Aidan Moffat & RM Hubbert - Ghost Stories for Christmas

El líder de Arab Strap, Aidan Moffat, no es el candidato más obvio para lanzar un álbum de Navidad. Él presenta sus conciertos como "inadecuados para los niños". Sus narraciones en gran parte misantrópicas cuentan historias de peleas, combates y escenas de una naturaleza sexual. Este año, Here Lies the Body, que combinó a Moffat y su compatriota del álbum Hubbert del álbum escocés de Glasgow, fue una selección de "canciones de cuna carnales".

Y sin embargo, después de divertirse tanto grabando A Ghost Story For Christmas como single, decidieron hacer un álbum completo. Se conecta con la realidad navideña, donde el lado opuesto del resplandor de la chimenea puede ser la desolación solitaria.

Las campanas de trineo presentan A Ghost Story ..., la oscura pero deliciosa rumoración de Moffat sobre el abandono, donde: "El espacio cuelga más pesado, como una ausencia en una habitación". El piano y el sereno violín de Hubbert enmarcan las narraciones de una manera hermosa, aunque un sub-clubbier sub-y ecos de El primer gran fin de semana de Arab Strap: conduzca el Sendero del deseo, antes de la triste, pero conmovedora contemplación del proceso, de Tales Shall You Be.
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La revelación es un tratamiento completo del éxito navideño de Mud en 1974, Lonely Christmas, mientras Moffat se adentra en los falsos diseños originales de Elvis Presley para revelar más sobre el corazón oscuro de la canción: una casa vacía, un amante difunto: “Vacío, soledad y una Navidad apagada. árbol."

Otra portada, Only You de Yazoo - una capella No. 1 de 1983 para Flying Pickets - también se presenta con sinceridad y belleza, después del humilde homenaje de Weihnachtsstimmung a los éxitos navideños: "Es Darlene y Mariah, y Kirsty y Shane y Noddy y Roy y las camareras. , mi favorito."

En otra parte, Moffat lee El abeto de Hans Christian Andersen sobre las pensativas cuerdas de Hubbert y profundiza en un viejo ensayo de Dickens para una parábola de la esperanza.

Su lado misantrópico amenaza con reaparecer en Ode to Plastic Mistletoe, un encuentro con un pub "lleno de niños pequeños snoggin ', polímeros sintéticos baratos sobre su noggin" y, sin embargo, como sucede a menudo en esta colección sombría, extraña pero extrañamente conmovedora y edificante , en algún lugar de las "luces de hadas de negociación" se encuentra el brillo de una nueva esperanza.
Como el 2018 llega a su fin ...https://www.theguardian.com/music/2018/dec/14/aidan-moffat-rm-hubbert-ghost-stories-for-christmas-review-the-dark-heart-of-the-season





1 Fireside 2:13
2 A Ghost Story for Christmas 4:02
3 Desire Path 2:56
4 Such Shall You Be 2:12
5 Lonely This Christmas 4:20
6 Weihnachtsstimmung 2:52
7 The Fir Tree 4:07
8 Only You 3:35
9 Ode to Plastic Mistletoe 3:25
10 The Recurrence of Dickens 4:01

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Soul of a Nation 2 - Jazz is the Teacher, Funk is the Preacher: Afro-Centric Jazz, Street Funk and the Roots of Rap in the Black Power Era 1969-75

El nuevo lanzamiento de Soul Jazz Records 'Soul of A Nation: Jazz is the Teacher, Funk is the Preacher' es una nueva y poderosa colección de jazz radical, street funk y proto-rap hecha en la era de Black Power (1969-75).

Este es el segundo álbum 'Soul of A Nation' lanzado por Soul Jazz Records que coincide con la exposición 'Soul of a Nation - El arte en la era del poder negro', aclamada por la crítica y enormemente exitosa cuando se inauguró en la Tate Modern de Londres. el año pasado (como lo era el primer álbum de Soul Jazz Records, 'Soul of A Nation - Afro-Centric Visions in the Age of Black Power 1968-79'). La exitosa exposición internacional se encuentra ahora en el Museo de Brooklyn, Nueva York, y luego viaja a Los Ángeles en 2019.

Este nuevo álbum presenta una serie de artistas afroamericanos importantes e innovadores: The Art Ensemble of Chicago, Don Cherry, Funkadelic, Gil Scott-Heron y más, junto a una serie de artistas menos conocidos, todos ellos a principios de los años setenta. exploraban nuevos estilos de música polirrítmica afrocéntrica, jazz radical, funk callejero y proto-rap, mientras que al mismo tiempo exploraban Black Power y los derechos civiles inspiraban nociones de autodefinición, autoestima y autodominación en sus propias vidas

Durante esta era, los músicos de jazz afroamericanos rompieron las definiciones tradicionales, rechazando el término "artista" para redefinirse a sí mismos como "artistas". Trabajaron fuera de la industria de la música convencional, percibiendo que esta relación artística era fundamentalmente explotadora y políticamente defectuosa. Los artistas, en cambio, formaron sus propios colectivos centrados en la comunidad, crearon sus propios sellos discográficos, organizaron conciertos en espacios de espectáculos alternativos (galerías de arte, parques, lofts, centros comunitarios), todo ello como una forma de tomar el control de sus propios destinos creativos.

A comienzos de la década de 1960, los músicos de jazz se habían embarcado en un intenso período de experimentación musical cuando los artistas John Coltrane, Ornette Coleman y Don Cherry intentaron desmantelar las definiciones tradicionales de jazz mediante la creación de nueva música que se liberó de sus ataduras. A fines de la década de 1960, los músicos de jazz afroamericanos con visión de futuro habían absorbido las ideas de este camino radical y vanguardista, pero también comenzaron a introducir muchos elementos nuevos, no solo los conceptos de libertad de los derechos civiles sino también las ideas de poder del poder negro. - Respeto, justicia y enojo.

Su música se convirtió en una mezcla afrocéntrica radical e intensa de jazz, funk, soul y poesía callejera, todo en busca de un nuevo lenguaje musical que pudiera representar mejor la expresión artística afroamericana de la cultura.

Todos los artistas destacados aquí participaron en esta búsqueda de diferentes maneras; Un sentido compartido de colectivismo afrocéntrico se unió a los puntos entre el profundo experimentalismo vanguardista de The Art Ensemble of Chicago (aquí presentaba a la cantante de soul Fontella Bass cantando el poderoso ‘Theme de Yoyo’) a la psicodelia hiper funk del Funkadelic de George Clinton.

