¡Ara-Ur, Grupo Folk
de Garrapinillos (Zaragoza),formado por 4 músicos procedentes de Aragón y de
otras latitudes, apuesta por una línea de interpretación moderna, basándose en
todo tipo de melodías tradicionales . Sus conciertos se caracterizan por la
participación total de sus miembros con un sonido en directo único, una fuerza
interpretativa, y una energía contagiosa. Este cuarteto de gran proyección, son
el ejemplo de la convivencia entre el nuevo renacer de los sonidos de raíz
ibérica con influencias de tierras bañadas por los mares del norte y otras
músicas del mundo. Su marca sonora destaca por la búsqueda de las máximas
posibilidades de los instrumentos utilizados (zanfona, bouzouki, gaita,
flautas, whistles, violín y percusiones del mundo), saltando de lo más
púramente tradicional a lo más vanguardista, con un esplendor rítmico de otras
músicas que aliñan tantos éstos como otros compases.
Además de las
influencias del bagage cultural de cada músico, también se pueden
percibir las
diferentes influencias de nuestra geografía española, como es la castellana,
la galaica-leonesa,
astur-cántabra, aragonesa y de toda la vertiente del Pirineo.
No Land est la nouvelle création du compositeur et musicien inclassable Olivier Mellano. Au croisement des musiques actuelles et de la musique nouvelle, se jouant des codes de la musique traditionnelle, il a convié pour ce projet les 30 musiciens du bagad de Cesson et la fascinante voix de Brendan Perry, du duo mythique Dead Can Dance.
Este álbum no es para todos.
Pero las personas a quienes les gusta viajar por el mundo y degustar sus culturas musicales como nuevas y coloridas cocinas, Wizard Women of the North es una sabrosa introducción a las tradiciones musicales nórdicas, que incluso ahora están experimentando un renacimiento global.
Este álbum de muestra ofrece a los oyentes una excelente variedad de música de cantantes de las tierras escandinavas de Noruega, Suecia y Finlandia. Las canciones son a veces ásperas y estridentes, debido a su estilo a la tradición de Kulning, una llamada de pastoreo inquietante y penetrante. Otras pistas son suaves y místicas. Todos se cantan en sus idiomas nativos, y cada letra del oyente es una imagen de noches árticas frías e interminables.
No aprenderá mucho de las escasas notas de esta muestra, que proporciona un texto encantador y lírico sobre Wizard Women of the North como un subconjunto de la cultura nórdica. Una mujer así, explica la escritora Pernille Anker, "está agobiada por el recuerdo de inviernos largos y duros, y sabe que sin ese lastre nunca podría tocar y cantar las canciones que ha heredado de sus antepasadas. Sí, viene". de una larga lista de madres, tanto habitantes ordinarios de la tierra como la misteriosa montaña y la gente de las montañas. No muchas de las mujeres en esta grabación saben cómo ordeñar una cabra, pero varias de ellas conocen a mujeres ancianas que han sido lecheras en granjas de verano. todas sus vidas. Estas mujeres cantaron mientras trabajaban y en su tiempo libre, y pasaron sus canciones tradicionales a las nuevas generaciones de músicas femeninas ".
Por supuesto, esto no nos dice mucho sobre el linaje específico de las 19 pistas que se encuentran en Wizard Women of the North, ni nos ayuda a identificar algunos de los instrumentos más extraños que se unen a los violines, silbatos, bajos verticales y guitarras y proporciona antecedentes A las voces sorprendentes destacadas aquí.
