of the sea 4.36 2. The night has fallen down 5.08 3. The light gown of soul 4.24 4. Seasons of violet 4.25 5. The first rain 4.59 6. Beit Allah 3.47 7. I'll come to you daisy like 4.44 8. After you left 3.48 9. The dream 4.38 10. A prayer 5.58 11. The weeping of the rose 5.20
Lindigo es un grupo de música de la isla de la Reunión , departamento de ultramar francés en el suroeste del Océano Índico . Grupo maloya fundada en 1999 , está dirigida por Olivier Araste, su cantante , originario de Paniandy
01. Intro 02. San Palto 03. Voila 04. Moral De Listwar ? 05. Cimendef 06. Tany Be 07. Fomba Gasy 08. La Kaz Zaza 09. Mile Sek Mile 10. Doulvede 11. Maloya Man 12. Pourquoi Pas ? 13. Vel Has 14. La Kazamwin 15. Rano 16. Mile Sek Mile Roots 17. Frisson
Subido por Mª Cristina di Croce, con permiso de los autores.
MUCHAS GRACIAS POR LA PRIMICIA!
LOS ANDARIEGOS DE AMERICA
…”A pesar de todo. A pesar de los hablan y mienten.
A pesar de los mienten y callan. A pesar de los que ven y son ciegos.
A pesar de los sordos que oyen. A pesar de los fabricantes del odio y la miseria,
LOS ANDARIEGOS, curtidas semillas de un árbol generoso, recorrieron, buscaron
y andarán en pos de la bella utopía del canto redentor.
Raúl Mercado
En 1978, LOS ANDARIEGOS, fueron forzados a separarse a causa de la dictadura militar.
Veinte años más tarde, a iniciativa de Gilberto Piedras, Músico y Productor francés,
quien sugirió a Raúl Mercado el proyecto de volver a reunir a los Andariegos de la
ultima agrupación, lo que se llevó a cabo en el año 2000, grabando un álbum en
Barcelona, con la valiosa participación de Leo Sánchez.
Agustín Gomez - Gilberto Piedras - Raúl Mercado - Leonardo Sanchez - Cacho Ritro.
TEMAS :
1- Subo – Vidala de Rolando Valladares. Arreglo de Raúl Mercado 3.43
2- Arenosa – Cueca de G.Leguizamón y M.J. Castilla 3.19
3- Sueño de un pobre – Zamba de R.Margarido; A.Ritro y R.Mercado 3.15
4- La olvidada – Chacarera de los Hnos. Diaz 3.23
5- Cuna de mi esperanza – Tonada de A.Ritro y R.Mercado 2.58
6- Camino de libres – Canción de L.Castillo y C.Ritro 3.02
7- Dos palomitas – Yaraví Tradic.peruano – Arreglo de R.Mercado 5.20
8- Cuando era chango – Chaya de R.Mercado 3.05
9- La flor de la canela – Vals peruano de Chabuca Granda 3.17
10- Alfonsina y el mar – Zamba de F.Luna y A.Ramirez 4.09
11- Celino maestro – Canción de R.Margarido; A.Gomez y R.Mercado 3.23
12- Éxodo puneño – Fantasía de A.Ritro y R.Mercado 5.43
13- Balderrama – Zamba de G.Leguizamón y M.J. Castilla 3.42
14- Galopera – Galopa de M.Cardozo Ocampo 3.11
15- Luna Tucumana – Zamba de A.Yupanqui 4.16
16- Fundamento coplero – Chacarera de R.Mercado y C.Ritro 2.51
Eileen Ivers. Arropada por una gran banda de talentosos músicos, compuesta por el acordeonista Buddy Connelly, es imposible escuchar Folk de los últimos 20 años, y que no llegues a escuchar el sonido de su acordeón en algún momento, el guitarrista Matthew Mancuso, multi-instrumentalista de Folk irlandés y celta, con una gran carrera musical e su curriculum, "Walk On", el baterista Dave Barckow, el cual ha tocado en grupos de Hard Rock como White trash, hasta en bandas de música celta e irlandesa; y el bajista Lindsey Horner, músico versátil, como