En 2023 las hermanas presentan una cuarta producción discográfica, en la que por primera vez se acercan al mainstream y a los sonidos electrónicos, sin dejar de lado los juegos vocales y el sonido atmosférico que las ha caracterizado.
Paralelas es un álbum producido por Andrés Leal y Miguel Rico, con beats latinoamericanos que se combinan con las voces de Las Áñez, para presentar canciones contundentes en las que las hermanas expresan diálogos consigo mismas y con la sociedad.
Los ocho cortes de este álbum, aspirante a ser nominado a los Latin Grammy, incluyen sencillos lanzados en 2022 como De Curvo Cuerpo, convertida en un himno feminista de gran resonancia que se ha escuchado en vivo en grandes festivales latinoamericanos como Vive Latino 2023, Rock al Parque y Estéreo Picnic 2022.
El álbum cuenta con la colaboración de los artistas colombianos Lido Pimienta y el Cholo Valderrama. Fue grabado en 2021 y 2022 en el Estudio La Capital en Bogotá.
1.
De Curvo Cuerpo 03:37
2.
Las Áñez, Lido Pimienta - Como Si Fuera Yo ft. Lido Pimienta 03:16
3.
Árbol Genealógico 02:40
4.
Canción de Amor 03:52
5.
Las Áñez, El Cholo Valderrama - Señal del Viento ft. El Cholo Valderrama 03:27
6.
Flores Secas 04:05
7.
Pasaron los Días 03:22
8.
Outro De Curvo Cuerpo 00:32
Cantautor y creador de canciones. Propietario de DOYASA RECORDS. Nacido en la ciudad de Wakayama.
Estudió piano y violín de niño. Posteriormente, aprendió guitarra de forma autodidacta y comenzó a componer y grabar canciones en casa a los 14 años. Su admiración por los Beatles lo llevó a viajar solo a Inglaterra a los 16 años y estudiar allí durante un año.
Tras un paréntesis de cinco años, retomó su carrera musical en 2013. Realiza diversos espectáculos en vivo, principalmente en Tokio, principalmente con la guitarra de tripa.
Desde 2014, desarrolla "Project Beatlish", un proyecto de interpretación y grabación basado en canciones de los Beatles, que incorpora elementos de danza, claqué y coro.
En junio de 2018, lanzó su primer álbum a nivel nacional, "Rahula".
Desde otoño de 2017, estudia Goshu Ondo (una canción folclórica) en el Curso por Correspondencia Sakuragawa Yumaru original: Monogatari Uchu no Kai.
La música es el lenguaje universal que nos une a todos, y la banda de música israelí Anna RF lo sabe muy bien. Esta banda electrónica de reggae étnico combina la belleza de diferentes culturas y las fusiona en una celebración alegre de la unidad. Su sonido es una mezcla entre oriente y occidente, mezclando instrumentos antiguos y modernos con un toque electrónico en vivo. En particular, su canción «Why» del álbum «Hasan is Loco» se destaca por ser una verdadera obra suave, etérea, delicada y sutil de esta unión de culturas.
Anna’s RF se formó en el verano de 2011 por Roy Smila y Ofir J. Rock, en el pequeño pueblo del desierto de Shaharut, en el sur de Israel. Esta banda de música electrónica de Reggae étnico mezcla instrumentos antiguos y modernos con un toque en vivo-electrónico, creando un sonido único y cautivador. Han recorrido muchos países y han tocado en festivales como el Ozora, el Ancient Trance Festival, el Psi Fi, el Edinburgh Fringe Festival y muchos más.
1.
anna RF ft Lior Ben-Hur - FIRE IN YOUR EYES 03:36
2.
anna RF ft Farafi - AFRICANOS 04:07
3.
AZERIX 03:31
4.
AZALAM LIE 04:26
5.
NOW THAT YOU'RE GONE 04:17
6.
COCO LOCO 04:24
7.
MUSTACHE 04:29
8.
anna RF ft Farafi - KELEKELE 03:36
9.
DAYS AND NIGHTS 05:08
10.
GÖZLEME 03:50
11.
anna RF ft Quarter to Africa - AHAVAT HINAM 04:01
12.
