Kharifa es su sexto álbum de estudio. Muso Ko, su primera obra, fue lanzado en 1995.
Se puede decir que el guitarrista maliense ha madurado, evolucionado, mientras que una vez más con éxito mantener un pie firmemente anclado en el pasado.
Kharifa fue grabado y mezclado en Bamako. El sonido del país, sus ricas y diversas tradiciones e instrumentos (ngoni, flauta, kora, doun doun ...), impregna las doce canciones que componen este magnífico proyecto musical.
Habib Koité toma su tiempo.
Se selecciona cuidadosamente a los músicos que le acompañan en el escenario, al igual que los invitados de prestigio que lo rodean para esta nueva grabación: Toumani Diabaté, su sobrino M'Bouillé Koité (ganador del premio 2017 RFI), su hijo Cheick Tidiane Koité, Amy Sacko, cantante del grupo de Bassekou Kouyaté Ngoni Ba, y muchos otros.
Habib Koité toma su tiempo.
Las composiciones originales y cubiertas que forman la columna vertebral de este nuevo álbum reflejan el espíritu abierto del griot, su disposición a viajar a través de la rica herencia de Mali, mientras que la construcción de los cimientos de una música absolutamente moderna, también influenciado por el rock occidental y popular.
A menudo comparada con Eric Clapton, el maliense se revela a estar más cerca de un JJ Cale, en su forma de ocupar el espacio con la guitarra, tocar la nota en lugar de notas, permitiendo arpegios fluyan a través de la percusión, acariciando mientras se dirige con cierto virtuosismo, la respiración rítmica de cada pista en el disco.
Habib Koité toma su tiempo.
Esto demuestra en su interés y participación en la vida cotidiana en Bamako. Sin tener que negar los problemas que aquejan a la ciudad y el país - la contaminación, la pobreza, la pereza, la insalubridad, la enfermedad - Habib sigue siendo decididamente optimista, esperanzador, luchando contra la intolerancia, la ignorancia y el oscurantismo. Mientras Mandé habla de reconciliación, Kharifa llama a la responsabilidad de cada individuo. “La vida es una lucha diaria”, canta en Wara.
Seis álbumes - sin contar grabaciones “en vivo” y el dúo con Eric Bibb - más de 1.500 conciertos en todo el mundo, reconocido por los más grandes nombres de la música, un repertorio imparable: Habib Koité lleva su tiempo y construye, paso a paso, una carrera ejemplar.
Philippe Content
Siba nacido en Recife, al noreste de Brasil, donde se consagró como uno de los renovadores de la música de esa región.
El cantante y compositor inició su carrera en 1992 en la banda de Mestre Ambrósio, con la que grabó tres álbumes y que se convirtió en uno de los grupos más relevantes del movimiento mangue beat, surgido en la zona de Pernambuco.
El movimiento está asociado con la producción de los grupos brasileños Chico Science & Nação Zumbi, Mundo Livre S/A, Eddie, Faces do Subúrbio y Mestre Ambrósio, entre otros, y anticipó la importancia de internet y del trabajo en red en la reafirmación de la cultura regional.
En 2002, tras la disolución de la banda, Siba se trasladó a la localidad de Nazaré da Mata y formó el grupo Fuloresta do Samba con músicos locales.
https://s-i-b-a.bandcamp.com/album/coruja-muda
1.
Coruja Muda (ft. Chico César) 04:42
2.
Só É Gente Quem Se Diz 04:50
3.
Tamanqueiro (ft. Arto Lindsay & Edgar) 04:03
4.
Daqui Pracolá 04:37
5.
O Que Não Há (ft. Alessandra Leão, Mestre Anderson Miguel & Renata Rosa) 04:46
6.
AZDA (Vem Batendo Asa) 04:23
7.
Barato Pesado 04:06
8.
Tempo Bom Redondin 03:44
9.
Carcará De Gaiola 04:31
10.
