Ablaye Cissoko - Diam

El maestro de kora, vocalista y compositor Kimintang Mahamadou Cissoko, más conocido como Ablaye Cissoko, nació en 1970 en Kolda, Senegal. Su primer concierto en vivo con la kora fue a los 12 años. Posteriormente, ingresó en el Conservatorio de Música de Dakar.

Ablaye Cissoko forma parte de la nueva generación de artistas aclamados de Senegal. Es uno de los mejores intérpretes de kora de su generación, miembro de la reconocida familia de griots Cissoko/Sissoko y reside en Saint Louis, Senegal.

Si bien su música tiene sus raíces en las antiguas tradiciones mandinka, Cissoko compone material nuevo y es conocido por su interés en colaborar con músicos de la música del mundo, el jazz e incluso la música clásica y barroca.

Ablaye Cissoko lanzó su primer álbum, Diam, en 2003. Ha actuado por todo el mundo y compartido estudio o escenario con artistas de renombre como Randy Weston, Eric Bibb, Constantinople & Kiya Tabassian, Omar Pene, Cheikh Tidiane Seck, Simon Goubert, Volker Goetze, Sophia Domancich, Majid Bekkas y Hervé Samb.



1 Bara (Le Travail)
2 Appel à la Prière à St Louis
3 Kimintang
4 Rose
5 Douna (Le Monde)
6 Ba (Océan)
7 Miro (La Pensée)
8 Tilô (Lumière)
9 Kaïra (La Paix)
10 Kano (L'Amour)
11 Téro (L'Ami)
12 Touba (Ville Sainte de Touba Au Sénégal)

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Yoko Takano - Moruadh

Yoko Takano comenzó a cantar durante sus años de estudiante y se convirtió en cantante profesional alrededor del año 2000. Interpreta canciones tradicionales de los lugares que ha visitado, incluyendo repertorios de las tradiciones celtas de Irlanda, Escocia y Galicia (España), así como canciones tradicionales de Okinawa en Japón.

Además de cantar, toca instrumentos como la pandeireta gallega, el sanshin de Okinawa y la lira. En los últimos años ha ampliado sus actividades internacionales, ofreciendo conciertos en Europa y participando en festivales internacionales de música celta.

También es Dual Pilgrim, habiendo recorrido tanto el Camino de Santiago en España como el Kumano Kodo en Japón, dos rutas de peregrinación reconocidas como Patrimonio Mundial. Ha sido invitada en numerosas ocasiones a ceremonias y eventos conmemorativos relacionados con estas rutas, donde presenta y difunde la música tradicional de Galicia, contribuyendo al puente cultural entre Galicia y Japón.



1. Chove en Santiago / サンティア－ゴに雨が降る 04:22
2. An mhaighdean mhara / Mermaid 03:57
3. Dulaman / ドゥラマン 02:20
4. Tsuki nu kaisha / 月ぬ美しゃ 03:56
5. The quiet land of Erin ～ S muladach mi s mi air m'aineol 03:54
6. She moved through the fair 04:58
7. Greenwood side ～ Ale is dear 03:46
8. Itsumo nando demo / Spirited Away いつも何度でも 03:53
9. No nino novo do vento / 風の中のヒナの巣 04:28
10. Kui nu hana / 恋ぬ花 04:57

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La Família Gitana - Doriav Kali

El sonido de La Família Gitana fusiona flamenco, rumba y tradición gitana, y sus integrantes comparten influencias de ritmos modernos como el rap, el pop, el reggae, el funk, el funaná e incluso el afro house. Cada concierto se vive como un ritual de intensa emoción: «Cuando una gitana canta, muestra todo lo que siente, sin pudor al exponer su alma», comenta el fundador del grupo, Ari Monteiro.



