Alrededor de Kidal, el desierto malí se extiende en todas direcciones. Horizontes interminables de roca y arena, estériles y resecos. Este es el extremo suroeste del Sahara, el hogar del pueblo Tuareg, y la ciudad de Kidal es uno de sus principales centros culturales. Luchó, conquistó y reconquistó, sigue siendo el símbolo del desafío y de la esperanza de los Tuareg, el hogar espiritual de un pueblo desposeído.

También es la ciudad en la que Tamikrest se unió por primera vez en grupo, y en Kidal, el cuarto álbum de estudio de Tamikrest, la banda rinde homenaje a este lugar que los ha nutrido a ellos ya su gente.

Es un grito de sufrimiento y el grito de rebelión. Es poder y resistencia. Se trata de un puro rock'n'roll tuareg.

"Kidal habla sobre la dignidad", dice Ag Mossa. "Consideramos el desierto como un espacio de libertad para vivir. Pero muchas personas lo consideran como un mercado para vender a las empresas multinacionales, y para mí es una gran amenaza para la supervivencia de nuestros pueblos nómadas".

Los tuareg siempre han sido personas nómadas, sus vidas en movimiento a través del desierto, a veces llevando consigo sólo lo esencial. Pero por un breve momento tuvieron un hogar después de que los tuaregs se levantaran en 2012 y declararan el estado independiente de Azawad en el noreste de Malí. Duró menos de un año, cuando los primeros conductos de al-Qaeda arrasaron desde el norte, imponiendo el gobierno islámico, y luego los militares franceses llegaron para liberar el área - una vez más dejando a los tuareg con poca o ninguna oportunidad de autodeterminación. Pero el sueño sigue siendo, todavía atrapado entre los gobiernos y la codicia de las corporaciones globales.

"Kidal, la cuna de todas estas revueltas, continúa resistiéndose a los muchos actos perpetrados por manos oscuras contra nuestro pueblo", señala el asociado de la banda Rhissa Ag Mohamed. "Este álbum evoca todo el sufrimiento y la manipulación de nuestras poblaciones atrapadas en tenazas por todas partes".

Las canciones de Kidal evocan una larga historia. Y para toda la electricidad, como observa Ag Mossa, "Es muy tradicional si profundizas en lo que estoy tocando".

Aquí todo está enfocado. Todo arde. Ag Mossa puntúa sus letras con pernos inspirados de la guitarra. Incluso una canción acústica como "Tanakra" mantiene un borde luminoso.

Con Kidal, ese resplandor está rugiendo. Grabado en Bamako, Malí en el verano de 2016, el álbum fue producido por Mark Mulholland (Orquesta Experimental Afro-Haitiana) y mezclado por David Odlum, quien recibió un Grammy por su trabajo con Tinariwen. Es un álbum que toma dos años para hacer, dice Ag Mossa, "porque compartimos las mismas dificultades de nuestra gente". Y las canciones aquí reflejan sus alegrías, su dolor y su falta de voluntad para aceptar las cosas tal como son.

Hay una belleza cruda en el rock'n'roll de Tamikrest. Está ahí en la conducción, el insistente groove que impulsa las canciones, las líneas de bajo y serpenteantes de bajo y las guitarras que se entrelazan y se retuercen alrededor de las melodías, y la mezcla musical completamente natural del Sahel de África, Magreb y Occidente. Influencias tan diversas como Pink Floyd, Rachid Taha, y el flamenco. Sin embargo, el Sahara, y la gente que vive allí, siempre está firmemente en su corazón.

"Esta música se fundó en una causa muy precisa, la causa de los tuareg", dijo Ag Mossa al periodista Andy Morgan en 2013. Pueden ser amenazados por todos lados, pero no se rinden y este álbum celebra quiénes son los tuareg, El Kel Tamasheq ("los que hablan Tamasheq"), los guardianes de una voz cultural antigua y en peligro de extinción.

El nuevo álbum de Tamikrest es la música del desafío, de la esperanza. Es el rock'n'roll del Sahara, el sonido del sueño tuareg, un sueño que se renovará de nuevo, en su pueblo ancestral: Kidal.





Mawarniha Tartit
Wainan Adobat
Manhouy Inerizhan 
War Toyed 
Atwitas 
Tanakra 
War Tila Eridaran 
Ehad Wad Nadorhan 
Erres Hin Atouan 
Adoutat Salilagh 
Adad Osan Itibat 

flac+covers





"The new album narrates urban life. It is rather personal music, bound up with this city, there are images of an asphalt jungle and a house that is being built in a city, and we always support the ones who don't have power." -Baba Zula — Qantara.de
The new Baba Zula album is called "Gecekondu," a term used in Turkey for illegal settlements built on the fringes of major cities like Istanbul or Ankara. These growing slums, built with the simplest materials, have become home to many newcomers trying their luck in urban centers.
One could argue, though, that there's more dignity and beauty in the gecekondus than in the ritzy financial districts now conquering the legendary inner city areas of Istanbul. One example is a historic district situated in the shadows of the Byzantine city wall, known as Sulukule, which has been almost completely torn down.
The band opposes the gentrification of Istanbul.






1. Abdülcanbaz
2. Kelebekler Kuşlar
3. Efkarlı Yaprak
4. Hopçe Açış
5. Hopçe
6. Le Furet Dans La Forêt En Feu
7. Temptation
8. Hayde Hayde
9. Komşu Açış
10. Komşu
11. Temptation (Enstrümantal)



The vocal ensemble Trio Mediaeval was founded by Linn Andrea Fuglseth in Oslo in 1997. For sixteen years, the three original members Anna Maria Friman, Linn Andrea Fuglseth and Torunn Østrem Ossum constituted the trio. In December 2013, Torunn left the group. Linn Andrea and Anna Maria are now joined by Berit Opheim, who has been singing with the ensemble regularly since 2010.