indican en la propia página, más cercano a estar en los círculos de Jazz, de las producciones de los teatros de Broadway, y que impregna también el sonido e su bajo con los compases celtas, Folk e irlandesa. Sin duda es una gran formación que hacen que cada recodo musical del disco, te lleve de nuevo a los caminos rurales, de esa América profunda por descubrir. De aquí me vuelvo a encontrar con una portada, que define de esa manera, la filosofía del disco. Un álbum hecho con las raíces cercanas a Irlanda, recorriendo unas melodías fusionadas, con el Folk que los peregrinos, que venían de europa en busca de un sueño, llegaron a desembarcar en New York, y que Eileen Ivers renueva, actualiza ese sonido, mostrandolo tan fresco y contundente. http://pedro12-blogsada.blogspot.com.es/2016/04/eileen-ivers-beyond-bog-road-2016-el.html
01. Walk On (04:08)
02. Kitty's Wedding (03:53)
03. Farewell My Love And Remember Me (04:02)
04. Canbrack Girls (04:00)
05. Crossroads (03:18)
06. Mackerel Sky (05:19)
07. Linin' Track (05:03)
08. Green Fields Of America (06:57)
09. Le Reve Du Queteux Tremblay (03:18)
10. Irish Black Bottom (03:44)
11. Coming Home (02:40)
Eileen Ivers nació en la ciudad de Nueva York el 13 de julio de 1965 de padres nacidos en Irlanda, se crió en el Bronx y asistió a la escuela de San Bernabé. Eileen pasaba los veranos en Irlanda y aprendió a tocar el violín a la edad de nueve años. Su maestro fue el violinista irlandés Martin Mulvihill. Ella estuvo de gira con la banda de Mick Moloney The Green Fields of América, fundada en 1977. Se graduó magna cum laude en el Iona College de Nueva York.
Ivers fué miembro fundador de Cherish the Ladies. Con el grupo graba y gira durante varios años.
En 1995, sustituyó al violinista original en la compañía irlandesa de baile Riverdance y viajó con ellos.
Su original violín eléctrico azul de Barcus-Berry era llamativo e inspiró el nombre de su álbum Wild Blue. Más tarde lo sustituyó por una ZETA Strados violín acústico-eléctrico azul, que es un instrumento único en su tipo. Fue hecho a medida para ella por ZETA Music Systems.
Ivers ha grabado con Micheál Ó Súilleabháin, un compositor irlandés que utiliza, las influencias clásicas y de jazz con la musica popular.
01. Darlin' Corey (04:18)
02. Afro Jig (03:33)
03. Reconciliation (06:09)
04. Paddy In Zululand (05:25)
05. Go Lassie Go (05:21)
06. Mundo Pequeno/Small World (04:40)
07. Craic With Jack (03:24)
08. Bx Style (04:02)
09. Dance All Night (03:54)
10. Parting Of Friends [Poem] (01:51)
11. Parting Of Friends [Air] (04:12)
12. Zululand [Reprise] (01:10)
Propone una música emblemática de la tendencia a la mezcla de las clases y tradiciones culturales característica de las músicas del mundo. Este último en distintos géneros musicales como el raï, el tecno, el rock. Crea al compás de sus álbumes un discurso musical inventivo y original. Además, su voz ronca y áspera ofrece una versión muy moderna del raï contemporáneo. Reúne, en 1997, todos sus éxitos bajo el título Carte Blanche antes de mencionar, entre un planteamiento respetuoso y contribuciones tecnológicas, sus raíces argelinas con Diwan, álbum de reanudaciones de grandes clásicos de la canción árabe.
