sábado, 10 de febrero de 2018

VA-Usiende Ukalale: Omutibo From Rural Kenya



"Omutibo", un estilo de guitarra acústica exclusivamente keniata, fue inventado por George Mukabi a finales de la década de 1950, y rápidamente adaptado por sus vecinos en una región que demostró ser verdaderamente fértil para los guitarristas. En 2016, Cyrus Moussavi (Raw Music International) se estableció a lo largo de las orillas del río Yala para documentar las canciones de los viejos tiempos. Grabados en locaciones y patios, estas son las canciones e historias de una era de oro de Kenia al borde de la Independencia, bellamente resucitada por los propios compositores, más de 50 años después. Con presentaciones y entrevistas de: Johnstone Ouko Mukabi, Shem Tube, Fanuel Amimo, Jimmy Bongo, Sukuma Bin Ongaro, Peter Akwabi, Zachariah Omufumbwa, Omari Machio y Johanias Kiunya.




1. Jimmy Bongo - Lumumba Is Dead 02:30
2. Omari Machio - Usiende Ukalale (Don't Sleep) 01:46
3. Johnstone Ouko Mukabi - Nili Kwenda Safari (I Went For A Journey) 03:16
4. Zachariah Omufumbwa - Ndogo Ndogo (Small Ladies) 05:17
5. Fanuel Amimo - Ndeshela Omwana (Leave The Child With Me) 02:57
6. Jimmy Bongo - Mulochi (The Curser) 03:43
7. Fanuel Amimo - Dickson Omuranda 04:11
8. Johnstone Ouko Mukabi - Kwetu George (I, George) 02:48
9. Shem Tupe - Adui (Enemy) 05:33
10. Zachariah Omufumbwa - Ndarula Ebutsetse (I Left Ebutsetse) 05:08
11. Sukuma Bin Ongaro - Mama Lucy 06:01
12. Johnstone Ouko Mukabi - Kwetu George 02:48
13. Peter Akwabi - Malenya 02:58
14. Johanias Kiunya - Mungu Nisaidie (God Help Me) 07:45


domingo, 4 de febrero de 2018

Roberto Fonseca – ABUC

Subido por Marhali.

Son ocho los títulos grabados en estudio por Roberto Fonseca y, a estas alturas, cuando el último, ABUC, inició su rodaje en 2016, resulta poco discutible la primacía de este pianista y multiinstrumentista en la música de jazz que se hace ahora en Cuba. ABUC (2016), que no es otra cosa que "Cuba" al revés, viene a ser un disco de verdadera celebración de la música cubana ya que Fonseca ha incluido buena parte de las músicas más populares de la isla: desde el bolero al jazz, el mambo, el chachachá y la contradanza, un estilo que llegó a Cuba a finales del siglo XVIII con influencias francesas a través de Haití.

Roberto Fonseca se dió a conocer al mundo de la mano y la voz de Ibrahím Ferrer, con el que participó en el proyecto Buena Vista Social Club en 2001. Tal era la admiración que sentía Roberto por Ibrahím, que llegó incluso a producir el disco póstumo de éste, Mi sueño. Esta relación encuentra prolongación natural en el fervor que también sentía Roberto por el pianista Rubén González.

Ambos artistas ilustraron a Roberto en la creación del temario de Zamazu, su verdadero debut discográfico a nivel internacional. Una monumental grabación, realizada en 2007, que reunió a más de 20 artistas y que consiguió fusionar elementos integrados de sus diversas influencias: afrocubana, jazz, música clásica y música tradicional cubana. Entre las y los músicos que figuran en esta diversa y ambiciosa grabación están Omara Portuondo, Javier Zalba, Carlinhos Brown, Vicente Amigo, Ramsés "Dynamite" Rodríguez y muchos otros. Tras la publicación de Zamazu, Fonseca tuvo la oportunidad de presentar un intenso repertorio en algunos de los festivales más prestigiosos del mundo frente a audiencias hechizadas.

ABUC es el título de su nuevo álbum bajo el sello impulse!, también espectacular. Aunando ritmos pícaros con contundentes vientos, entretejidos de referencias, recuerdos y contrastes, ABUC es un caleidoscopio donde Roberto narra una historia: el grandioso y rico compendio de la música cubana, de ayer a hoy.

01. Cubano Chant
02. Afro Mambo
03. Tumbao de La Unidad
04. Contradanza del Espíritu
05. Tierra Santa
06. Sagrado Corazón
07. Family
08. Tierra Santa Santiago de Cuba
09. Habanera
10. Soul Guardians
11. Asere Monina Bonco
12. Después
13. Velas y Flores
14. Cubano Chant (Piano Solo)

Derek Gripper – Libraries on Fire

Subido por Marhali.

El guitarrista y compositor Derek Gripper ha forjado una impresionante carrera fusionando la música clásica con las tradiciones populares africanas. Libraries on Fire (2016) es el segundo trabajo que dedica a versionear temas de los grandes maestros africanos de la kora.

En su disco One Night on Earth (2012) adapta la compleja música de la kora para guitarra clásica solista. Sus transposiciones de obras de Toumani Diabaté, Ali Farka Touré y otros maestros han tenido una acogida espectacular. Incluso la leyenda de la música John Williams dijo que pensaba que era "absolutamente imposible… hasta que escuché a Derek Gripper hacerlo", y el propio Toumani quedó tan impresionado que invitó al guitarrista a colaborar con él en Malí.

Este segundo álbum, Libraries on Fire, fue grabado en una tarde por Simon Ratcliff en el Sound and Motion Studios de Ciudad del Cabo, y en él Derek Gripper interpreta otras nueve piezas de kora, seis de ellas del repertorio de Toumani Diabaté.

Los resultados son, una vez más, espectaculares, tanto en términos de brillantez técnica y como en musicalidad. También agrega composiciones de Ballaké Sissoko (de At Peace, 2012) y Amadou Bansang Jobarteh (miembro de la gran dinastía de la kora de Gambia) a su proyecto, para crear un repertorio africano para la guitarra clásica, siendo tremendamente instructivo deleitarse en sus tomas junto con las versiones originales de kora. "Lampedusa", por ejemplo, se escuchó por primera vez en el álbum de 2014 Toumani & Sidiki, y suena de manera como si Gripper no se perdiera ni una sola nota, a pesar de las seis cuerdas de su guitarra con las que juega frente a las 42 que resultan de las dos koras de Toumani & Sidiki Diabaté. Impresionantemente maravilloso.