Al menos, enumera los nombres de las mujeres y las bandas representadas, así como los álbumes de los cuales se levantaron las pistas individuales. Los artistas son Pernille Anker, Kirsten Braten Berg, Aurora Borealis, Mari Eggen y Helene Hoye, Tone Hulbaekmo, Sinikka Langeland, Annbjorg Lien, Susanne Lundeng, Hege Rimestad, Susanne Rosenberg, Asne Sunniva Soreide, Tallari y Tellu. http://www.rambles.net/va_wizardwomen.html
País: Norway Género: Folk, World, & Country
01. Susanne Rosenberg - Vallatar Fran Gammelboning (Herding Calls From Gammelboning, Sweden)
02. Tone Hulbaekmo - Svenvende Jord (Floating Earth)
03. Tallari - Miksi Ne Neijot (Why Do The Maidens)
04. Susanne Lundeng - Havella (Old Squaw)
05. Hege Rimestad - Krishnas Kusine (Krishna's Cousin)
06. Tellu - Tuulet (The Winds)
07. Mari Eggen & Helene Hoye - Ferdavals (Voyage Waltz)
08. Susanne Rosenberg - Anna Och Wilhelm (Sad Love Song)
09. Aurora Borealis - El Gamol Vise (The Harp)
10. Asne Sunniva Soreide - Huldrelokk (Wood Nymph Call)
11. Helene Hoye - Gjetarhuving / Helene Sin Springleik (Shepherd's Call / Helene's Springar Dance)
12. Annbjorg Lien - Fonix (Phoenix)
13. Sinnika Langeland - Brudesang Fra Solor (Bridal Song From Solor, Norway)
14. Kirsten Braten Berg - Heiemo Og Nykkjen (Heiemo And The Water Sprite)
15. Tellu - Manaus (Word Of Incantation)
16. Hege Rimestad - Myrullmorgen (Rolling Mist)
17. Tone Hulbaekmo - Hildring (Illusion)
18. Pernille Anker - Gjendines Banlat (Gjendine's Lullaby)
19. Annbjorg Lien - Myllargutens Brureslatt (The Miller Boy's Bridal Tune)
Moussu T e lei Jovents es un grupo con sede en Marsella , La Ciotat y Recife en Brasil , compuesto por Tatou (cantante del grupo Massilia Sound System ), Blù ( Massilia Sound System y Oai Star guitarist ), Jamilson (percusionista brasileño), Stef K (batería) y Denis (batería).
El grupo está inspirado en Marsella en los años 1920 y 1930 celebrando el crisol que reinó allí. Varias influencias se encuentran en su música, desde el blues hasta la música brasileña, a través de las operetas de Vincent Scotto o las canciones de Victor Gélu . No dudan en cantar en occitano y reanudar al final de su primer álbum Soulòmi de Frédéric Mistral . Los textos oscilan entre la ligereza ( como dos moscas , cuando la veo , la Ciotat ...), la poesía ( tentáculos , la cambussada ...) y los textos comprometidos ( para bien nos lo hacen , bandera roja , Fada republicana )
1.
Mi poulidette
2.
Es Marseillais
3.
Te amo
4.
Angela 03:13
5.
No me atrevo a decirte
6.
Las 40 horas 02:58
7.
Todos somos asi
8.
Soñé con una flor
9.
Sian de Viaïré leï Marsihès
10.
En marsella una tarde
11.
Tenerte a la luz de la luna
12.
El Pescadous
13.
Lo gòt de los anais
Rara vez un título ha sido más apropiado para un álbum. "Griot - (en
África occidental) miembro de una casta responsable de mantener un
registro oral de historia tribal en forma de música, poesía y
narración". El trovador Eric Bibb trabaja con numerosos músicos de todo
el mundo para este gran proyecto, Global Griot , que se grabó en siete
países y en doce estudios diferentes. Diez personas tienen sus nombres
en créditos de productores y participan doce ingenieros.
Bibb, dos veces nominado al Grammy y ganador múltiple de BMA, quien
podría tener la voz más suave, aparte del difunto Sam Cooke, es
generalmente reconocido como un artista de blues / folk / músicas del
mundo y mientras escucha todos esos estilos aquí, podríamos como Incluye
fácilmente el evangelio y el alma también. Bibb puede contar con más de
30 álbumes en su carrera histórica que comenzó hace más de 40 años.
Obviamente, ha conocido a muchos músicos en el camino y ha comenzado a
nacer en la realeza musical en la ciudad de Nueva York. Su padre fue
conocido cantante de folk Leon Bibb, y su tío fue John Lewis del Modern
Jazz Quartet. El legendario actor / cantante / activista fue el padrino
de Eric.