The trio's core repertoire features sacred monophonic and polyphonic medieval music from England, Italy and France, contemporary works written for the ensemble, as well as traditional Norwegian, Swedish and Icelandic ballads and songs, mostly arranged by the group members. During the last eight years, the trio has developed exciting collaborations with both individual musicians as well as larger ensembles/orchestras.
http://www.triomediaeval.no/trio-medival





1   St Birgitta Hymn – Rosa Rorans Bonitatem Arranged By [Arr.] – Arve Henriksen, Trio Mediaeval*Written-By – Nils Hermansson 4:20
2 O Jesu Dulcissime Arranged By [Arr.] – Arve Henriksen, Trio Mediaeval*Written-By – Anonymous, Tvisöngur C17, Iceland* 5:05
3 ¡Om Ödet Skulle Skicka Mig Arranged By [Arr.] – Anna Maria FrimanWritten-By – Traditional Folk Song, Småland, Sweden* 1:19
4 Morgunstjarna Arranged By [Arr.] – Anna Maria FrimanWritten-By – Anonymous, Tvisöngur C17, Iceland* 3:07
5 Rís Upp, Drottni Dýrð Written-By – Anonymous, Tvisöngur C17, Iceland* 1:06
6 St Magnus Hymn – Nobilis Humilis Arranged By [Arr.] – Arve Henriksen, Trio Mediaeval*Written-By – Anonymous, C13, Orkney* 4:22
7 Láta Gjalla Létt Og Hátt Arranged By [Arr.] – Arve Henriksen, Trio Mediaeval*Transcription By [After] – Þuriður FriðriksdóttirWritten-By [Rima, Iceland] – Unknown Artist 2:38
8 Brureslått Arranged By [Arr.] – Berit OpheimTranscription By [After] – Anders SagenWritten-By – Traditional Wedding Tune From Vik, Sogn, Norway* 3:16
9 St Sunniva Hymn – Eterna Christi Munera Arranged By [Arr.] – Arve Henriksen, Trio Mediaeval*Written-By – Anonymous, C13, Bergen, Norway* 3:56
10 Krummi Written-By – Anna Maria Friman, Arve Henriksen 2:25
11 Anda Þinn Guð Mér Gef Þú Víst Arranged By [Arr.] – Anna Maria FrimanWritten-By – Anonymous, Tvisöngur C17, Iceland* 3:29
12 Sulla Lulla Arranged By [Arr.] – Linn Andrea FuglsethTranscription By [After] – Sondre BratlandWritten-By – Traditional Folk Song, Østerdalen, Norway* 2:17
13 Du Är Den Första Arranged By [Arr.] – Anna Maria FrimanTranscription By [After] – Sofia SandénWritten-By – Sjömansvisa, Traditional Shanty, Sweden* 4:06
14 Alma Redemptoris Mater Written-By – Anonymous, Chant* 2:40
15 BÍum BÍum Bambaló Arranged By [Arr.] – Linn Andrea FuglsethTranscription By [After] – Bergsveinn BirgissonWritten-By – Traditional Folk Song, Iceland* 2:23
16 Jag Haver Ingen Kärare Arranged By [Arr.] – Anna Maria FrimanWritten-By – Traditional Folk Song, Småland, Sweden* 2:11
17 Gammelkjerringvalsen Arranged By [Arr.] – Paul Gunnar LienWritten-By – Traditional Folk Song, Fron, Gudbrandsdalen, Norway* 2:10




Agrim Agadez es una recopilación de grabaciones de campo contemporáneas de música de guitarra del imperio saheliano de Níger. Centrándose en la música de la guitarra en todo el país, desde baladas de estrellas de meditación, borrosas cubiertas de Hendrix, bandas de boda de trapo, a los guitarristas folk políticos. Una hermosa encapsulación de la diversidad de la guitarra tal como existe hoy, registrada durante años de viajes.

Como la mayor parte del Sahel, la guitarra se encuentra en todos los rincones de Níger. Ya sean acústicas, eléctricas, o construidas a mano, las guitarras son posesiones muy preciadas y siguen inspirando. Cada rincón de Níger tiene lenguas, costumbres y culturas particulares, y cada rincón ha tomado el instrumento y lo ha transformado de una manera especial: de las bandas de bar de la tierra del Hausa del sur, pastoral pastoral con autodidactos de la aldea, Músicos, a los guitarristas folk políticos.

Agrim Agadez sigue los sonidos escuchados tocando en casetes, buscando a los legendarios héroes locales en sus ciudades natales, y tropezando con los músicos en encuentros accidentales. El récord resultante es un documento de la guitarra como se ha oído, experimentado en los estudios al aire libre de Níger con un solo micrófono - con telones de fondo de las voces de los niños, los grillos, y el ambiente del pueblo.

https://sahelsounds.bandcamp.com/album/agrim-agadez




1. Fatou Seidi Ghali - Migrid Noulhawan 03:15 
2. Etran De L'Aïr - Iban Mano D'Ikhya 06:10 
3. Mdou Moctar - Adounia Tiyoun 04:01 
4. Mohamed Karzo - C'est La Vie 04:49 
5. Azna De L'Ader - Hey Joe 04:06 
6. John Safokoley - Anashua 05:31 
7. Etran De L'Aïr - Agrim Agadez 05:48 
8. Kel Tangawal - Yayela 04:16 
9. Ahmed Ag Kaedi - Imouhagh Siwlat 03:31 
10. Amaria Hamadalher - Bahouche 03:04





Es el lugar olvidado. Situada entre las montañas del noroeste de Túnez y la frontera argelina, el valle del Bargou y el pueblo que lleva su nombre se encuentran aislados, alejados del mundo. Es país pobre y estéril, pero aparte, Bargou ha desarrollado su propia cultura que nunca había sido documentada hasta que Nidhal Yahyaoui comenzó la tarea. Nacido en el valle, creció escuchando que sus padres y su familia cantaban las canciones que pertenecían a la región, y estaba decidido a que la música y las tradiciones no se escaparan a la oscuridad. Con Targ, el álbum que hizo con su banda Bargou 08, Yahyaoui ha fundido perfectamente el pasado y el presente para colocar Bargou en el mapa.

"Nidhal empezó a coleccionar canciones de todo el valle hace más de diez años", explica el productor y tecladista Sofyann Ben Youssef, que es conocido por Yahyaoui desde que tenían diez años. Nadie había hecho eso antes. Escuchaba a las mujeres, a los ancianos del pueblo, y aprendía todas las variaciones de las canciones. Ésta es su pasión, y él me pidió que me uniera a él.

Juntos, reunieron un colectivo de músicos locales y europeos que pasaron tres semanas jugando en la casa de la familia Yahyaoui en el pueblo de Bargou. Ellos trabajaron en el material, formando un sonido que aprovechó el poder de la tradición y lo conectó a algo que los jóvenes entenderían.

"Estas canciones están todas en el dialecto Targ", dice Ben Youseff. "Es parte de Berber, parte árabe, la gente de la lengua habla en el valle. Muchas de estas piezas tienen más de trescientos años de antigüedad. Después de los cambios en Túnez en 2011, sentimos que era hora de una nueva relación con nuestras raíces, de tener algo fiel al pasado pero que también era inteligible para los jóvenes. Pasamos tres semanas en Bargou, con gente de la zona, actuando y escuchando. En el momento en que empacamos, sentimos que estábamos creando algo que logró eso. "

Ellos tomaron la música que habían creado en la carretera, jugando en las ciudades y pueblos de todo Túnez y en todo el mundo, incluyendo las actuaciones rugientes en el famoso festival de Roskilde en Dinamarca y el festival de selva tropical en Sarawak. Para la gira, Bargou 08 se convirtió en una banda de cinco piezas, con Yahyaoui en voz y loutar, Ben Youssef en Moog, junto con tambores, bendir, y gasba y zokra flautas. Cuando llegaron a Bargou para grabar finalmente, habían afinado sus ideas y sabían cómo sonaría el álbum.