01. Duga (Sekou Batourou Koukaté)
02. Lampedusa (Toumani Diabaté / Sidiki Diabaté)
03. Miniyamba (Toumani Diabaté / Sidiki Diabaté)
04. Salama (Toumani Diabaté)
05. Bafoulabe (Toumani Diabaté)
06. Si Naani (Toumani Diabaté)
07. Maimouna (Ballaké Sissoko)
08. Korobali (Toumani Diabaté)
09. Alfa Yaya / Anna Magdalena ( Amadu Bansang Jobarteh / Derek Gripper)

Pantsula! The Rise of Electronic Dance Music in South Africa, 1988-90



Kwaito es un género incrustado en la sangre y los huesos de los amantes de la música sudafricanos. Tomando su inspiración de los ritmos de la cámara lenta, el kwaito se convirtió en el sonido de una generación y una innovación musical bien recibida después del régimen del apartheid.

 El género no solo ayudó a unificar a una nación, sino que también dio lugar a su propia expresión física en la forma de la danza "Pantsula".20 años después, kwaito y Pantsula se han convertido en una especie de arte perdido. Pero su resurgimiento ha entusiasmado a muchos fanáticos de la música dance, y 2017 parece ser el año del auge de la cultura sudafricana de la música de baile.

 ¡Las 12 pistas seleccionadas para Pantsula! provienen de un tiempo y lugar muy únicos, muy diferentes. Representan el nacimiento de la música dance electrónica en Sudáfrica, a través de las canciones de un sello independiente particular de la época: Music Team. El sonido representa la culminación de la era del bubblegum, cuando los artistas disco de Sudáfrica superaron sus influencias estadounidenses y forjaron un sonido pop cada vez más electrónico y "local". 

Evolucionando en el tiempo desde mucho antes de los 80, la subcultura distintivamente sudafricana de Pantsula está más cercanamente asociada con una actitud, un estilo y un baile característico, más que con un sonido específico. A finales de la década de 1980 y principios de la de 1990, Pantsula fue también el nombre dado a un nuevo tipo de música de baile tomando las calles de Sudáfrica, influenciado por el chicle anterior y el surgimiento de Shangaan Disco, pero con un atractivo mucho más amplio y más difícil, sonido puramente electrónico





01. The Equals - New Lover
02. Jazino - Ushelakanjani
03. Jivaro - What Next
04. S.Y.B - Jika Magogo
05. Scotch Band - Watsotasama
06. Kakappa - Sisonke
07. Spirro - Ma Hero (Dub Mix)
08. The Hard Workers - Ayoba-yo
09. Ayobayo Band - Sorry Bra
10. Rush feat. Linda Ziqubu - Sobohla Manyosi
11. Chaka - Via Tembisa
12. La Viva - Go Siami

domingo, 28 de enero de 2018

Frutería Toñi - Mellotron en Almíbar (2014) [España]






Un grupo inclasificable...

Rock progresivo clásico con influencias variadas, muchas partes de violín, saxo y teclado. Amantes de Zappa, Soft Machine, King Crimson, etc... este grupo ha sabido darle a su música un toque típico de Málaga (España) gracias a sus influencias clarísimas de Tabletom, entre otras cosas. Una especie de jazz rock ecléctico con mucho sinfonismo... o un rock sinfónico con mucho de jazz rock y elementos propios de su cultura. Bah, como quieran, lo que importa es que el disco es super recomendable.


 1. Milwokee
2. No sin Mijas-costa (El timo)
3. Zuprimo zurmano zucompare zucolega
4. Somno e dare
5. Toñi: éxtasis frutal
6. Fray Di’oxido
7. El Espeto

Alineación:
- Salva Marina / voice, guitar
- Curro Garcia / bass, electric guitar
- Javier de Prado / drums
- Jesus Sanchez / tenor sax and clarinet
- Carlos Fernandez / voice, violin, bass
- Juanma Amador / percussion
- Miguel Olmedo / slide guitar

Comentarios recogidos de la página cabeza de moog donde podeis leer el comentario completo...

sábado, 27 de enero de 2018

Bonten - Ageha (2010)


The origin of the Japanese traditional percussion instrument, Wadaiko, goes back to the Jomon period, when it was used as a means of distant communication. Even today, it plays an essential role in stage performances such as Kabuki, Noh, and Shinto rituals such as festivals, Kagura (sacred music and dancing performed at shrines), and prayers. It is a very familiar percussion instrument to the Japanese people.
Bonten, the coed Wadaiko Team, strives to open new doors for this instrument, exploring free and new original styles, adding the melody of Shinobue (Japanese flute) to the rhythm of the Wadaiko.

In their debut album "BONTEN", they displayed the origin of their unprecedented, unique Taiko playing style. In their second album "GAIFU", they created a florid atmosphere featuring both strength and silence. Now, in their third album "AGEHA", they showcase the free-spirited "present moment" picture of themselves, flying high with the wind of God beneath their wings. This album is filled with the happiness of living a strong life, and they tell us that roads, which lead us into the future, will open only if we live today to our best.
The soul, to beat the drum without any desire, just selflessly, is the root of the Japanese spirit.
We sincerely hope you enjoy the present tense BONTEN, as they are ever changing, moving up to the top.
http://www.pacificmoon.com/html/ageha.html



1. Red Hill
2. Sirius
3. Kagome
4. Silent Forest I
5. Echo
6. Ageha
7. Silent Forest II
8. Sakura Mai
9. Hero

miércoles, 24 de enero de 2018

Xylouris White - Mother



A passion for exploration comes naturally to Xylouris White, the ruggedly visionary duo formed of Cretan lute player George Xylouris and Australian drummer Jim White. For their debut album, 2014’s Goats, Xylouris White compared themselves to the titular animals, wandering fearlessly through rough-hewn terrain. Two years later, they showed how far their horizons could reach on 2016’s majestically expansive Black Peak, named after a mountain top in Crete.
Just 15 well-toured months later, the duo’s exploratory instincts drive them further onwards still on their third album, Mother, released 19th January on Bella Union, and named to denote “new life”. As Xylouris puts it, “Mother is the extension of Goats and Black Peak. Three things, all part of a whole. Goats are mothers, Zeus was raised on Amaltheia’s milk, Black Peak is Mother Earth… Mother Earth is the mother of everything.” The duo have shared a first track from the album titled “Only Love”, which is steaming HERE, while the album is available to preorder here.
Across Mother’s nine tracks, Xylouris White nurture fecund growths from the spaces between their instruments. Sometimes the songs drive with an invigorating urgency; sometimes they brood, plead, yearn and lull. The duo seem to discover each other anew at every turn, teasing the songs out from their fluid chemistry with the kind of virtuosity that knows when to listen, accommodate and learn afresh. “A theme of the album is the significance of simplicity and a child-like approach,” Xylouris explains. “So, we connect mother and child and play instruments as toys. Xylouris White is still gestating.”
That ongoing gestation is a remarkable extension of already remarkable back-stories. Xylouris is a scion of one of Greece’s most revered musical families. His father is legendary singer and lyra player Psarantonis. Jim White, meanwhile, has commanded international attention for more than two decades as part of Australia’s Dirty Three. Now New York-based, White has often been called on to collaborate with numerous alt-A-listers (including: Bonnie ‘Prince’ Billy, PJ Harvey, Cat Power and Smog), where he redeploys the rolling momentum of free-jazz to variously supple, sensitive and seismic ends. Most recently he performed with Kurt Vile and Courtney Barnett on their acclaimed album “Lotta Sea Lice”.


