Idrache (Traces Of The Past) incluye una docena de joyas ocultas del Sahara. Grabaciones toscas, pero íntimas y hermosas de Tinariwen, la banda tuareg más famosa del mundo. Algunas son demos que luego se lanzaron en versiones más producidas en álbumes posteriores y cuatro de ellas nunca se habían publicado antes.
Esta es música para transportarte, música que te hace sentir que estás en el Sahara con estos músicos extraordinarios para quienes es su hogar y su inspiración. Son tesoros crudos del desierto, grabados en vivo sin sobregrabaciones, que solo están emergiendo a la luz del sol con este álbum de rarezas, Idrache, Traces of the Past.
1.
Soixante Trois 05:13
2.
Assuf Ag Assuf 03:04
3.
Amoss Idjraw 04:37
4.
Azaman Amikankanen 06:10
5.
Adounia Nissan 03:43
6.
Amidinin War Hi Toyed 03:34
7.
Imidiwan Ma Tennam 04:07
8.
Alkhar Dessouf 07:52
9.
Tenere Maloulat 04:12
10.
Tenhert 05:44
11.
Adounia Ti Chidjret 07:22
12.
Tenere Dafeo Nikchan 04:56
Stephan Micus (19 de enero de 1953 en Alemania), es un músico multi-instrumentista, compositor e investigador musical. La obra de Micus es principalmente del estilo world music. Su música explora las sonoridades y posibilidades expresivas de muy diferentes instrumentos de las tradiciones musicales del mundo. En muchos casos, Micus toca todos los instrumentos en sus grabaciones, combinando estilos de muy diferentes países y usando instrumentos de formas sin precedentes en cada una de sus piezas musicales. https://es.wikipedia.org/wiki/Stephan_Micus
To the Rising Moon es el 26º álbum en solitario de Stephan Micus para ECM. Incluye instrumentos de Colombia, India, Xinjiang (China), Baviera, Camboya, Egipto y Borneo, pero el protagonista es el tiple colombiano, un poco más pequeño que una guitarra acústica. El soleado sonido punteado de los tiples se alterna con cuerdas de arco más oscuras que aportan un estado de ánimo más meditativo. Es solo en la última canción, "To the Rising Moon", que los dos mundos de los tiples punteados y las cuerdas de arco finalmente se unen. Es como un himno a algo que está eternamente ahí arriba en el cielo nocturno, algo constante mientras hay tanta turbulencia en el mundo de abajo. Una vez más, Stephan Micus nos lleva a un viaje musical único a lugares desconocidos que nadie más podría haber creado o tocado.
1|To The Rising Sun 2|Dream Within Dream 3|In Your Eyes 4|The Veil 5|Unexpected Joy 6|Waiting For The Nightingale 7|The Silver Fan 8|Embracing Mysteries 9|To The Lilies In The Field 10|The Flame 11|To The Rising Moon
Arooj Aftab PP ( Urdu : عروج آفتاب ; nacida el 11 de marzo de 1985) es una cantante, compositora y productora pakistaní-estadounidense. Ha trabajado en varios estilos y expresiones musicales, incluidos el jazz y el minimalismo .
Night reign es el título del nuevo trabajo de la cantante , quien fue la primera mujer de su país en ganar un Grammy por su disco ‘Mohabbat’
En este disco musicalmente los ingredientes con los que trabaja son los que ya conocemos desde su debut hace diez años en “Bird Under Water”: jazz minimalista, folk occidental, música electrónica y una pátina de exotismo oriental.