Meu Time 04:27
11.
Toda Vez Que Eu Dou Um Passo / O Mundo Sai Do Lugar (Slight Return) (ft. Mestre Nico) 04:04
BBE Música desentierra ‘palabrería’, un largo tiempo perdido, inédito
álbum de 1980 de Ghana guitarrista y compositor Ebo Taylor.
Si Fela Kuti era el rey de Nigeria Afrobeat, a continuación, Ebo Taylor,
de 83 años y todavía jugando duro, es el rey de Ghana Funky-Highlife.
No hay duda alguna. Gran parte de hermosas 70 y 80 de salida de Ebo ha
sido reeditado, a medida que más y más amantes de la música afro se
están convirtiendo a su sonido único africano pan-Oeste.
En 1980, mientras que en un viaje del club de Nigeria con su banda de
gira regular, Ebo chocó contra el jefe de Tabansi Tabansi Records.
Estuvieron de acuerdo en que Taylor sería grabar una sesión de un álbum
para ser lanzado exclusivamente en Tabansi. A los pocos días de la firma
del acuerdo, la sesión terminó, las cintas firmados, y Ebo y su banda
continuó su camino para completar su gira de Nigeria.
Pero por razones que nadie (incluyendo Ebo) ahora puede recordar
totalmente, las cintas maestras consiguieron archivados en un cuarto
trasero de polvo en la sede de Onitsha Tabansi. Donde permanecieron, sin
ser molestado, inédito, sin jugar, durante casi cuarenta años.
El año pasado, Peter Adarkwah de BBE Música firmado en un importante
acuerdo de reedición de varios discos con etiquetas Tabansi y sus
afiliados. ‘¿Qué pasa con el material no emitido, si encontramos
alguna?’ Joe Tabansi, Jefe de hijo y actual administrador de la
etiqueta, preguntó casualmente.
Sí, contestó Pedro-, pero qué material no emitido?
Sobre la cual, Joe produce estos maestros. Las cintas se corrieron a la
temible remasterización de vinilo asador y planta de prensado en el este
de Londres, y todo ello a BBE pronto se dieron cuenta de que tenían una
obra maestra en sus manos. Todos los nuevos materiales, composiciones
propias de toda Ebo, todos grabados con gira crème-de-la-crème de Ebo y
los jugadores de grabación, incluyendo a George Amissah. Mat Hammond,
George Kennedy y George Abunuah entre otros.
Aquí está, por primera vez, en cualquier lugar. Perdido Sesiones Nigeria de Ebo Taylor.
1.Palaver 06:12
2.Make You No Mind 03:53
3.Ab Ebrese 05:29
4.Help Africa 06:17
5.Nyame Dadaw 06:55
Si nos atamos a la descripción, una espiral es una curva plana que da vueltas alrededor de un punto y se aleja de él, sin perder contacto nunca con ese punto, así lo recuerda Benito Cabrera en las páginas del álbum, y añade el timplista de Lanzarote (1963) que “nuestra música parte de la tradición, de la que se aleja en espiral y evoluciona, intentando no romper la continuidad con el origen”. Y el músico canario habla con conocimiento de causa, además de contar con una discografía de nueve títulos, donde va del folk a la clásica e incluso el pop, ha sido el primero en llevar el timple al terreno “culto”, al ámbito sinfónico junto a la Orquesta Sinfónica de Tenerife, la de Córdoba y la de Galicia. Además, acompaña habitualmente al mítico grupo Los Sabandeños. Su timple ha sonado hasta en el Carnegie Hall. El timple tiene un sonido brillante, mucha nostalgia y la calma de una isla/archipiélago africano que fue puente entre el viejo y el nuevo mundo, que viajó en los barcos y que se ha desarrollado con diferentes variantes. Aquí ha grabado en su mayoría piezas propias junto a sus músicos, Sergio García (percusión y voz), Tomás Fariña (guitarra) y Ehedey Sosa (bajo). Cada una de las 12 piezas del disco son un mundo en si mismas, un espacio para la belleza, la añoranza y la ensoñación. “Mi norte es la libertad” dicen en una popular folía que se incluye en el disco.