En 2014 se dio a la fama en España cantando junto India Martínez el tema principal de la película 'El Niño'
01. Tékitoi? (Who Are You?) - Duet with Christian Olivier 02. Rock el Casbah (Arabic cover version of Rock the Casbah by The Clash) 03. Lli Fat Mat! (What Is Past Is Dead and Gone!) 04. H'asbu-Hum (Hold Them Accountable) 05. Safi (Pure or Enough) 06. Meftuh (Open) 07. Winta (And You?) - with Kaha Beri 08. Nah'seb (I Count) 09. Dima (Always) - with Julien Jacob 10. Mamachi 11. Shuf (Look) 12. Stenna (Wait up) 13. Ya Rayah (Oh, traveller) 14. Voilà Voilà (Here It Is, Here It Is) - Spanish version
"Cuando usted viene de un pequeño pueblo en Rumania y ya tenemos la muda una vez ardientes escenas del mundo, que celebra su 20 aniversario en Marte parece apropiado. En el sonido, sin embargo, nada más que muy clásico. Después álbum featurings (reinas y reyes) y uno como banda de acompañamiento (el cuento del diablo, con Adrian Raso), la banda Ciocarlia revive el repertorio que se adapte lo mejor: guincheur y seductora, frenético y backfiring el menú de :. partes corales de excrementos frenética, viejas rondas campesinas rumana resucitados, clarinetes que lloran desgarradoramente, sin olvidar la bondien tema único (Santos y fechas), vuelve a leer esta vez en el modo de circo. los doce músicos se unen también con la chusma Iulian Canaf para una astuta que podía devolver un hechizo sobre ti, Screamin 'Jay Hawkins. y el arco con un combo de Colombia, una cumbia irresistible Balkan (negritos Fiesta). las melodías son imparables y los ritmos impecables. Es un poco más limpio, sin duda, pero muy eficaz: no puede ocultar su placer "(fuente: www.telerama.fr)!
01. Fanfare Ciocarlia - Crayfish Hora (2:54)
02. Fanfare Ciocarlia - Mista Lobaloba (3:09)
03. Fanfare Ciocarlia - 3 Romanians (3:20)
04. Fanfare Ciocarlia - Trenul, Masina Mica (4:34)
05. Fanfare Ciocarlia - Out To Lounge (2:55)
06. Fanfare Ciocarlia - I Put A Spell On You (feat. Iulian Canaf) (2:27)
07. Fanfare Ciocarlia - Cucuritza (2:20)
08. Fanfare Ciocarlia - Doina Pentru Un Frant Inima (2:15)
09. Fanfare Ciocarlia - Bunica Bate Toba (4:29)
10. Fanfare Ciocarlia - Saints & Dates (3:48)
11. Fanfare Ciocarlia - Un Tigan Avea O Casa (3:33)
12. Fanfare Ciocarlia - The Patron's Funeral (2:11)
13. Fanfare Ciocarlia - Hora Strengarilor (2:09)
14. Fanfare Ciocarlia - Fiesta De Negritos (feat. Puerto Candelaria) (3:43)
Durée: 43 minutes 47 secondes
Savane es el último álbum en solitario por el músico maliense Ali Farka Touré. Es la tercera y última parte del hotel Mandé Sesiones, con Touré y Toumani Diabaté, grabada por la World Circuit head Nick Gold. El álbum fue lanzado póstumamente por Circuito Mundial el 17 de julio de 2006, más de cuatro meses después de la muerte de Touré.
Las sesiones de grabación en Hotel Mande en Bamako tuvieron lugar entre junio y julio de 2004. Touré, que sufre de cáncer, había querido permanecer en Mali, por lo que un estudio temporal se creó en el piso superior del hotel. Touré : ".. sé que este es mi mejor disco y el más diferente"
Savane cuenta con un número de músicos de blues no africanos, como el Pequeño George Sueref, Pee Wee Ellis, así como el protegido de Touré desde la edad de 13 años, Afel Bocoum.
Sin lugar a dudas, uno de los bailes de salón más populares de Europa en la década del 20’ y del 30’ fue el tango. Esto explica porqué la música apareció más tarde en los guetos y en los campos de concentración. Sin embargo, cabe destacar que el tango tenía una doble función: era un medio de expresión de los reclusos judíos (el tango idish) y también una herramienta de recreación macabra de sus opresores (el tango de la muerte).