Grabado en Suecia, Francia, Reino Unido. Canadá, Jamaica, Ghana y
América, el proyecto presenta apariciones especiales como invitado por
Habib Koite de World Music, con quien Bibb grabó su álbum estelar de
2012, Brothers in Bamako. También se une al músico de África Occidental
Solo Cissokho, un maestro del arpa de 22 cuerdas, la kora, un
instrumento que muchos fanáticos del blues escucharon por primera vez en
la colaboración africana de Johnny Copeland en 1986 Bringing It All
Back Home. Otros artistas y vocalistas de músicas del mundo aparecen
junto con el invitado especial, el viejo amigo de Bibb y Harrison
Kennedy, quien es el cantante de cuatro canciones. La esposa de Bibb,
Ulrika, Paris Renita, Linda Tillery y Ken Boothe también hacen fuertes
contribuciones vocales además de coros en algunas canciones.
A medida que se desarrolla el álbum, las combinaciones y la combinación
de instrumentos son a menudo impresionantes y conmovedoramente
conmovedoras. La voz de Bibb no tiene absolutamente ningún tinte de ira,
pero sus letras comentan de forma conmovedora el estado actual del
mundo, casi desde el principio. Después de la apertura de "Gathering of
the Tribes", con Cissokho en Kora y dúo, Bibb trae los cuernos para el
amargo "Wherza Money At". Eso comienza una secuencia de tres canciones
donde "" Human River "habla del poder de la protesta. y "What's He Gonna
Say Today" es una de las mejores canciones de este año dirigidas a
POTUS 45. Bibb condena nuestro deseo de un consumo conspicuo en el
amargo "We Don't Care", brinda otro grito de guerra en "Hoist Up the
Banner" y hace varias declaraciones sobre el racismo a partir de su
versión de "Black, Brown & White" de Bib Bill Broonzy, con la voz de
Kennedy. Kennedy también contribuye en "Brazos River Blues", el "Listen
for the Spirit" y el "Spirit Day" cargados de ritmos. Las canciones "We
Don't Care" y "Mami Wata / Sebastian's Tune" presentan a Habib Koite
cantando y tocando acústicamente Guitarra en tándem con Bibb.
Al crecer en la escena popular de la Villa de Nueva York, Bibb fue
naturalmente influenciado por Dylan, Báez y Seeger, que también eran
visitantes frecuentes de su hogar. También cuenta con Odetta, Richie
Havens y Taj Mahal como las principales influencias y sus ecos están en
todo su catálogo, además de estar presentes aquí. Las variedades del
Evangelio son evidentes en "Send Me Your Jesus", "Let God" y en el modo
de espera de los antiguos, "Michael, Row da Boat en tierra", entre
varias melodías. Bibb comienza el segundo disco, Act Two, con "Race
& Equality" y ofrece un grupo coherente de canciones centradas en
nuestra necesidad de unidad. Entre los aspectos más destacados aquí se
encuentra el "Día del espíritu", que presenta a otro jugador destacado
del álbum, Michael Jerome Brown en banjo y guitarra sin trastes, así
como a Cissokho en kora y voz junto con Kennedy. El tradicional "Last
Night I Had The Strangest Dream" presenta a Ulrika Bibb en la voz. Linda
Tillery da un giro especialmente conmovedor a "New Friends" y Ken
Boothe le da su toque a "Mole in the Ground".
Bibb es totalmente adepto a casar las raíces africanas del blues con los
estilos estadounidenses, está más que dispuesto a compartir el foco con
músicos talentosos de todo el mundo y es intrépido en su enfoque donde
los comentarios sobre el estado actual se posicionan finalmente como
gritos de Un futuro esperanzador. Puede ser bastante atrevido marcar
esto como el mejor de Bibb, considerando su impresionante cuerpo de
trabajo de 40 años, pero sin duda debería ganar otra nominación al
Grammy o dos. Está claramente entre los mejores álbumes de música de
este año.