"Fue importante para nosotros grabar allí y usar algunos músicos locales en el disco. Pero también queríamos que los jóvenes de la aldea se dieran cuenta de que algo podía crearse allí y que no necesitaban mucho dinero para hacerlo, para inspirarlos ".

Hecho en el transcurso de tres semanas en la casa de la familia Yahyaoui, cortó cerca de la tradición, sacando su poder de la raíz, con el sintetizador de Ben Yousef agregando sutiles toques en los extremos superior e inferior.

"Todo pasa por el ritmo de esta música", dice. "Si lo comprendes, la imagen se vuelve mucho más clara. Traté de imaginar lo que habría sucedido si un avión lleno de Moogs se hubiera estrellado en el valle hace años. ¿Cómo los habrían integrado en su música? Eso fue lo que hice, sólo algo simple pero eficaz. Mantuve los instrumentos y la voz en el medio y realzó las frecuencias superior e inferior. Las líneas de bajo que toco son ritmos tradicionales; Acabo de engordar en el teclado. Para mí, simplemente estaba tocando música tradicional ".

Fardos de heno se amontonaron en las habitaciones para actuar como deflectores acústicos. Ben Yousef montado en la cocina, operando el equipo de grabación con una mano y jugando Moog con la otra. Era un montaje improvisado, pero capturó el fuego y la energía de las actuaciones de los músicos. Pero todo gira en torno a la voz de Yahyaoui. Crudo y emotivo, lamentable y apasionado, lleva orgullosamente todo el peso de la historia. Y por debajo, el bajo grueso y graso lleva la música firmemente hacia el siglo XXI.

Pero en el corazón están las canciones mismas, y las penetraciones que ofrecen en la vida del valle de Bargou con tiempo.

"No elegimos el material de Targ", dice Ben Yousef. "Las canciones nos eligieron. El lugar hizo la selección para nosotros. Ellos lo trajeron todo vivo. Mamchout, por ejemplo, es un hombre que describe a su amante, diciendo que su pelo se siente como las plumas de un águila, tan oscuro. Las palabras hablan de cómo se hablan, de cómo se besan y hacen el amor, pero todas formuladas de una manera que obedece el tabú de la época. Es historia en la mano.

El canto de Yahyaoui, ya sea sobre el amor o la sensación de diferencia y aislamiento que marca el pueblo Bargou, capta cada capítulo de la emoción en las canciones, haciéndolas tan reales y concretas que las canciones podrían haber sido escritas ayer. A su alrededor, los ritmos explosivos de la batería y la percusión dan un poder primordial a los surcos de los bajos. Es el trance del pasado que emerge de los altavoces.

Lassaed Bougalmi – gasba, zokra (traditional reed instruments)
Imed Rezgui – bendir (percussion)
Nidhal Yahyaoui – vocals, wtar (oud-like instrument)
Sofyan Ben Youssef – synthesizer, musical director Benjamin Chaval – drums

https://www.theguardian.com/music/2017/feb/16/bargou-08-targ-review-gutsy-entertaining-songs-from-tunisias-highlands
https://bargou08.bandcamp.com/album/targ
http://glitterbeat.com/artists/bargou08/






1. Chech el khater 04:38 
2. Mamchout 04:34 
3. Le min ijina 04:04 
4. Tarjaachi layem 05:29 
5. Wazzaa 05:19 
6. Hezzi haremek 05:27 
7. Dek biya 04:44 
8. Roddih 03:28 
9. Sidi el kadhi 04:54


The ukulele (from Hawaiian: ʻukulele), sometimes abbreviated to uke, is a member of the guitar family of instruments; it generally employs four nylon or gut strings or four courses of strings.

The ukulele originated in the 19th century as a Hawaiian interpretation of the machete, a small guitar-like instrument related to the cavaquinho, braguinha and the rajao, taken to Hawaii by Portuguese immigrants. It gained great popularity elsewhere in the United States during the early 20th century, and from there spread internationally.

The tone and volume of the instrument varies with size and construction. Ukuleles commonly come in four sizes: soprano, concert, tenor, and baritone. (Wikipedia)


2000 - Kuchibue To Ukulele (featuring Naoto Takenaka)
01. Bittersweet samba
02. Raindrops Keep Falling On My Head
03. Moon River
04. Love
05. My Blue Heaven
06. Love is a many splendored thing

 


 2008 - Kuchibue To Ukulele 2 (featuring Naoto Takenaka & Kimiko Wakeyama)
01. Intro
02. Venus [Shocking Blue]
03. Tie a Yellow Ribbon Round the Old Oak Tree [Tony Orlando & Dawn]
04. Theme From A Summer Place [The Percy Faith Orchestra]
05. My Uncle [Alain Romans, Franck Barcellini]
06. Suzhou Nocturne [Li Xianglan]
07. Karma Chameleon [Culture Club]
08. As The Tears Go By [The Rolling Stones]
09. La Mer [Charles Trenet]



Baaba Maal, the Senegalese master-musician and cultural warrior, has an electrifying new sound and exhilarating live presentation.

The Traveller, his imminent album, Baaba’s eleventh, is scheduled for release in January 2016, a mixture of roots African sounds and cutting-edge western electro elements.

Complementing the record Baaba has a tight new road-band, a six piece, a departure from his previous larger line-ups, that will express the fresh sound, soulful truth and pulsating excitement of his latest innovative music.

A number of keynote headline concerts are scheduled. These include a performance in December 2015 at the Blues du Fleuve, the festival Baaba Maal has established in his home town of Podor, on the river Senegal.

The Traveller was recorded in London and Senegal; in making the record Baaba Maal has collaborated with Johan Hugo Karlberg from The Very Best. The Very Best’s two albums were genre-shattering, bright meshes of Afropop and electro; Karlberg has also worked with M.I.A, Coldplay, and Amadou and Marian, among many others.

‘Baaba is an amazing guy: he’s seen it all and done it all,’ says Karlberg. ‘He’s heavily involved in amazing projects all over the world that help people, so he’s a very inspiring person to be around and work with. It was just an honor to be able to have so much fun together and make music.’

‘I am so inspired by The Traveller,’ says Baaba Maal. ‘Working with Johan I feel we have achieved a perfect blend of sensibilities drawn not only from Africa and Europe but from all over the globe: I feel The Traveller defines how the planet looks at this time from the point-of-view of Senegal, Africa’s most westerly country. And despite many problems in many places, that view is extremely positive and inspiring.’