Luego de su auge en Europa Occidental, el tango llegó al este para fines de 1910. No obstante ello, a diferencia de países como Francia y Alemania que habitualmente recibían visitas de las orquestas típicas argentinas, la mayoría de los países de Europa Oriental se familiarizaron con el tango sólo a través de discos, de la radio y de publicaciones. Esta conexión indirecta podría explicar el rasgo característico que esta música adoptó en dichas regiones. Con creciente popularidad y una nueva corriente de tangos locales, la reencarnación del estilo gradualmente se alejó del modelo sudamericano. Polonia, que había reobtenido su independencia luego del Tratado de Varsovia de 1919, prontamente se convirtió en una de las capitales del tango europeo en una época en que la mayoría de sus músicos (tanto en ámbitos clásicos como populares) eran judíos.
La situación de los judíos en las grandes ciudades facilitaba el encuentro entre el mundo judío tradicional y la modernidad que los rodeaba. Este intercambio también tuvo lugar a nivel lingüístico, ya que muchos judíos hablaban el idioma de sus vecinos gentiles. Los músicos de origen judío que estaban activos en la escena “universal” habitualmente se asimilaban e integraban a la cultura dominante. En ese contexto, aparecieron músicos populares de Europa Oriental asociados al tango, como el violinista Paul Godwin, los compositores y directores de bandas de swing Henryk y Artur Gold, y los compositores Zygmund Białostocki, Oskar Strock y Jerzy Petersburski.
Sin embargo, en algunas ciudades de Europa Oriental con grandes comunidades de habla idish, también aparecieron tangos en idish, antes de la guerra y en especial después de ella. Algunos ejemplos del período de la preguerra son los éxitos de la compañía de revista idish “Ararat” de Lodz: Ikh ganve in der nakht (“Robo por la noche”) y Tsi darf es azoy zayn? (“¿Tiene que ser de esta manera?”), posiblemente con letra de Moshe Broderson (1890-1956) y música de Dovid Beygelman (1887-1944/5). Esta última canción se hizo conocida en toda Europa Oriental, desde Moscú hasta Vilna, y durante la guerra se reescribió en el gueto de Vilna con nueva letra en idish. Otros ejemplos del período de la preguerra incluyen dos obras del compositor judío letón Oskar Strock, conocido por sus canciones para el cantante gitano ruso Pjotr Leschenko, incluyendo tangos rusos. Sus dos tangos idish fueron Farges mikh nisht (“No me olvides”), con letra de Isroel Sabeschinski (o Zabezhinski) y Vu ahin zol ikh geyn? (“¿Dónde voy?”), con letra del dramaturgo S. Korntayer, que murió en Auschwitz. La canción luego se hizo popular en Europa, Israel y los Estados Unidos a través de Leo Fuld y Menasha Oppenheim.
Si bien la realidad de los judíos comenzó a cambiar con el avance de la Shoá, las canciones de los prisioneros en los guetos y los campos reflejaban sus sentimientos. Reproducían el estilo musical de los países de origen de sus autores y usaban ritmos de moda de ese momento, como el jazz y el tango. Las letras de las canciones generalmente eran escritas en el idioma común a todos los prisioneros: idish pero también hebreo, ruso, polaco, francés, rumano, húngaro y alemán.
La mayoría de estas canciones murieron con sus autores y, por lo tanto, de cientos de canciones, sólo unas pocas colecciones perduraron en formato de publicación. La más importante es Lider fun di getos und lagern lagern (“Canciones de los guetos y los campos”), compilada por el poeta de Vilna Shmerke Kaczerginski (1908-1954) y publicada en Nueva York en 1948. El libro incluye canciones con ritmo de tango (más evidente en algunos casos que en otros), que aparecieron en los guetos de Vilna, Kaunas, Lodz, Białystok, Siauliai y Auschwitz. Es posible que se hayan creado más tangos idish en otros campos de detención pero no hay documentación disponible que lo compruebe. Hay que tener en cuenta que el espíritu de tango de estas canciones surgió a partir de las características que el tango había desarrollado en Alemania Oriental antes de la guerra, que variaba considerablemente del tango argentino.