1. Vou com os meus amigos 03:14
2. Destino 03:48
3. A minha terra 04:01
4. Marinheiro 03:07
5. Sou como o mar 04:20
6. À porta de uma cabana 05:48
7. Saber o que queremos 04:28

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Charanga - Borda Tu

..es un proyecto de música electrónica fuertemente vinculado a las raíces de la cultura popular portuguesa, más concretamente al folclore nacional. Si bien utiliza ordenadores, cajas de ritmos, sintetizadores, herramientas virtuales e influencias musicales globalizadas, también incorpora el bombo, la gaita, el violín, el Ti Catarina Chitas al estilo de las fiestas de la cosecha, las panderetas, etc.



1. Kitame a Gaita 03:47
2. Mira-me Toni 03:31
3. T'ácordar 04:35
4. Patelas Rançosas 04:14
5. The Model (Modelito) 02:56
6. O Meu Patrão 03:47
7. Chorar Chorei 03:57
8. O Modo Mudou 03:38
9. Insisto 05:09
10. D'airinhas 03:28
11. Segadinhas 02:30

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Casapalma - JOTAS

Con Jotas, su segundo álbum, Casapalma se adentra de lleno en un espacio donde el folclore montañés se expande y respira con naturalidad dentro de códigos contemporáneos. El dúo cántabro —Irene Atienza y Yoel Molina— continúan en la senda de su primer trabajo, Montañesas, pregonando que al folclore le viene bien el riesgo y un pulso que le conecte con el presente.

Grabado en el valle de Cabuérniga, entre montes húmedos y una cotidianeidad rural que impregna el proyecto de autenticidad, Jotas funciona como un laboratorio. No en el sentido frío de la experimentación técnica, sino como un espacio donde la tradición se somete a una revisión paciente, documentada y profundamente respetuosa. La asesoría de Aurelio Vélez y la atención a los códigos del baile “a lo suelto” sostienen el armazón del disco: cada jota está construida para seguir siendo bailable por quienes conocen la forma, incluso cuando sintetizadores, cajas programadas o texturas electrónicas entran en escena.
Jotas confirma a Casapalma como uno de los proyectos más lúcidos dentro del actual resurgir del folclore ibérico. No porque embellezcan la tradición, sino porque la entienden como un lenguaje permeable, mutable y, sobre todo, comunitario. En su música caben los bailadores veteranos y el público que llega desde la electrónica o el indie; conviven las memorias pasiegas y las pulsaciones digitales que habitan la cultura de hoy.





1. Cómo no vas, cómo no vienes 02:13
2. El Clavel 03:06
3. Esta noche ha llovido 02:38
4. Ya se acabaron las bromas 02:29
5. Una morenuca, madre (feat. Pablo Solo) 03:58
6. Corazón aleonado 03:25
7. El Pajarillo (feat. Repion) 02:53
8. Jota de la pernía 02:59
9. Montañés 02:37
10. A deshoras de la noche (feat. Cristina Len) 03:21
11. Ay, Leré! (feat. Ruiseñora) 02:43

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Charivari - Le Manege

Este disco se inscribe en la bella tradición de la canción francesa. Influenciados por Barback's Ogres, Mano Negra o Noir Désir, pasando por Brassens o Ferré, los ocho músicos aportan el eclecticismo, la originalidad y el toque de locura que los caracterizan en el escenario. Desde la sólida amistad de sus inicios hasta la escena local actual, Charivari trabaja para afianzar su identidad artística y escénica. Han sido reconocidos por la industria musical actual como una banda en ascenso. En vísperas de su primer disco, su madurez artística les ha permitido pasar de las canciones festivas de sus comienzos a composiciones más singulares y elaboradas. Ecléctica y variada, su música evoluciona entre emociones y exaltaciones, baladas conmovedoras y ritmos febriles... Se enriquece con este deseo de dar protagonismo a las letras, a menudo poéticas, a veces delirantes, pero siempre llenas de esperanza. Así, esta nueva obra de 13 temas contribuye al desarrollo artístico de los jóvenes Sarthi, permitiéndoles exportar su música fuera de sus tierras. La Chanson Française etc... (como les gusta decir)





1 Manège I
2 Le Cirque
3 Le Facteur
4 Le Baiser De Vanille
5 Dame Oiselle Et Mister L'Oiseau
6 Darling
7 Dimanche Noir
8 Manège II
9 La Mer
10 Tu Es (Ma Raison)
11 Les Musiciens
12 Laura
13 Manège III