Album opener “In Medias Res” finds the duo already in motion, feeling their way around one another, seeking out ways to bring a song to full bloom. Proving they can also be thrillingly direct when the mood takes them, “Only Love” follows with a brilliantly barrelling sense of momentum, White’s powerhouse percussion urging Xylouris’s liquid-fingered lute-playing and impassioned baritone on to increasing heights of urgency.
From here, Xylouris White proceed as if by intuition, feeling their way around new terrain. “Motorcycle Kondilies” is muscular and epic, White’s rimshots providing on-alert accompaniment as Xylouris’s reaching vocal and dancing lute lines build in intensity. If the marching rhythm and pretty lute melody of “Spud’s Garden” highlights the duo’s occasional elegant side, “Daphne” and “Achilles Heel” showcase Xylouris White’s at their most hypnotic and brooding. “Woman from Anogeia” hosts a particularly emotive vocal from Xylouris; “Call and Response” is the duo at their freeform finest, circling each other querulously, again teasing at possibility. Finally, resolution is embraced openly on the tactile and reverberant “Lullaby”, as lovely a track as any Xylouris White have birthed.
As on Black Peak, Mother’s labours benefited from the midwifery of choice collaborators. Fugazi’s Guy Picciotto produced once again. Also on hand this time was Anna Roberts-Gevalt of old-time folk duo Anna & Elizabeth, whose earthy violin/viola lines and exquisitely sighing vocals can be heard on the track “Lullaby”.
The result is an album of extraordinary accomplishment from two supremely seasoned players who’ve kept a close kinship with the richly, rewardingly inquisitive instincts of their youth. In Xylouris’s words, “It’s the natural maturity of fruits as they ripen. As fruit matures by the rhythm of nature, so the music grows at its own pace. So, here are two maturing fruits giving the taste of their present maturity – and they’re still children.”




1 In Medias Res 3:26
2 Only Love 3:30
3 Motorcycle Kondilies 7:15
4 Spud's Garden 3:53
5 Daphne 5:07
6 Achilles Heel 3:07
7 Woman From Anogeia 2:17
8 Call and Response 3:24
9 Lullaby 4:12

sábado, 20 de enero de 2018

Gili Yalo - Gili Yalo



Tiene 36 años, nació cerca de Gondar, en Etiopía, y vive en Tel Aviv, en Israel. Como tantos otros niños de la diáspora etíope, tuvo que hacer un largo camino hacia el exilio. Cuando tenía 4 años, sus padres se aventuraron a salir de Etiopía en la famosa Operación Moisés, un rescate secreto del Mossat, el servicio de inteligencia israelí, que evacuó cerca de 8.000 etíopes a través de un prolongado viaje por Sudán para subir a vuelos secretos que salieron desde Jartúm. Hoy, Gili Yalo es uno de los nombres de la escena musical emergente de Israel, y sus raíces etíopes juegan un fuerte papel en su sonido, que ha vuelto a recuperar en su recién retorno al país que lo vio nacer. Con él estuvimos durante el último Gibraltar World Music Festival, y pudimos conocer más sobre este artista, tanto como sobre los falashas, o etíopes judíos.  

MAS AQUI BIOGRAFIA
 


 RIP VINILO

A
A1 Tadese 2:53
A2 Selam 3:50
A3 Sab Sam 4:40
A4 Africa 4:58
A5 Hot Shot 3:28

B
B1 Coffee 4:56
B2 City Life 4:05
B3 Fire 3:51
B4 Tebik'Ew 4:57
B5 New Life 3:37



Steve Shehan & Baly Othmani ‎– Assikel (2008)


"Assikel, de Bali à Baly" met en musique et en images, le chemin parcouru par Steve Shehan de Bali, l'île de l'Indonésie, à Baly, l'homme "bleu", sur le thème de la recherche identitaire.La musique est une rencontre d'instruments qui mettent en valeur une autre approche de la liberté de créer dépassant les limites de l'appartenance.Baly nous a quitté le 18 juin 2005 et c'est pour honorer sa mémoire et aller jusqu'au bout du rêve et de son engagement que Steve Shehan sort ce nouvel album inédit rendant hommage à ce grand poète du désert.Tourné dans le Sahara, à Paris, et à New-York, avec une multitude d'images et de photos d'archives, ce documentaire regroupe une vingtaine de témoignages de personnes qui ont croisé et bousculé, d'une façon ou d'une autre, le chemin de Steve Shehan.

https://youtu.be/xzDqRQIFixk

1 Transhumance 1:38
2 Addalen 5:25
3 Ayeten Erkaden 3:45
4 Tidiout 6:00
5 Wagh Azaman 6:50
6 Djanet Ben Ljbal 4:47
7 Attahadum 6:53
8 After Dinner Impro 2:46
9 Tara Tahin 5:20
10 Ticharaten 6:34
11 Assouf Illougan 6:07
12 Ténéré 5:01
13 Noblesse Oblige 1:42

miércoles, 17 de enero de 2018

Boncana Maïga - Koyma Hondo



he Afro Funk side of the Latin Soul maestro !

Born in Gao ( Mali), Boncana Maïga is one of the most talented and popular producer of west african music since the 60’s. He studied flute and latin arrangements in Cuba during the 60’s and founded the famous « Les Maravillas du Mali » in 1968.

He became orchestra leader for the national ivorian tv in Abidjan in the mid seventies, toured all over the world with the famous Africando band.

During his recording sessions in NYC at the beginning of the 80’s with a lot of « Latin musicians » from Puerto Rico, Venezuela or Colombia, Boncana Maïga also recorded few rare Funky tracks with heavy breaks !With the artist, we decided to reissue four rare tracks from 1978 to 1982 dedicated to dancefloor , included a really rare soundtrack for the oil company of Ivory Coast called « Petroci ».

In 2018, he’ll be back on tour with « Les maravillas du Mali « , still have a weekly TV show on TV 5 Monde and with this reissue will continue to warm your Afro Funk parties !



Side A

– Koyma Hondo ( 3.58)
– Zourou ( 4.16)

Side B

– Yala M’le ( 4.28)
– Petroci ( 2.23)

3MA – Anarouz



3MA (pronunciado “trua-ma”) es el encuentro de tres virtuosos africanos: Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi y Rajery, artistas que comparten una pasión musical, un diálogo recíproco y una hermosa amistad. El grupo toma su nombre de las tres naciones respectivas de los artistas: Malí, Marruecos y Madagascar.