01. Fulani Rock
02. Gili Men
03. One Day
04. Kalaajo
05. Lampenda
06. Traveller
07. Jam Jam
08. War
09. Peace







Un homenaje a la memoria de las víctimas de la trata de esclavos. Este nuevo proyecto multicultural de Jordi Savall y sus músicos sobre Las Vías de la Esclavitud (1444-1888) marca el primer lugar en la historia de la música y de los tres continentes involucrados en el comercio de esclavos africanos y su explotación en el Nuevo Mundo Se unen a través de la música antigua del período colonial, las tradiciones musicales de Malí y las tradiciones orales de los descendientes de esclavos en Madagascar, Brasil, Colombia y México. Esta "Memoria Musical" está acompañada de textos históricos sobre la esclavitud, comenzando con las primeras crónicas de 1444 y concluyendo con textos escritos por el Premio Nobel de la Paz Martin Luther King poco antes de su asesinato en 1968. Patrocinado por la UNESCO, esta reconciliación musical es Fundada en la igualdad, la armonía y la inspiración recíproca, constituyendo la conmemoración de un capítulo trágico y vergonzoso en la historia de la humanidad. Un vasto fresco histórico y musical que arroja luz sobre la actitud de Occidente hacia los africanos en América Latina, Estados Unidos y Europa, así como su indiferencia hacia ese continente africano "olvidado". Pero también es una alegre celebración de corazones y espíritus unidos a través de la música y la danza, ofreciéndonos a todos una fuente vital de supervivencia, un refugio de paz, de consuelo y de esperanza.



Brand new, rambunctious, rootsy, spiritual brass-band music from Lagos, with singing, drums and home-made percussion. Obadikah is a group of old friends who play together in the Cherubim & Seraphim and Baptist churches of the Ikeja and Isale Eko districts. A couple of them were founder-members of the Eko Brass Band; they’ve played with pretty much all the key Nigerian reggae artists. The tunes are mostly traditional Yoruban melodies, often sung at bed-time. The songs are mostly original, sung in Yoruba (though Jomido is an Egun song from the Badagry area of Lagos state).



A1 April 8
A2 Keke Kan
A3 Olorum Kan
A4 Agbara Temi Ko
A5 Iwo Ore Mi
B1 Ajantiele
B2 Erin
B3 Obadikah
B4 Jomido
B5 Orbete

http://honestjons.com/shop/artist/Obadikah/release
http://www.juno.co.uk/products/obadikah/632968-01/





Orange Blossom is a French band that plays a mix of electronic and world music.

The band was formed in Nantes in 1993 with Pierre-Jean Chabot (known as PJ Chabot) on violin and Jean-Christophe Waechter (known as Jay C.) on percussions and vocals. In 1994, Éric (organ) joined the band and a first audio tape was recorded in September. In 1995 the band stabilized with the arrival of Carlos Robles Arenas on drums, djembé, and sample, and the departure of Éric.[1] Their first disc, Orange Blossom, came out in 1997 on the Prikosnovénie label, selling 15,000 copies.

Before their second album came out, the group was influenced by ethnic and traditional music. They met and collaborated with several non-French artists, like Ivorian percussion group Yelemba D'Abidjan and Egyptian group Ganoub. They toured in Egypt, France, and Belgium. Vocalist Jay C. left the band in 2000 and created Prajña. In 2002, percussionist Mathias Vaguenez and vocalist Leïla Bounous joined the group. The album Everything Must Change came out in 2005 on the Bonsaï Music label.

Carlos Robles Arenas is Mexican. Leïla Bounous is part Algerian, part Breton.She later left and Hend Elwary from Egypt, joined the band in 2014.



1997 Orange Blossom




1 Anaconda Girl 
2 Maria Del Sol 
3 Bata 
4 N. 
5 Die Stadt 
6 I'm Dying 
7 Trinity 


2005 Everything Must Change



1 Maldito (Cursed) 
2 Habibi (My Darling) 
3 Cheft El Khof (I've Seen Fear) 
4 Desert Dub 
5 Nafsi (My Soul) 
6 Souffrance 
7 Blama 
8 Yazaman (A Long Time Ago) 
9 Denya (Life) 
10 Bendimina (My Heart Is Aching) 
11 Ayoub (hidden track) 



2014 Under the Shade of Violets 



1 Ommaty 
2 Lost 
3 Ya Sîdî 
4 Pitcha 
5 Jerusalem 
6 Maria 
7 Goodbye Kô 
8 Mexico 
9 The Nubian 
10 Black Box 
11 Pink Ma 
12 Aqua 




Vegetal Jam es una mermelada de ritmos con sabor a tierra de aquí y de allá, una mezcla de músicas de raíz, con sonidos clásicos y contemporáneos. Para ser degustada con los cinco sentidos, saboreada con los oídos y escuchada por los pies.
Vegetal Jam son scottish, mazurkas, jotas, fandangos, arin arin, valses, rondos, chapeluas, bourrée, polkas y un sin fin, temas de composiciones propias inspirados siempre en la tierra. Música neo-trad, folk independiente. Vegetal jam es música natural, sin azúcares añadidos, aptas para bailar, escuchar, sentir y disfrutar. Los ingredientes de esta mermelada son Miguel Guallar (Chelo y violín) y David Aznar (Acordeón cromático)
Entre noviembre y diciembre de 2013, grabamos nuestro segundo disco Valnerols de nuevo en los estudios de Luna Nueva. Tiene 15 temas compuestos en su totalidad por el dúo. El 22 de febrero de 2014 lo mostramos al mundo en el Teatro Arbolé de Zaragoza.
 Es un disco auto financiado 100% En el disco colaboran Jonás Gimeno con las panderetas en "La Vascorelli" y "Tximeleta", Julian Ansuátegui con el Bodhran en "Tchai" y "Espantacierzos" y Susana Arregui (Violín), Pilar Gonzalvo (Arpa), Julián Ansuátegui (Udu) y Miguel Ángel Fraile (Whistle) del grupo O'Carolan en "Nana de Marzo". El diseño es de la gran María José Llorente de nuevo. "Soñar hace que un jardín se convierta en una gran montaña, que un canal sea un gran río, que un árbol con un agujero cuente cuentos y que la libertad se produzca cada noche junto a la almohada. Tal vez soñando se encuentre lo que tanto se busca. Sólo hay que querer, Sólo hay que soñar:; de todo lo demás se encargan esos seres de siempre, esos a los que nunca se les ha llamado; esos que siempre están ahí, felices, alegres y traviesos, en cualquier elemento de la naturaleza, esos que te aunan a ella; hojas, polen, aromas, sensaciones, recuerdos... Al final del día, cuando cierras los ojos, descubres todo aquello que te han aportado, incluso intuyes que alguno te ha acompañado... ya sabes quienes son los Valnerols."
 Podéis conseguir el disco a través de nuestro mail: vegetaljam@gmail.com



 Vegetal Jam-Valnerols



The new album Elwan by Tinariwen could well have been called Exile on Main Street. Others have already thought of that, but the idea is apt. As is the painful paradox, if you consider that while Tinariwen were criss-crossing the globe on their recent triumphant tours, the frontiers that encircle their desert home were closing and forcing them into exile to record their new album Elwan.

