Maghúa

Maghúa es un grupo de cantaores que se presentó en A Coruña en diciembre de 2006. Tenían dos objetivos principales al salir al agua: recuperar y transmitir parte de la tradición oral de Galicia y divertirse… En cada actuación de este grupo hay mucha tradición, humor y baile.

Su nombre es una variante, en gallego, del término “manjúa”, que la gente del mar del Cantábrico usa para nombrar un banco de pescado azul (sardinas, bocarte…). En 2009 formaron la Asociación Cultural Maghúa, lo que les permitió impulsar sus actividades. Han representado la cultura tradicional gallega por todo el país, en todo el estado e incluso por toda Europa.

Han aparecido en diversos medios de comunicación públicos gallegos e internacionales. Entre los premios que han ganado, se encuentra el 1.er Premio en el 1.er Concurso de Música y Danza Folkarria, celebrado en Alcalá de Henares en el marco del festival de Bal-Folk más importante de Europa.

Maghúa - Corrican

El corricán (o trolling) es un arte de pesca respetuoso con el medio ambiente. Consiste en usar cañas, o cañas con sedales y anzuelos, para capturar las piezas una a una. Peces azules... De esta manera, Maghúa lanzó el anzuelo a las piezas que componen esta exposición. Una a una, fueron cayendo en los diferentes caladeros del país, incluso fuera de la línea administrativa. Una selección del trabajo realizado por Maghúa desde 2006. Obviamente, no pude incluir todo en esta lata, pero las piezas descartadas encontrarán su lugar en el futuro...



1 Gargamala
2 Alón
3 Pescoso
4 Aboal
5 Arrolo
6 Vigo dos toxos
7 Toutón
8 Balouta
9 A ínsua
10 Teaio
11 Oitavén

Maghúa - Matria

Maghúa propone con su Matria un viaje a la época en que las abuelas contaban historias, cantaban y hablaban con sus nietos mientras pasaban tardes enteras trillando y moliendo en el calor de la cocina… Once canciones tradicionales recuperadas por mujeres que preservaron su lengua cuando la nuestra estaba prohibida, junto con las cantareas con las que se divertían y con las que nos regalaron la finca familiar y, aunque parezca increíble, la cordura. Desde Bergantiños hasta el sureste de la provincia de Ourense, pasando por el interior de Pontevedra. Sueltas y sujetas, para sudar y acercarse, para disfrutar de los sonidos y melodías del pasado, sin adornos.



1 Barro de Arén 9:18
2 Xirazga 4:07
3 Cereo 4:30
4 Trasverea 4:33
5 Traspielas 4:19
6 Queimadelos 3:08
7 Monteador 4:03
8 Areás 4:16
9 Pontella / Limiñoa 4:30
10 Liñares 3:41
11 Sabaxáns 4:41

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Daniel Forestal Et Sa Guitare - Disques Debs International Vol. 1

Strut presenta la primera serie recopilatoria que accede a los archivos de uno de los sellos más importantes del Caribe francés, Disques Debs de Guadalupe. Fundado por el difunto Henri Debs a finales de los años 50, el sello y estudio ha continuado durante más de 50 años, lanzando más de 300 sencillos de 7" y 200 LP, abarcando estilos que van desde el biguine y el bolero de los primeros tiempos hasta el zouk y el reggae. Debs jugó un papel fundamental en la difusión de la música criolla de Guadalupe y Martinica a un público internacional más amplio.

El volumen 1 de esta serie marca la primera década de existencia del sello e incluye orquestas de big bands, estrellas locales, bandas en gira y una nueva generación que surgiría a finales de los años 60. Los primeros lanzamientos se grabaron en la trastienda de Henri en Pointe-à-Pitre, desde su propio sexteto tocando biguines de percusión hasta el joven saxofonista Edouard Benoit, líder de Les Maxels y arreglista habitual de las bandas de Debs. Otros artistas incluyeron desde big bands como Orchestre Esperanza y Orchestre Caribbean Jazz hasta poeta y personalidad de la radio. Casimir “Caso” Létang y el artista folclórico de gwo ka Sydney Leremon. Debs también aprovechó la grabación de artistas extranjeros que visitaron Guadalupe a principios de los años 60, como el trompetista haitiano Raymond Cicault y el director de orquesta trinitense Cyril Díaz.