Benito Cabrera actualmente, dirige la Casa-Museo del Timple en Teguise (Lanzarote).
Melodic Circles (2018) es el nuevo álbum escrito y producido por dos músicos iraníes de formación clásica, los primos Mehdi Rostami y Adib Rostami. Ambos son maestros de sus instrumentos: Mehdi es un experto del setār (variación persa del laúd), mientras que Adib acompaña con el tombak (tambor de copa). Melodic Circles tiene sus raíces en la música tradicional kurda de la provincia de Fars, considerada la capital cultural de Irán.
El proyecto está construido alrededor de dos dastgāh musicales urbanos, el primero es "Bayāt-e Tork" que comprende 3 piezas: "Nostalgia", "Journey" y "Delight". El segundo "Bayāt-e Esfahān" incluye "Lonely", "Life", "Past" y "Mystic Dance". Un trabajo que nos viene a mostrar la fuerza técnica y creativa de dos jóvenes músicos que han alcanzado un alto nivel de virtuosismo, quienes son capaces de convertir cada actuación en un nuevo descubrimiento musical. Como describe Adib en una entrevista en la Asia House de Londres, "La improvisación es la esencia central de la música iraní. Se llama improvisación porque el día de la actuación siempre hay nuevas adiciones que vienen a la mente. Es un proceso muy largo para ser un improvisador; tienes que practicar en casa e interpretar materiales tradicionales, así como crear tus propias piezas. Cuando se trata del concierto, el 70 por ciento de lo que toca un improvisador es lo que ya ha practicado en casa, pero según el día y la atmósfera, cambiará... La improvisación es el núcleo de la música persa y del jazz".
Melodic Circles es el lanzamiento, a nivel internacional, de Mehdi y Adib Rostami bajo la producción de ARC Music. Enraizadas en la antigua tradición musical iraní, sus temas presentan una perspectiva fresca y contemporánea de esta música que nos sumergen en una atemporalidad evocadora y exótica.
Circle One: Bayāt-e Tork:
01. Nostalgia
02. Journey
03. Delight
Circle Two: Bayāt-e Esfahān:
04. Lonely
05. Life
06. Past
07. Mystic Dance
La música contemporánea tiene mucho de fusión multicultural. Una fusión que se aplica con precisión para describir la música de AKA. En su debut en el estudio, Joy (2019) , Antonio Forcione (Italia), Seckou Keita (Senegal) y Adriano Adewale (Brasil) reúnen las tradiciones musicales de tres continentes con temas y ritmos contemporáneos en un álbum absolutamente cautivador.
Los comienzos de AKA Trio se remontan a casi 20 años, cuando el amor por la música de jazz del percusionista brasileño Adriano Adewale lo llevó por primera vez al Reino Unido. Adriano conoció al guitarrista italiano Antonio Forcione y así comenzó una colaboración musical que les hizo viajar por el mundo. En 2011, la pareja se unió a Seckou Keita para presentarse en el Edinburgh Festival (donde ofrecieron más de cinco conciertos con entradas agotadas) y surgió AKA Trio. Desde entonces, el Trío ha sido un encuentro ocasional y memorable de mentes musicales, y por fín tenemos un álbum de estudio completo para disfrutar.
Hay un equilibrio natural en la música de Joy, comenzando por una apertura excepcional compuesta por el trío en su conjunto, seguida por tres composiciones de cada miembro. La eficacia con la que se logra esa unión musical se encapsula perfectamente en la canción de apertura del álbum, "Joy", un tema que, nos dicen, creció a partir de sesiones de improvisación en el Estudio, una combinación espontánea de habilidad y amistad en un hermoso arreglo, cálido, abrazador y completamente desprovisto de ego.