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Toure Kunda - Amadou Tilo

Touré Kunda es una banda senegalesa, reconocida por su versatilidad musical y activismo político. Su trayectoria de 40 años incluye grabaciones en más de seis idiomas y colaboraciones con músicos de renombre como Carlos Santana y Talking Heads . Han cosechado un éxito considerable en África y Europa, y participan activamente en causas sociales como la defensa de los derechos de la infancia y de las personas sin hogar.https://en.wikipedia.org/wiki/Tour%C3%A9_Kunda

Amadou-Tilo está dedicado a Amadou Toure, hermano de Ismaila y Sixu-Tidiane y antiguo miembro de la banda, quien falleció trágicamente en el escenario en 1983. El homenaje de los hermanos restantes es uno de sus mejores momentos y uno de los grandes álbumes surgidos de la escena pop africana de los 80. A diferencia de otras grabaciones, donde cierta dosis de pop comercial lastraba la música, aquí encontraron el equilibrio perfecto entre los ritmos y melodías autóctonas senegalesas y la energía y ornamentación del rock. Si bien aún se percibe cierta influencia del reggae, el estilo es mucho más occidental (aunque no tanto como en el siguiente lanzamiento, Casamance au Clair de Lune). Prácticamente todas las canciones son contagiosas, desde el emotivo dúo de voz y percusión que abre el álbum, pasando por la rítmica "Utamada", hasta la magnífica y extática "Salya", que incluye una interpretación del fallecido Amadou Toure. Incluso las canciones que empiezan de forma bastante insípida ("E'Mbalma") dan un giro inesperado y se adentran en terrenos inolvidables. Se pueden percibir incluso atisbos de "Lambada", que varios de los músicos acompañantes (bajo el nombre de Kaoma) convertirían en un éxito mundial años después. Pero en este álbum son las conmovedoras y trascendentales armonías vocales y las magníficas melodías las que captan la atención y permiten que siga vigente casi 20 años después, cuando gran parte de esa época y género ya había caído en el olvido. Junto con el ya mencionado Casamance y su grabación Live Paris: Ziguinchor, este es uno de los mejores lanzamientos de Touré Kunda y un excelente punto de partida para quienes se inician en su música.



1 Amadou Tilo 2:45
2 Casa Di Mansa 4:20
3 Courrier 5:25
4 Utamada 5:16
5 Labrador 4:47
6 Lemene Kuru 4:41
7 E'Mbalma 3:52
8 Salya 4:54
9 500 F 1:19

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Etran de L'Aïr – Agadez

Originarios de Agadez, capital de la escena guitarrera del Sáhara, Etran de L'Aïr llevan más de 25 años deleitando con su estilo festivo y envolvente. Su nombre significa "Las Estrellas de Aïr" en referencia a la región montañosa del norte de Níger de donde son originarios.

Surgidos en 1995 de la mano de Moussa "Abindi" Ibra cuando sólo tenía 9 años, Etran nació en una época donde la guitarra eléctrica era un lujo en la región. Sus inicios fueron austeros, con una humilde guitarra acústica y utilizando una calabaza golpeada como percusión. Pero su pasión por la música les llevó a recorrer incansables kilómetros para animar bodas y celebraciones populares.

Con los años, y la llegada de más equipos eléctricos a la región, Etran pudo incorporar baterías, guitarras y amplificadores que enriquecieron su propuesta. Pero nunca abandonaron sus raíces ni su espíritu familiar, manteniendo su formación con hermanos y primos de su barrio natal.

Tras décadas de rodaje en el circuito local, en 2018 dieron el salto discográfico internacional con No.1, álbum en directo grabado con un celular que capturaba la energía visceral de sus conciertos frenéticos. Temas extensos plagados de solos hipnóticos y cantos grupales que evocaban la euforia de sus actuaciones en bodas tuaregs.