HASAN 04:17
13.
WHY 04:39
Azam Ali es uno de esos artistas que trasciende el título de cantante al de una auténtica diosa vocal. Su trasfondo culturalmente rico sirve como la columna vertebral sobre la que se construye su sonido único e hipnotizador. Nacida en Irán, criada en India y mudada a Estados Unidos en su adolescencia, la música de Ali es un reflejo del viaje de su vida. Su voz altamente adaptable ha aparecido en innumerables colaboraciones en la escena musical alternativa y new age, así como en películas, videojuegos y televisión. Más conocido por ser la mitad de Niyaz, la carrera en solitario de Ali ciertamente se sostiene sobre sus propios pies. Su último lanzamiento, Phantomses una colección de canciones atmosféricas llenas de nostalgia y hermosa melancolía. Tardó cuatro años en completarse debido a su apretada agenda de giras con Niyaz, pero su deseo de crear y el amor por el oficio la hicieron persistir. Como era de esperar, el instrumento central en este álbum es la voz de Ali: la respiración entrecortada de sus melodías crea un paisaje sonoro muy cinematográfico, y cada sonido en este álbum tiene un propósito. Es minimalista y sobrio, pero no le falta profundidad. El tema de apertura, “Hope”, está impregnado de la influencia de la nueva era de los 90 sin sonar reciclado ni anticuado en absoluto. La combinación de los sintetizadores discretos y el ritmo suave y constante sirve como una plataforma sólida que muestra la hermosa comprensión de la melodía y la armonía de Ali. Empapado en reverberación pero no embarrado, la mezcla suena extremadamente limpia y atractiva. Las cuerdas de “Tender Violet” se suman al tono melancólico general del álbum, ya que la canción usa pistas tradicionales y las combina con elementos modernos, haciéndolo sentir como un sueño. “Shallow Then Halo” se vuelve creativo con el diseño de sonido, creando un elemento de oscuridad sombría mientras mantiene una sensación de rico minimalismo. En general, la música de Azam Ali es atmosférica y melancólica, cinematográfica y emotiva, pero aun así puede atraer a una gran audiencia. Su voz cautivadora y su capacidad para crear un mundo propio seguramente conquistarán los corazones de una amplia gama de amantes de la música. creando un elemento de oscuridad sombría mientras mantiene una sensación de rico minimalismo. En general, la música de Azam Ali es atmosférica y melancólica, cinematográfica y emotiva, pero aun así puede atraer a una gran audiencia. Su voz cautivadora y su capacidad para crear un mundo propio seguramente conquistarán los corazones de una amplia gama de amantes de la música. creando un elemento de oscuridad sombría mientras mantiene una sensación de rico minimalismo. En general, la música de Azam Ali es atmosférica y melancólica, cinematográfica y emotiva, pero aun así puede atraer a una gran audiencia. Su voz cautivadora y su capacidad para crear un mundo propio seguramente conquistarán los corazones de una amplia gama de amantes de la música.
1 Hope
2 Phantoms
3 The Blue
4 Tender Violet
5 Twilight Sheds
6 Ode to Melancholy
7 Shallow Then Halo
8 Scattered Stars
9 Love is a Labyrinth
Michael Gordon Oldfield (Reading, Reino Unido, 15 de mayo de 1953) es un músico, compositor, multiinstrumentista y productor británico. Ganador de un Grammy en 1975 a la Mejor Composición Instrumental por el álbum Tubular Bells publicado por Virgin Records en 1973.
El padre del músico, Raymond Oldfield, adquirió una guitarra cuando servía en la Real Fuerza Aérea británica en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Mike recuerda cómo su padre «solía tocar la guitarra cada Nochebuena, cantando la única canción que sabía tocar, Danny Boy». Mike también atribuyó su temprano interés por la música al hecho de haber visto de niño al virtuoso guitarrista Bert Weedon: «Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida».
Los Oldfield se convirtieron en una familia enlazada a la música: el hermano mayor de Mike, Terry Oldfield, es un compositor de prestigio en el campo de la música para documentales televisivos, y tiene varios álbumes en el mercado; su hermana, Sally Oldfield, consiguió un gran éxito a principios de los 80 con el tema vocal «Mirrors».