En 2006, cuando el virtuoso de la kora maliense Ballaké Sissoko, el maestro marroquí del ud (laúd árabe) Driss El Maloumi y el gran intérprete malgache de la valiha, Rajery se conocieron y desde encontonces se han se han reunido regularmente, impulsados por el placer de una relación humana y musical excepcional.

Desde el lanzamiento de su primer álbum homónimo en 2008, los músicos de 3MA han pasado por muchas experiencias individuales ampliando sus conocimientos. Se reúnen habitualmente para dar conciertos de 3MA en todo el mundo y ahora, una década después del comienzo de su aventura, llegó el momento de hacer un balance y volver al estudio de grabación.

En Anarouz (“Esperanza”) el percusionista Khalid Kouhen se suma a dos temas con sus percusiones paquistaníes y tablas indias, y en otros dos temas incluso podemos escuchar a Rajery, Driss y Ballaké cantando.

Durante el resto del disco, los instrumentos de cuerda reinan y tejen su magia por si solos.

http://musicasdelmundo.com/?p=6673



1 Anarouz
2 Samedi glace
3 Anfaz
4 Moustique
5 Hanatra
6 Lova
7 Mariam
8 Aretina
9 Jiharka
10 Awal

sábado, 13 de enero de 2018

ANDINA: The Sound Of The Peruvian Andes 1968​-​1978



Una ventana al espíritu cautivador y lleno de sangre de los Andes, ANDINA arroja una nueva perspectiva sobre el patrimonio andino de Perú. Un co-lanzamiento con Strut Records, el álbum es seleccionado de entre los discos lanzados entre '68 y '78, volcando ideas cliché de la música andina y sacando a la luz las divergentes y emocionantes tradiciones que surgieron de la franja peruana de la cordillera icónica. Abarcando ritmos de cumbia peruana, grabaciones de arpa folklóricas trascendentes y grupos de big bands de Lima que tienen influencia de sus vecinos de las tierras altas, cuenta con una diversidad que atraerá a fanáticos del jazz y latinos, así como a DJs de mente tropical y coleccionistas de excavaciones profundas .Fue el productor de dubstep y DJ Mala (Digital Mystikz) quien más recientemente brilló en la región con su álbum 2016 Mirrors on Brownswood Recordings 

El fundador de Tiger's Milk, Martin Morales, lo había acompañado a Perú dos años antes, actuando como su guía y mentor en descubriendo la amplitud de la historia musical del Perú. Martin siempre había querido lanzar una colección de los sonidos inspirados por Mala y así nació ANDINA.Todas las pistas, con la excepción de 'La Chichera' de Los Demonios del Mantaro, nunca se han lanzado desde su prensado de vinilo original. El sonido más representado es el de la cumbia peruana; imbuyendo ese estilo tropical colombiano con ritmos huayno andinos y guitarras eléctricas influenciadas por el rock, fue una confluencia moderna de sonidos con un toque claramente andino. En otra parte, el álbum refleja la gran cantidad de registros folclóricos tradicionales publicados durante esta época también; con etiquetas que aprovechan la gran demanda en el Perú de discos folclóricos en ese momento, dejaron una gran cantidad de huayno y carnaval atmosféricos, recogidos con arpa para ser descubiertos. 

ANDINA nunca tuvo la intención de ser una descripción definitiva de la música andina. Compilados por el coleccionista de discos Lima Tapio Del Rio, Morales y el cofundador de la etiqueta, Duncan Ballantyne, las elecciones, lanzadas en sellos peruanos como Lempsa, Sono Radio y El Virrey, así como oscuros independientes, reflejan los récords que mostraron más ideas emocionantes y directas sobre el sonido andino. No se limita a las bandas basadas en los Andes, también hay entradas deExtraños, en particular de la ciudad costera de Lima, que tomaron las señales de sus compatriotas en las montañas.Un ejemplo temprano de la cumbia peruana de estilo huayno es 'La Chichera' de Los Demonios del Mantaro. Procedente del valle del Mantaro en Junín andino, fue un momento fundamental para la música de este período. Tomando sus pistas de ese enfoque influyente, está Los Bárbaros del Centro, cuyas dos canciones destacadas, como 'La Chichera', fueron escritas por el prolífico Carlos Baquerizo Castro. Los Compadres del Ande traen dos ejemplos más de ese sonido primitivo de la cumbia Andina.En otros lugares, algunas bandas tomaron las piedras de toque de la muy querida musica criolla y las hilvanaron en un estilo de cumbia. 

 En "Todos Vuelven" de Los Walker de Huánuco, por ejemplo, el grupo de cumbia peruana reutilizó un hito de la música criolla. Una versión del éxito de 1943 de César Miró (que fue originalmente compuesta para una película de Hollywood), ve un original afroperuano visto a través de un prisma afrocolombiano de estilo quechua; o para decirlo de otra manera, es un excelente ejemplo de cómo el sonido andino nació de los remanentes y entrelazados legados musicales de América Latina y la diáspora africana. En una línea similar, 'La Cholita' de Los Sabios del Ritmo es una canción que, originalmente popular en un estilo criollo, se inyecta con un ritmo andino.Con los artistas radicados en Lima creando su propia versión del estilo andino, a menudo tomaban su sonido en una dirección más grandiosa, de big band. "Perla Andina" de Alicia Maguiña es una cumbia con un esplendoroso arreglo de big band. Cantante y compositor con sede en Lima, fue escrita como una oda a los Andes luego de algunas visitas memorables a la región. Del mismo modo, la '' Caymeñita '' de Lucho Neves lleva la cumbia peruana a una dirección conmovedora y llena de latón, guiada por el delicioso piano de Lucho.  