CD1:
1. Gathering Of The Tribes – 2:51
2. Wherza Money At – 4:38
3. Human River – 3:21
4. What’s He Gonna Say Today – 3:13
5. Brazos River Blues – 2:31
6. We Don’t Care – 3:29
7. Black; Brown & White – 3:13
8. Listen For The Spirit – 4:43
9. Holst Up The Banner – 3:10
10. Mami Wata / Sebastian’s Tune – 3:40
11. Send Me Your Jesus – 5:00
12. A Room For You – 2:34
13. Remember Family – 3:14
CD2:
1. Race & Equality – 3:59
2. Grateful – 3:29
3. All Because – 4:21
4. Spirit Day – 5:50
5. Let God – 3:07
6. Last Night I Had The Strangest Dream – 2:46
7. Picture A New World – 2:28
8. New Friends – 2:44
9. Mole In The Ground – 4:24
10. Michael, Row Da Boat Ashore – 4:15
11. Needed Time – 7:01
La Mambanegra es una orquesta de once miembros de Santiago de Cali que desarrolla un sonido que ellos mismos llaman "colombian break salsa" y que está inspirado en las orquestas de salsa que triunfaron en el Nueva York de los años 70 del siglo XX, al que incorporan influencias del r&b, el hip hop y el reggae.
Inspirada en la historia de un héroe anónimo y mítico del Barrio Obrero (Tomás Rentería, alias "El Callegüeso), quien tuvo una serie de aventuras fantásticas en Cali, La Habana y Nueva York, esta orquesta trae un nuevo concepto de la salsa y la música latina para el Mundo. Como esta historia suena El Callegüeso y su Malamaña (2017), la opera prima de La Mambanegra. Creada y dirigida por el compositor, arreglista, saxofonista y vocalista colombiano Jacobo Vélez, La Mambanegra propone un discurso musical con elementos urbanos como el hip hop, el funk y la música antillana. Jacobo -quien a su vez fundó La Mojarra Eléctrica- logra crear todo un universo visual y sonoro a partir de historias urbanas que entrelazan el Barrio Obrero de Cali con el malecón de La Habana. Acontecimientos surrealistas, vivencias de esquina, y la picardía propia de un músico con horizontes infinitos, logran que esta grabación (realizada en su mayoría en Cali por Bombo Records) difícilmente pueda ser etiquetada, como precisamente pretende el experimentado saxofonista.
01. Puro Potenkem (feat. Maite Hontelé & Denilson Ibargüen)
02. El Sabor De La Guayaba (feat. Santiago Jiménez)
03. Cantare para Vos (feat. Eddy Martínez)
04. La Compostura (feat. Edgardo Manuel)
05. La Fokin Bomba (feat. Santiago Jiménez)
06. El Blues De Yemaya (feat. Yasek Manzano)
07. Kool And The Mamba
08. Me Parece Perfecto (feat. Chinito Escobar)
09. El Malembe (feat. Wilson Viveros)
10. Barrio Caliente (feat. Jorge Huertas)
Rainford Hugh Perry, más conocido como Lee «Scratch» Perry o The Upsetter (Kendal, 20 de marzo de 1936), es un músico, técnico de sonido y gran productor musical jamaicano, pionero del dub y el reggae.
Empezó su carrera bajo la pobreza, durante la miseria de los años 1950. Trabajó como mezclador de sonido para el Clement Coxsone Dodd'ssound system.
Con este sello logró grabar cerca de 30 canciones, pero problemas
financieros y diferencias de personalidad (problemas que tuvo en toda su
carrera) lo llevaron a dejar el estudio y buscar nuevos caminos. Por lo
que pronto logró encontrar un nuevo trabajo con Joe Gibb's Amalgamated Records
Trabajando con Joe Gibb's, Perry continuó su carrera
musical, pero, una vez más, los problemas financieros se hicieron
presentes. Perry terminó apartándose de Gibb's y formó su propio sello
en 1968, llamándolo Upsetter Records. Su primer sencillo, People Funny Boy,
que era un insulto dirigido a Gibbs, se vendió muy bien. Aquí da una
muestra de su talento a la hora de mezclar, por su uso innovador de un sample(un bebé que llora) así como un rápido, resoplado ritmo que pronto pasaría a ser identificable como «reggae» (a esta nueva forma de sonido, se le dio el nombre de «Steppers»). Desde 1968 hasta 1972, trabajó con su banda de estudio The Upsetters.