1. "Ay Nehin" Yasra Rizvi 5:45
2. "En el gélido" Chanda Mah Laqa Bai 5:29
3. " Hojas de otoño " (con James Francies )
Jacques Prevert Johnny Mercer
José Kosma 4:46
4. "Bolo Na" (con la participación de Moor Mother y Joel Ross )
Aftab Camae Ayewa
6:14
5. "Saaqi" (con Vijay Iyer ) Chanda Mah Laqa Bai 6:46
6. "Last Night (Reprise)" (con Cautious Clay , Kaki King y Maeve Gilchrist ) Rumi 5:07
7. "Raat Ki Rani" Aftab 5:13
8. "Whisky" Aftab 5:07
9. "Zameen" (con la participación de Chocolate Genius, Inc. ) Shamim Jaipuri
Aftab Begum Akhtar Marc Anthony Thompson
4:16
El Monte Athos, conocido como la «Montaña Sagrada», es una península monástica en el noreste de Grecia, central para el monacato ortodoxo oriental durante más de un milenio. Sus veinte monasterios albergan a unos 2.000 monjes dedicados a la oración y el culto, cuyas canciones han resonado a través del mar Egeo durante siglos, escuchadas solo por peregrinos visitantes, aislados del tiempo convencional y los eventos globales.
Después de varios años de investigación y varias visitas a la comunidad de jubilados, estamos felices de presentar nuestro nuevo proyecto «ATHOS : ECHOES FROM THE HOLY MOUNTAIN» dedicado a esta música litúrgica y repertorio que parece estar evolucionando fuera de los límites habituales del tiempo y el espacio. Arraigada en el canto bizantino, esta tradición a capela esencial para la vida monástica presenta melodías intrincadas pero serenas diseñadas para facilitar la oración y la contemplación, utilizando un sistema de modos y escalas para crear una atmósfera meditativa.
Este esfuerzo de documentación, de carácter transdisciplinario, también comprende un aspecto de reinterpretación artística que invita a los artistas contemporáneos griegos y extranjeros a reflexionar sobre el tema.
Una recopilación musical que recoge grabaciones de campo originales de los años 60 y de la actualidad que captan la esencia de la música litúrgica en el Monte Athos, pero también nuevas composiciones inspiradas en ellas de artistas como Holy Tongue (Reino Unido), Jay Glass Dubs (Gran Bretaña), Prins Emanuel & Inre Kresten Grupp (Suecia), Jimi Tenor (Filipinas), Gilb'r (Francia), Daniel Paleodimos (Gran Bretaña), Esma & Murat Ertel (Turquía) y Organza Ray (Gran Bretaña/Estados Unidos).
1.
Inre Kretsen Grupp & Prins Emanuel - Volta Semantron 04:05
2.
Holy Tongue - Athos Dub 06:33
3.
Murat & Esma Ertel - Garden of Kibele 03:39
4.
Daniel Paleodimos - Doxology 02:44
5.
Jimi Tenor - Idan Kuoromiehet 03:57
6.
Jay Glass Dubs - Synaptic Riddles 06:01
7.
Gilb'r - L'île météore 03:18
8.
Organza Ray - I Swim in your Dreams 08:40
9.
Vatopedi Semantron Vespers 00:21
10.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Axion Estin 03:53
11.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Christos Anesti 02:48
12.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Theoteke Parthene 05:39
13.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Doxologia Chourmouzioy 04:16
14.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Osoi Eis Christon 02:54
15.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Tas Esperinas Manouel Chrysafis 03:42
16.
Father Lazaros of Grigoriou Monastery - Doxastikon Idiomelon, Mode Plagal A 04:02
17.
Father Germanos of Vatopedi Monastery - Anoixantos Sou, Koukouzelis, Mode Plagal D 03:29
18.
Iviron Monastery - Cherouvical Hymn, Third Mode 05:22
19.
Father Antypas - Axion Estin, Seventh Mode 03:54
20.
Simonopetra Monastery - Koinonikon, Mode Plagal A 03:54
El álbum se grabó en 2022 en Bahía y Sao Paulo, Brasil, y destaca un talento increíble tanto en el jazz, el avant-pop, el rap y la poesía. Incluye estrellas brasileñas como Metá Metá, Edgar, Xênia França, Tiganá Santana, así como la vocalista nominada tres veces al Grammy Jazzmeia Horn y el músico y compositor de renombre mundial Meshell Ndgeocello. Todo el álbum fue supervisado y producido por Xuxa Levy.