In recent years, Tinariwen's homeland, a Saharan mountain range between north-eastern Mali and southern Algeria, has been transformed into a conflict zone. While the songs on the new record evoke those cherished deserts of home, they were recorded a long way away in two distinctive bursts.

In 2014 the band stopped at Rancho de la Luna studios in the desert of California’s Joshua Tree National Park. While location proved particularly propitious in terms of creativity, the human climate was just as favorable, as musicians dropped by to add their own touch. Guitarist Matt Sweeny (Johnny Cash, Bonnie Prince Billy and Cat Power), Kurt Vile, musician Alan Johannes, who produced Queens of the Stone Age, a band with whom Mark Lanegan, the other guest has been a singer. All of it honed by engineer Andrew Schepps, who has worked with the Red Hot Chilli Peppers, Johny Cash, and Jay Z. Two years later in M’Hamid El Ghizlane, an oasis in southern Morocco, near the Algerian frontier, the band set up their tents to record, accompanied by the local musical youth and a Ganga outfit (a group of Berber ‘gnawa’ trance musicians).

The resulting album is called Elwan (‘The Elephants’), not Exile On Main Street, though it fits nicely into that ‘road record’ category. In American cinema, a road movie always unfolds the same way. Characters travel in search of some truth or revelation. But they always end up reconnecting with their own past. Of course, it’s an impossible return, because that past has been erased. It’s the same for this record, so musically powerful and yet poignant: every song evokes a land that can no longer be found, with all that this implies in terms of emotional range, from nostalgia for a joyous past to the tragic recent loss of a territory, and of the dream that it nourished.

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1. Tiwàyyen
2. Sastanàqqàm
3. Nizzagh Ijbal
4. Hayati
5. Ittus
6. Ténéré Tàqqàl
7. Imidiwàn n-àkall-in
8. Talyat
9. Assàwt
10. Arhegh ad annàgh
11. Nànnuflày
12. Intro Flute Fog Edaghan
13. Fog Edaghàn








Abou Diarra es un músico Malíen de la región de Sikasso que ahora vive en París. Su instrumento principal es el kamale ngoni o arpa joven, una versión secularizada del donso ngoni (arpa de cazador) que tiene usos principalmente ceremoniales es algo así como un cruce entre el pequeño ngoni y la kora. Diarra era discipulo del último Vieux Kante, ampliamente reconocido como el gran innovador del instrumento. Este es su cuarto álbum; Su concepto es unir las tradiciones Mandé con el blues americano. Está trabajando con el director musical Nicolas Repac, el hombre detrás de los maravillosos álbumes de Mamani Keita, conocidos como Mali-meets-electro, y el resultado es otro éxito. La unidad de trabajo de Diarra, la Banda de Donko, es aumentada por una serie de invitados: Repac está en la guitarra y muestras en todas partes, Toumani Diabate se sienta en kora, el arpista de blues Vincent Bucher sobresale en varios números. La pista 2 es la más directamente basada en blues, pero también cuenta con Simon Winse en la flauta exagerada de Fula y una voz principal de la madre de Abou, Koya. 4 saca una página del cancionero Amadou & Mariam, 9 es un atasco atmosférico bluesy 10 recuerda a las colaboraciones de Repac-Keita. Este es Afropop de primera categoría.



1 Né Nana 05:09
2 Koya Blues 03:04
3 Djarabi (feat. Toumani Diabaté) 04:07
4 Tunga 03:35
5 Djalaba 03:19
6 Mogo Djigui 03:51
7 Sougou Mandi 03:52
8 Kamalen Kolon 04:40
9 AbouNicolas 04:08
10 Ma chérie 03:47
11 Labanko (feat. Toumani Diabaté) 04:40




Las canciones de edad media - melodías suaves, vocales espléndidos - un repertorio compuesto de Cantigas de St. Maria, Carmina burana, Libre Vermell, canciones antiguas sefardíes, occitanas, nórdicas y centroeuropeas acompañadas con instrumentos musicales históricos.
http://www.braagas.com/es/banda.html




The fourth studio-album by BraAgas. The title alone (Fuerte means strong in Spanish) shows that there were some changes compared to previous recordings, the album contains more dynamic, almost dance songs. Of course, it is still the typical production of BraAgas, selection of folk songs from Iberia or the Balkans, countries whose songs BraAgas love to arrange. Fuerte has no aspiration to be compared to previous successful album Tapas, more likely the album loosely picks up where Tapas left off, mostly in the more dynamic moments of the band.


Kateřina Göttlichová - voz, cistra, gitarra, gaita
Karla Braunová - voz, flutas, chalumeau, bastardillas, clarinet
Michala Hrbková - voz, fidula, cistra
Michaela Krbcová - percusiones, voz

01 Chin Glin Din
02 Jana i Turcin
03 Gledaj mi Libe
04 Caje Šukarije
05 La Serena
06 Lewone
07 Fraile Cornudo
08 Yo me Levantí
09 Nazad (Diginla Viper Version)
10 Tua Nai e Meiga (Diginla Dark Version)
11 Radule
12 Caje Šukarije (Balco Chromium Version)



Marc-André Hamelin's Hyperion disc in a state of jazz is not an example of a classical pianist letting his hair down, nor attempting to fuse jazz with classical music, or to create something a tad more commercial than, say, an album of Tausig transcriptions. This collection features works by four classical pianist/composers -- Friedrich Gulda, Nikolai Kapustin, Alexis Weissenberg, and George Antheil -- that fashioned piano music "in a state of jazz," though in fully notated form. The one exception to the rule is Alexis Weissenberg's Six arrangements of songs sung by Charles Trenet, which first appeared on a 45rpm record in the 1950s credited to "Mr. Nobody." This was Weissenberg, who was attempting to protect his career as a classical piano virtuoso through hiding under this made-up name; he did not write down these arrangements, and Hamelin has transcribed them from the record himself. Weissenberg's impulses were correct; had he released his jazz music under his own name it very well could have wrecked his career; Viennese composer Friedrich Gulda made major strides toward breaking down such barriers, and his work is represented through three exercises from his pedagogical collection Play Piano Play (1971) and a Prelude and Fugue (1965).