La poesía de Gil Scott-Heron y Sarah Webster Fabio interpretada con un fondo de funk callejero y percusión de peso pesado estableció la plantilla para el nacimiento del rap. El Har-You Percussion Group, un grupo de jóvenes adolescentes de Harlem, mostró cómo las iniciativas sociales patrocinadas por el gobierno ayudaron a crear un gran arte y música. Gary Bartz y The Oneness of Juju ofrecen espiritualidad y cosmología. Los colectivos como The Pharaohs y la Tribu de Detroit añaden el jazz profundo y el funk callejero en igual medida. Y así.

Influenciados y radicalizados por Black Power y los derechos civiles, todos estos artistas participaron en la creación, en palabras del Art Ensemble of Chicago, "Great Black Music: Ancient to Future".

https://soundsoftheuniverse.com/sjr/product/bwnfhjbfq





1 Theme De Yoyo de Art Ensemble of Chicago 9:03
2 Welcome To The Party de The Har-You Percussion Group 4:02
3 Damballa de The Pharaohs 7:57
4 Hard Times de Baby Huey 3:20
5 Sweet Power, Your Embrace de James Mason 5:27
6 Kitty Bey de Byron Morris and Unity 12:25
7 Nappy Dugout de Funkadelic 4:37
8 Exchange, Pt. 2 de Rashied Ali & Frank Lowe 6:15
9 Celestial Blues de Gary Bartz Ntu Troop 7:34
10 Space Jungle Funk de Oneness of Juju 9:50
11 Work It Out de Sarah Webster Fabio 2:48
12 Beneficient de Tribe (Wendell Harrison & Philip Ranelin) 7:03
13 Whitey on the Moon de Gil Scott-Heron 2:01
14 Brown Rice de Don Cherry 5:15

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Anderson .Paak ‎– Oxnard

Brandon Paak Anderson (nacido el 8 de febrero de 1986), más conocido por su nombre artístico Anderson Paak (estilizado como Anderson .Paak), es un cantante, compositor, rapero, baterista y productor estadounidense de Oxnard, California. Lanzó su álbum debut, O.B.E. Vol. 1 en 2012, bajo el seudónimo de Breezy Lovejoy. Luego pasó a lanzar Venice en 2014, bajo su apodo actual.Anderson siguió con Malibu, en 2016, que recibió una nominación al Mejor Álbum Urbano Contemporáneo en los Premios Grammy. Además de su carrera en solitario, Paak también es la mitad de NxWorries, junto con el productor discográfico Knxwledge. Lo acompaña la banda The Free Nationals, que tocan una variedad de instrumentos como guitarra eléctrica, bajo, piano, teclados y batería, y también sirven como vocalistas de acompañamiento.

https://es.wikipedia.org/wiki/Anderson_Paak





1 The Chase (feat. Kadhja Bonet) Kadhja Bonet 3:24
2 Headlow (feat. Norelle) Terry Lee Brown Jr. 4:11
3 Tints (feat. Kendrick Lamar) Kendrick Lamar 4:28
4 Who R U? 2:49
5 6 Summers 4:43
6 Saviers Road 2:25
7 Smile/Petty (feat. Sonyae Elise) Sonyae Elise 4:43
8 Mansa Musa (feat. Dr. Dre & Cocoa Sarai) Dr. Dre, Cocoa Sarai 2:53
9 Brother's Keeper (feat. Pusha T) Pusha T 4:14
10 Anywhere (feat. Snoop Dogg & The Last Artful, Dodgr) Snoop Dogg, The Last Artful, Dodgr 3:46
11 Trippy (feat. J. Cole) J. Cole 5:24
12 Cheers (feat. Q-Tip) Q-Tip 5:35
13 Sweet Chick (feat. BJ The Chicago Kid) BJ the Chicago Kid 3:57
14Left to right 3:55

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David Virelles - Igbó Alákọrin (The Singer’s Grove) Vol. I and II

El sobresaliente pianista y compositor David Virelles nació en Santiago de Cuba y reside desde hace varios años en Brooklyn (Nueva York), ciudad en la que desarrolló la mayor parte de su trayectoria musical. Virelles ha trabajado con Henry Threadgill (junto a quien graba los álbumes Old Locks and Irregular Verbs de 2012 y los recientes Dirt… And More Dirt y Double Up, Plays Double Up Plus), Jane Bunnett (en Alma de Santiago en 2001 y Cuban Odissey de 2002), Chris Potter (The Sirens de 2013 y The Dreamer is the Dream en 2017), Tomasz Stanko (Wislawa en 2013 y December Avenue de 2017) y acompañó en escena a Ravi Coltrane, Wadada Leo Smith, Sam Rivers, Steve Coleman, Marcus Gilmore, Román Díaz, Andrew Cyrille, Hermeto Pascoal, Tom Harrell, Paul Motian, Dewey Redman, Chucho Valdés, Milford Graves, Stanley Cowell y Mark Turner, entre otros. Su elogiada discografía como líder incluye a los álbumes Motion de 2008, Continuum en 2012, Mbókò de 2014, el EP Antenna de 2016 y Gnosis en 2017. David Virelles ahora, con la inminente edición de Igbó Alákọrin (The Singer’s Grove) Vol. I & II, cristaliza un viejo anhelo: reinterpretar obras de compositores arraigados en el acervo cultural de Santiago de Cuba acompañado por músicos que residen o provienen de dicha ciudad.

El álbum agrupa dos proyectos diferentes; el primero de ellos -denominado Volume 1 – David Virelles Introduces Orquesta Luz de Oriente- presenta a un ensamble integrado por experimentados músicos locales e incluye relecturas de temas pertenecientes a algunos de los pioneros de la música cubana para big band de la década de 1930 como Electo Rosell y Mariano Mecerón. La segunda parte se subtitula Vol. II – Danzones de Romue at Café La Diana y comprende la recreación de varias de las obras para piano escritas por el icónico compositor cubano Antonio María Romeu. El volumen uno incluye nueve piezas (Bodas de Oro, El Rayaero, Grato Recuerdo, Echa’ Pa’ Allá, Canto a Oriente, Un Granito de Arena, Sube la Loma, Cosas de mi Cuba y Ojos de Sirena) y cuenta con la participación de David Virelles en piano y coros, Alejandro Almenares en requinto, voz líder y coros, Emilio Despaigne Robert en voz líder y coros, Rafael Ábalos en timbal, güiro y coros, José Ángel Martínez en bajo, Lázaro Bandera en congas, Román Filiú en saxo alto, René “La Flor” Domínguez en saxo tenor, Baudelis Rodríguez en saxo barítono, Abel Virelles en trompeta, José Aquiles Virelles en coros, Gabriel Montero en pailitas criollas y claves y con el agregado de John Benítez como bajista invitado en dos temas. En tanto que el volumen dos aglutina versiones de los temas tradicionales cubanos Tápame Que Tengo Frío, Tira la Cuchara y Rompe el Plato, Mojito Criollo, Mares y Arenas y Tres Lindas Cubanas; todos ellos interpretados en piano por David Virelles con acompañamiento de Rafael Ábalos en güiro.