Algunas de estas composiciones tenían letra y música originales, como Friling (“Primavera”), escrita por Kaczerginski luego del fallecimiento de su esposa Bárbara en el gueto de Vilna y adaptada a la melodía de un tango de Avrom Brudno (?-1943); o Kinder yorn (“Infancia”) y Makh tsu di eygelekh (“Cierra tus ojitos”) escritas en el gueto de Lodz por el compositor y director de orquesta Dovid Beygelman.
Otras eran composiciones musicales creadas de éxitos preexistentes en el período de la preguerra, como ‘Yiddish tango’ (Tango idish/ judío), escrita en el gueto de Kaunas por Ruven Tsarfat. Tsarfat procesó la letra de la canción popular Shpil zhe mir a lidele oyf yidis (“Cántame una canción en idish”) de Henech Kon (1890-1972) con letra original de Yosef Kotliar, y la convirtió en una canción de resistencia. Otro ejemplo es el éxito del teatro idish de Nueva York: Papirosn (“Cigarrillos”). Esta obra de Herman Yablokoff (1903-1981) fue adaptada por Rikle Glezer, una niña de 12 años, y se denominó Es iz geven a zumertog (“Era una día de verano”). Allí describió la creación traumática del gueto de Vilna y los asesinatos masivos de Ponar. Un tercer ejemplo es Der tango fun Oshvientshim (“El tango de Auschwitz”), basado en la melodía del tango polaco de la preguerra Niewolnicze tango (“El tango de esclavos”). La canción “El tango de Auschwitz” fue traducida de polaco a idish por P.M. (sic) y el mismo Kaczerginski.
A través de estas letras, sus autores describen de una manera elocuente y carente de sentimentalismo las vivencias de los prisioneros, como los alojamientos abarrotados, la falta de comida, los conflictos y la degradación a la que eran sometidos. Estas canciones de tango generadas, en particular, le dan una nueva perspectiva al tango, ya que representa parodia o incluso resistencia espiritual, y no elegancia y romanticismo exótico como era entonces la norma
Berrogüetto es un grupo de música folk gallego fundado en la década de los 90. Sus componentes provenían, en gran parte, del desaparecido grupo Matto Congrio, en el que militaba también el gaitero Carlos Núñez. Su primer disco, Navicularia, supuso una gran revolución dentro del panorama folk a causa de su innovador estilo donde las melodías tradicionales eran tratadas con una gran frescura, aportando interesantes armonizaciones modales y contrapuntos. A partir de este momento, cada uno de sus discos ha supuesto un nuevo avance en su forma de comprender e interpretar la música tradicional....Wikipedia
En un manuscrito titulado "De Navicularia", escrito en gallego-portugués y firmado por Vigairo Lemos, se relata la historia y vivencia de la tripulación de una nave gallega que se quedó en cuarentena a la altura de la Isla de San Simón. Al mismo tiempo, otras tres naves de distintas procedencias vivieron la misma situación. Durante esa tesitura las tripulaciones de los cuatro barcos convivieron y la isla de San Simón se convirtió en un crisol de culturas.
Navicularia, el primer álbum de Berrogüetto, fue un éxito entre la crítica y el público, recibiendo importantes reconocimientos. Con cuidado y sensibilidad, de un modo discreto, su discurso sorprendía a todos. Este disco es considerado imprescindible por su combinación de tradición y modernidad.
Once temas en los que los miembros de Berrogüetto tocan más de cincuenta instrumentos y que aúnan canciones tradicionales como "Anubía" o "Vilalbalcán" con temas de composición propia como "Valseiro" o "Navicularia".
Para este disco Berrogüetto contó con la colaboración de las pandereteiras de Cantigas e Agarimos, que ponen voz a cuatro temas.