"Il Bambino E L'Aquilone", de Antonio Forcione celebra un recuerdo de su infancia en la costa adriática italiana. La reputación de Antonio como guitarrista de jazz se plasma en el homenaje a Cuba de "Baracoa", un tema delicioso, donde la combinación de guitarra y kora está tan perfectamente arreglada que a veces puede ser difícil distinguir una de la otra, con juegos vocales de Seckou y plácidos ritmos de Antonio. La reflexiva "Empathy" está igualmente repleta de una deliciosa interacción entre las notas de bajos más oscuros de la guitarra de Antonio, la kora cristalina y la suave canción de Seckou.
"Saudade", de Adriano Adewale, transmite nostalgia agridulce (como plasma la palabra portuguesa), donde la voz de Seckou se muestra quejunbrosa y melancólica. "Midnight Blooming", también de Adewale, se inspira en el aroma de las flores que florecen de noche encontradas en los paseos nocturnos en su Brasil natal. "The Beautiful Game" es ligero, animado, y celebra exactamente lo que sugiere el título, el flujo natural y la gracia del fútbol de Pelé, Garrincha, Nelson o Socrates, antes de que el fútbol se convirtiera en un deporte más técnico.
Seckou Keita, maestro de la kora, se adentró en la tradición Griot de África Occidental desde su nacimiento. En "Uncle Solo" rinde homenaje a esa formación recibida de su tío Jali Solo Cissokho. Por otra parte, "Kanou" (Love) es una melodía senegalesa escrita por Seckou, donde la guitarra de Antonio armoniza con las texturas de su voz y la percusión de Adriano construye un puente de ritmos entre Brasil y Senegal.
"Choix De Joie", que cierra el álbum, es un encuentro de un encanto sublime, de delicadas armonías donde la interacción entre kora y guitarra muestra la maestría en cada instrumento unidas en una voz perfectamente unificada.
Joy es un trabajo que parece canalizar algún tipo de oficio telepático donde la música, el arte, las influencias y la experiencia de vida de tres músicos virtuosos forman una entidad única, perfectamente equilibrada y fascinante.
01. Joy
02. Kanou
03. Baracoa
04. Midnight Blooming
05. Il Bambino E L´Aquilone
06. Saudade
07. Empathy
08. Uncle Solo
09. The Beautiful Game
10. Choix De Joie
El mejor álbum de Tinariwen aún no se ha grabado y quizás nunca lo será.
En verdad, la mejor música de Tinariwen no es la música que tocan
frente a los micrófonos. Es la música que tocan en la noche alrededor
del fuego, en su propio país, entre ellos y a su propio ritmo. Habiendo
concluido su cena, los hombres sacan sus guitarras, conversan, recuerdan
viejas canciones y dejan que la música fluya. En esos momentos, la
música puede volverse como el fuego, libre, mágica e imposible de
capturar en una caja. Se levanta como una lluvia de chispas o un estado
de gracia, sin premeditación; la manifestación momentánea de una
amistad, una comunidad, un ambiente, una historia; la conexión
reveladora con algo que solo les pertenece y va más allá de ellos. Su
discografía se extendió durante los últimos 17 años, todas las giras y
el reconocimiento internacional no han cambiado nada: Tinariwen sigue
siendo una banda del desierto, solo ciertos aspectos que la industria de
la música occidental puede esperar capturar. Tinariwen existió mucho
antes de que alguno de sus álbumes fuera grabado, y todavía existen de
manera muy distinta de su dimensión discográfica. Entonces, el mejor
álbum de Tinariwen no existe, pero vale la pena intentar encontrarlo.