'Played with such astounding agility and aplomb that you end up mesmerised by virtually every bar. Indeed, it is no exaggeration to say that no other pianist could approach Hamelin in such music. Notes pour and cascade like diamonds from his fingers and he has an inborn flair for the music's wild, free-wheeling melodies and rhythms, for its glittering whimsy and caprice … superbly presented and recorded, this is a special addition to Hamelin's towering and unique discography' (Gramophone)

'Although this fine recording is entitled 'In a state of jazz' it includes no true jazz—every note is written down—but for all that it bursts with the daring vitality that is the hallmark of the best improvised music' (The Observer)

'The Canadian pianist Marc-André Hamelin possesses one of those musical brains that spark with maddening brilliance in whatever direction takes his fancy … it's hard to believe Hamelin didn't grow up within earshot of some dubious jazz haunt in New Orleans or Harlem … as Hamelin explains in his enjoyably lucid booklet notes, Gulda's astonishing pianistic pedigree deserves to be seen in a far wider context … Hamelin's evocations of these are wonderfully whimsical yet as crisp as celery. The syncopations 'sit' so comfortably under his fingers—exactly the right balance between ambition and restraint, warmth and edge—a pretty rare commodity in the performance of classical repertoire, let alone jazz-inspired music … this is a lovely, lovely disc; I highly recommend it' (International Record Review)

'Hamelin plays with such dexterous panache that he puts back much of the heat that the formalisation of jazz as 'composition' removes … dazzling and enchanting' (Classic FM Magazine)

'Nikolai Kapustin's remarkable Sonata No 2 is a convincing integration of classical form with jazz. Alexis Weissenberg's Sonate en état de Jazz, which evokes tango, Charleston, blues and samba in its four movements, is more idiosyncratic but no less dazzling' (The Scotsman)

'What an imaginative program Marc-André Hamelin has assembled: jazz-inspired works that are virtuosic like nobody's business and totally fun to listen to … technically, of course, Hamelin is beyond reproach … he's a serious contender for the first word in piano playing' (Classics Today)







1. Exercise No. 1 from Play Piano Play (Freiderich Gulda)
2. Allegro molto (Sonata No. 2, Op. 54 - Nikolai Kapustin)
3. Scherzo: Allegro assai
4. Largo - Allegro
5. Allegro vivace
6. Exercise No. 4 from Play Piano Play -Allegro ma non troppo (Gulda)
7. Evocation d'un tango (Sonata in a state of jazz- Alexis Weissenberg)
8. Remininscence d'un charleston
9. Reflets d'un blues
10. Provocation de samba
11. Exercise No 5 from Play Piano Play- Moderato poco mosso (Gulda)
12. Prelude and Fugue (Gulda)
13. Coin de rue (6 arrangements of songs sung by Charles Trenet - Alexxis Weissenberg)
14. Vous oubliez votre cheval (Trenet and Brachlianoff)
15. En Avril a Paris (Trenet and Eiger)
16. Boum ! (Trenet)
17. Vous qui passez sans me voir (Hess & Misraki)
18. Menilmontant (Trenet)
19. Jazz Sonata - (George Antheil)



Awa Poulo es una cantante procedente de Mali, más concretamente de los Peulh, el pueblo nómada más grande del mundo.
Awesome Tapes From Africa presenta ahora la nueva grabación de Poulo, con grandes dosis de folk-pop y con una visión contemporánea de la música de los Peulh. No es muy común encontrar a una cantante femenina que actúe en directo entre los Peulh, pero casualmente la otra mujer del marido de la madre de Poulo es Inna Baba Coulibaly, también una reconocida cantante en Mali.
http://www.mondosonoro.com/noticias-actualidad-musical/awa-poulo-sacara-un-nuevo-disco-en-enero/
Awa Poulo is a singer of Peulh origin from Dilly commune, Mali, near the border with Mauritania. Largely pastoral and often nomadic, Peulh- (or Fula-)speaking peoples are found from Senegal to Ethiopia but predominate in the Sahel region of West Africa. Awesome Tapes From Africa is proud to release Poulo’s newest recording of highly virtuosic folk-pop, fresh from the studio, broadcasting her vision of Peulh music beyond the grazing grounds and central markets of her remote home region in southwestern Mali.

It’s not very common to find a female singer performing publicly among the Peulh. But Poulo’s mother’s co-wife is Inna Baba Coulibaly, who is a celebrated singer most Malian music fans know. Coulibaly herself was brought into music by forces outside her control when a regional music contest required an entry from her village and she was chosen to be a singer. So, set in motion by a surprising series of events, young Poulo’s entree into the music world was auspicious as she gained popularity across the region. After several locally released tapes and CDs, this record is Poulo’s first internationally-distributed record.

On Poulo Warali, she and her band combine the hallmarks of Peulh music—warm flute floating over cross-rhythmic n’goni (lute) riffs and resonant calabash gourd hand percussion—with broader Malian sounds like lightly-distorted guitar and a heavier, rollicking inertia. Shape-shifting layers of rhythm and woody overtones match Poulo’s commanding voice in a jocular yet deliberate dance.

This is a relatively rare example of Malian Peulh music played in a modern, cosmopolitan context, reflecting the mixed society of Dilly, where Bambara, Soninke and Peulh-speaking people live among each other.
Poulo’s conscious lyrics about community concerns speak to the distinctive identity of her broadly-flung people. While Peulh represents less than 10% of Mali’s melting pot of languages, the dynamic music here powerfully resonates well beyond the linguistic borders.

credits


Awa Poulo — Voice
Kande Sissoko — N’goni
Cheickne Diabate — Guitar, Bass Guitar
Souley Guindo —Flute
Sana Diarra — Calabash

Produced by Paul Chandler & Studio Mali Recordings
Recorded by Konan Kouassi at Studio Mali Records in Bamako, Mali
Edited by Philip Sanmiguel
Photography by Oumou Diarra

Awa Thanks:
Inna Baba Coulibaly — My mother, my mentor and inspiration
Mamadou Djadje Bah — My helpful friend
Abdoulah Aziz Diallo — President of the Association of Peulh in Mali
Abba Coulibaly — My brother, who helped in the recording studio
 https://awapoulo.bandcamp.com/album/poulo-warali





1. Dimo Yaou Tata 04:34
2. Djulau 04:13
3. Djara Wilam 04:31
4. Mido Yirima 03:32
5. Noumou Foli 04:24
6. Poulo Hoto Ngari 03:39
7. Poulo Warali 04:47
8. Sidy Modibo 04:31





Emmanuel "Rico" Rodriguez MBE (17 October 1934–4 September 2015), also known as simply Rico , Reco or El Reco , was a Cuban-born Jamaican ska and reggae trombonist . He recorded with many producers, including Karl Pitterson , Prince Buster , and Lloyd "Matador" Daley . He was known as one of the first and most distinguished ska artists, and from the early 1960s performed and recorded in Britain, with the Specials , Jools Holland , Paul Young , and others.

Man from Wareika was the first album recording for Rico Rodriguez led by his own artistic imagination, and his first recording created for album release. It is notable for being the only roots reggae album to be released on Blue Note Records .