Importantes artistas brasileños y norteamericanos se conectan y dialogan con el movimiento afrofuturista de SUN RA en SOLAR: SUN RA IN BRASIL. No solo versionan a SUN RA, sino que construyen un nuevo repertorio e interpretación a partir de los temas originales. Con la participación de nuevos nombres emergentes en la escena del jazz estadounidense y grandes nombres de la escena neo-jazz brasileña, este proyecto sin duda te revitalizará espiritualmente.
El repertorio de Sun Ra se traslada a una grieta espacio-temporal para que sea reinterpretado por artistas que forman parte de la mayor población negra fuera de África. Con una comunidad de 86 millones de personas de ascendencia africana, hay muchas oportunidades para celebrar a SUN RA y pedir justicia ambiental.
La primera chispa sonora que abre el disco “Solar” son unos atabaques de Candomblé Ketu Nation pidiendo permiso, mientras Sun Ra se presenta a quienes no lo conocen (Mr. Mystery).
Así comienza la combinación que impregnará todo el disco: La conexión entre el futuro y la ascendencia de los negros.
El Disco también cuenta con la participación de Fabricio Boliveira (actor) interpretando versiones en portugués de poemas de Sun Ra, como: “Black Prince Charming” (con la participación del músico experimental bahiano Edbrass Brasil, y sus raros y extraños instrumentos) y “I Am An Instrument” con la magnífica Jazzmeia Horn creando efectos vocales texturizados de fondo.
1 Astroblack Orunmilá (Feat. Orquestra Afrosinfônica & Jazzmeia Horn)
2 Nature’s God (Sun Ra Sam Ba)(Feat. Munir Hossn, Drummers from Aguidavi do Jêje & Meshell Ndegeocello)
3 Nine Rocket For The Planet (Feat. Metá Metá & Edgar)
4 O Código (Black Prince Charming)(Feat. Fabrício Boliveira & Edbrass Brasil)
5 When There Is No Sun (Intergalactic Version)(Feat. Xênia França + Tiganá Santana)
6 Eu Sou Um Instrumento (Feat. Fabrício Boliveira & Jazzmeia Horn)
7 Interstellar Low Ways (Feat. Hamilton de Holanda Trio)
8 Brainville Dazidéia (Feat. Max de Castro & BNegão & Orchestra Klaxon)
The Dead South es un grupo musical canadiense de folk-bluegrass originario de Regina, Saskatchewan. La banda se formó en 2012 como cuarteto por Nate Hilts (voz, guitarra, mandolina), Scott Pringle (guitarra, mandolina, voz) y Danny Kenyon (chello, voz). Colton Crawford (banjo) dejó la banda en 2015 y fue reemplazado por la músico de estudio Eliza Mary Doyle. Colton Crawford regresó a la banda en 2018. A menudo se refieren a sí mismos como los "Evil Twins" de Mumford & Sons. La banda tocaba en directo antes de lanzar su primer EP de cinco canciones en 2013 The Ocean Went Mad and We Were to Blame. Su álbum Good Company se lanzó en 2014 con el sello alemán Devil Duck Records que produjo importantes giras por el extranjero durante los siguientes dos años.
El tercer disco Illusion and Doubt fue lanzado a través del sello canadiense Toronto Label Curve Music en 2016. Rápidamente subió al número 5 en las listas Billboard Bluegrass. Se creó una versión actualizada del sencillo "In Hell, I'll Be in Good Company" del disco Good Company, producido por Jason Plumb, junto con un videoclip en Youtube, y se la cataloga como parte importante del éxito de la banda.
Sugar & joy es su cuarto album y es el primero que escriben y graban fuera de Regina. Producido por Jimmy Nutt, formado en FAME Studio y miembro de la escena musical de Muscle Shoals desde hace mucho tiempo, cuyos créditos recientes incluyen un Grammy por su trabajo en The Steeldrivers, Sugar & Joy es el trabajo de estudio más ajustado, extraño y emocionante de The Dead South hasta el momento. "Tienen una dedicación evidente a lo que hacen", dice Nutt. "Se alientan mutuamente, algo que no se ve a menudo".