Compilado por Hugo Méndez (Sofrito) y Emile Omar (Radio Nova), «Disques Debs International» se publica en colaboración con Henri Debs Et Fils y Air Caraibes.





1. Daniel Forestal Et Sa Guitare - Ces P`Tits Je T`aime 02:43
2. Casimir Lètang - Travail Zènfants! Chantez Après! 02:08
3. Cyril Diaz Et Son Orchestre - Feeling Happy 02:15
4. Georges Tinedor Et Manuela Pioche - Colliè Et Zanno 02:50
5. Henri Debs Quintet - Douce Kombass 03:20
6. Joseph Lacides - Mr. Morin 02:56
7. Geno Exile - Lan Misè 02:46
8. Dolor Et Les Diables Du Rythme - Salvana 02:40
9. Syndey Lèrèmon Et Ses Amis Du Calvaire Baie-Mahault - You You Matayango 02:04
10. Raymond Cicault Et Son Orchestre Volcan - À Mon Ami Lucien Jolibois 03:45 video
11. Orchestre Esperanza Et Jean Leroy - Ou Pas Bel 02:23
12. Henri Debs Sextet Et Paul Blamar - Moin Çé On Maléré 03:31
13. Le Ry-Co Jazz - Si I Bon Di I Bon 05:05
14. Remy Mondey - Meringue Mondey 02:54
15. Henri Guedon Et Les Contesta - Van Van 03:36
16. Les Shupa Shupa D`Haiti - Batterie Shupa 03:30
17. Paul Blamaret Vèlo - Lovency 03:21
18. Eric Virgal - Stanislas 02:58
19. Les Aiglons - Les Aiglons Ka Satisfait 05:20
20. Tutus De La Guyane - Nanao Nanao 03:47
21. Guy Conquette - Assez Fait Cancan 02:20

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David Arkenstone - Music Inspired by Middle Earth vol.ll

David Arkenstone, cinco veces nominado al Grammy, se ha consolidado como uno de los mejores instrumentistas contemporáneos de nuestro tiempo. Este visionario continúa creando temas únicos que inspiran la imaginación. Como narrador musical, a David le apasiona llevar a los oyentes de viaje, creando tapices sonoros que evocan cada emoción. “Visualizo un lugar al que me gustaría ir, o una aventura que me gustaría emprender, y dejo volar mi imaginación”, dice David. “He recibido innumerables mensajes de oyentes que disfrutan de estos viajes conmigo. A veces me sorprende la poderosa respuesta de la gente a mi música”.



1. Shadow of the Past 04:24
2. The Green Dragon 03:07
3. Daughter of the River 04:40
4. The Light of Imladris 04:47
5. Servant of the Secret Fire 04:19
6. Caras Galadhon 04:29
7. Fangorn Forest 04:41
8. The Great River - The Argonath 04:15
9. Shadowfax and the White Rider 04:09
10. The Forbidden Pool 04:32
11. Minas Morgul 04:29
12. The White Tree of Gondor 04:16
13. The House of Healing 04:28
14. The Returning 05:22

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Carmen Linares - Desde El Alma (Cante Flamenco En Vivo)

Carmen Pacheco Rodríguez (Linares, Jaén, 25 de febrero de 1951), conocida artísticamente como Carmen Linares, es una cantaora española de flamenco. Está considerada como una de las cantaoras más completas y con mayor conocimiento de estilos flamencos junto a La Niña de los Peines y La Niña de La Puebla.

Compañera de generación de artistas como Paco de Lucía, Camarón, Enrique Morente, Pepe Habichuela, Tomatito, José Mercé y Manolo Sanlúcar. Carmen Linares está considerada como una leyenda viva del flamenco y ha sido reconocida con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2022.