https://davidvirelles.bandcamp.com/album/igb-al-ko-rin-the-singer-s-grove-vol-i-and-ii


1. Bodas de Oro
2. El Rayaero
3. Grato Recuerdo
4. Echa Pa' Allá
5. Canto a Oriente
6. Un Granito de Arena
7. Sube La Loma
8. Cosas de Mi Cuba
9. Ojos de Sirena
10. Tápame Que Tengo Frío
11. Tira la Cuchara y Rompe el Plato
12. Mojito Criollo
13. Mares y Arenas
14. Tres Lindas Cubanas


Músicos
David Virelles: piano, chorus
Alejandro Almenares: requinto, lead vocals (3,5,8,9), chorus
Emilio Despaigne Robert: lead vocals (2,7) , chorus
Rafael Ábalos: timbal, guiro, chorus
José Ángel Martínez: bass
Lázaro Bandera: congas
Román Filiú: alto saxophone
René “La Flor” Domínguez: tenor saxophone
Baudelis Rodríguez: baritone saxophone
Abel Virelles: trumpet
José Aquiles Virelles: chorus
Gabriel Montero: pailitas criollas, claves (2,7)
— with John Benitez: bass (5,8)

Igbó Alákọrin (The Singer’s Grove) Vol I & II from David Virelles on Vimeo.

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Tallawit Timbouctou - Hali Diallo

Tallawit Timbouctou are champions of takamba, a hypnotic traditional music from Northern Mali. Built around the tehardent, the four-stringed lute and pre-cursor to the American banjo, takamba’s droning distortion comes from signature handmade mics and blown out amplifiers. Accompanied by percussion pounded out onto an overturned calabash with mind boggling time signatures, the combined effect is trance inducing. 


This is the music that long ruled the North of Mali, performed at festivities, blasting out of dusty boomboxes, and beaming out from village radio stations. Its origin is shrouded in mystery, and though purportedly dating back to the Songhai Empire of the 15th century, takamba’s heyday was in the 1980s, with the introduction of amplification. Musicians found a lucrative circuit, performing in elegant weddings, creating cassettes on demand, and writing songs for their wealthy patrons. Today takamba has fallen out of popular fashion with the youth but continues to thrive in a small network of die-hard traditionalists. 


Band leader Aghaly Ag Amoumine is one of the remaining renowned takamba musicians. Descended from a long line of praise singers, he spent decades traveling across the Sahel, performing in remote nomad camps and crowded West African capitals. His compositions continue to circulate today and have become part of the folk repertoire. His group Tallawit Timbouctou, based in the city of the same name, continues in the family tradition and has featured both his brother and nephew as accompanying members.


Recorded at home in Timbouctou, “Hali Diallo” is a relentless and non-stop recording, true to the form of takamba. Tracks blend seamlessly into one another, instruments are tuned mid-song, and Aghaly only pauses singing long enough for the occasional shout-out or dedication. Unfiltered and direct, as it's meant to be heard, Tallawit Timbouctou is a shining example of one of the last great takamba bands. 

https://tallawit.bandcamp.com/



1. Intro 07:18
2. Hali Diallo 06:47
3. Super Continue 01:27
4. Adernibah 06:54
5. Khoumeissa 03:22
6. Ami Cisse 03:19
7. Kanji 02:07
8. Kalitay 05:23
9. Abacabok 04:32
10. Chebiba 04:10

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Agustin Lara Canta Sus Canciones Inolvidables (1984)

Ángel Agustín María Carlos Fausto Mariano Alfonso del Sagrado Corazón de Jesús Lara y Aguirre del Pino, conocido como Agustín Lara (Tlacotalpan, Veracruz, 30 de octubre de 1900 - Ciudad de México, 6 de noviembre de 1970), fue un compositor e intérprete mexicano de canciones y boleros. Se le reconoce como uno de los más populares de su época y de su género. También conocido con los apelativos de El Músico Poeta y El Flaco de Oro, su obra fue ampliamente apreciada no solo en México, sino también en Centroamérica, Sudamérica, el Caribe y España. Luego de su muerte, se le ha reconocido también en Estados Unidos, Italia y Japón.

Sus intérpretes principales fueron y son Pedro Vargas, quien era su compadre, Toña la Negra (María Antonia Peregrino Álvarez), Pedro Infante, Juan Arvizu, Nestor Mesta Chayres, Javier Solís, Alejandro Algara, Hugo Avendaño, Plácido Domingo, Julio Iglesias, Manuel Mijares, Vicente Fernández, Pérez Prado y otros artistas más.

https://es.wikipedia.org/wiki/Agust%C3%ADn_Lara
https://www.sfng.es/Articulos/Lara/lara.html








1. Veracruz
2. Farolito
3. Santa
4. Rival
5. Piensa En Mi
6. Imposible
7. Rosa
8. Aquel Amor
9. Maria Bonita
10. Piensolo Bien
11. Palabras De Mujer
12. Noche De Ronda
13. Arrancame La Vida
14. Cada Noche En Amor
15. Amor De Mis Amores

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ARA-UR - A ORILLAS DEL EBRO (2013) [España]

¡Ara-Ur, Grupo Folk de Garrapinillos (Zaragoza),formado por 4 músicos procedentes de Aragón y de otras latitudes, apuesta por una línea de interpretación moderna, basándose en todo tipo de melodías tradicionales . Sus conciertos se caracterizan por la participación total de sus miembros con un sonido en directo único, una fuerza interpretativa, y una energía contagiosa. Este cuarteto de gran proyección, son el ejemplo de la convivencia entre el nuevo renacer de los sonidos de raíz ibérica con influencias de tierras bañadas por los mares del norte y otras músicas del mundo. Su marca sonora destaca por la búsqueda de las máximas posibilidades de los instrumentos utilizados (zanfona, bouzouki, gaita, flautas, whistles, violín y percusiones del mundo), saltando de lo más púramente tradicional a lo más vanguardista, con un esplendor rítmico de otras músicas que aliñan tantos éstos como otros compases.

Además de las influencias del bagage cultural de cada músico, también se pueden

percibir las diferentes influencias de nuestra geografía española, como es la castellana,

la galaica-leonesa, astur-cántabra, aragonesa y de toda la vertiente del Pirineo.