A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público.
Oldfield recuerda: «Tenía dos instrumentales de 15 minutos cada uno que tocaba en los clubes de folk, locales en los que iba repasando todos los estilos. Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra». Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur.
Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum Children of the Sun en 1968 y el sencillo «Two Ships» en 1969. Por esta época, el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el «folk barroco» popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.https://es.wikipedia.org/wiki/Mike_Oldfield
Kaya Project es la encarnación musical de Seb y Natasha Taylor. Con base en el Reino Unido, el dúo ha logrado un nombre de renombre mundial a través de su antología de álbumes asiáticos de dub / fusión mundial con sabores eclécticos ' Walking Through ' (2004), ' Elixir ' (2005), ' ... & so it go ' (2008) ' Desert Phase ' (2010) y 'Firedance' (2014).
Seb toca la guitarra y muchos otros instrumentos, además de manejar hábilmente la programación y la producción, mientras que Natasha contribuye con la voz, el teclado y la flauta en todas las composiciones. A lo largo de los años, han realizado presentaciones en vivo de Kaya Project en eventos en Japón, Canadá, Estados Unidos y Australia. En los últimos años, Seb ha estado ocupado trabajando en música para televisión, incluido el galardonado documental sobre el mundo natural de la BBC 'Buddha, Bees & the Giant Hornet Queen', además de componer música original para varios comerciales.
Las pistas de Kaya Project se han escuchado en programas de televisión como 'Sleeper Cell' de Showtime y en numerosas compilaciones, incluida la famosa serie 'Buddha Bar' de Claude Challe.
1.
This Strange Isolation (Intro) 01:11
2.
Time To Emerge (ft. Randolph Matthews) 06:31
3.
The Fearless Path (ft. Irina Mikhailova) 06:45
4.
Beware The Drunken Master 05:11
5.
Finding Balance (ft. Randolph Matthews & Fatima Gozlan) 05:12
6.
The Strangest Isolation (ft. Irina Mikhailova) 03:13
7.
Time To Emerge (Ambient Mix) 05:53
8.
Finding Balance (Hypno:Tek Mix) 05:41
9.
Beware The Drunken Master (Digitalis Remix) 05:44
10.
Kaya Project ft. Irina Mikhailova - The Fearless Path (Hibernation's Deep Dark Roller Remix) 05:07
11.
Finding Balance (Ambient MIx) 05:15
12.
Kaya Project ft. Irina Mikhailova - The Fearless Path (Biotone's Ecstatic Trance Remix) 08:39
13.
Kaya Project ft. Pooja Tiwari - Souls Entwined (bonus track) 05:57
14.
Kaya Project ft. Irina Mikhailova & Sukhdev Prasad Mishra - The Light Within (bonus track) 05:38
15.
The Full Journey Mix 01:09:05
16.
The Soul (Ambient) Mix 01:00:14
17.
The Mind (Electronic Remixes) Mix 01:00:28
18.
The Body (Originals) Mix 01:01:15
Anxo Lorenzo (n. 28 de diciembre de de 1974) es un músico gaitero orginario de Moaña, que es un municipio situado en la parte meridional de la comarca del Morrazo en la provincia gallega de Pontevedra, en el noroeste de España.
Comienza a tocar la flauta con tan solo 5 años y la gaita a los seis. Con ocho años ingresa en el Conservatorio Superior de Música de Vigo donde recibe clases de solfeo, armonía, piano y flauta barroca y gaita con Carlos Nuñez Muñoz, obteniendo buenas calificaciones. También asiste a cursos de gaita con Antón Corral, Patrick Molard o Fred Morrison. Durante cinco años asiste al Taller de Instrumentos Populares Gallegos de la Universidad Popular de Vigo, bajo la dirección de Antón Corral.