En 'Toyascha', el Conjunto Kori Cinta de Huancavelica toca un modo sombrío de carnaval: con solo un simple arpa y una voz y letra cantadas en quechua, es una nota meditativa de cierre para el álbum. En un modo diferente de los Andes tradicionales, 'Mi Casacancha' de Conjunto Los Luceritos de Casacancha es una composición sombría con un ritmo de muliza, que combina violines, arpa y un grupo de instrumentos de viento.Reflexionando sobre su conexión con los Andes, Martin Morales recuerda: "Creciendo en la ciudad costera de Lima, fue mi abuela quien mantuvo viva la conexión de nuestra familia con las montañas. Nuestras visitas a su casa de gran altura en el departamento de La Libertad, junto con los paquetes regulares de comida que ella había entregado a Lima, me transmitieron un fuerte sentido de las tradiciones terrenales y desgastadas de los Andes. "A través de las diferentes ciudades, aldeas y ciudades que pueblan los Andes, sus diferentes culturas han dado lugar a una gran cantidad de híbridos en constante evolución




1. Los Demonios Del Mantaro - La Chichera 02:53 
2. Los Compadres Del Ande - La Mecedora 02:21 
3. Los Walker’s de Huánuco - Todos Vuelven 02:59 
4. La Peruanita - Recuerda Corazón 02:46 
5. Los Bárbaros Del Centro - Loca Loquita 02:50 
6. Los Compadres Del Ande - El Lorcho 02:30 
7. Los Bilbao - Zelenita del Año 2000 02:59 
8. Manolo Avalos - Rio de Paria 02:14 
9. Lucho Neves Y Su Orquesta - Caymeñita 03:05 
10. Los Jelwees - Descarga Huanuqueña 03:10 
11. Los Sabios Del Ritmo - Cholita 03:05 
12. Alicia Maguiña con Mario Cavagnaro y su Sonora Sensación - Perla Andina 02:47 
13. Conjunto Los Luceritos De Casacancha - Mi Casacancha 02:39 
14. Huiro Y Su Conjunto - Cumbia en los Andes 03:27 
15. Los Turistas Del Mantaro - Agua Dulce 02:41 
16. Los Bárbaros Del Centro - La Celosa 03:05  
17. Conjunto Kori Cinta de Huancavelica - Toyascha 02:46




lunes, 1 de enero de 2018

Sibusile Xaba - Open Letter to Adoniah



Una pieza clave en la nueva generación de músicos de jazz de Sudáfrica, el guitarrista y vocalista nacido en KwaZulu-Natal Sibusile Xaba tiene todas las características de un maestro de la guitarra acústica. Con un estilo vocal que es en parte dreamcaping y en parte invocación ancestral, Xaba adivina en lugar de simplemente cantar. Combinado con un estilo de guitarra que está arraigado en la elección expresiva, la música de Xaba rompe los límites del género, tomando solo los fundamentos de mentores como Madala Kunene y el Dr. Philip Tabane e imbuyéndolos con una mitología e intensidad de improvisación propia.

'Open Letter to Adoniah' es un álbum reverente de la vida y su conexión con una fuente superior. La música emana de los sueños revelados a Xaba en días consecutivos y la mayor parte del álbum fue grabado en vivo en las montañas de Magaliesberg, en las afueras de Johannesburgo, en el invierno de 2016.

Con los percusionistas Thabang Tabane y Dennis Moanganei Magagula, el trío combina influencias geográficas y espirituales, insinuando a Maskandi (un estilo de música dominante en KwaZulu-Natal natal de Xaba) y la cultura de improvisación de la vanguardia del jazz de Sudáfrica. Colectivamente, los músicos remodelan estas influencias, situándolas dentro de ritmos que abarcan el continente africano. La influencia de Thabang Tabane sobre el proyecto le otorga una sensibilidad espiritual alusiva a la música de Malombo que su padre, el legendario Dr. Philip Tabane, originó a principios de la década de 1960.

https://sibusilexaba.bandcamp.com/album/open-letter-to-adoniah




1. Open Letter to Adoniah 05:00
2. Wampona 05:29
3. Emazulwini 05:18
4. Sibongile : Tribute to the Mother (Reprise) 04:46
5. Nomaphupho 04:52
6. Angisenalutho 03:52
7. Nyandi Yeni (Interlude) 01:14
8. Swaziland 03:34
9. Liyabukwa 03:57
10. Inkululeko (Reprise) 07:38


Arto Tunçboyacıyan (24 CD´s) Discografia



Percusionista y cantante Arto Tunçboyaciyan nació el 4 de agosto de 1957 en Galateria, cerca de Estambul, hijo de un zapatero descendiente de una familia de origen de Armenia-Anatolia. La mayor y más hermosa influencia musical de su vida fue su hermano Onno Ohannes Tunçboyaciyan, famoso músico y compositor. Onno no fue únicamente su hermano sino su maestro, su amigo, su apoyo y el que animó a Arto a desarrollar su personalidad. A la edad de 11 años, comenzó su carrera interpretando y grabando música tradicional con su hermano estableciéndose como músico profesional a lo largo de Turquía y Europa. En 1981 Arto se trasladó a Estados Unidos para explorar nuevas influencias creativas y añadir una nueva dimensión a su propia visión de la vida. Aquí toco y grabó con muchos grandes músicos.

Comenzó una significativa cooperación con el laudista armenio Ara Dinkjian. En 1985 se fundó el cuarteto Night Ark liderado por Ara Dinkjian. Arto grabó el proyecto en dúo con él “Tears of Dignity” (1994) y “Onno” (1996), un homenaje a su hermano Onno que murió trágicamente en un accidente de aviación en 1996. Estas composiciones son una clara expresión de los sentimientos de Arto hacia su hermano. En 1988 se publicaron sus albúmenes en solitario “Virginland” y “Main Root”.

En 1997 “Aile Muhabbeti” se publicó en Turquía como la banda sonora de la película. Arto compuso los temas de este álbum con varios músicos turcos y armenios.

En 1998 fundó la Armenian Navy Band y creó una nueva expresión “The Avant-Garde Folk Music” que significa que sin perder las raíces de nuestra identidad, podemos enriquecer nuestra imaginación con nuestras propias experiencias.

En el 2000 se publicó “Every Day is a New Life”.

En el invierno de 2001 salió “Türke sözlü hafif anadolu müzigi” (música de Anatolia con palabras en turco), que Arto dedicó a sus amigos y fans de Anatolia. Junto con el pianista de la ANB Vahagn Hayrapetan sacó en el 2003 su primer trabajo en dúo “Love is not in your mind”, una muy personal declaración de amor dedicada a su madre. En febrero de 2005 Arto grabó su nuevo proyecto en solo “Artostan”, un viaje diario de través de sus muchas formas de su mundo de sonidos y todavía continúa su viaje musical con el mismo entusiasmo e ilusión defendiendo que si una persona es capaz de ilusionarse, siempre se mantendrá joven y en conexión con la realidad de la vida.

Uno de sus últimos proyectos es “Human Element”. En la tradición de Weather Report y el Syndicate de Joe Zawinul, grupos míticos que han influido en generaciones de músicos de todo el mundo, Human Element está compuesto por el teclista Scott Kinsey (Tribal Teeh), por Matheew Garrison al contrabajo eléctrico (Zawinul Syndicate, John Mclaughlins’s Heart of Things, Herbi Hancock), el percusionista y vocalista Arto Tunçboyaciyan (Al Di Meola’s World Sinfonia, Joe Zawinul, Marc Johnson’s Right Brain Patrol) y el bateria Gary Novak (Chick Corea’s Elektric Band), Human Element incorpora elementos de fusión, funk y melodías de folk armenio en una potente mezcla del siglo XXI de difícil catalogación.