After recording one track ("Africa") in London with engineer Dick Cuthell as a kind of a demo for label owner Chris Blackwell - its arrangement is completely different in comparison to the rest of the album and contains flute and chorus - Rodriguez was offered a contract to record this album; and he could arrange to record in Jamaica .

After 15 years Rodriguez returned for the first time to Jamaica. He had left the country in 1961 when he was already heavily involved in creating the then new ska sound. In 1976 he added something new to reggae music. A critic wrote in 1977 that the album "does not just reflect the current popular trends, but ... expresses in a definitive way the Jamaican music tradition."

The nine self-composed tracks on the album offer Jamaican rhythms with horn lines between a melodic use (eg on "This Day", "Lumumba") and jazz; the latter helped to define something like a new genre, Jamaican jazz, transforming the experience from early ska days into 1970s roots reggae. Most of the songs remain in Rodriguez's live repertoire until today. Some have been re-recorded by other artists as well as by himself. https://en.wikipedia.org/wiki/Man_from_Wareika





1 This Day 
2 Ramble 
3 Lumumba 
4 Africa 
5 Man From Wareika 
6 Rasta 
7 Over The Mountain 
8 Gunga Din 
9 Dial Africa



En algún momento del año 1992, Krystian descubrió su pasión por la música electrónica, después de haber tomado clases de piano durante más de 10 años. Inspirado por el viejo Vangelis y Jean Michel Jarre se encontró escuchando lo que se conocia en aquel momento como la música techno. Rápidamente decidió que él también quería hacer algo así. Sin saber cómo producir este tipo de música, y sin tener idea de qué tipo de aparato genera estos ritmos sintéticos, pasaron varios años antes de que Krystian casualmente hizo un descubrimiento que le llevó en la dirección correcta. Un amigo le dejo un ordenador Amiga 500 con una grabadora multi-pista, que era capaz de grabar las muestras. Desafortunadamente, los límites de los programas no tardaron en llegar, y él no sabía cómo continuar. Más tarde, aproximadamente a finales de 1994, finalmente averiguó cómo producir música de una manera mas profesional. Después de experimentar y probar durante un tiempo, Krystian hizo sus primeras grabaciones, sin ofrecerlas a nadie, sin embargo, no estaba contento con el resultado por el momento. A finales de 1997, el tiempo finalmente habia llegado Grabó tres pistas de las que era cierto, que eran excelentemente adecuadas para bailar.
Hoy Krystian es bien conocido por el lanzamiento de su Trip-Hop/Electronica en el sello FAX Label propiedad de Pete Namlook.


01. Slightly Breeze
02. Watching The Waves
03. De Minerale
04. Acapulco Nude
05. The Easy Way Of Life
06. Cocktail Hour
07. Unknown Situation
08. Fly Over The Ocean
09. Meeting Friends On A Walk
10. Blue Marine
11. Love Guitar
12. Coming Back Soon
13. Reality


Ibrahima Cissokho ofrece con su kora un auténtico groove de rock afro. Con un pie en la tradición de su condición de Griot, el otro en la música contemporánea con melodías amplificadas de rock y funk como referencias, creado por su forma de tocar la kora, música mandinga del siglo XXI.


Vive en Francia desde 2008, Ibrahima, en la voz y kora, es un artista completo. cantautor carismático, que no dudó en aprovechar las oportunidades que lo hacen un músico único. Se rodeó con su fiel banda de acompañamiento, Le Mandingue Foly, con quien realizó una gira europea y escenas de todo el mundo, creando asi un sabroso cóctel de influencias, su voz potente y cálida, cantó la solidaridad, el amor, el despertar de los espíritus. Él desea transmitir los valores que son queridos para él y engendrar la unidad a través de sus creaciones.



Ibrahima Cissokho: Voz, Kora
Françoise Veilhan: bajo, percusión, voces
Laurent Baradel: flauta peul
Gregory Boudras: Batería

Invitados:
Khadim Sene: Sabars
Petit Adama Diarra: Djembe, Guitarra acústica
Guillaume Lavergne: teclados
Hadja Kouyaté: Coros
Sory Diabaté: baláfon
Orlando Julius: Saxofón



01. Bayo
02. Solidarité
03. Tiedo (feat. Petit Adama Diarra & Sory Diabate)
04. Serigne Saliou
05. Yanfu (feat. Petit Adama Diarra & Hadja Kouyate)
06. Diula
07. Kanou (feat. Sory Diabate)
08. Manduleen
09. Dinala Setsi
10. Sénégal (feat. Orlando Julius)
11. Mouridoulaye
12. Mandingue Foly (feat. Petit Adama Diarra)



Cradle Of Humanity features Mulatu Astatke, the Father Of Ethiojazz, in collaboration with Australian musical collective Black Jesus Experience. Cradle Of Humanity is the funkified product of seven years of performances together around the world, brought to fruition in studios in Melbourne, Australia; Addis Ababa, Ethiopia; Koln, Germany and London, UK.

A meditation on the origins of humanity, rhythm and culture, this album combines the mystic tonalities of Ethiopia’s ancient and unique scales with deep grooves and the freedom principle. Cradle Of Humanity’s suite of songs includes re-interpretations of the Mulatu gems Sabye, Netsanet, and Yekatit, and the Ethio classic Wubit. The inspirations for Mulatu’s original works, love, freedom, revolution and culture, are recast and reinterpreted by Amharic songstress Enushu Taye, lyrical giant Liam ‘Mr Monk’ Monkhouse and genius stream of consciousness freestyler Tibor Bacskai, honed through mentorship and discussion with Mulatu while touring (Australia, Africa, UK, Europe, Oceania, including Glastonbury, Big Chill, WOMAD, Bushfire, United Nations etc….). The album’s new compositions, by one of Australia’s finest jazz composers Peter Harper muse upon the liberation of selflessness on Until, letting go on We Pray and socialist anthem It’s Time.