Durante la década de 1970, Perry lanzó numerosas grabaciones en
una variedad de sellos discográficos que él controlaba, y muchas de sus
canciones fueron muy populares en Jamaica y Reino Unido. Pronto se hizo conocido por sus innovadoras técnicas de producción, así como su carácter excéntrico.
En la década de los 70's, Perry fue uno de los productores que con sus mezclas experimentales ayudo a la creación del Dub,
aunque el autentico padre de esta rama del dub fue King Tubby. En 1973,
Perry construyó un estudio en el patio trasero de su casa: The Black Ark, para tener más control sobre sus producciones, al mismo tiempo continuó ocupándose de notables músicos como: Bob Marley & The Wailers, Junior Byles, Jacob Miller, The Heptones, The Congos, Max Romeo o Junior Delgado.
Con su propio estudio a su disposición, las producciones de Perry se
hicieron más lujosas, como un productor energético fue capaz de pasar
tanto tiempo como él quería en la música que producía. Casi todo lo que
Perry grabó en The Black Ark se realizaba utilizando un equipo básico de grabación, a través de la prestidigitación
sonora de manos e hizo un sonido único. Lee "Scratch" Perry permaneció
detrás de la mesa de mezclas durante muchos años, produciendo las
canciones y álbumes que se destacan como un punto alto en la historia
del Reggae.
São Paulo’s acclaimed 10-piece instrumental collective return for their 4th album. Urban Afro-Brazilian grooves, empowered horn-driven melodicism and massive dance floor inspiration.
One of South America’s most exhilarating musical propositions.
Almost four centuries after the first slave ships loaded their cargoes and set sail, the connection between Brazil and West Africa remains firm and deep. It was African slaves who created the culture of Brazil in all its sorrows and its joys, and those memories have flowed down through the generations. Africa is everywhere in Brazil, and it pulses through the music on Quebra Cabeça (Puzzle), Bixiga 70’s second studio album for Glitterbeat, where two continents dance together across the black Atlantic.
“From the very beginning, what we have always had in common is African-Brazilian music,” explains baritone sax player and flautist Cuca Ferreira. ‘Some of us come from candomblé (the African-Caribbean religion), others from jazz, reggae, dub, everything. The whole idea of the band has been to take all these different elements that form us, from Africa and Brazil, and create a hybrid from them.”
With Quebra Cabeça, that hybrid has taken on a slightly different form. As Ferreira notes, this time Bixiga 70’s music “is more complex. We worked harder on the compositions than in the past, spent more time on them. Each song has a lot of different parts, they can seem like a journey.”
That’s apparent in the shifts and turns of a piece like “Pedra De Raio” or “Levante,” where the melody shifts and swerves, one section flowing naturally into the next, adding layer upon layer to create something astonishing and utterly satisfying in its power. In large part, this change has come from the band’s relentless touring over the last few years.
“We’ve been exposed to so much,” Ferreira notes. “So many of the people we’ve played with have had an impact on us, like Pat Thomas, the Ghanaian highlife singer or [Nigerian saxophonist] Orlando Julius. And then we toured and recorded with João Donato. He’s over 80 now and still playing piano, one of the icons of Brazilian music. We’ve learned from them all, they’ve made us think about what we can do with our music. Those new ideas have found their way into this album.”
One result is the new, shining lyricism of the melodies, with the horns pushed even more to the fore, parading around with a singer’s swagger.
“We want people to relate to our melodies, to take the line a vocalist might use and play it on the horns. Sometimes in instrumental music, the players are so good it ends up putting the listener at a distance. We make music as a celebration, a way to connect and bring some joy. We want to draw them in. We try to write something very memorable.”
And Quebra Cabeça is a very memorable set of hummable earworms, from the title cut that opens up the album and continuing, sinewy and cool and relentless, all the way to the final note of “Portal.”