La persistencia y dedicación a su trabajo le ha dotado de admiradores por todo el mundo. Su leyenda sigue creciendo sin conocer fronteras, color o religión. Recientemente ganó un premio Grammy por su contribución a las composiciones de “Miho: Journey to the Mountain “ interpretada por el Paul Winter Consort. “La música es el mejor momento de mi vida. Yo no doy la dirección que debe tonar nadie. Te dejo imaginar por ti mismo, pero lo que trato de dar es Amor, Respeto, Verdad. Creo que esta es la forma más simple de la riqueza en este mundo por el camino de la confianza y esto es lo que necesitamos”.

The Armenian Navy Band

Ganadores del premio de la BBC de World Music “Planet Audience Award” en el 2006, la Armenian Navy Band fue fundada en 1998 por Arto Tunçboyaciyan, un compositor carismático, multi-instrumentista y cantante, también creador de la Avant-garde folk music. Desde su infancia, la música ha sido el elemento fundamental en su vida. Como músico profesional empezó a tocar en 1968, desde entonces, ha intentado transmitir sus proclamados valores: Amor, Respeto y Confianza.

Su música ha recibido influencias lo suficientemente dispares como para resumir su sonido en un aglutinante término, avantgarde folk.

Con el propósito de hacer sus “sonidos del mundo” audibles de la forma que deseaba, Arto visitó Armenia. Allí encontró músicos entusiastas y abiertos de mente que pronto configuraron la Armenian Navy Band y difundieron la ideología de Amor, Respeto y Confianza en el mundo de la música. En 1998 grabaron su primer álbum “Bzdik Zinvor”, es un grito sincero a la vida, a la naturaleza y al amor. Desde 1999 están regularmente girando en Europa. También en el 99 la Armenian Navy Band graba su segundo álbum “New Apricot”. En el 2001 en Estambul sacan otro de titulo “Light Anatolian Music with Turkish Words”, con letras en turco, que significa una hermosa y expresión única de experiencia de vida.

A finales de 2003, en el estudio de Yerevan, se crea la primera parte de un ambicioso proyecto musical llamado “Sound of Our Life – Part One: Natural Seeds”. Arto considera este álbum como su diario musical. Es una composición de una hora de duración para la Armenian Navy Band, coro y orquesta de cuerda, seguida de una segunda y tercera parte y probablemente de una cuarta.

En el 2004 grabaron un nuevo CD “How much is yours” que fue su primer álbum en Armenia. A principios del 2005 grabaron la banda sonora para la película de Robert Guédiguian “Le voyage en Armenie”. Armenian Navy Band colabora con el grupo de rap Paper Boys Intl., la banda del hijo de Arto Seto Setrack Tunçboyaciyan, y actualmente están en el estudio de grabación preparando el nuevo CD. Simultaneamente Armenian Navy Band está trabajando en “Sound of our life – part two (Ethnodispanser) y tambien sobre los nuevos CDs “Under your thoughts” y “Simple like Water Deep like Water”.

La música de la Armenian Navy Band son composiciones originales de Arto Tunçboyaciyan, que expresan el sonido de las pasadas generaciones junto con la vida contemporánea y la imaginación del futuro. Esto es lo que Arto define como “Avant-Garde Folk”. La Armenian Navy Band representa la síntesis de 38 años de viaje musical de Arto, su vida, experiencias y filosofía.

Músicos:

ARTO TUNÇBOYACIYAN-percusiones, voces, bular
ANAHIT ARTUSHYAN-kanun
ARMEN AYVAZYAN-kemanche
ARMEN HUSNOUNTS-tenor & soprano saxofón
ASHOT HARUTIUNYAN-trombón
DAVID NALCHAJYAN-alto saxofón
TIGRAN SUCHYAN-trompeta
NORAIR KARTASHYAN- blul, duduk, zurna
VARTAN GRIGORYAN-duduk, zurna
ARMAN JALALYAN-tambores
VAHAGN HAYRAPETYAN-piano & teclados
ARTYOM MANUKYAN-bajo, violonchelo


DISCOS  CARATULAS

         

         

          

         

         

         

         

         

         

         

         

          





 ENLACES (UPLOADED)

Armenian Navy Band- How Much Is Yours.rar
Armenian Navy Band - Natural Seeds.rar
Armenian Navy Band - Bzdik Zinvor.rar
Armenian Navy Band - New Apricot.rar

Night Ark - Moments.rar
Night Ark - In Wonderland.rar
Night Ark - Petals On Your Path.rar
Night Ark - Treasures.rar
Night Ark - Picture.rar

1994 - Main Root.rar
2000 - Every Day is a New Life.rar
1996 - Arto Tuncboyaciyan & Ara Dinkjian - Tears of Dignity.rar
2011 - Human Element - Human Element.rar
2009 - Yasar Kurt & Arto Tuncboyaciyan - Nefrete Kine Karsi.rar
2008 - ?????? (?????? ? ??????).rar
2006 - Le Voyage en Armenie (soundtrack).rar
2005 - Love is not in your mind.rar
2005 - Artostan.rar
2003 - Serart - Serart.rar
2001 - Aile Muhabbeti.rar
1998 - M.P.De Vito, R.Marcotulli, A.Tuncboyaciyan - Triboh.rar
1998 - Arto Tuncboyaciyan & Ara Dinkjian - Onno.rar
1997 - Turar.rar
1989 - Virgin Land.rar

jueves, 28 de diciembre de 2017

Daniel Zamir - Missing Here



"Missing Here" es el séptimo álbum del genial saxofonista / compositor israelí Daniel Zamir, uno de los más reconocidos músicos de jazz israelíes nacidos en el país, que también logró establecer una carrera internacional. Zamir nació en una familia secular, pero durante su estadía en los Estados Unidos redescubrió la religión judía y se convirtió en un judío ortodoxo. Zamir vivió en los EE. UU. Desde 2000 y regresó a Israel en 2006, donde ahora vive, escribe música, actúa y graba. Durante su estadía en Estados Unidos, John Zorn lo "descubrió" y finalmente grabó cuatro (hasta ahora) álbumes para la etiqueta Tzadik de Zorn. Este es su tercer álbum grabado y lanzado en Israel. Su música es una maravillosa mezcla de Klezmer, música judía, Europa del Este y, por supuesto, Jazz, que es completamente única. Su fluidez técnica y sus ilimitados poderes expresionistas lo ubican entre los virtuosos del saxofón mundial.