La crudeza y autenticidad de No.1 radicaba en que fue grabado en las afueras del humilde hogar de la banda en Agadez, capturando la energía del barrio vitoreando y aplaudiendo en el fondo. Un documento que transmitía la experiencia visceral de sus conciertos, con grooves espontáneos, palmas y gritos de júbilo del público en éxtasis.

En 2021 regresaron con Agadez, su segundo álbum, esta vez en estudio. Incorporando reverberaciones y otros recursos, las guitarras adquirieron más brillo y espacio para brillar. Canciones como ‘Adounia’ y ‘Tahawerte Ine Idinette’ desbordan una alegría contagiosa y ritmos irresistibles para bailar.



01. .Imouwizla .(04:27)
02. .Toubouk ine chihoussay .(04:16)
03. .Nak deranine .(04:48)
04. .Tchingolene .(03:14)
05. .Nak igley ismadarana .(04:23)
06. .Tahawerte ine idinette .(05:41)
07. .Alhaire .(02:58)
08. .Adounia .(04:35)
09. .Karade marhane .(03:32)
10. .Tarha warghey ichile .(03:36)

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DaiQing Tana & HAYA Band (黛青塔娜 & HAYA乐团) (2009 - 2022)

DaiQing Tana —también escrito Daiqing y Daichin— es una cantante china nacida en 1983 en el seno de la tribu Taijnar, original de Mongolia, en la localidad de Delingha, Prefectura de Haixi, Provincia de Qinghai, China. De hecho, haciendo una comprobación, veo que esa zona se denomina Haixi Mongolian and Tibetan Autonomous Prefecture, en la Provincia de Qinghai. En carácteres chinos el nombre de la cantante se escribe así: 代青塔娜. Su madre era muy conocida a nivel local como intérprete de música folk mongola, y animó a su hija desde temprana edad cuando ésta mostró interés por la música. DaiQing Tana estudió Interpretación Vocal en la Universidad Minzu en Beijing (China).

En 2006 se unió al grupo musical Haya (哈雅樂團 en carácteres chinos), banda que produce world music (música tradicional de origen étnico y distinta en patrones y procedencia de la cultura anglosajona) y música folk —fusionándose con influencias del pop, el rock, la música sinfonica… — justamente usando la música tradicional de Mongolia como base.

Podemos decir de esta banda que ha ganado tres veces un evento llamado «Golden Melody Awards» que se celebra en Taiwan, en la categoría “Best Cross-Border Music Album” y que han actuado en países como Alemania, Suecia o Canadá. La banda también ha ganado otros premios en su país y sido nominada a otros tantos.

El vocablo haya en lengua mongol podría traducirse por «borde», «filo», «límites» o «márgenes» (edge en inglés) pero una traducción más exacta aún es «marginal», que es una metáfora del estilo de vida de los nómadas mongoles, que viven «al límite», una vida que no es fácil, y más con la irrupción de la modernidad.

En cuanto a DaiQing, podemos decir que en la décima edición de los «Chinese Music Media Awards» (2010) ganó el premio “Best Ethnic Music Artist Award”.

Dai Qing Tana & HAYA Band - Silent Sky (2009)

01 - Silent Sky ........................................ 06:02
02 - Snow Mountain ..................................... 04:30
03 - Ongmanibamai ...................................... 05:41
04 - Qinghai Lake ...................................... 04:40
05 - Passed Time ....................................... 04:22
06 - Dancer in the Darkness ............................ 06:36
07 - Missing You ....................................... 05:35
08 - Golden Bracelet ................................... 05:12
09 - Reborn ............................................ 04:16

Dai Qing Tana & HAYA Band - Migration (2011)

01 - Track the Wind .................................... 05:23
02 - Flying Eagle ...................................... 04:51
03 - Tara .............................................. 06:14
04 - Gayatri ........................................... 03:33
05 - La Li Tune ........................................ 04:55
06 - Lost Lamb ......................................... 04:38
07 - Mangos ............................................ 04:04
08 - The Herdsman ...................................... 04:49
09 - Legend of Haya .................................... 06:46
10 - Tsangyang Gyatso .................................. 03:43
11 - Migration ......................................... 06:44