Throughout though, the heartbeat of everything remains utterly African, refracted through the prism of the band’s home in the Bixiga neighbourhood of São Paulo. “What we put on top of that is essentially urban São Paulo music. This city has been a huge influence on us. It has that sense of urgency, always running to catch up. It’s expensive, and services are awful, with so much pollution and violence. But it’s our home and it was developed through immigration. Bixiga is where people come first of all. It’s always had that influx; it’s the story of São Paulo in miniature.”
And Bixiga 70 has always been a reflection of the streets where they live. The band played their first show in October 2010 and released their debut album a year later. Eight years on they are still the same 10-piece collective, honing and shaping the music, evolving towards the changes found on Quebra Cabeça.
“We knew we wanted this record to be different. Our other three albums were all recorded live in the studio, because we’re more of a live band, the stage is our habitat. This time we decided to use the studio to experiment with arrangements and voicings. We began composing in early 2017. It took us a year to write everything, then we began recording in May this year. And for the first time we used a co-producer, Gustavo Lenza (Céu, Marisa Monte). He was a friend even before we formed the band, but it recent years he’s become a very big producer in Brazil.”
The result still captures the incendiary excitement of Bixiga 70 live, but the freedom of the studio brings more shade and subtlety than before. The rhythms are more sinuous than ever, snaking through the funk in way that looks more to Ghana or Nigeria than Memphis or Muscle Shoals, while the horns strut in powerful harmonies. It’s music that forges connections and retraces history while sounding absolutely contemporary. But for Bixiga 70, African will always be the root, and Brazil its beautiful, vibrant flower.
credits
released October 12, 2018
Ensamblado
y dirigido por el vocalista cubano José “Pepito” Gómez, la Orquesta
Akokán es un gran colectivo de la banda de los mejores músicos cubanos,
jóvenes y viejos. Su próximo álbum en Daptone presenta música
completamente original y fue grabado en vivo para grabar durante una
sesión de tres días en los sagrados estudios estaduales de La Habana,
Havana.
Escuchando el nuevo LP de la Orquesta
Akokán, no puedes evitar sentir los espíritus de los gigantes musicales
de Cuba irradiando de los altavoces. Pero honrar y cuidar a estos
espíritus no es tarea fácil, ni es una tarea que le quede solo a una
generación. Es una colaboración de jóvenes y mayores; Los ancianos
conocen las tradiciones, los gestos, los conjuros, pero es la generación
más joven la que tiene el deber de aprender, la fuerza para continuar y
el fuego y el alma para hacer nuevas canciones para los espíritus
nuevos.
En noviembre de 2016, Michael Eckroth
viajó a los sagrados estudios Areito en Centro Habana con una pila de
cuadros debajo del brazo. Al llegar a la cavernosa sala de estar con
paneles de madera, hizo un inventario de los jugadores reunidos por el
productor Jacob Plasse: una docena de jugadores de viento y ritmo más
feroces y rítmicos de Cuba de grupos como Irakere y Los Van Van, el
sensacional vocalista veterano. José “Pepito” Gómez, y un puñado de
jóvenes experimentados de la música latina de Nueva York. Estos músicos
transformarían sus tablas en el documento vivo y respirador que tienes
en tus manos.
Un arpegio desciende dulcemente por las
teclas del piano, y el conjunto explota en masa con exclamaciones de
trompetas, introduciendo saxofones que de inmediato se establecen como
el centro de una sección rítmica. Los arreglos llevan la belleza
exquisita, el patetismo y la alegría de las reconocidas orquestas de
baile de los años 1940 y 1950 que habían grabado en esta habitación,
evocando los fantasmas de Arsenio Rodríguez, Pérez Prado y Beny Moré. Y
las robustas y comprobadas arquitecturas musicales de son cubano y mambo
están presentes y se honran hábilmente a través de las nueve
composiciones originales. El tres cubano melodioso, el tumbao oscilante
de las congas, la mezcla tensa de armonías vocales: están todas allí.