Componentes:

Alette

Victor

Mónica

Javier

1. El Valle de Paula,

2. Retorno a la montaña,

3. Adivinanzas,

4. La Damisela de Bourgnau-Dous,

5. Puerto Canencia.

6. De Bujaraloz a Broxéliande

7. Un paseo por Bretonía

8. Espárragos silvestres

9. Taramundí e Alén

10. La mazurka de Sonny

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Olivier Mellano, Brendan Perry & Bagad' Cesson - No Land (2017)

No Land est la nouvelle création du compositeur et musicien inclassable Olivier Mellano. Au croisement des musiques actuelles et de la musique nouvelle, se jouant des codes de la musique traditionnelle, il a convié pour ce projet les 30 musiciens du bagad de Cesson et la fascinante voix de Brendan Perry, du duo mythique Dead Can Dance.

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VA - Wizard Women Of The North (1999)

Este álbum no es para todos.
Pero las personas a quienes les gusta viajar por el mundo y degustar sus culturas musicales como nuevas y coloridas cocinas, Wizard Women of the North es una sabrosa introducción a las tradiciones musicales nórdicas, que incluso ahora están experimentando un renacimiento global.

Este álbum de muestra ofrece a los oyentes una excelente variedad de música de cantantes de las tierras escandinavas de Noruega, Suecia y Finlandia. Las canciones son a veces ásperas y estridentes, debido a su estilo a la tradición de Kulning, una llamada de pastoreo inquietante y penetrante. Otras pistas son suaves y místicas. Todos se cantan en sus idiomas nativos, y cada letra del oyente es una imagen de noches árticas frías e interminables.

No aprenderá mucho de las escasas notas de esta muestra, que proporciona un texto encantador y lírico sobre Wizard Women of the North como un subconjunto de la cultura nórdica. Una mujer así, explica la escritora Pernille Anker, "está agobiada por el recuerdo de inviernos largos y duros, y sabe que sin ese lastre nunca podría tocar y cantar las canciones que ha heredado de sus antepasadas. Sí, viene". de una larga lista de madres, tanto habitantes ordinarios de la tierra como la misteriosa montaña y la gente de las montañas. No muchas de las mujeres en esta grabación saben cómo ordeñar una cabra, pero varias de ellas conocen a mujeres ancianas que han sido lecheras en granjas de verano. todas sus vidas. Estas mujeres cantaron mientras trabajaban y en su tiempo libre, y pasaron sus canciones tradicionales a las nuevas generaciones de músicas femeninas ".

Por supuesto, esto no nos dice mucho sobre el linaje específico de las 19 pistas que se encuentran en Wizard Women of the North, ni nos ayuda a identificar algunos de los instrumentos más extraños que se unen a los violines, silbatos, bajos verticales y guitarras y proporciona antecedentes A las voces sorprendentes destacadas aquí.

Al menos, enumera los nombres de las mujeres y las bandas representadas, así como los álbumes de los cuales se levantaron las pistas individuales. Los artistas son Pernille Anker, Kirsten Braten Berg, Aurora Borealis, Mari Eggen y Helene Hoye, Tone Hulbaekmo, Sinikka Langeland, Annbjorg Lien, Susanne Lundeng, Hege Rimestad, Susanne Rosenberg, Asne Sunniva Soreide, Tallari y Tellu.
http://www.rambles.net/va_wizardwomen.html

País: Norway
Género: Folk, World, & Country

01. Susanne Rosenberg - Vallatar Fran Gammelboning (Herding Calls From Gammelboning, Sweden)
02. Tone Hulbaekmo - Svenvende Jord (Floating Earth)
03. Tallari - Miksi Ne Neijot (Why Do The Maidens)
04. Susanne Lundeng - Havella (Old Squaw)
05. Hege Rimestad - Krishnas Kusine (Krishna's Cousin)
06. Tellu - Tuulet (The Winds)
07. Mari Eggen & Helene Hoye - Ferdavals (Voyage Waltz)
08. Susanne Rosenberg - Anna Och Wilhelm (Sad Love Song)
09. Aurora Borealis - El Gamol Vise (The Harp)
10. Asne Sunniva Soreide - Huldrelokk (Wood Nymph Call)
11. Helene Hoye - Gjetarhuving / Helene Sin Springleik (Shepherd's Call / Helene's Springar Dance)
12. Annbjorg Lien - Fonix (Phoenix)
13. Sinnika Langeland - Brudesang Fra Solor (Bridal Song From Solor, Norway)
14. Kirsten Braten Berg - Heiemo Og Nykkjen (Heiemo And The Water Sprite)
15. Tellu - Manaus (Word Of Incantation)
16. Hege Rimestad - Myrullmorgen (Rolling Mist)
17. Tone Hulbaekmo - Hildring (Illusion)
18. Pernille Anker - Gjendines Banlat (Gjendine's Lullaby)
19. Annbjorg Lien - Myllargutens Brureslatt (The Miller Boy's Bridal Tune)

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Moussu T e lei Jovents - Opérette Volume 2

Moussu T e lei Jovents es un grupo con sede en Marsella , La Ciotat y Recife en Brasil , compuesto por Tatou (cantante del grupo Massilia Sound System ), Blù ( Massilia Sound System y Oai Star guitarist ), Jamilson (percusionista brasileño), Stef K (batería) y Denis (batería).

El grupo está inspirado en Marsella en los años 1920 y 1930 celebrando el crisol que reinó allí. Varias influencias se encuentran en su música, desde el blues hasta la música brasileña, a través de las operetas de Vincent Scotto o las canciones de Victor Gélu . No dudan en cantar en occitano y reanudar al final de su primer álbum Soulòmi de Frédéric Mistral . Los textos oscilan entre la ligereza ( como dos moscas , cuando la veo , la Ciotat ...), la poesía ( tentáculos , la cambussada ...) y los textos comprometidos ( para bien nos lo hacen , bandera roja , Fada republicana )

https://fr.wikipedia.org/wiki/Moussu_T_e_lei_Jovents


1. Mi poulidette
2. Es Marseillais
3. Te amo
4. Angela 03:13
5. No me atrevo a decirte
6. Las 40 horas 02:58
7. Todos somos asi
8. Soñé con una flor 9. Sian de Viaïré leï Marsihès
10. En marsella una tarde
11. Tenerte a la luz de la luna
12. El Pescadous
13. Lo gòt de los anais

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Eric Bibb - Global Griot (2018) (ALBUM REVIEW)

Rara vez un título ha sido más apropiado para un álbum. "Griot - (en África occidental) miembro de una casta responsable de mantener un registro oral de historia tribal en forma de música, poesía y narración". El trovador Eric Bibb trabaja con numerosos músicos de todo el mundo para este gran proyecto, Global Griot , que se grabó en siete países y en doce estudios diferentes. Diez personas tienen sus nombres en créditos de productores y participan doce ingenieros.