Cradle Of Humanity features Mulatu’s vibes playing at its most expansive, and his signature approach to African percussion. Australian music legend Bob Sedergreen adds his hard funking magic on keyboards, whipped by the driving horns of Peter Harper on sax and Ian Dixon on flugelhorn. All stirred into a grooving ‘wot’ by Matt Head on kit, Chris Frangou bass and Zac Lister guitar with Nui Moon and Malamine Sonko percussion and special guests toaster Jornick Joelick and masinko virtuoso Asrat. Cradle Of Humanity is the joyous fruit of a seven year journey of love, joy and artistic dedication.

https://blackjesusexperience.bandcamp.com/album/cradle-of-humanity




1. Wubit 06:27 
2. Sabye 04:05 
3. Until 08:49 
4. Yekatit 05:36 
5. We Pray 05:44 
6. Netsanet 08:03 
7. It's Time 07:52




Aurelio, cantautor , guitarrista y percusionista es uno de los artistas más talentosos de Centroamérica. Nacido en Honduras en 1969 , el músico se destaca por su inigualable voz poderosa y melodiosa. Se trata también del principal portavoz de la cultura y de la música Garífuna tanto a nivel nacional como a nivel internacional . Los Garinagu o mejor conocido s como los Garífunas , son el fruto de un mestizaje entre pueblos amerindio s y africano s , cuyo origen proviene de una pequeña isla de las Antillas Menores conocida con el nombre de San Vicente. Según los relatos históricos, tras numerosos conflictos con los colonos europeos por la hegemonía d e l territorio insular, en 1797, el Gobierno Británico optó por deportarlos hacia una de sus ex - colonias: la isla de Roatán , ubicada en las Islas de la Bahía de Honduras. Es así como desde entonces , el pueb lo Garífuna se extiende a lo largo de las costas de Belice, Guatemala, Honduras y Nicaragua, convirtiéndose de este modo en una comunidad transnacional en el istmo centroamericano .

Como Garífuna , Aurelio proviene de Plaplaya, un pequeño pueblo caribeño situado en el noreste de Honduras, en donde creció rodeado por una familia de músicos . S u padre, un trov ador local , tocaba la guitarra e improvisaba canciones de un género musical llamado P aranda, cuya originalidad radica en la mezcla de ritmos tradicionales g arífuna s y sonidos latinos. Desde temprana edad y gracias a la influencia de su abuelo y de sus tíos , el artista se convirtió en un talentoso y brillante percusionista .

De su madre, una cantautora tradicional , heredó el don del canto , permitiéndole a su vez , grabar muchas de las canciones que ella misma compuso . Sin embargo, Además de la influencia musical de su familia, merece la pena mencionar que aun siendo solo un niño, Aurelio comenzó a realizarse como músico asistiendo a las ceremonias rituales celebradas en honor a los ancestros Garífunas . Asistía inclusive a los eventos más sagrados del culto en donde normalmente no se admitía la presencia de menores de edad.

http://www.aureliomusic.net/bio/





  1. Dondo Yalifu
  2. Yange
  3. Laru Beya
  4. Sielpa
  5. Dugu
  6. Sananaru
  7. Landini
  8. Funa Tugudirugu
  9. Narigolu
  10. Lumalali Limaniga
  11. Naguya Nei






Subido por Marhali.

Ghazalaw (2015) celebra la afinidad entre el género lírico ghazal de India y la tradición popular de Gales. El cantante y compositor de Bombay Tauseef Akhtar y la cantautora galesa Gwyneth Glyn entretejen la poesía de amor de sus dos tradiciones culturales junto con el acompañamiento de arpa, tabla, guitarra y armonio. Aparentemente dispares pero con resultados deliciosos.

En Ghazalaw los tonos sonoros de Akhtar se adaptan perfectamente para transmitir "birha", el dolor del amor inalcanzable tan popular en la poesía Ghazal del norte de India. Por su parte, la voz de Glyn aporta, desde las letras del folk galés, el concepto de "hiraeth" (un intenso deseo por una persona o lugar) de la belleza de la vida.

Mientras que los poemas de cada pista trabajan bien temáticamente, es la profundidad de la emoción con la que Akhtar y Glyn recitan que hace que la transición del urdú al galés apenas sea perceptible. El arpa de Georgia Ruth, la adición de un violín (que difumina los estilos galeses e hindúes) y el ritmo crujiente de la tabla proporcionan una experiencia de sonido hipnótico y envolvente. En definitiva, Ghazalaw es un proyecto fascinante y un recordatorio oportuno de que la humanidad es global y que tenemos en común grandes confluencias dignas de celebración.

01. Tum nazar se - Cyfri’r sêr
02. Teri aankhon mein - Seren syw
03. Apni Ruswaayee - Sefyll yn stond
04. Hosh apne - Y botwm du
05. Hud se - Cainc yr aradwr
06. Moliannwn - Ishq karo
07. Khoobsorat koi sazaa - Cosb mor dlos
08. Lusa lân
09. Guzur jaayenge jab din – Hiraeth
10. Jugnu ke sitara tha - Hen ferchetan


Subido por Marhali.

Khiyo es una banda, establecida en Londres, que interpreta el patrimonio musical bengalí, formada en 2007 como una colaboración entre la cantante británica-bangladeshí Sohini Alam y el multiinstrumentista y compositor Oliver Weeks (a quienes se unió el bajo y las guitarras de Ben Heartland) para explorar nuevas formas de presentar la música tradicional bengalí, pero preservando su esencia.

Las canciones de este disco debut (2015) representan una mezcla ecléctica de clásicos bengalíes de Bangladesh e India, basándose en lo popular, películas, canciones protesta conmemorativas de la independencia bangladeshí y otros géneros tradicionales como las Rabindra Sangeet (canciones de Rabindranath Tagore) y las Nazrul Sangeet (canciones de poeta nacional bengalí Kazi Nazrul Islam). La potente y expresiva voz de Sohini Salam se acompaña a la perfección con arreglos dinámicos y originales que se alimentan de los sonidos del sur de Asia y de la tradición clásica, del rock y del jazz. El resultado es un sutil equilibrio entre las culturas y tradiciones de Oriente y Occidente.

01. Akashta Kanpchhilo Kyan?
02. Doyal Tomaro Lagiya
03. Rum Jhum Rumu Jhumu
04. Nishi Raat
05. Amar Protibaader Bhasha
06. Murshidi (Kachhe Nao Na, Dekha Dao Na)
07. Koi Jao Rey
08. O Ke Udashi Benu Bajayey
09. Purbo Digontey
10. Hai Rey Amar Mon Matano Desh
11. Amaro Deshero Matiro Gondhe
12. Ek Shagori Rokter Binimoyey
13. Kotobaaro Bhebechhinu
14. Bareer Kachhe Arshinogor




Gutter Creek was founded by multiinstrumentalist Robo Spitters beginning 2014. After a long journey experimenting with different musical styles Robo came back to his roots and started writing new songs and Gutter Creek was born … Along came longtime musical partners Mario Sprong on Banjo,,guitars and dobro ,Marck Heusshen on Guitars…


Robo Spitters
Vocals, Guitar, Fiddle, Mandoline,Dobro, and more
Mario Sprong
Banjo ,classic guitar and dobro
Marck Heusschen
guitars
JJ Malved
Double-bass








01. On the Run
02. Kill You, Kill Me
03. Old Joe
04. I Need It Bad
05. Invisible
06. Gallows Pole
07. Running Blind
08. Nobody's Watching
09. Trouble
10. Running Blind




Dictamen

Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que, una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tienda habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible.
En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.

La Música


La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso.
La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido.
La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
Con la tecnología de Blogger.

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