Desde los doce años colabora con grupos de música tradicional de Galicia como Xarabal, Duos Pontes, Semente Nova o Lembranzas Galegas, con los que realiza trabajos de investigación y recogida de música tradicional así como grabaciones, conciertos y giras por España, Francia, Estados Unidos, Inglaterra e Irlanda
Junto con Pedro González y Carlos Mariño formó el grupo Spiritu 986 cuyo primer disco salió al mercado en 2001, "La Sombra del Lobo" consiguiendo la unánime alabanza de la crítica por la perfecta fusión entre tradición y modernidad, uniendo el sonido de la gaita más ancestral con la más vanguardista producción musical a través de la más moderna tecnología.
1 Noche De Luna Llena 2 La Sombra Del Lobo 3 Luar "Luz De Luna" 4 Ataque De Pánico 5 Vente Vindo "Galicia Rave" 6 Dulce Noche 7 La Ruta 8 El Misterio 9 Santo Spiritu 10 Malela 11 La Sombra Del Lobo (Kadok Radio Remix) 12 Vente Vindo Galicia Rave (D&D Remix) 13 La Ruta (Wally & Kucho Remix) 14 Malela (Ferrero & Del Moral Remix)
Hedningarna (Los paganos) es un grupo musical sueco
formado en 1987 por Björn Tollin, Hållbus Totte-Matsson y Anders Stake.
Realizan una música de corte tradicional pero con fusiones e influencias
del techno, el rave y otras tendencias modernas. De
hecho, la filosofía del grupo es la de bucear en las raíces de la música
nórdica para producir un sonido que no siga las tendencias actuales del
folk más tradicionalista. Por eso Anders Stake se dedicó a construir y
modificar instrumentos tradicionales para desarrollar un sonido propio y
único que, con el tiempo, les haría ubicarse en los lugares más
destacados de la nueva música tradicional sueca.
En 1989 el grupo comenzó su andadura en el ámbito del folk cosechando
numerosos éxitos debido a su sonido novedoso y revolucionario. Fruto de
dicha popularidad se edita su primer disco Hedningarna en el sello Alice.
1991 es el año en que comienza a solidificarse su entidad como
grupo. El sello Silence, dedicado principalmente a la música folk sueca
les contrata para editar su segundo álbum en 1992 titulado Kaksi! (Dos, en finlandés).
Es entonces cuando entran en escena las cantantes finlandesas Sanna
Kurki-Suonio y Tellu Paulasto, quienes confieren al grupo un sonido
vocal adecuado para su propuesta sonora. Ambas, educadas en el canto
tradicional de la región rusa (antes finlandesa) de Karelia,
despliegan una maestría a la hora de cantar aportando al grupo ese
vínculo con lo ancestral que siempre había buscado. Muchas de las
canciones tradicionales provienen de Karelia y están relacionadas con
antiguas leyendas finlandesas cuyas trazas se remontan a la tradición
del Kalevala o canto rúnico (del finlandésruno, "canto"). De ahí, el título en lengua finlandesa de su segundo trabajo. Kaksi!
supone un hito musical en ese momento, dándose a conocer a través de
los medios por el llamado "fenómeno Hedningarna". Este trabajo, con
temas de ritmo trepidante les hará merecedores de un Grammy sueco al año
siguiente (1993) por el mejor disco folk del año. Posteriormente, el
quinteto va peregrinando por diversos festivales como el de Roskilde cosechando un éxito arrollador pese a la pequeñez del escenario y la poca afluencia de público.
Septiembre de 1994 significa la consagración en la historia musical de este grupo con su nuevo trabajo Trä (Madera, en sueco; juego de palabras con tre, que en sueco también quiere decir tres).
En este trabajo se consolida de alguna manera aquel sueño sonoro
ancestral a través de 11 temas, algunos cantados en finlandés, otros en
sueco y uno instrumental. Vuelven a acudir al Festival de Roskilde provocando mucha expectación entre los más de 20.000 asistentes y ya en un escenario algo más cómodo.
A partir de ese momento, comienzan las giras por Escandinavia y se edita en Estados Unidos un recopilatorio con temas de los dos discos del grupo como quinteto. Comienzan a editarse y distribuirse en otros países de Europa como España, Holanda, Bélgica, Polonia y también en Asia (Tailandia).