Tras esta espectacular salida al mercado comenzaron las actuaciones por festivales y las giras internacionales por Galicia, España, Portugal, Alemania, Francia y Reino Unido, confirmando la vitalidad y el prestigio de una banda gallega que se convertía en muy corto tiempo en uno de los grupos de world music más importantes del mundo.
https://tenda.berroguetto.com/es/productdisplay/navicularia
01. Navicularia (6:06)
02. Valseiro (3:34)
03. Rosendo en Sabaxáns (4:02)
04. Vilalbalcan I (3:27)
05. Vilalbalcan II (4:41)
06. Anubia (3:09)
07. Cancro cru (4:47)
08. Jota de Mordómo / Danza de Gargamala (3:43)
09. Mornoambarina (5:42)
10. Jota da gheada (3:42)
11. O Mandil(7:21)
Two decades on from their point of interest presentation collection, Sound Magic, the Afro Celt Sound System return in triumph with The Source. This European and African based group have been a momentous power in music since the time that they began, along the way discovering related spirits crosswise over universal ability and manufacturing a notoriety for thrilling appears.
World fusions come no more eclectic than that of the Afro Celts, with their meld of west Africa and the Gaelic diaspora. The group’s first album in 10 years tones down the electronica of earlier incarnations for a more acoustic but no less propulsive approach in which the kora, balafon and chants of Guinea vie with the pipes, flutes and reels of Highland and Ireland, and the dhol drums of bhangra. It’s an often giddy mashup: nowhere else will you hear a female African chorus alongside Gaelic rap and jazz bagpipes. Yet the group also conjures moments of beauty like Mansani Cissé/Tàladh, where harp, kora and lyrical vocals entwine majestically. A daring, triumphant creation.
01. Calling in the Horses 02. Beware Soul Brother 03. The Magnificent Seven (ACSS meets TDF) 04. Cascade 05. A Higher Love (tune 'Monkswell Road' ) 06. Honey Bee 07. Where Two Rivers Meet 08. Mansani Cissé-Tàladh 09. Child of Wonder 10. Desert Billy (tune 'The Balcony') 11. The Communicator 12. The Soul of a Sister 13. Kalsi Breakbeat
Cuando el álbum debut homónimo del Grupo 87 fue lanzado en 1980, prácticamente nadie sabía cómo clasificar su musica. No es exactamente jazz, no exactamente rock, no es exactamente New Age o la New Wave, este talentoso trío (con la ayuda de el ex-baterista de Zappa Terry Bozzio) ha forjado una dinámica fusión de todo lo anterior. la producción del álbum oculta su artesanía artística y arreglos inteligentes, los cuales están esculpidas con el brillo glacial de los teclados, guitarras ricas texturas metálicas, bajo vigoroso pero pulsante y percusión explosiva.
When Group 87's eponymous debut album was released in 1980, virtually no one knew how to categorize it. Not exactly jazz, not exactly rock, not exactly new age or new wave, this talented trio (with help from ex-Zappa drummer Terry Bozzio) forged a dynamic fusion of all the above. The album's fastidious production belies its artful craftmanship and the clever arrangements, all of which are sculpted out of the icy sheen of richly textured keyboards, metallic-edged guitars, sinewy but pulsating bass and exploding percussion. Mark Isham's flawless synthesizer programming and minimal but tasteful brass charts form the bedrock upon which Peter Manu's fiery guitar leads and Patrick O'hearn's liquid bass lines spiral and soar like graceful birds in flight. It's as if one were to marry the passionate emotional intensity of jazz with the cold mechanical precision of electronic music; alternately, imagine the Mahavishnu Orchestra and Tangerine Dream fused into an organic whole. There's hardly a wasted track here, but among the numerous highlights are "Future of the City," "Magnificent Clockworks" and "Moving Sidewalks." Imagine it as one possible future of jazz that was never realized.
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Bass – Patrick O'Hearn Bass, Keyboards – Mark Isham Drums – Terry Bozzio Guitar, Keyboards, Violin – Peter Maunu Piano – Peter Wolf (3)
Future Of The City 5:01 Magnificent Clockworks 4:30 Frontiers 1856 3:16 Sublime Feline 6:25 The Bedouin 3:21 While The City Sleeps 2:25 Moving Sidewalks 4:24 Hall Of Glass 2:34 One Night Away From Day 5:55
Este álbum de 2008 representa una maravillosa colaboración entre Rabih Abou-Khalil (un gran laudista o intérprete de oud) y uno de los p...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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