Ahora toca el saxofón soprano en forma exclusiva y su sonido a menudo recuerda al de John Coltrane. Este álbum incluye música compuesta completamente por él y está acompañado por algunos de los mejores intérpretes de jazz israelíes: Omer Klein - piano, Omer Avital - bajo y Aviv Cohen - batería. Los jugadores invitados incluyen el trompetista Itamar Borochov y el trombonista Avi Leibovitch. El cantante / pianista israelí Eviatar Banai invitados en la canción principal. El álbum es una hermosa experiencia auditiva para todos los amantes de la música sensible, y todos pueden descubrir las diferentes facetas de esta gran música. Totalmente recomendado!




01. Poem 33 (6:06)
02. Poem 54 (5:19)
03. Letter He (7:14)
04. Scent of an Apple Redness of Red (4:39)
05. Poem 42 (4:33)
06. Poem 51 (9:48)
07. Eleven (Question Mark) (6:29)
08. Poem 47 (Duet) (4:22)
09. 7 Measurements (6:22)
10. Love (7:18)
11. Missing Here (3:07)



sábado, 16 de diciembre de 2017

Diggin' In The Carts, A Collection Of Pioneering Japanese Video Game Music



Hyperdub se enorgullece de presentar Diggin 'In The Carts, una colección de música de videojuego japonesa rara y pionera. Este lanzamiento se basa en la aclamada serie documental de Red Bull Music Academy del mismo nombre que ha narrado la historia y la influencia global de esta emocionante cepa temprana de la música electrónica.

Investigado y comisariado por el escritor y codirector de Diggin 'In The Carts, Nick Dwyer, y el director de Koper9, Hyperdub, la colección se sumerge profundamente en los raros archivos de la era de los chips de la música de videojuegos japonesa. El 17 de noviembre en CD y digital, con un vinilo a seguir, la colección presenta obras de arte del renombrado artista del anime japonés y fundador de Studio ° 4C, Koji Morimoto, quien dirigió Memorias y Animatrix y cuyo estilo distintivo se encuentra en muchos anime conocidos.




1. Konami Kukeiha Club - Opening (Cosmic Wars) 01:08
2. Konami Kukeiha Club - Mazed Music (Nemesis) 00:47
3. Norio Nakagata - Big Mode (Genpel Touma Den) 01:31
4. Michiharu Hasuya - Hidden Level (Solomon's Key) 02:00
5. Konami Kukeiha Club - A Planet Of Plants (Nemesis II) 01:21
6. Manabu Saito - Telepathy (Chatty) 01:42
7. Konami Kukeiha Club - Equipment (Nemesis 3 The Eve Of Destruction) 00:48
8. Konami Kukeiha Club - BGM 3 (Motocross Maniacs) 01:09
9. Toshiya Yamanaka - Visual Scene 1&2 (Wer Dragon) 02:05
10. Goblin Sound - Opening (Hisou Kihei X-Serd) 01:57
11. Tadahiro Nitta - An-Un [Ominous Clouds] (Xak II) 03:48
12. Yuzo Koshiro - Temple (Actraiser) 01:17
13. Konami Kukeiha Club - Road To Agartha (Moryou Senki MADARA) 01:19
14. Hiroyuki Kawada - King Erekiman (The Legend of Valkyrie) 01:50
15. Katsuro Tajima - Exercise (Mega Panel) 01:53
16. Goblin Sound - Game Over (Hisou Kihei X-Serd) 01:10
17. Konami Kukeiha Club - Beyond The Terminus (Block Hole) 02:02
18. Kazuko Umino (Zuntata) Waltz of Water and Bubbles (Liquid Kids) 02:06
19. Hiroto Saitou - Main Stage BGM 1 (Time Cruise II) 01:54
20. Yasuhisa Wantanabe (Zuntata) - Area 26-10 (Metal Black) 02:11
21. Hiroto Saitou - Site 3-1 [Torrid City] (Metal Stoker) 02:23
22. Tadahiro Nitta - Metal Area (Illusion City) 02:11
23. Hiroto Saitou - Site 6-2 (Metal Stoker) 02:21
24. Mausmi Itou - Tactics 4 (Super Royal Blood) 03:28
25. Goblin Sound - My Phase [Stage 12-14] (Vixen 357)( 00:51
26. Hiroaki Yoshida - Kyoushin [Lunatic Forest] (Dragon Gun) 01:31
27. Konami Kukeiha Club - Underwater Dungeon - (Esper Dream 2) 01:59
28. Technosoft - Shooting Stars (Thunder Force IV) 01:16
29. Soshi Hosoi - Mister Diviner ( The Majhong Touhhaiden) 04:52
30. Jun Ishikawa - Main Theme (Alcahest) 02:14
31. Kazuhiko Nagai - Keel (Golden Axe II - The Duel) 01:29
32. Koichi Ishibashi - Bad Data (Dezaemon) 01:50
33. Yasuaki Fujita - What is Your Birthday (Tarot Mystery) 03:01
34. Kazuo Hanzawa - Oblivious Past (Alien Soldier) 05:18

viernes, 15 de diciembre de 2017

Les Filles de Illighadad - Eghass Malan



Les Filles de Illighadad presentan su primer álbum de estudio "Eghass Malan". El grupo de vanguardistas liderado por mujeres del pueblo del mismo nombre trae su nuevo género de guitarra Tuareg mezclado con la gente rural tradicional. Versado en la tradición, Fatou Seidi Ghali y su banda han creado versiones de estudio contemporáneas que no se parecen a nada jamás registrado, transportando la canción rural nómada al siglo XXI.

Les Filles son todos de Illighadad, una comuna aislada en el centro de Níger, a lo lejos en los desiertos de matorrales al borde del Sahara. El pueblo solo es accesible a través de un camino agotado a través del desierto abierto y hay poca infraestructura, ni electricidad ni agua corriente. Pero lo que la zona nómada carece de riqueza material compensa una identidad y tradición profunda y fuerte. El campo circundante ayuda a cientos de familias de pastores que viven con sus rebaños, como lo han hecho sus familias durante siglos.

El sonido que define al Níger rural es una música conocida como "tende". Toma su nombre de un tambor, construido a partir de una piel de cabra extendida sobre un mortero. Al igual que los alrededores, la música tradicional es un testimonio de la riqueza en la simplicidad, con composiciones dispersas construidas a partir de unos pocos elementos, voces, palmadas y percusión. Canciones ... más créditos

Producido por Christopher Kirkley
Coproducido por Les Filles de Illighadad, Mathieu Petolla, Bear Machine
Diseñado / grabado por Bear Machine: Björn Sonnenberg y Jan Niklas Jansen en Bear Cave Studios, Colonia
Residencia soporte Week-End Fest
Mezclado por Jason Powers
Dominado por Timothy Stollenwerk
Ilustraciones de Christopher Kirkley
Foto de Mathieu Petolla




1. Eghass Malan 04:49
2. Inssegh Inssegh 04:48
3. Imigradan 05:06
4. Jori 04:32
5. Tihilele 06:11
6. Abadrarass 04:47
7. Telillite 08:43

domingo, 10 de diciembre de 2017

Patricia Spero - Silk and Bamboo (2001)


Patricia Spero is one of the world's leading concert harpists. Tim Wheater is a virtuoso on the flute. They perform together on Spero's Silk and Bamboo. This is a lovely cross-cultural CD. Spero performs her magic on the Chinese harp (cheng), Tibetan singing bowls, the zither, Tibetan prayer bells, and, of course, the concert harp. Wheater contributes his expertise on wooden and bamboo flutes. The heart and soul of this recording come from Spero's tenacity and dedication to bringing the ancient and the contemporary together. Wheater's flutes add class and integrity.