Dai Qing Tana & HAYA Band - Crazy Horse (2014)

01 - Four Seasons ...................................... 04:06
02 - Samsara ........................................... 06:01
03 - Crazy Horse ....................................... 08:15
04 - Bulage ............................................ 05:47
05 - Bagan's Butterfly ................................. 04:15
06 - White Clouds ...................................... 05:47
07 - The Land of Wolves ................................ 06:01
08 - Inspiration ....................................... 03:41
09 - Crazy Horse (Alt Version) ......................... 05:56
10 - Ocean ............................................. 03:32
11 - A Sheep Song ...................................... 03:44

Dai Qing Tana & HAYA Band - Link (2019)

01 - Link .............................................. 06:32
02 - Hometown Is Paradise .............................. 06:39
03 - October in Qinghai ................................ 05:37
04 - Doria ............................................. 04:23
05 - Dagula ............................................ 05:02
06 - Kunlun Mountain Shepherd .......................... 04:34
07 - Two Owls .......................................... 04:26
08 - Buryat Dance ...................................... 04:39
09 - Isorains of the Great Wall ........................ 05:53

Dai Qing Tana & HAYA Band - Beast (2022)

01 - Beast ............................................. 04:29
02 - White Moon ........................................ 05:41
03 - Blue Raincoat ..................................... 04:45
04 - Light Me Up ....................................... 05:37
05 - A Little Love ..................................... 05:54
06 - Migrating Elephants ............................... 05:12
07 - Sun Moon Sky ...................................... 04:20
08 - Elf ............................................... 05:56
09 - Tengri HAYA ....................................... 05:40
10 - The Dark Side of the Moon ......................... 04:33
11 - I Have My Sample .................................. 04:30
12 - Ground Colour ..................................... 03:53
13 - Can We Just Stop and Sing a Song .................. 05:03

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Peni Candra Rini - Wulansih

Peni Candra Rini (n. 1983) es una cantante y compositora indonesia contemporánea cuyo trabajo fusiona las raíces tradicionales javanesas con sonidos experimentales modernos. Descrita por el Kronos Quartet como «una de las mejores cantantes del mundo», fue galardonada con el Premio Aga Khan de la Fundación en 2022. En el ámbito de las artes javanesas, se convirtió en la primera mujer en recibir un encargo de la corte Mangkunegaran (2023) y recibió el título real de Raden Nganten Tumenggung (2024).

Comprometida con la preservación cultural y la recuperación ecológica, sus composiciones han alcanzado escenarios internacionales. Entre sus obras más destacadas se encuentran Segara Gunung, una suite centrada en el clima encargada por el Carnegie Hall y el Kronos Quartet (2024), y extensas giras mundiales con I La Galigo de Robert Wilson. Con el apoyo de Fulbright, OneBeat y el Consejo Cultural Asiático, continúa su exploración artística a través de próximos álbumes experimentales con el sello New Amsterdam.



1. Estu 05:14
2. Jenang Gula 05:15
3. Pendar-Pendar 06:22
4. Rajah 06:23
5. Warasih 07:32
6. Manik Jekantung 06:45
7. Nanggal Sepisan (Improvisation) 03:59
8. Esemu 04:00

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Joji Hirota-Japanese Folk Songs

Percusionista, compositor, cantante, flautista: Joji Hirota desafía con maestría cualquier definición. Formado como músico clásico en su Japón natal, ha pasado más de la mitad de su vida en Inglaterra, donde fusiona libremente instrumentos e influencias para crear una música única. Su flauta suena como un canto, su canto suena instrumental y su batería tiene un sonido inconfundible.

Joji Hirota nació en Hokkaido, al norte de Japón. Comenzó a estudiar percusión a los once años y a los trece ya componía su propia música. Posteriormente estudió en la Universidad Municipal de Artes de Kioto.