Bibb, dos veces nominado al Grammy y ganador múltiple de BMA, quien podría tener la voz más suave, aparte del difunto Sam Cooke, es generalmente reconocido como un artista de blues / folk / músicas del mundo y mientras escucha todos esos estilos aquí, podríamos como Incluye fácilmente el evangelio y el alma también. Bibb puede contar con más de 30 álbumes en su carrera histórica que comenzó hace más de 40 años. Obviamente, ha conocido a muchos músicos en el camino y ha comenzado a nacer en la realeza musical en la ciudad de Nueva York. Su padre fue conocido cantante de folk Leon Bibb, y su tío fue John Lewis del Modern Jazz Quartet. El legendario actor / cantante / activista fue el padrino de Eric.

Grabado en Suecia, Francia, Reino Unido. Canadá, Jamaica, Ghana y América, el proyecto presenta apariciones especiales como invitado por Habib Koite de World Music, con quien Bibb grabó su álbum estelar de 2012, Brothers in Bamako. También se une al músico de África Occidental Solo Cissokho, un maestro del arpa de 22 cuerdas, la kora, un instrumento que muchos fanáticos del blues escucharon por primera vez en la colaboración africana de Johnny Copeland en 1986 Bringing It All Back Home. Otros artistas y vocalistas de músicas del mundo aparecen junto con el invitado especial, el viejo amigo de Bibb y Harrison Kennedy, quien es el cantante de cuatro canciones. La esposa de Bibb, Ulrika, Paris Renita, Linda Tillery y Ken Boothe también hacen fuertes contribuciones vocales además de coros en algunas canciones.

A medida que se desarrolla el álbum, las combinaciones y la combinación de instrumentos son a menudo impresionantes y conmovedoramente conmovedoras. La voz de Bibb no tiene absolutamente ningún tinte de ira, pero sus letras comentan de forma conmovedora el estado actual del mundo, casi desde el principio. Después de la apertura de "Gathering of the Tribes", con Cissokho en Kora y dúo, Bibb trae los cuernos para el amargo "Wherza Money At". Eso comienza una secuencia de tres canciones donde "" Human River "habla del poder de la protesta. y "What's He Gonna Say Today" es una de las mejores canciones de este año dirigidas a POTUS 45. Bibb condena nuestro deseo de un consumo conspicuo en el amargo "We Don't Care", brinda otro grito de guerra en "Hoist Up the Banner" y hace varias declaraciones sobre el racismo a partir de su versión de "Black, Brown & White" de Bib Bill Broonzy, con la voz de Kennedy. Kennedy también contribuye en "Brazos River Blues", el "Listen for the Spirit" y el "Spirit Day" cargados de ritmos. Las canciones "We Don't Care" y "Mami Wata / Sebastian's Tune" presentan a Habib Koite cantando y tocando acústicamente Guitarra en tándem con Bibb.

Al crecer en la escena popular de la Villa de Nueva York, Bibb fue naturalmente influenciado por Dylan, Báez y Seeger, que también eran visitantes frecuentes de su hogar. También cuenta con Odetta, Richie Havens y Taj Mahal como las principales influencias y sus ecos están en todo su catálogo, además de estar presentes aquí. Las variedades del Evangelio son evidentes en "Send Me Your Jesus", "Let God" y en el modo de espera de los antiguos, "Michael, Row da Boat en tierra", entre varias melodías. Bibb comienza el segundo disco, Act Two, con "Race & Equality" y ofrece un grupo coherente de canciones centradas en nuestra necesidad de unidad. Entre los aspectos más destacados aquí se encuentra el "Día del espíritu", que presenta a otro jugador destacado del álbum, Michael Jerome Brown en banjo y guitarra sin trastes, así como a Cissokho en kora y voz junto con Kennedy. El tradicional "Last Night I Had The Strangest Dream" presenta a Ulrika Bibb en la voz. Linda Tillery da un giro especialmente conmovedor a "New Friends" y Ken Boothe le da su toque a "Mole in the Ground".

Bibb es totalmente adepto a casar las raíces africanas del blues con los estilos estadounidenses, está más que dispuesto a compartir el foco con músicos talentosos de todo el mundo y es intrépido en su enfoque donde los comentarios sobre el estado actual se posicionan finalmente como gritos de Un futuro esperanzador. Puede ser bastante atrevido marcar esto como el mejor de Bibb, considerando su impresionante cuerpo de trabajo de 40 años, pero sin duda debería ganar otra nominación al Grammy o dos. Está claramente entre los mejores álbumes de música de este año.

 CD1:
1. Gathering Of The Tribes – 2:51
2. Wherza Money At – 4:38
3. Human River – 3:21
4. What’s He Gonna Say Today – 3:13
5. Brazos River Blues – 2:31
6. We Don’t Care – 3:29
7. Black; Brown & White – 3:13
8. Listen For The Spirit – 4:43
9. Holst Up The Banner – 3:10
10. Mami Wata / Sebastian’s Tune – 3:40
11. Send Me Your Jesus – 5:00
12. A Room For You – 2:34
13. Remember Family – 3:14

CD2:
1. Race & Equality – 3:59
2. Grateful – 3:29
3. All Because – 4:21
4. Spirit Day – 5:50
5. Let God – 3:07
6. Last Night I Had The Strangest Dream – 2:46
7. Picture A New World – 2:28
8. New Friends – 2:44
9. Mole In The Ground – 4:24
10. Michael, Row Da Boat Ashore – 4:15
11. Needed Time – 7:01

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La Mambanegra – El Callegüeso y su Malamaña

Subido por Marhali.

La Mambanegra es una orquesta de once miembros de Santiago de Cali que desarrolla un sonido que ellos mismos llaman "colombian break salsa" y que está inspirado en las orquestas de salsa que triunfaron en el Nueva York de los años 70 del siglo XX, al que incorporan influencias del r&b, el hip hop y el reggae.