Maestra y cantaora de referencia de la generación de artistas jóvenes como Estrella Morente, Miguel Poveda, Marina Heredia, Arcángel, Pitingo y Rocío Márquez. Ha conquistado por méritos propios un lugar privilegiado en la cultura musical española contemporánea, siendo en la actualidad una de las artistas más aclamadas y con más proyección internacional del arte flamenco actuando en la última década en escenarios como Carnegie Hall de Nueva York, Sadler's Wells de Londres, Palacio de la Música Catalana de Barcelona, Auditorio Nacional de Madrid y la Cité de la Musique de París.MAS INFO+



01. Ya no va mi niña (Fandangos de Huelva)
02. Ni a tiros (Malagueñas y Rondeña)
03. Por la calle vienen (Tangos)
04. Sin apelación (Seguiriyas)
05. De que te sirve el saber (Romeras)
06. Por qué la lunita crece (Martinetes)
07. Acordandome de ti (Tientos)
08. Adonde vamos Dios mio (Cartagenera y Taranta)
09. A mi Lucia (Bulerías)

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Sivananda - Daily chants

Los cantos diarios de Kirtan Sivananda son un conjunto de mantras devocionales utilizados en la tradición del Yoga Sivananda. A menudo comienzan con "Jaya Ganesha" y "Shantih", e incluyen versos dedicados a diversas deidades como Ganesha, Subramanya, Saraswati y Rama, así como al linaje de los gurús. Los cantos tienen como objetivo invocar los diferentes aspectos de Dios, crear un profundo sentimiento de devoción y apoyar la práctica espiritual.



01 Jai Ganesha
02 Dev Dev Sivananda
03 Radhu Pati Raghav
04 Radhey Radhey
05 Shiva Shiva Mahadev
06 Kali Durge
07 Shrimad Narayan
08 Aarti
09 Universal Prayer

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Trendafilka - For the Olives

Trendafilka (nombre que recibe de la rosa silvestre de los Balcanes) , con sede en Nueva Orleans, es un conjunto vocal de once integrantes que se inspira en canciones folclóricas tradicionales de zonas de Europa del Este con una rica tradición cultural de canto polifónico. Fundada en Nueva Orleans alrededor de 2016, la exploración de las tradiciones polifónicas europeas por parte de Trendafilka surgió de un deseo común por el canto en grupo, así como de una fascinación compartida por la cultura y las tradiciones antiguas. Tras dos años de esfuerzo y una exitosa campaña de Kickstarter, el grupo lanzará su segundo álbum de estudio, For the Olives , el 22 de noviembre de 2024.



1. Chichovite Konye 04:39
2. Zamruknala e Moma Yana 02:26
3. Oi Na Dubovi 04:44
4. Mori Aida, Aida 03:50
5. Joniniu Sutartine 02:01
6. Oi Na Ivana Na Kupala 02:21
7. Zaspalo e Chelebiche 03:42
8. Nekuko Dezguzite 02:51
9. Mome Stoje 03:37
10. Po Moryu 01:38
11. Kaliora Na' Xoun I Elyes 03:15
12. Zvezda Vechernitsa 03:10

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KEL ASSOUF - Tikounen

Kel Assouf’s new album title literally translates as “surprise” and it’s a term that’s emblematic of the rousing music contained within it. Crunching guitar riffs burst from seemingly nowhere, glimmering keyboard lines appear, soaring vocals float, charging drums pound and beat and the bass slithers with a sultry grace, all forging a heady groove. It’s most certainly a rock record but far from a conventional one - it's desert rock for the 21st century.

“I’ve been in Europe for 10 years but my soul will always be in the desert. Even when I’m here the desert runs through my blood” so says Anana Harouna, the singer and guitarist in Kel Assouf and member of Tinariwen, who is an exiled musician from the Sahara currently living in Brussels, where this band formed around him back in 2006. Kel Assouf means both “those with nostalgia” and “sons of eternity” in the Tuareg language Tamasheq and since its formation the band has been built around the central identity of two fundamental ideas: the promotion of Tuareg culture and the struggle against discrimination.

The band’s debut album, Tin Hinane (2010), was something of a gentle stroll through multiple genres and tones, often led by intoxicating guitar lines, dancing flutes and glistening harp strings. If Tin Hinane was the calm before the storm then Tikounen (which translates as “surprise”) is the careering hurricane that follows. The album is one rooted in anger, an expression of stupefaction instilled by a world that rages with war, injustice and pollution and the music on the album embodies that anger exquisitely, charging with all the force and rhythm of a stampede. “We want to express a feeling of pain. In fact it’s a shout, a scream,” says Harouna of the album.