Miembros de banda
Nate Hilts (voz principal, guitarra y mandolina) (2012-presente)
Scott Pringle (guitarra, mandolina y voz) (2012-presente)
Skyedance está formado por Alasdair Fraser (violín), Eric Rigler (gaita escocesa y uillean), Chris Norman (flauta de madera), Paul Machlis (teclados), Peter Maund (percusión) y Mick Linden (bajo).
En este álbum, la banda contó con invitados españoles entre los que se encontraban la cantante gallega Mercedes Peón (voz), el nominado al Grammy Latino Hevia (gaita midi), José Manuel Tejedor (gaita asturiana), Joxan Goikoetxea (acordeón), el entusiasta acordeonista vasco Kepa Junkera (trikitixa), Mikel Laboa (voz) y Oreka TX (txalaparta) en tres conciertos bastante notables en 2001 ante un público español muy entusiasta.
1.
Harris Dance 04:45
2.
Dizzy 03:44
3.
Marabilla 05:21
4.
Dinky's Medley 03:52
5.
Cries and Shrieks of Woe 04:22
6.
A Stór Mo Chroí 02:37
7.
Stoney Run 05:53
8.
The Spark 05:25
9.
Way Out to Hope Street 02:12
10.
Theme for Scotland 04:30
11.
Donostia 04:27
12.
Txoria Txori 04:04
13.
The Other Side of Sorrow 04:43
14.
Galen's Medley 04:52
15.
Tail Toddle Finale 08:44
Afro fue nuestro primer lanzamiento internacional y nuestro primer intento de actualizar la música afroperuana de la misma manera que Nicomedes Santa Cruz y otros lo hicieron hace décadas cuando la frágil existencia de esta música se estaba desvaneciendo. Estuvimos muy satisfechos con el resultado, que es crudo y acústico pero al mismo tiempo electrónico. Oscuro pero conmovedor. Profundo y, a veces, inquietante.
En este álbum nos acompañan algunos de los mejores músicos afroperuanos en cajón, guitarra y voces, lo que le da a cada canción una sensación de vivo y el álbum incluye producción adicional en todas las pistas por parte de Toni Economides, el mago del estudio de Nitin Sawhney y Da Lata.
El tercer álbum de El Khat, Mute, contradice su título, ya que sale a toda velocidad de los altavoces con una intensidad estridente. Formado en los garajes y almacenes de Jaffa y ahora con sede en Berlín, la visión en constante expansión del grupo se posiciona desafiante contra la complacencia, el conflicto y la división. Tambores y metales estridentes, un órgano irregular, melodías yemeníes hipnóticas e instrumentos de cuerda y percusión DIY únicos, todo se fusiona en un paisaje sonoro contagioso y embriagador.
El disco comenzó con el núcleo de El Khat (el multiinstrumentista el Wahab, el percusionista Lotan Yaish y el organista Yefet Hasan) grabando en un refugio subterráneo de un pueblo aislado. “Mi estado de ánimo en ese momento afectó a las composiciones incluso antes de que escribiera la música”, señala el Wahab, “y la ubicación aislada nos dio la oportunidad de darle sentido”. Tras esas sesiones, en el verano de 2023 el grupo emigró a Berlín, muy lejos de Jaffa, donde habían crecido en gran medida. La mudanza fue una expresión del impulso nómada que ha sido una constante en la vida de el Wahab, que fluye directamente en su obra.
“Estas canciones hablan de emigrar, de dejar a alguien o algún lugar. No creo que haya permanecido en un mismo lugar durante más de un año. Para nosotros, los judíos árabes cuyas familias se vieron obligadas a abandonar Yemen, realmente empezó con esa gran mudanza y la llegada de nuestras familias a Israel, una tierra en la que el ‘otro’ se silencia constantemente”.
Mute, en su opinión, es “un disco grande y significativo”. Es una historia de finales y nuevos comienzos. “Pero eso es cierto en todos nuestros álbumes”, insiste el Wahab. “Tratan sobre las relaciones y la lucha por ver dos lados como un todo y no sobre algo que termina con el silenciamiento y el conflicto. Las canciones aquí tratan sobre viejos amores, el país, la familia. Tratan sobre sentimientos e identidad”. Y todo esto plantea inevitablemente muchas preguntas. Como canta en “La Wala”: “¿Por qué nunca puedes disfrutar del momento en el que estás/ Y siempre dices adiós/ Por qué? ¿Por qué?”