Este álbum es suave, sin prisas y reparador. Tiene una fuerte sensación oriental causada por los instrumentos utilizados y también por la naturaleza de la composición que a menudo serpentea (como es común con la música oriental). Sé que muchos disfrutaran de esta música mientras hacen tratamientos holísticos como el Reiki y algunos incluso para la meditación.



Patricia Spero: Chinese Harp (Cheng)
Tim Wheater: Bamboo and wooden flutes.

1 Lamp of Wisdom (8:31)
2 Dawn Wind Bird (1:38)
3 Jewelled Flute (7:29)
4 Autumn Winds blow on Green Ponds (7:08)
5 Bridge of Stars (7:06)
6 A Misty Twilight Lotus that rises from the River (5:54)
7 Dark Dragon (7:51)
8 Music of Song (4:56)
9 The Moon in Flower looks on silent night (10:38)

TootArd - Laissez Passer



Famously, Rachid Taha’s first band was called Carte De Séjour, alluding to the difficulties of residents of France who were nonetheless less than citizens. Similarly, TootArd’s album title makes their status into a statement. They are from the Golan Heights, and therefore live in Israeli territory (and indeed record in Jersusalem) without being citizens of any nation. “Laissez Passer”, sings Hasan Nahkleh on the opening track; “your name . . . your image isn’t familiar . . . your roots are unknown . . . your homeland is unknown.” The music blusters in like the Touareg desert blues known simply as “Guitar”, fidgety and riff-driven.

TootArd play an engaging mixture of desert blues, dub reggae and all-out psychedelic rock. After the opening track Nahkleh plays his electric guitar like an oud, with a sour sound on “Musiqa”, with its stop-start rhythm eventually mutating into jaunty reggae; at the start of “A’sfur” a lengthy vamp owes as much to Knopfler as to Cairo.

His bandmates are his brother Rami, on bass guitar and percussion, and Amr Mdah on saxophones. Rami provides an off-kilter clatter of percussion on “Sahra”, its gritty guitar and reed interplay occasionally broken by a poetic vignette about “a night from a thousand nights”. The music falls away into a steady handclap. “A beautiful brunette”, the band chant, “her smile flamed my heart with a spark”. Then Mdah’s saxophone lifts into an airy solo.

This is music with its eyes on the far horizon. “Rebel, rebel, oh bird”, sings Nahkleh on “A’sfur”, “fly high/so there are no barriers in the world and the tall wall is demolished.” Later, on the yearning “Nasma Jabalyia”, his guitar echoing like a mirage, he sings to a turtledove and a mountain breeze. TootArd proclaim a mountain music open to anyone “from Baniyas and Hula plains to the Qarn and the Hareer valley . . . ” This is internationalist music, never more so than on the closing, wordless “Syrian Blues”.

 http://www.folkradio.co.uk/2017/11/tootard-laissez-passer/
 http://glitterbeat.com/artists/tootard/
 https://www.ft.com/content/1a26ff48-c357-11e7-a1d2-6786f39ef675





1 Laissez Passer 3:54 
2 Musiqa 3:25 
3 Sahra 5:25 
4 A'sfur 4:08 
5 Nasma Jabalyia 3:20 
6 Oya Marhaba 4:16 
7 Bayati Blues 3:46 
8 Roots Rock Jabali 4:06 
9 Circles 4:09 
10 Syrian Blues 4:54

domingo, 26 de noviembre de 2017

Nadah El Shazly - Ahwar



Nawa Recordings present Ahwar, the debut album by Nadah El Shazly. Starting out singing Misfits covers in a local punk band, then moving on to producing her own electronic tracks and making a name for herself in Cairo's underground scene, Nadah El Shazly's backstory is not that unusual. Her debut album on the other hand, is an entirely unexpected story. Two years in the making, Ahwar (Arabic for "marshlands") is an otherworldly record, not unlike an abstract mythological story-tale.

Opening with the mangled and filtered vocals of "Afqid Adh-Dhakira (I Lose Memory)", like an alien dream, the drones of a bowed double bass lead the listener into a drum groove that lays the groundwork for El Shazly's sultry and captivating presence. The Arabic prose lingers over interjections of slap-back delayed guitar twangs and an avant-garde arrangement of dissonant winds, horns, and seemingly random drum fills, ending with an eerie soundscape that wouldn't feel out of place in a giallo classic. Composed, written, and produced by El Shazly herself in collaboration with The Dwarfs Of East Agouza's Maurice Louca and Sam Shalabi on co-composition and arrangement duties, the album was crafted across two continents, between Canada and Egypt, and features the crème of Montreal's contemporary-classical and improvised music scene, most of whom are members of Shalabi's own Land Of Kush ensemble.

In between El Shazly's five original tracks, the listener is treated to an abstract conversion of Sayyid Darwish's classic "Ana 'Ishiqt (I Once Loved)". El Shazly's haunting vocal floats over broken kalimba and harp arpeggios which slowly intertwine with a free, bowed double bass improv to nestle within the breaks between Younes Al-Qadhi's early 20th century verses of love and betrayal. More than that, it is difficult to really describe, but imagine the worlds of Nico, Björk, and Annette Peacock with the Arabic language as their mother tongue, re-approached through acoustic avant-jazz harmony and re-constructed with a dash of Kamilya Jubran's modern styling of Arabic maqam and you may be somewhere close. Recorded and delicately mixed through miles of analog cabling by Thierry Amar and mastered by Harris Newman, the album is adorned with the surrealist artwork of Egyptian artist Marwan El-Gamal and designed with custom typography by Egyptian designer Valerie Arif.

https://nadahelshazly.bandcamp.com/album/ahwar
 




1. Afqid Adh-Dhakira (I Lose Memory) 04:39
2. Barzakh (Limen) 08:19
3. Palmyra 05:09
4. Ana 'Ishiqt (I Once Loved) 06:34
5. Koala 07:04
6. Mahmiya (Protectorate) 06:08