Inspirada en la historia de un héroe anónimo y mítico del Barrio Obrero (Tomás Rentería, alias "El Callegüeso), quien tuvo una serie de aventuras fantásticas en Cali, La Habana y Nueva York, esta orquesta trae un nuevo concepto de la salsa y la música latina para el Mundo. Como esta historia suena El Callegüeso y su Malamaña (2017), la opera prima de La Mambanegra. Creada y dirigida por el compositor, arreglista, saxofonista y vocalista colombiano Jacobo Vélez, La Mambanegra propone un discurso musical con elementos urbanos como el hip hop, el funk y la música antillana. Jacobo -quien a su vez fundó La Mojarra Eléctrica- logra crear todo un universo visual y sonoro a partir de historias urbanas que entrelazan el Barrio Obrero de Cali con el malecón de La Habana. Acontecimientos surrealistas, vivencias de esquina, y la picardía propia de un músico con horizontes infinitos, logran que esta grabación (realizada en su mayoría en Cali por Bombo Records) difícilmente pueda ser etiquetada, como precisamente pretende el experimentado saxofonista.

01. Puro Potenkem (feat. Maite Hontelé & Denilson Ibargüen)
02. El Sabor De La Guayaba (feat. Santiago Jiménez)
03. Cantare para Vos (feat. Eddy Martínez)
04. La Compostura (feat. Edgardo Manuel)
05. La Fokin Bomba (feat. Santiago Jiménez)
06. El Blues De Yemaya (feat. Yasek Manzano)
07. Kool And The Mamba
08. Me Parece Perfecto (feat. Chinito Escobar)
09. El Malembe (feat. Wilson Viveros)
10. Barrio Caliente (feat. Jorge Huertas)

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lee scratch perry - the black album

Rainford Hugh Perry, más conocido como Lee «Scratch» Perry o The Upsetter (Kendal, 20 de marzo de 1936), es un músico, técnico de sonido y gran productor musical jamaicano, pionero del dub y el reggae.

Empezó su carrera bajo la pobreza, durante la miseria de los años 1950. Trabajó como mezclador de sonido para el Clement Coxsone Dodd's sound system. Con este sello logró grabar cerca de 30 canciones, pero problemas financieros y diferencias de personalidad (problemas que tuvo en toda su carrera) lo llevaron a dejar el estudio y buscar nuevos caminos. Por lo que pronto logró encontrar un nuevo trabajo con Joe Gibb's Amalgamated Records
Trabajando con Joe Gibb's, Perry continuó su carrera musical, pero, una vez más, los problemas financieros se hicieron presentes. Perry terminó apartándose de Gibb's y formó su propio sello en 1968, llamándolo Upsetter Records. Su primer sencillo, People Funny Boy, que era un insulto dirigido a Gibbs, se vendió muy bien. Aquí da una muestra de su talento a la hora de mezclar, por su uso innovador de un sample(un bebé que llora) así como un rápido, resoplado ritmo que pronto pasaría a ser identificable como «reggae» (a esta nueva forma de sonido, se le dio el nombre de «Steppers»). Desde 1968 hasta 1972, trabajó con su banda de estudio The Upsetters.

Durante la década de 1970, Perry lanzó numerosas grabaciones en una variedad de sellos discográficos que él controlaba, y muchas de sus canciones fueron muy populares en Jamaica y Reino Unido. Pronto se hizo conocido por sus innovadoras técnicas de producción, así como su carácter excéntrico.

En la década de los 70's, Perry fue uno de los productores que con sus mezclas experimentales ayudo a la creación del Dub, aunque el autentico padre de esta rama del dub fue King Tubby. En 1973, Perry construyó un estudio en el patio trasero de su casa: The Black Ark, para tener más control sobre sus producciones, al mismo tiempo continuó ocupándose de notables músicos como: Bob Marley & The Wailers, Junior Byles, Jacob Miller, The Heptones, The Congos, Max Romeo o Junior Delgado. Con su propio estudio a su disposición, las producciones de Perry se hicieron más lujosas, como un productor energético fue capaz de pasar tanto tiempo como él quería en la música que producía. Casi todo lo que Perry grabó en The Black Ark se realizaba utilizando un equipo básico de grabación, a través de la prestidigitación sonora de manos e hizo un sonido único. Lee "Scratch" Perry permaneció detrás de la mesa de mezclas durante muchos años, produciendo las canciones y álbumes que se destacan como un punto alto en la historia del Reggae.

https://es.wikipedia.org/wiki/Lee_Perry




1. "Mr Brown In Town"
2. "Mr Brown Dub"
3. "Trendsetter"
4. "Trendsetting Dub"
5. "Your Shadow Is Black"
6. "Your Shadow Is Dub"
7. "Dead Meat"
8. "Dead Meat"
9. "Dub At Abbey Road"
10. "Abbey Road" (version)
11. "Bumpy Road Of Life"
12. "Dumpy Dub"
13. "Captain Perry"
14. "Captain Dub"
15. "Killing Dancehall Softly"
16. "Killing" (version)
17. "Solid State Communication"
18. "Solid State Dub"

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Bixiga 70 - Quebra Cabeça

São Paulo’s acclaimed 10-piece instrumental collective return for their 4th album. Urban Afro-Brazilian grooves, empowered horn-driven melodicism and massive dance floor inspiration.
One of South America’s most exhilarating musical propositions.

Almost four centuries after the first slave ships loaded their cargoes and set sail, the connection between Brazil and West Africa remains firm and deep. It was African slaves who created the culture of Brazil in all its sorrows and its joys, and those memories have flowed down through the generations. Africa is everywhere in Brazil, and it pulses through the music on Quebra Cabeça (Puzzle), Bixiga 70’s second studio album for Glitterbeat, where two continents dance together across the black Atlantic.

“From the very beginning, what we have always had in common is African-Brazilian music,” explains baritone sax player and flautist Cuca Ferreira. ‘Some of us come from candomblé (the African-Caribbean religion), others from jazz, reggae, dub, everything. The whole idea of the band has been to take all these different elements that form us, from Africa and Brazil, and create a hybrid from them.”

With Quebra Cabeça, that hybrid has taken on a slightly different form. As Ferreira notes, this time Bixiga 70’s music “is more complex. We worked harder on the compositions than in the past, spent more time on them. Each song has a lot of different parts, they can seem like a journey.”

That’s apparent in the shifts and turns of a piece like “Pedra De Raio” or “Levante,” where the melody shifts and swerves, one section flowing naturally into the next, adding layer upon layer to create something astonishing and utterly satisfying in its power. In large part, this change has come from the band’s relentless touring over the last few years.

“We’ve been exposed to so much,” Ferreira notes. “So many of the people we’ve played with have had an impact on us, like Pat Thomas, the Ghanaian highlife singer or [Nigerian saxophonist] Orlando Julius. And then we toured and recorded with João Donato. He’s over 80 now and still playing piano, one of the icons of Brazilian music. We’ve learned from them all, they’ve made us think about what we can do with our music. Those new ideas have found their way into this album.”