Joining him on this album with vocals and percussion is Toulou Kiki, who was the primary actress in the critically lauded, multiple award-winning film Timbuktu. She says of her involvement in the group and this album, “Music is always the easiest way to pass a message. A message of pain, revolution or love can be transferred without hurting anybody. There’s just you, your voice and your guitar. It’s the most beautiful thing there is”.

Whilst undeniably beautiful, it’s also a forceful and enthralling record. Heavy blues-rock licks drive the core of the album, at times the tone becoming dense and prolonged, with slight nods to Sabbath and even a faint whiff of doom-y stoner rock. “We looked for heavy rock sounds, with grooves that are much more upfront.” Says keyboard player and producer Sofyann Ben Youssef. The groove he talks about also owes a great deal to the rhythm section, a harmonious fusing of fluid and pulsing basslines, with driving and dancing drums that push forward the charge further. The combination of all of these musical aspects results in the breaking of new sonic ground, “It’s a sound which will be new in the history of Tuareg music” Harouna says.

Tikounen is a record that spans the globe, dancing to an African, trance-like beat whilst simultaneously twirling to the sounds of more western-orientated rock. Similarly, the vocals, the message and the impact is one extracted from around the planet, with Harouna writing about the Sahara and Niger and the contrasts of everyday life both there and in his current home of Europe. The language spoken on the record may be the largely unfamiliar one of Tamasheq, but the sounds, energy and force of it are much more universally understood and relatable.





1. Ahile Lamma 03:51
2. Tikounen 04:04
3. Assoufenam 02:49
4. Toumast 04:15
5. Lab 05:37
6. Europa 05:36 7. Layla 03:28
8. Lehiyet 03:49
9. Medden 04:10
10. Tarhanam 05:18
11. Izlan Nala 03:30
12. Azawad 03:24

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The Irish Rovers - Gracehill Fair

The Irish Rovers se formó en Toronto, Canadá, en 1963. Han producido más de 50 álbumes en Norteamérica y muchos más a nivel internacional. Su álbum de 2014, "50 Years", fue considerado "El más grande de sus grandes éxitos".

El álbum , Gracehill Fair , y la canción principal llevan el nombre de una feria anual en elde Antrim, Irlanda del Norte . Se grabó en Canadá e Irlanda, y se mezcló en Nanaimo, Columbia Británica, con ilustraciones de portada y notas del artista celta Hamish Burgess.El álbum incluye nuevas y divertidas canciones originales para beber, por las que la banda es más conocida, así como una selección de baladas originales



1 "Ireland Boys Hurrah" – 2:20
2 "Home to Bantry Bay" (George Millar) – 3:11
3 "The Dublin Pub Crawl" (George Millar) – 4:28
4 "The Boys of Killybegs" (Tommy Makem) – 3:10
5 "Pretty Susan The Pride of Molyclare" – 4:22
6 "Jigs-Trotting to Larne/The Knotted Chord/The Wise Maid" (Arr. Wilcil McDowell) – 4:05
7 "The Lass with the Bonny Brown Hair" – 4:50
8 "The Girls of Derry" (George Millar) – 3:05
9 "Let Him Go Let Him Tarry" – 2:50
10 "I'll Return" (George Millar) – 5:02
11 "Reels-Egan's Favorite/The Dawn" (Arr. Wilcil McDowell) – 4:00
12 "Drink, Sing and be Jolly" (George Millar) – 3:48
13 "Gracehill Fair" (George Millar) – 3:42
14 "And the Sun it Still Rises" (George Millar) – 5:55

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Xosé Lois Romero - A mulher lyrio (Banda Sonora Orixinal)

Es uno de los músicos más inquietos y versátiles de la escena musical gallega e ibérica desde hace décadas, y del mismo modo que continúa liderando su proyecto Aliboria o actuando en directo por todo el mundo con Baiuca; Xosé Lois Romero es también un habitual en los escenarios, componiendo e interpretando en directo la música de varios de los montajes del Centro Dramático Galego, la compañía pública de teatro de la Xunta de Galicia.

Este disco recoge la música original que Xosé Lois Romero creó para el espectáculo "Manuela Rey is in da house", un proyecto que busca recuperar la memoria de la actriz y escritora gallego-portuguesa Manuela Rey, que triunfó en la escena lisboeta de mediados del siglo XIX, murió a los 23 años siendo una estrella y desapareció de la historia del teatro contemporáneo.