1996 es año de cambios para el grupo. Las dos cantantes deciden seguir con su formación musical en Finlandia
y con proyectos de maternidad que las tendrán alejadas de la actividad
del grupo. Otra vez terceto, comienzan a gestar lo que será su nuevo
trabajo Hippjokk. De una primera motivación más enraizada musicalmente, Hippjokk
va tomando forma y progresivamente va incorporando elementos musicales
muy variados, lo que hará que el resultado final sea completamente
distinto a la primera idea. Este trabajo, eminentemente instrumental,
incorpora (como ya se hizo en el anterior) a Wimme Saari, un
polifacético cantante que integra a la perfección los cantos
tradicionales del pueblo Sami, en la Laponia finlandesa. Hippjokk
también cuenta con la presencia del bajista Ulf Ivarsson, el cual queda
fascinado por la nueva sonoridad del grupo y también el intérprete de didjeridu
Johann Liljemark. Ambos formarán parte en el siguiente trabajo del
grupo. Knut Reiersrud, célebre guitarrista noruego, también acude a la
llamada de esta innovadora propuesta durante el festival folk de Falun.
Y en 1999, ya sexteto, Hedningarna publica su quinto trabajo Karelia Visa,
donde, nuevamente encontramos voces, pero esta vez con una variación.
Tellu Paulasto ya no forma parte del grupo, dando paso a la jovencísima
Anita Lehtola junto a la ya veterana Sana Kurki-Suonio. Ulv Ivarsson ya
es miembro oficial en este trabajo. De factura algo más contenida, Karelia Visa
es un homenaje a esa peculiar forma de cantar que existe en Karelia, de
la cual Hedningarna se nutrió en el pasado. Es también una
reivindicación a la herencia cultural finlandesa sustituida por la
presencia rusa en aquella región desde hace ya bastantes años.
En el año 2003 publican su último trabajo, un CD recopilatorio
con algunas canciones nuevas, Hedningarna 1989-2003. Efectúan una gira
de promoción con dos cantantes finesas: Tellu Paulasto, quien ha
regresado a la formación, y Lisa Matveinen.
En la actualidad siguen efectuando alguna gira pero ya sin la aportación de las cantantes finlandes
1989 Hedningarna (42:24) 320 kbps
01. Polska efter Pelle Fors (03:32)
02. Förtvivlans Polska (02:15)
03. Häxpolskan (02:29)
04. Skavlеten (03:07)
05. Olbackens Polska (04:12)
06. Särna Gamla Brudmarsch (03:58)
07. Multihalling (03:02)
08. Fulinghalling (05:41)
09. Polska efter Olof Tillman (04:34)
10. Doplеten (00:47)
11. Polska efter Hins Anders (01:43)
12. Lacknafta (03:13)
13. Björnlaten (03:54)
1992 Kaksi! (43:29)320 kbps
01. Joupolle Joutunut (03:31)
02. Kruspolska (03:20)
03. Vottikaalina (02:17)
04. Chicago (02:58)
05. Viktorin (02:41)
06. Aivoton (03:38)
07. Ful-valsen (03:29)
08. Pеl Karl (03:57)
09. Kaivonkansi (02:27)
10. Skamgreppet (02:58)
11. Grodan/Widergrenen (04:54)
12. Omas Ludvig (03:05)
13. Kings Selma (04:17)
1994 Live at Roskilde '94 (Bootleg, 45:10) 160 kbps
01. Täss'on nainen (Here's a woman) (04:23)
02. Viktorin (03:41)
03. Pornopolka (03:50)
04. Min skog (My grove) (04:22)
05. Gorrlaus (The steed) (04:40)
06. Saglaten (Say what you like) (04:10)
07. SkrauTval (03:13)
08. Joupolle joutunut (Gone to sot) (04:29)
09. Chicago (03:14)
10. Vottikaalina (02:58)
11. Ingenting i din hjärna (Nothing in your brain) (02:24)
12. Kruspolska (Charmer's polska) (03:49)
2009 Hedningarna Remixes by DJ Nikto (41:37) 320 kbps
01. The Witch Polska (02:53)
02. Polska After Olof Tillman (03:41)
03. Olbackens Polska (04:42)
04. Sarna Galma Brupmarsch (04:20)
05. Mix (12:49)
06. Fulvalsen (02:56)
07. Skamgreppet (10:19)
2012 & (Och) (50:28) 320 kbps
01. Tjuren (02:30)
02. Morafjälls (03:15)
03. Träslöjden (03:27)
04. Vem är jag (04:27)
05. Hedna (03:42)
06. Mycket vill ha mera (02:35)
07. Höjdaren (02:46)
08. Torget (02:42)
09. Hedersmannen (03:41)
10. Karbonader (03:17)
11. Soppan (04:14)
12. Bonden (03:31)
13. Men va fanken (03:45)
14. Hejsan svejsan (03:56)
15. Domen (02:42)
Aclamada como la fuerza más revolucionaria en la música popular para dos
décadas, Africa Express fue fundada en 2006 y reúne
músicos de diferentes culturas, géneros y generaciones para romper
límites y ofrecer una nueva perspectiva sobre África y su música.