One result is the new, shining lyricism of the melodies, with the horns pushed even more to the fore, parading around with a singer’s swagger.

“We want people to relate to our melodies, to take the line a vocalist might use and play it on the horns. Sometimes in instrumental music, the players are so good it ends up putting the listener at a distance. We make music as a celebration, a way to connect and bring some joy. We want to draw them in. We try to write something very memorable.”

And Quebra Cabeça is a very memorable set of hummable earworms, from the title cut that opens up the album and continuing, sinewy and cool and relentless, all the way to the final note of “Portal.”

Throughout though, the heartbeat of everything remains utterly African, refracted through the prism of the band’s home in the Bixiga neighbourhood of São Paulo. “What we put on top of that is essentially urban São Paulo music. This city has been a huge influence on us. It has that sense of urgency, always running to catch up. It’s expensive, and services are awful, with so much pollution and violence. But it’s our home and it was developed through immigration. Bixiga is where people come first of all. It’s always had that influx; it’s the story of São Paulo in miniature.”

And Bixiga 70 has always been a reflection of the streets where they live. The band played their first show in October 2010 and released their debut album a year later. Eight years on they are still the same 10-piece collective, honing and shaping the music, evolving towards the changes found on Quebra Cabeça.

“We knew we wanted this record to be different. Our other three albums were all recorded live in the studio, because we’re more of a live band, the stage is our habitat. This time we decided to use the studio to experiment with arrangements and voicings. We began composing in early 2017. It took us a year to write everything, then we began recording in May this year. And for the first time we used a co-producer, Gustavo Lenza (Céu, Marisa Monte). He was a friend even before we formed the band, but it recent years he’s become a very big producer in Brazil.”

The result still captures the incendiary excitement of Bixiga 70 live, but the freedom of the studio brings more shade and subtlety than before. The rhythms are more sinuous than ever, snaking through the funk in way that looks more to Ghana or Nigeria than Memphis or Muscle Shoals, while the horns strut in powerful harmonies. It’s music that forges connections and retraces history while sounding absolutely contemporary. But for Bixiga 70, African will always be the root, and Brazil its beautiful, vibrant flower.
credits
released October 12, 2018

https://bixiga-70.bandcamp.com/album/quebra-cabe-a






1. Quebra Cabeça 05:00 
2. Ilha Vizinha 05:46 
3. Pedra de Raio 05:32 4. 
4 Cantos 05:25 
5. Areia 03:41 
6. Ladeira 03:57 
7. Levante 05:14 
8. Primeiramente 04:26 
9. Torre 04:17 
10. Camelo 05:35 
11. Portal 05:58 

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Orquesta Akokán-Orquesta Akokán

Ensamblado y dirigido por el vocalista cubano José “Pepito” Gómez, la Orquesta Akokán es un gran colectivo de la banda de los mejores músicos cubanos, jóvenes y viejos. Su próximo álbum en Daptone presenta música completamente original y fue grabado en vivo para grabar durante una sesión de tres días en los sagrados estudios estaduales de La Habana, Havana.

Escuchando el nuevo LP de la Orquesta Akokán, no puedes evitar sentir los espíritus de los gigantes musicales de Cuba irradiando de los altavoces. Pero honrar y cuidar a estos espíritus no es tarea fácil, ni es una tarea que le quede solo a una generación. Es una colaboración de jóvenes y mayores; Los ancianos conocen las tradiciones, los gestos, los conjuros, pero es la generación más joven la que tiene el deber de aprender, la fuerza para continuar y el fuego y el alma para hacer nuevas canciones para los espíritus nuevos.

En noviembre de 2016, Michael Eckroth viajó a los sagrados estudios Areito en Centro Habana con una pila de cuadros debajo del brazo. Al llegar a la cavernosa sala de estar con paneles de madera, hizo un inventario de los jugadores reunidos por el productor Jacob Plasse: una docena de jugadores de viento y ritmo más feroces y rítmicos de Cuba de grupos como Irakere y Los Van Van, el sensacional vocalista veterano. José “Pepito” Gómez, y un puñado de jóvenes experimentados de la música latina de Nueva York. Estos músicos transformarían sus tablas en el documento vivo y respirador que tienes en tus manos.

Un arpegio desciende dulcemente por las teclas del piano, y el conjunto explota en masa con exclamaciones de trompetas, introduciendo saxofones que de inmediato se establecen como el centro de una sección rítmica. Los arreglos llevan la belleza exquisita, el patetismo y la alegría de las reconocidas orquestas de baile de los años 1940 y 1950 que habían grabado en esta habitación, evocando los fantasmas de Arsenio Rodríguez, Pérez Prado y Beny Moré. Y las robustas y comprobadas arquitecturas musicales de son cubano y mambo están presentes y se honran hábilmente a través de las nueve composiciones originales. El tres cubano melodioso, el tumbao oscilante de las congas, la mezcla tensa de armonías vocales: están todas allí. Sin embargo, hay algo inequívocamente nuevo: secciones de saxofón tocando montunos donde se podría imaginar un piano, un angelical, swinging flauta que cabría esperar en una grabación de charanga, sones – improvisaciones vocales que tienen el flujo experimentado y la cadencia de mediados de 1970 cantantes de “salsa dura”, y por supuesto, la aparición del inimitable César “Pupy” Pedroso en el piano. De alguna manera, esta síntesis de gramática musical y estilos compositivos, de La Habana y Nueva York, de viejos y nuevos, tiene perfecto sentido.

Akokán es una palabra yoruba utilizada por los cubanos para significar “desde el corazón” o “alma”, por lo que no sorprende que una grabación como esta encuentre su camino de regreso a Daptone Records de Brooklyn. Durante casi una generación, la etiqueta venerable nos ha traído música conmovedora en una miríada de estilos, hechos en el presente, pero con todo el arte y el sabor de las grabaciones clásicas del pasado. Al hacerlo, Daptone ha consagrado tanto los géneros que honra como a los artistas que crean nuevas obras en el canon universal de la música dance. Es una cocina perfecta para servir a este cautivador baile entre lo viejo y lo nuevo: una sopa levantamuertos, preparada con ritmo, con cuidado y, sobre todo, con akokán.

orquestaakokan.com

1. Mambo Rapidito 03:19
2. La Corbata Barata 05:25
3. Un Tabaco para Elegua 05:35 video
4. Otro Nivel 04:25
5. La Cosa 04:01
6. Cuidado Con el Tumbador 04:11
7. Yo Soy para Tí 05:14
8. No Te Hagas 03:55
9. A Gozar la Vida 03:37

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Maya Youssef – Syrian Dreams

Subido por Marhali.