Sin embargo, hay algo inequívocamente nuevo: secciones de saxofón
tocando montunos donde se podría imaginar un piano, un angelical,
swinging flauta que cabría esperar en una grabación de charanga, sones –
improvisaciones vocales que tienen el flujo experimentado y la cadencia
de mediados de 1970 cantantes de “salsa dura”, y por supuesto, la
aparición del inimitable César “Pupy” Pedroso en el piano. De alguna
manera, esta síntesis de gramática musical y estilos compositivos, de La
Habana y Nueva York, de viejos y nuevos, tiene perfecto sentido.
Akokán es una palabra yoruba utilizada
por los cubanos para significar “desde el corazón” o “alma”, por lo que
no sorprende que una grabación como esta encuentre su camino de regreso a
Daptone Records de Brooklyn. Durante casi una generación, la etiqueta
venerable nos ha traído música conmovedora en una miríada de estilos,
hechos en el presente, pero con todo el arte y el sabor de las
grabaciones clásicas del pasado. Al hacerlo, Daptone ha consagrado tanto
los géneros que honra como a los artistas que crean nuevas obras en el
canon universal de la música dance. Es una cocina perfecta para servir a
este cautivador baile entre lo viejo y lo nuevo: una sopa
levantamuertos, preparada con ritmo, con cuidado y, sobre todo, con
akokán.
1.
Mambo Rapidito 03:19
2.
La Corbata Barata 05:25
3.
Un Tabaco para Elegua 05:35 video
4.
Otro Nivel 04:25
5.
La Cosa 04:01
6.
Cuidado Con el Tumbador 04:11
7.
Yo Soy para Tí 05:14
8.
No Te Hagas 03:55
9.
A Gozar la Vida 03:37
Desde la desolada Siria suena con especial emoción el nuevo trabajo de Maya Youssef, virtuosa del qānūn: "Desde que empezó la guerra en mi tierra en 2011 hacer música dejó de ser una opción. Era una manera crucial de expresar mis intensos sentimientos de pérdida y tristeza al ver a mi gente sufrir y mi patria destruida". Por suerte, Youssef está afincada en Londres y desde allí pudo realizar este disco enteramente dedicado a la tragedia siria y que se escucha, lógicamente, con una intensa emoción. A ratos cerca de la vanguardia o del jazz, Syrians Dreams (2017) es un disco tan triste como necesario.
El virtuosismo y enfoque único e innovador de Maya Youssef para tocar el qānūn, originalmente un instrumento tradicional, consiste en combinar sus extraordinarios dones musicales con una generosidad de perspectivas, calidez, humor y optimismo.
Maya Youssef ha actuado en todo el mundo y es ganadora del premio Exceptional Talent, que le permitió migrar al Reino Unido en 2012. Además de su música, lleva a cabo su proyecto de doctorado "Music Healing for Syrian Refugee Children" en la SOAS University of London, donde también enseña el qānūn y dirige el SOAS Middle Eastern Ensemble, además de ser una habitual en la BBC.
Producido por Jerry Boys para Harmonia Mundi, Syrian Dreams cuenta con la participación de Sebastian Flaig (percusión), Barney Morse-Brown (cello) y Attab Haddad (oud). Como señala Youssef en el disco, "Este álbum es mi viaje personal a través de los 6 años de guerra en Siria. Es una traducción de mis recuerdos del hogar y mis sentimientos hacia la música. Veo el acto de tocar música como lo opuesto a la muerte; es un acto de vida y de afirmación de esperanza. Para mí, la música es sanadora y un antídoto contra lo que está sucediendo, no solo en Siria, sino en todo el mundo. Me gusta pensar que mi música devuelve a la gente a la humanidad y al centro de sus corazones, donde no se puede dañar a ninguna forma de vida y donde todas y todos pueden existir juntos en paz". Este viaje personal y su propuesta musical ha supuesto para Maya resultar finalista en los Songlines Music Awards de 2018.
01. Horizon
02. Bombs Turn Into Roses
03. Hi-Jazz
04. Touta
05. Queen Of The Night
06. Syrian Dreams
07. The Seven Gates Of Damascus
08. Breakthrough
09. The Sea
10. Awatef (bonus track)
May the wind blow and bring you to me" goes the title song of CD Sorene. Sorene, the wild bird in the national colors of green, red...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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