La historia de Amadjar, su noveno álbum, comienza a fines de octubre de
2018, en el Festival Taragalte de culturas nómadas en el Sahara
marroquí. Después de un concierto y una tormenta de arena, Tinariwen
salió a la carretera y se dirigió a Mauritania, a través del sur de
Marruecos, el Sáhara Occidental y la costa atlántica. El destino es
importante (la banda tiene que configurar y grabar su álbum allí, y
conectarse con la cantante Noura Mint Seymali), pero no más que el viaje
en sí. A Tinariwen se une su equipo de producción francés, que llega en
una vieja caravana que se ha convertido en un estudio improvisado. El
viaje a Nouakchott, capital de Mauritania, lleva una docena de días más o
menos. Todas las noches, la caravana se detiene para establecer el
campamento y los miembros de Tinariwen se ponen a trabajar bajo las
estrellas, mucho mejor que estar en un estudio después de todo, para
prepararse para la grabación, hablar, dejar que sus motivos de guitarra,
pensamientos y vienen largas canciones enterradas. Luego, durante un
campamento final en el desierto alrededor de Nouakchott que dura unos
quince días, para una audiencia de escorpiones, la banda graba sus
canciones debajo de una gran carpa. En unas pocas tomas en vivo, sin
auriculares ni efectos. La griota mauritana Noura Mint Seymali y su
esposo guitarrista, Jeiche Ould Chigaly, vienen a lanzar su tradición
musical a las brasas iluminadas por Tinariwen, la voz rizada de Noura
Mint Seymali en la canción "Amalouna" se convertirá en lo más destacado.
Este álbum nómada, grabado en un entorno natural, está lo más cerca
posible de Tinariwen. Y también, por lo tanto, a la idea de que las
cosas pueden evolucionar: el bajista Eyadou toca mucha guitarra
acústica; el percusionista Said intenta probar instrumentos nuevos;
Abdallah exhuma canciones que nunca tocó en el escenario con Tinariwen.
¿Y ese violín que aparece en varias canciones y te recuerda al imzad
tradicional? En realidad, es interpretado por Warren Ellis. El
violinista de la banda de Nick Cave es uno de los varios invitados
occidentales en el álbum. También escuchamos la mandolina y el charango
de Micah Nelson (hijo del gigante de la música country Willie Nelson, y
el guitarrista de Neil Young), y las guitarras de Stephen O’Malley (Sunn
O))), Cass McCombs y Rodolphe Burger. El álbum está mezclado por el
amigo de Jack White, Joshua Vance Smith.
Al final, Amadjar cuenta la historia de varios viajes: el emprendido
para preparar el álbum y el que Tinariwen toma entre dos mundos, el suyo
y el nuestro, con esa necesidad constante de pasar de uno a otro antes
de regresar al raíces "Estoy en una soledad completa, donde los
pensamientos me asustan, y perdido en medio de ellos me levanté y noté
que tenía sed y quería agua", canta Ibrahim en "Ténéré Maloulat", la
primera canción del álbum. Un regreso a la fuente de la poesía de
Tamashek. En medio de otras canciones más políticas, siempre desoladas,
estas palabras expresan profunda angustia y supervivencia, pero también
movimiento. Amadjar significa "visitante desconocido" en Tamashek, el
que busca hospitalidad y está condenado a un exilio interior, dentro de
un territorio o dentro de sí mismo; Al igual que los miembros de
Tinariwen, que se sienten como en casa en el viaje, alrededor del fuego
con algunas canciones inmutables. Puede que el mejor álbum de Tinariwen
nunca lo sea, pero Amadjar es más esencial que todos los demás.
Hedningarna (Los paganos) es un grupo musical sueco
formado en 1987 por Björn Tollin, Hållbus Totte-Matsson y Anders Stake.
Realizan una música de corte tradicional pero con fusiones e influencias
del techno, el rave y otras tendencias modernas. De
hecho, la filosofía del grupo es la de bucear en las raíces de la música
nórdica para producir un sonido que no siga las tendencias actuales del
folk más tradicionalista. Por eso Anders Stake se dedicó a construir y
modificar instrumentos tradicionales para desarrollar un sonido propio y
único que, con el tiempo, les haría ubicarse en los lugares más
destacados de la nueva música tradicional sueca.