En 1972, el ilustre Stomu Ymashta lo invitó a Inglaterra para ser Director Musical y Percusionista del Teatro del Buda Rojo. Este fue un punto de inflexión. Como el propio Joji afirma, de no haber sido por esa invitación, podría haber permanecido con la Orquesta Filarmónica de Nagoya interpretando la Quinta Sinfonía de Beethoven durante el resto de su vida. Esto lo llevó a convertirse en Director Musical y Percusionista Solista de la Compañía de Danza Lindsay Kemp en 1977, presentando espectáculos en Europa, Canadá, Sudamérica y Japón. En 1991, la compañía ganó el premio Time Out a la Mejor Compañía de Danza por su producción "Onnagata", para la cual Joji compuso e interpretó la música.

A Joji le pareció que Inglaterra era un lugar tan fascinante, «tan lleno de posibilidades», que ha vivido allí desde entonces. El gran interés por la música folclórica en Occidente lo inspiró a explorar la música folclórica de su propia cultura mucho antes de que se tomara en serio en Japón. Él niega estar mezclando tradiciones.

Canciones folclóricas tradicionales japonesas arregladas e interpretadas por Joji Hirota con shakuhachi, taiko, voz y percusión japonesa, con acompañamiento de cuerdas, arpas y voces infantiles. Melodías de una belleza conmovedora evocan imágenes de pescadores en Hokkaido, juegos infantiles en Tokio y cerezos en flor en primavera.



1 Solan Bushi
2 Sakura Variations
3 Kodomo No Uta Medorei (Children's Songs Medley 1)
4 Haru No Umi (The Sea Of Spring)
5 Esashi Oiwake
6 Komori Uta
7 Kokiriko Bushi
8 Jawa Kai No Shima Jima (The South Sea Islands)
9 Komoro Mago Uta
10 Takeda No Komori Uta (A Lullaby From Takeda)

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Trio Da Kali - Bagola

El Trio Da Kali está formado por tres jóvenes músicos, pero con gran experiencia, y provenientes de estirpes de grandes maestros. Hawa Kassé Mady Diabaté es la voz principal e hija del cantante Kassé Mady Diabaté, una de las grandes voces africanas que murió tristemente en 2018. Madou Kouyaté toca el ngoni bajo y es hijo de Bassekou Kouyaté virtuoso del ngoni (mezcla de arpa y laúd). Y Lassana Diabaté, maestro del balafón (xilófono de madera con resonadores de calabaza) y director musical del trío, ha tocado en la Symmetric Orchestra de Toumani Diabaté y ha participado en múltiples e importantes grabaciones, como el proyecto de fusión afrocubana AfroCubism.

BAGOLA Debut full-length solo album by the award-winning Malian trio, TRIO DA KALI In their new album Bagola, Trio Da Kali present newly-composed songs accompanied on balafon and ngoni bass, that provide a rich accompaniment to the spectacular voice of Hawa Kasse Mady Diabaté. She inherits her singing style from her father, the late Kasse Mady Diabaté, who was widely recognised as one of Africa’s all-time greatest singers, and won a Grammy nomination in 2004. Hawa’s voice has an exquisite purity and expressiveness, with a wide emotional range. She is equally at home in the lively, 9/8 rhythms of the title track Bagola, a light-hearted critique of men in Malian society, to the soulful Orpaillage, a song that laments the destruction of land from gold-panning. Orpaillage was in fact composed on the spot in the studio, reflecting the creative chemistry between these three musicians. The musical director of the trio is balafon (xylophone) player Lassana Diabaté, born in Guinea into a well-known family of balafon musicians. His remarkable dexterity on the balafon earned him a place in Toumani Diabaté’s Symmetric Orchestra, and later on in the group Afrocubism (featuring Eliades Ochoa). He has collaborated with many musicians, including bluesman Taj Mahal on the album Kulanjan. With two balafons of 22 rosewood keys each, tuned to play chromatic scales, Lassana Diabaté achieves a perfect balance of rhythm, melody, harmony and virtuosic embellishment. David Harrington, leader of Kronos Quartet, compares him to none other than JS Bach. Underpinning the balafon with compulsive groove, is the ngoni bass, played with brilliant musicality by Madou Kouyaté (son of Bassekou Kouyaté and member of his group Ngoniba). Madou, the youngest member of Trio Da Kali, also adds rich harmonies with his deep breathy voice to the songs. Trio Da Kali was founded in 2013 under the initiative of the Aga Khan Music Programme, with the help of three-times Grammy-nominated music producer Lucy Durán. The Trio first rose to international fame with their sublime album Ladilikan (World Circuit Records 2017), featuring an unprecedented and multi-award-winning collaboration with Kronos Quartet, the legendary classical string quartet from San Francisco. Bagola is a showcase of Trio Da Kali’s entrancing and unique sound, only equalled by their magical performances on stage.