Cada registro y evento es único, basado en la colaboración in situ y lleno de momentos únicos de magia; El colectivo ha organizado viajes y conciertos en Nigeria, la República Democrática del Congo, Etiopía, Malí y el Reino Unido hasta la fecha.
Africa Express viajó a Sudáfrica en enero del año pasado para
completar un álbum electrónico en solo 7 días, una semana de descubrimiento,
colaboración y creación musical. El resultado es EGOLI - 18 pistas
capturando los sonidos frescos y alegres del futurismo afro, directamente de
Johannesburgo
Los artistas destacados incluyen a Damon Albarn, Blue May, Gruff Rhys, Georgia,
Ghetts, Mr Jukes, Nick Zinner, Remi Kabaka, Otim Alpha y Poté como
así como estrellas emergentes y establecidas del zumbido sudafricano
escena musical que incluye BCUC, Blk Jks, Dominowe, Faka, Infamous Boiz, DJ Spoko, Mahotella Queens, Moonchild Sanelly, Muzi, Morena Leraba, Nonku Phiri, Radio 123, Sibot, Sho Madjozi, Zola 7, Zolani Mahola
(Freshly Ground) y la leyenda de la guitarra Maskandi Phuzekhemisi.
1.
Welcome (feat. Phuzekhemisi) 02:22
2.
City In Lights (feat. Georgia, Mahotella Queens, Otim Alpha, Nick Zinner) 04:01
3.
The River (feat. Mr Jukes, Nonku Phiri, BCUC) 02:31
4.
Bittersweet Escape (feat. Mr Jukes, Nonku Phiri, BCUC) 04:42
5.
Johannesburg (feat. Gruff Rhys, Morena Leraba, Radio 123, Sibot) 03:55
6.
Become The Tiger (feat. Sibot, Damon Albarn, Mr Jukes) 03:11
7.
Africa To The World (feat. Infamous Boiz, Dominowe, Otim Alpha, Mahotella Queens, Nick Zinner, Remi Kabaka, Radio 123) 04:28
8.
Absolutely Everything Is Pointing Towards The Light (feat. Gruff Rhys, Zolani Mahola) 03:58
9.
Where Will This Lead Us To? (feat. Moonchild Sanelly, Radio 123, Blue May) 03:49
10.
Mama (feat. Otim Alpha, Georgia, Radio 123) 04:32
11.
No Games (feat. Muzi, Ghetts, Moonchild Sanelly, Poté, Sho Madjozi, Radio 123) 03:15
12.
Morals (feat. Moonchild Sanelly, Mahotella Queens, Muzi, Mr Jukes) 03:13
13.
Taranau (feat. Otim Alpha, Gruff Rhys) 04:35
14.
The Return Of Bacardi (feat. Dj Spoko, FAKA) 05:16
15.
Sizi Freaks (feat. Infamous Boiz, Moonchild Sanelly) 04:46
16.
Twirl (feat. Poté, Ghetts) 02:57
17.