Xosé Lois Romero pone a través de estas ocho piezas el espíritu transversal y moderno que representó Manuela Rey, en canciones que coquetean con la electrónica, el hip-hop, el fado, el folclore gallego, el tango o la música incidental.




1. O lyrio (Rafaela Sá)
2. Os cabalos salvaxes
3. Folha solta (Raquel Crespo)
4. A nena e a morte (Rafaela Sá)
5. Túmulo d'alma (Teresa Vieira)
6. A peregrina flor
7. Triste pequenita (Rafaela Sá)
8. Manuela Rey is in da house

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Opa Rosa - Havasi Klub

Opa Rosa, una de las bandas más dinámicas y virtuosas del Reino Unido, se ha consolidado rápidamente como un enérgico conjunto acústico que comparte música de las tradiciones balcánica, griega, klezmer y romaní. Con varias décadas de estudio y experiencia, los cinco músicos dominan la sintaxis y el significado de estas tradiciones musicales, capturando la alegría y la tristeza que estas tradiciones son tan reconocidas por expresar.

Profundamente arraigada en las tradiciones balcánicas, la música de Opa Rosa busca explorar y reinventar los motivos de Europa del Este, inspirándose sutilmente en otras influencias musicales como el post-rock, la música clásica y el jazz. Con su formación de violín, clarinete, acordeón, contrabajo y percusión, su sonido único y refinado consiste en una sección rítmica explosiva y vibrante, combinada con intrincadas melodías que se elevan sobre estructuras armónicas ricas y matizadas. https://www.oparosa.com/





1. The Welly 04:36
2. Mišino Oro 04:14
3. Bo-Ca-Če-Zo/Rind de Hore 04:54
4. Bucimiš 03:27
5. Changulovo Oro 03:37
6. Havasi Klub 04:29
7. Thalassaki Mou 04:48
8. Čoček 04:42
9. Izvejdane Na Bulkata 01:53
10. Belmont 03:30
11. Salamander 03:49
12. Cigansko Oro/Broyges Tanz 04:00

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The Zawose Queens - Maisha

Dirigido por los productores británicos Oli Barton-Wood (Jordan Rakei, Obongjayar, Nilufer Yanya) y Tom Excell (Nubiyan Twist, Onipa), grabado en la azotea de un hotel en Zanzíbar y junto a la playa y el corazón de Bagamoyo, la histórica ciudad portuaria tanzana que ha sido el hogar de la extensa familia Zawose desde la década de 1970, Maisha presenta a Las Reinas Zawose de una manera poderosa, ingeniosa y bailable, con una intensidad y una libertad increíbles.

Aquí hay 11 canciones, 11 gloriosas piezas originales, que muestran los fluidos polirritmos y el arrebatador canto polifónico del pueblo Gogo (también conocido como Wagogo) de la árida y montañosa región de Dodoma, en el centro de Tanzania. Un pueblo cuyos pequeños pero potentes tambores muheme son tocados exclusivamente por mujeres, cuyo repertorio se acompaña de danzas con campanillas en los tobillos, y cuyo exponente más famoso es el difunto y gran Dr. Hukwe Zawose.





1 Kuseka
2 Maisha
3 Dunia Hii
4 Lulelule
5 Fahari Yetu
6 Mapendo
7 Kusakala Kwenyungu
8 Sauti Ya Mama
9 Muheme
10 Masanja Kalila
11 Chidodo

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Tamikrest - Tamotaït

Tamotait es el quinto álbum de estudio del grupo maliense Tamikrest. Fue lanzado el 27 de marzo de 2020 bajo Glitterbeat. El primer sencillo del álbum, "Awnafin", se lanzó el 10 de febrero de 2020. La cantante marroquí Hindi Zahra participó como voz invitada en el tema "Timtarin"



1. Awnafin 04:06
2. Azawad 04:01
3. Amzagh 04:17
4. Amidinin Tad Adouniya 03:54
5. As Sastnan Hidjan 05:15
6. Timtarin (feat. Hindi Zahra) 05:49
7. Tihoussay 05:01
8. Anha Achal Wad Namda 03:36
9. Tabsit 05:15

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Silent Witness - SILENT WITNESS II

Silent Witness es un proyecto solista abierto Radek Bond Bednarz, quien, como compositor, arreglista y productor principal, invita a artistas de todo el mundo que conoció en su camino a colaborar de forma única.