1. BAGOLA 03:34
2. DADUNKAN 04:06
3. CELA SIGUI 03:50
4. TULUNKE 03:18
5. ORPAILLAGE 04:49
6. DISSA 03:10
7. WARA 04:12
8. NANA TRIBAN 03:57
9. FAKOLY 04:33
10. LATEGE 04:06
11. DEME 05:05 video

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Isao Tomita- Snowflakes Are Dancing -1974- (2004 Remastered Limited Edition)

Isao Tomita (en japonés: 冨田 勲, Tomita Isao), (Tokio, 22 de abril de 1932 - 5 de mayo de 2016), también conocido como Tomita, fue un renombrado músico y compositor japonés que se caracterizaba por fusionar piezas de música clásica con sintetizadores y otros instrumentos electrónicos. Es también considerado uno de los pioneros de la música electrónica. Recibió cuatro premios Grammy por su disco de 1974 Snowflakes Are Dancing.https://es.wikipedia.org/wiki/Isao_Tomita



01 - Snowflakes are Dancing [Children's Corner No. 4]
02 - Reverie
03 - Gardens in the Rain [Estampes No. 3]
04 - Clair de Lune [235k MP3] [Suite Bergamasque No. 3]
05 - Arabesque No. 1
06 - The Engulfed Cathedral [Preludes Book 1 No. 10]
07 - Passepied [Suite Bergamasque No. 4]
08 - The Girl with the Flaxen Hair [Preludes Book 1 No. 8]
09 - Golliwog's Cakewalk [Children's Corner No. 6]
10 - Footprints in the Snow [Preludes Book 1 No. 6]

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Nêgah Santos - Forró Da Nêgah

Nêgah Santos is a Brazilian-American percussionist, singer, and composer based in New York City whose work bridges Brazilian and Latin traditions from the African diaspora, Jazz, and contemporary popular music - embracing the openness and creativity, exploring the intersection of culture, groove, and improvisation, connecting audiences through the universal language of rhythm.

Recognized for her sensitive musicality and dynamic rhythmic approach, Nêgah Santos has built a reputation as a versatile and expressive collaborator across a wide range of musical settings.

After moving from Brazil to the United States, and graduating from Berklee College of Music, Nêgah Santos has toured extensively around the world and has become an active presence in New York’s vibrant music scene, performing with internationally acclaimed artists and appearing on major stages and broadcasts including The Late Show with Stephen Colbert - as a performer and co-writer of the house band for the past 9 years, earning two Academy Awards and a Peabody.

Some of the artists Nêgah Santos has collaborated with are Jon Batiste, Terri Lyne Carrington, James Taylor, Meshell Ndegeocello, Lake Street Dive, Jon Bellion, Lakecia Benjamin, Louis Cato, Cory Wong, Lawrence, Clinton Cerejo, Joyce Moreno, Alcione, Jorge Aragão, Lia de Itamaracá, Tony Tornado, Riverdance among others.

With her own project, Nêgah Santos pays homage to her Brazilian heritage, composing and arranging music that brings together her influences with all the different communities she has been able to experience and learn from. Whether performing on stage, recording in the studio, collaborating on new artistic projects, or writing compositions of her own, Nêgah Santos approaches rhythm as both foundation and storytelling tool.



1. Ô Cocada! 02:17
2. Trago Côco e Xaxado feat. Louis Cato 02:28
3. Forró Mais Cedo 03:10
4. Você Chegar 03:51
5. Moça Nordestina 02:23
6. Ser Feliz Por Aí 03:09

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