I Can't Move (eat. Damon Albarn, Moonchild Sanelly, Mr Jukes, Sibot, Blue May) 03:15
18.
See The World (feat. Mahotella Queens, Damon Albarn, Gruff Rhys) 03:01
A sus ochenta años, la voz más brutal de Brasil edita un álbum que ataca de lleno a muchos sectores de la sociedad de su país con canciones unidas por un aura tan urgente como atemporal. De nuevo con nosotros, la gran Elza Soares.
El nuevo disco de Elza Soares se hace absolutamente indispensable para el momento actual que vive Brasil, que parece estar en una ruta que lleva directamente a la colisión consigo mismo. Así, ya desde el mismo comienzo de Deus é mulher, y bajo una explosión instrumental entre el afrobeat y el rock, la voz más brutal de la música brasileña actual derriba absolutamente todos los límites de raza, género o clase social, sean políticamente correctos –o no–, prejuiciosos o bien intencionados.
Inmediatamente después de la apertura, en Exú nas escolas, llega el vigor y el ruido para atacar al sistema educativo de Brasil y su falsa condición de Estado laico. En el tercer tema, Banho, Elza se posiciona profundamente como mujer, escapando de cualquier cliché de feminismo de redes sociales. Apenas ha pasado una cuarta parte del disco y ya se puede estar seguro de haber encontrado más riqueza musical y fuerza vital que en muchísimas de las producciones editadas recientemente en su país.
1 O Que Se Cala
3:51 2
Exú Nas Escolas (feat. Edgar)
3:45 3
Banho
3:28 4
Eu Quero Comer Você
4:29 5
Língua Solta
5:27 6
Hienas na TV
3:52 7
Clareza
4:07 8
Um Olho Aberto
3:38 9
Credo
3:08 10
Dentro de Cada Um
3:59 11
Deus Há de Ser
3:17
Sufi trance musicians and rituals – from the depths of the Tunisian desert – in conversation with post-industrial sonics.
‘No theatre or stage or audience. The rûwâhîne have possessed and contorted the bodies of the Banga. Teenagers leap to the floor, their legs arched and tense, glaring transfixed [while] girls dance wildly, … accelerating the rhythm of the hand percussion’
‘This is, then, most certainly not a “world music” project (still less an ethnomusicological one), but a wild process of improvisation and re-composition that brings traditional instruments face to face with computers and electric guitars… [My work] is driven towards elevation, sweat, blood, poetry and tears – not to some pretty colour postcard’ — François R. Cambuzat / Ifriqiyya Electrique
1.
Laa la illa Allah 02:49 2.
Qaadrii - Salaam Alaik - Massarh 07:32 3.
Mawwel 01:09 4.
Zuru el Haadi - El Maduulaa - Maaluuma 06:34 5.
Stombali - Baba ‘Alaia 03:39 6.
Annabi Mohammad - Laa la illa Allah - Deg el bendir 09:15 7.
Lavo - Baba Marzug - Sidi Saad - Allah 04:46 8.
Arrah arrah abbaina - Bahari - Tenouiba 05:42 9.
Sidriiya 02:05
For those that have followed the evolution of GoPro’s impressive video and film output over the last 3 years , William Ryan Fritch’s music will be immediately recognizable. From product launches, viral videos, heartwarming character studies to captivating short films; his music has helped punctuate some of GoPro’s most memorable stories with his beautiful, sweeping compositions.
With Eagle Hunters in a New World, GoPro has forged ahead into new and exciting territory with the breadth of its film making and has partnered with Fritch to create a singular and engrossing sound world that underscores both the otherworldly beauty of Mongolia and the unique social and cultural changes that are affecting age old traditions and ways of life. Drawing its rich colorful sound world from both traditional Mongolian instrumentation and modern orchestration, the music of Eagle Hunters.. captures both the almost alien vastness of Mongolia’s landscape, still largely undefiled by modernity, and its jarring juxtaposition with the rampant growth and startling change its cities are undergoing.
In its most ambient moments, immersive, otherworldly choirs and strings envelope plaintive and pastoral calm like unencumbered winds sweeping across vast plains. At its most bombastic, the rhythms race and rumble like beating hooves in pursuit. And in its most soaring moments, the music emanates an aura of the surreal grace and power these golden eagles display with reverence, awe and a melancholy of knowing the world they fly over is changing so fast.