En 1989 el grupo comenzó su andadura en el ámbito del folk cosechando
numerosos éxitos debido a su sonido novedoso y revolucionario. Fruto de
dicha popularidad se edita su primer disco Hedningarna en el sello Alice.
1991 es el año en que comienza a solidificarse su entidad como
grupo. El sello Silence, dedicado principalmente a la música folk sueca
les contrata para editar su segundo álbum en 1992 titulado Kaksi! (Dos, en finlandés).
Es entonces cuando entran en escena las cantantes finlandesas Sanna
Kurki-Suonio y Tellu Paulasto, quienes confieren al grupo un sonido
vocal adecuado para su propuesta sonora. Ambas, educadas en el canto
tradicional de la región rusa (antes finlandesa) de Karelia,
despliegan una maestría a la hora de cantar aportando al grupo ese
vínculo con lo ancestral que siempre había buscado. Muchas de las
canciones tradicionales provienen de Karelia y están relacionadas con
antiguas leyendas finlandesas cuyas trazas se remontan a la tradición
del Kalevala o canto rúnico (del finlandésruno, "canto"). De ahí, el título en lengua finlandesa de su segundo trabajo. Kaksi!
supone un hito musical en ese momento, dándose a conocer a través de
los medios por el llamado "fenómeno Hedningarna". Este trabajo, con
temas de ritmo trepidante les hará merecedores de un Grammy sueco al año
siguiente (1993) por el mejor disco folk del año. Posteriormente, el
quinteto va peregrinando por diversos festivales como el de Roskilde cosechando un éxito arrollador pese a la pequeñez del escenario y la poca afluencia de público.
Septiembre de 1994 significa la consagración en la historia musical de este grupo con su nuevo trabajo Trä (Madera, en sueco; juego de palabras con tre, que en sueco también quiere decir tres).
En este trabajo se consolida de alguna manera aquel sueño sonoro
ancestral a través de 11 temas, algunos cantados en finlandés, otros en
sueco y uno instrumental. Vuelven a acudir al Festival de Roskilde provocando mucha expectación entre los más de 20.000 asistentes y ya en un escenario algo más cómodo.
A partir de ese momento, comienzan las giras por Escandinavia y se edita en Estados Unidos un recopilatorio con temas de los dos discos del grupo como quinteto. Comienzan a editarse y distribuirse en otros países de Europa como España, Holanda, Bélgica, Polonia y también en Asia (Tailandia).
1996 es año de cambios para el grupo. Las dos cantantes deciden seguir con su formación musical en Finlandia
y con proyectos de maternidad que las tendrán alejadas de la actividad
del grupo. Otra vez terceto, comienzan a gestar lo que será su nuevo
trabajo Hippjokk. De una primera motivación más enraizada musicalmente, Hippjokk
va tomando forma y progresivamente va incorporando elementos musicales
muy variados, lo que hará que el resultado final sea completamente
distinto a la primera idea. Este trabajo, eminentemente instrumental,
incorpora (como ya se hizo en el anterior) a Wimme Saari, un
polifacético cantante que integra a la perfección los cantos
tradicionales del pueblo Sami, en la Laponia finlandesa. Hippjokk
también cuenta con la presencia del bajista Ulf Ivarsson, el cual queda
fascinado por la nueva sonoridad del grupo y también el intérprete de didjeridu
Johann Liljemark. Ambos formarán parte en el siguiente trabajo del
grupo. Knut Reiersrud, célebre guitarrista noruego, también acude a la
llamada de esta innovadora propuesta durante el festival folk de Falun.
Y en 1999, ya sexteto, Hedningarna publica su quinto trabajo Karelia Visa,
donde, nuevamente encontramos voces, pero esta vez con una variación.