Desde la desolada Siria suena con especial emoción el nuevo trabajo de Maya Youssef, virtuosa del qānūn: "Desde que empezó la guerra en mi tierra en 2011 hacer música dejó de ser una opción. Era una manera crucial de expresar mis intensos sentimientos de pérdida y tristeza al ver a mi gente sufrir y mi patria destruida". Por suerte, Youssef está afincada en Londres y desde allí pudo realizar este disco enteramente dedicado a la tragedia siria y que se escucha, lógicamente, con una intensa emoción. A ratos cerca de la vanguardia o del jazz, Syrians Dreams (2017) es un disco tan triste como necesario.

El virtuosismo y enfoque único e innovador de Maya Youssef para tocar el qānūn, originalmente un instrumento tradicional, consiste en combinar sus extraordinarios dones musicales con una generosidad de perspectivas, calidez, humor y optimismo.

Maya Youssef ha actuado en todo el mundo y es ganadora del premio Exceptional Talent, que le permitió migrar al Reino Unido en 2012. Además de su música, lleva a cabo su proyecto de doctorado "Music Healing for Syrian Refugee Children" en la SOAS University of London, donde también enseña el qānūn y dirige el SOAS Middle Eastern Ensemble, además de ser una habitual en la BBC.

Producido por Jerry Boys para Harmonia Mundi, Syrian Dreams cuenta con la participación de Sebastian Flaig (percusión), Barney Morse-Brown (cello) y Attab Haddad (oud). Como señala Youssef en el disco, "Este álbum es mi viaje personal a través de los 6 años de guerra en Siria. Es una traducción de mis recuerdos del hogar y mis sentimientos hacia la música. Veo el acto de tocar música como lo opuesto a la muerte; es un acto de vida y de afirmación de esperanza. Para mí, la música es sanadora y un antídoto contra lo que está sucediendo, no solo en Siria, sino en todo el mundo. Me gusta pensar que mi música devuelve a la gente a la humanidad y al centro de sus corazones, donde no se puede dañar a ninguna forma de vida y donde todas y todos pueden existir juntos en paz". Este viaje personal y su propuesta musical ha supuesto para Maya resultar finalista en los Songlines Music Awards de 2018.

01. Horizon
02. Bombs Turn Into Roses
03. Hi-Jazz
04. Touta
05. Queen Of The Night
06. Syrian Dreams
07. The Seven Gates Of Damascus
08. Breakthrough
09. The Sea
10. Awatef (bonus track)

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Anthony Joseph – People Of The Sun

Grabado en Trinidad bajo la dirección del saxofonista Jason Yarde y con la participación de algunas de las voces más llamativas de la isla de la que es originario, People Of The Sun es el álbum más íntimo, vanguardista y político del cantante y poeta Anthony. Joseph.
 

Trinidad. Cuatro mil setecientos kilómetros cuadrados rodeados de aguas color turquesa, una pieza del rompecabezas del Caribe, esta área donde las olas llevan el intercambio de vibraciones musicales entre cada una de las islas. Diez años para visitar el cielo y las carreteras de todo el mundo, para grabar su música y tocarla en el escenario. Ver a Trinidad solo en líneas punteadas, durante unas semanas o unos meses. Sin embargo, por lo que Anthony Joseph ha viajado, su isla siempre ha estado con él. No es un vínculo distendido y difuso, sino una raíz firmemente arraigada en el suelo nativo, un vínculo directo capaz de correr por miles de kilómetros sin perder intensidad. Una fuerza benevolente infundida en sus ritmos y sus libros, honrados en sus títulos. Impalpable pero tan presente.

 

Así que, glorificado el archipiélago al reunir a músicos locales en las conocidas Caribbean Roots , es para, por y con Trinidad, que diseñó y grabó People Of The Sun , en el corazón de la capital Puerto de España. Sumérgete en su entusiasmo musical para finalmente darse cuenta del tributo que Anthony había mantenido durante mucho tiempo en un rincón de su mente. El álbum y la ciudad regresan sus iniciales como frente a un espejo.

Con este talento único para mezclar soul, funk, jazz y frecuencias caribeñas para contar historias con calma iniciadas y cerradas en una furia de ritmos y metales, fábulas fantásticas o poemas cautivadores, Anthony Joseph ha impuesto este momento como el rasgo de unión entre dos generaciones de músicos de Trinidad. El portador del patrimonio musical, steelpan, rapso y soca; y el nuevo, sensible al R & B como el hip hop, el que camina por los caminos despejados por los ancianos.

 

Len "Boogsie" Sharpe, Brother Resistance, Modupe Folasade Onilu, Mikhail Salcedo, John John Francis, 3 Channel, su hija Meena, todos vinieron a traer el dominio del tambor de acero, la pluma de la poesía militante, la brujería de percusión, los teclados, las vibraciones alma, agilidad vocal y dulzura celestial: el Ibis String Ensemble se encarga de traer con sus arreglos de cuerda una dimensión melancólica y una profundidad que coquetea con Blaxploitation.

Los ecos metálicos del steelpan en alambre cuasi conductor para posar sus textos políticos, sus crónicas sociales o su conciencia negra, el groove siempre suficientemente influyente para llevar todos los instrumentos hacia el trance colectivo, People Of The Sun bajo las sucesivas contribuciones de sus participantes proyecta la música de Trinidad más allá de sus orillas.

Ensamblado, orquestado y producido por Jason Yarde, el secuaz de Anthony en el estudio y en el escenario, People Of The Sun irradia como siempre esta pieza del rompecabezas caribeño, menos visible que los vecinos jamaicanos o cubanos, pero cuyo lema " Juntos aspiramos, juntos logramos ", nunca habrá sonado tan bien. 

http://iseecolors.fr/2018/07/04/anthony-joseph-people-of-the-sun/

https://en.wikipedia.org/wiki/Anthony_Joseph

1 Milligan (The Ocean) (feat. Ella Andall) Ella Andall 8:26 
2 Sans souci (Totem) (feat. Len "boogsie" Sharpe) Len ' Boogsie' Sharpe 5:45 
3 Bandit School (feat. 3 Canal) 3 Canal 4:09 
4 Suffering 6:45 
5 Dealings (feat. Brother Resistance) Brother Resistance 7:16 
6 Dig out Your Eye 7:36 
7 He Was Trying 9:13 
8 On the Move 5:49 
9 Incense Taxi 2:33 
10 Jungle (feat. Meena Joseph) Meena Joseph 7:31 
11 People of the Sun (feat. John John Francis) John John Francis 5:54

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