Orange Blossom is a French band that plays a mix of electronic and world music.
The band was formed in Nantes in 1993 with Pierre-Jean Chabot (known as PJ Chabot) on violin and Jean-Christophe Waechter (known as Jay C.) on percussions and vocals. In 1994, Éric (organ) joined the band and a first audio tape was recorded in September. In 1995 the band stabilized with the arrival of Carlos Robles Arenas on drums, djembé, and sample, and the departure of Éric.[1] Their first disc, Orange Blossom, came out in 1997 on the Prikosnovénie label, selling 15,000 copies.
Before their second album came out, the group was influenced by ethnic and traditional music. They met and collaborated with several non-French artists, like Ivorian percussion group Yelemba D'Abidjan and Egyptian group Ganoub. They toured in Egypt, France, and Belgium. Vocalist Jay C. left the band in 2000 and created Prajña. In 2002, percussionist Mathias Vaguenez and vocalist Leïla Bounous joined the group. The album Everything Must Change came out in 2005 on the Bonsaï Music label.
Carlos Robles Arenas is Mexican. Leïla Bounous is part Algerian, part Breton.She later left and Hend Elwary from Egypt, joined the band in 2014.
n April this year, the St. Petersburg group "Ole Lukkoye" released a new album called "Woodpeckers". This is the first team since the release of the collection "Petroglyphs", published by the American label Trail records in 2010. Due to the same company had the opportunity to hear the music lovers a new job Bardash Boris and his comrades. So, get acquainted, "Woodpeckers" or, as it says on the cover - Dyatly. The musicians recorded the album in two years in different Russian studios. Something was registered in Novosibirsk, something in St. Petersburg, and does it live is called a one-take. As stated in the abstract to the plate, after the material has been recorded, the musicians had the idea to leave everything as it is and as much as possible, to avoid rework. As a result, before finishing the information was recorded only a few vocals and percussion. The track listing for the album "Woodpeckers" consists of five songs, with transitions between them are done so smoothly that it seems as if listening to an endless song. Works quite long, four of them last for about a quarter of an hour, so the listener can immerse themselves in the musicians created "Ole Lukkoye" shamanic atmosphere. Sometimes compositions seem tight, but ethno-psychedelic trance is normal, otherwise there will be total immersion not be done magic. Create a "woodpecker" atmosphere amplify the voice of Boris Bardash and Ness Yanushkovskoy, performing vocal improvisations. Boris, as befits a shaman casts spells, repeatedly repeating them, with neither listen, understand this is unlikely to succeed. For example, in the Russian ear sounding album opens with the composition «Kommuna Ra» words are perceived as a cross between "commune pa - who burrow - a two meter hole." Although, I suppose, what is meant is a kind of spiritual-minded society. He remembers Boris Bardash and Alexander Pushkin, completing the bulk of the records quote his poem "The Prisoner": "We are free birds, it's time, my friend, it's time to ...". Prophetic bird guards kings and trees return to the storm clouds, where "only the wind and walk me." And here involuntarily ask a question, it really nourished "Ole Lukkoye" magic power, which symbolize woodpeckers, leaving the musicians? And who then "I came, I saw, I conquered"? Pictures woodpeckers are used as symbols of various religious trends. For example, for the Gentiles, which include shamans, this is, as already noted above, prophetic bird, a symbol of magical power. Native Americans believed the war birds woodpeckers. In Christianity, the woodpecker symbolizes the devil and heresy undermining faith and human nature. At one of the incarnation, he was on the album "Ola Lukkoye"? It is possible that this work will be the last for the team. Anyway, talk about the termination of activity of the group were. If that's true, "Woodpeckers" will be a very nice end of life "Ole Lukkoye", more precisely, the transition to a different state, because life as we well know, does not stop, and the music is infinite.
Subido por Guayacas La marimba es un instrumento de percusión, un idiófono, de forma parecida al xilófono. Consiste en un paralelepíped...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
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Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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