Tellu Paulasto ya no forma parte del grupo, dando paso a la jovencísima
Anita Lehtola junto a la ya veterana Sana Kurki-Suonio. Ulv Ivarsson ya
es miembro oficial en este trabajo. De factura algo más contenida, Karelia Visa
es un homenaje a esa peculiar forma de cantar que existe en Karelia, de
la cual Hedningarna se nutrió en el pasado. Es también una
reivindicación a la herencia cultural finlandesa sustituida por la
presencia rusa en aquella región desde hace ya bastantes años.
En el año 2003 publican su último trabajo, un CD recopilatorio
con algunas canciones nuevas, Hedningarna 1989-2003. Efectúan una gira
de promoción con dos cantantes finesas: Tellu Paulasto, quien ha
regresado a la formación, y Lisa Matveinen.
En la actualidad siguen efectuando alguna gira pero ya sin la aportación de las cantantes finlandes
1989 Hedningarna (42:24) 320 kbps
01. Polska efter Pelle Fors (03:32)
02. Förtvivlans Polska (02:15)
03. Häxpolskan (02:29)
04. Skavlеten (03:07)
05. Olbackens Polska (04:12)
06. Särna Gamla Brudmarsch (03:58)
07. Multihalling (03:02)
08. Fulinghalling (05:41)
09. Polska efter Olof Tillman (04:34)
10. Doplеten (00:47)
11. Polska efter Hins Anders (01:43)
12. Lacknafta (03:13)
13. Björnlaten (03:54)
1992 Kaksi! (43:29)320 kbps
01. Joupolle Joutunut (03:31)
02. Kruspolska (03:20)
03. Vottikaalina (02:17)
04. Chicago (02:58)
05. Viktorin (02:41)
06. Aivoton (03:38)
07. Ful-valsen (03:29)
08. Pеl Karl (03:57)
09. Kaivonkansi (02:27)
10. Skamgreppet (02:58)
11. Grodan/Widergrenen (04:54)
12. Omas Ludvig (03:05)
13. Kings Selma (04:17)
1994 Live at Roskilde '94 (Bootleg, 45:10) 160 kbps
01. Täss'on nainen (Here's a woman) (04:23)
02. Viktorin (03:41)
03. Pornopolka (03:50)
04. Min skog (My grove) (04:22)
05. Gorrlaus (The steed) (04:40)
06. Saglaten (Say what you like) (04:10)
07. SkrauTval (03:13)
08. Joupolle joutunut (Gone to sot) (04:29)
09. Chicago (03:14)
10. Vottikaalina (02:58)
11. Ingenting i din hjärna (Nothing in your brain) (02:24)
12. Kruspolska (Charmer's polska) (03:49)
2009 Hedningarna Remixes by DJ Nikto (41:37) 320 kbps
01. The Witch Polska (02:53)
02. Polska After Olof Tillman (03:41)
03. Olbackens Polska (04:42)
04. Sarna Galma Brupmarsch (04:20)
05. Mix (12:49)
06. Fulvalsen (02:56)
07. Skamgreppet (10:19)
2012 & (Och) (50:28) 320 kbps
01. Tjuren (02:30)
02. Morafjälls (03:15)
03. Träslöjden (03:27)
04. Vem är jag (04:27)
05. Hedna (03:42)
06. Mycket vill ha mera (02:35)
07. Höjdaren (02:46)
08. Torget (02:42)
09. Hedersmannen (03:41)
10. Karbonader (03:17)
11. Soppan (04:14)
12. Bonden (03:31)
13. Men va fanken (03:45)
14. Hejsan svejsan (03:56)
15. Domen (02:42)
May the wind blow and bring you to me" goes the title song of CD Sorene. Sorene, the wild bird in the national colors of green, red...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
Si alguna vez no puedes entrar en el blog GPS-SONORO ,apuntate el siguiente blog para no despistarte.(SOLO SE ABRIRA EL BLOG SI CIERRAN GPS)
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