La banda también incluye a la japonesa Mieko Miyazaki , una virtuosa del koto tradicional. Mieko ha actuado para la Pareja Imperial de Japón, entre otros. También ha sido galardonada con la máxima distinción otorgada por la emisora ​​de radio nacional NHK-FM, y la Fundación Japonesa la seleccionó para representar al país en eventos culturales internacionales. Loup Barrow, por su parte, es conocido por tocar el cristal basset , el último instrumento polifónico inventado en París en el siglo XX. A Barrow le gusta utilizar instrumentos muy raros, entre ellos el ya mencionado basset de cristal de 6 octavas , el arpa de cristal de 3 1/2 octavas, el dulcimer martillado y el mbiri y el hang cromáticos.


Además del trío principal, el álbum Silent Witness también contó con la participación de artistas tan distinguidos como Sebastian Studnitzky (trompeta), Samuel Rohrer (batería), Alfred Vogel (percusión), Igor Pietraszewski (shakuhachi, clarinete bajo) y Mood (voz). El creador y compositor principal de las grabaciones de Silent Witness es "Bond" (bajo eléctrico, banjo, ngoni, kalimba, contrabajo, electrónica y otros instrumentos), y la música en sí se convirtió en una fuente de inspiración para la exploración de la propia identidad de la banda desde la perspectiva del testigo silencioso titular .








1. Bamanan feat. Moussa Diallo 03:37
2. Korba feat. Stevo Atambire 02:45
3. Gommel feat. Erland Dahlen 03:44
4. Somba feat. Sinaubi Zawose 02:57
5. Duetto feat. Ben Aylon 02:43
6. Elefanc feat. Jimi Tenor 03:53
7. Legwan feat. Mari Kvien Brunvoll 03:23
8. Pamoja Garden feat. Birds 03:35

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Abraham Cupeiro - Mythos (2024)

Abraham Cupeiro es un hábil constructor de instrumentos y multiinstrumentista, conocido principalmente por recuperar instrumentos perdidos hace mucho tiempo. Le gusta tocarlas para crear nuevas sonoridades, utilizándolas en piezas alejadas de su repertorio natural.

Cupeiro se licenció en el Real Conservatorio Superior de Madrid como trompetista y continuó sus estudios en Barcelona, realizando un máster en Interpretación de Música Antigua.

A pesar de su formación como intérprete de música clásica, siempre se ha sentido atraído por la música de cualquier tipo. Por lo tanto, comenzó desde temprana edad a unirse a varias bandas de folk y jazz, y a varios conjuntos de música antigua.

Cupeiro destaca por ser una de las pocas personas en el mundo que toca la Karnyx (trompeta celta de la Edad del Hierro) y recientemente fue invitado a tocar la Karnyx de Tintinac, la única encontrada entera en 2004.

Abraham actúa también como embajador de un instrumento ancestral gallego llamado “corna” (cuerno de vaca). Su propio abuelo tocaba este instrumento tradicional cuya huella se puede rastrear ya en las ilustraciones de los libros de Alfonso X de Castilla.

Una auténtica pasión por los instrumentos y la organología le llevó a reunir una colección con más de 200 piezas procedentes de lugares lejanos y de diferentes épocas. Bajo el nombre “Sonando en el pasado”, Cupeiro los presenta en un concierto-monólogo de diseño propio.


01. Abraham Cupeiro - Requiem por Marsias (7:12)
02. Abraham Cupeiro - Plegaria a Minerva (6:47)
03. Abraham Cupeiro - Simurgh y la pluma de oro (6:43)
04. Abraham Cupeiro - El Océano Cósmico (3:00)
05. Abraham Cupeiro - El Señor de la Danza (3:31)
06. Abraham Cupeiro - La leyenda de Sadbh (4:26)
07. Abraham Cupeiro - Viaje a Tir Na Nog (3:20)
08. Abraham Cupeiro - Atlantis (7:15)

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