El Wahab sigue reinventándose: incluso su carrera ha sido una invención propia. Incapaz de leer música, se las arregló para entrar en la Orquesta Andaluza, tocando el violonchelo de oído hasta que aprendió teoría musical. Y los instrumentos que utiliza en sus álbumes, como el galón azul (en realidad una jarra) o el kubana (que recibe su nombre de un tipo de pan yemení), también son de su propia invención. Estos instrumentos únicos y hechos a mano son la base de Mute. Siempre ha hecho música a partir de objetos que otros desechan. Todo reciclado y reutilizado, nada desperdiciado.
The making of Congo Funk!, our long-awaited journey to the musical heart of the African continent, took the Analog Africa Team on two journeys to Kinshasa and one to Brazzaville. Selected meticulously from around 2000 songs and boiled down to 14, this compilation aims to showcase the many facets of the funky, hypnotic and schizophrenic tunes emanating from the two Congolese capitals nestled on the banks of the Congo River.
On its south shore, the city of Kinshasa – capital of Democratic Republic of the Congo, the country formerly known as Zaïre – is often seen as Africa’s musical Mecca, the city that spawned such immortal bands as African Jazz, O.K. Jazz and African Fiesta, and the place to which aspiring musicians from throughout the continent would go to make a name for themselves.
But the city of Brazzaville on the north shore of the river – capital of the Congo Republic – played an equally important role in spreading Congolese sounds continentally. In addition to producing legendary bands such as Les Bantous de la Capital, it was the powerful transmitters of Radio Brazzaville that allowed the unmistakable groove of Congolese Rumba to be heard as far away as Nairobi, Yaoundé, Luanda and Lusaka thus turning the electric guitar into the continent’s most important instrument!
Although the musical landscape of these cities had been defined by a core group of bands in the late 1950s, the modernisation of Congolese music has been steadily evolving until the events surrounding the Muhammad Ali vs George Foreman boxing match marked a turning point. The promoter of that event known as “Rumble In The Jungle” was none other than the notorious Don King who needed 10 millions dollars to get Ali and Foreman into a boxing ring. The only candidate willing to put this kind of cash on the table was Mobutu Sese Seko, President of the Democratic Republic of the Congo.
Mobutu - the megalomaniac dictator who got to power with the support of the United States and Belgium in exchange for unlimited and affordable access to the riches of the country - had a soft spot for music and it doesn’t come as a surprise that he agreed to a three-day live music festival being organised prior to the “Rumble”. Zaïre 74 - as the festival was dubbed - was meant to hype the boxing match and many stars were invited.
Although a myriads of artists flocked in for the occasion, it was the performance of James Brown on Zairian soil that caused havoc among the younger generation, inspiring hundreds of would-be musicians to take up their electric guitars and reverbs cranked to the max in search of a new sound in which hyperactive Rumba was blended with elements of psych and funk. While the results were very different from the popular music of the three Musketeers - as Tabu Ley, Franco and Verckys were known - they weren’t a complete break with tradition.
These new sounds emerged at a time when the Congolese record industry – previously dominated by European major labels – was experiencing a period of decline due to rising production costs and needed a radical change. The void was filled by dozens of entrepreneurs willing to take chances on smaller scale releases. It was the beginning of a golden age for Congolese independent record labels, and the best of them – Cover N°1, Mondenge, Editions Moninga, Super Contact – preserved the work of some of the region’s finest artists, while launching a generation of younger musicians into the spotlight.
The movement was greatly helped by legendary radio shows but it was the dynamic productions of Télé-Zaïre that set the dynamite on fire. Legend has it that TV shows were so huge that president Mobutu himself ordered RTV du Zaïre to put on daily concerts since it halted criminal activities for the duration of the evening.
Congo Funk! is the story of these sounds and labels, but most of all it is the story of two cities, separated by water but united by an indestructible groove. The fourteen songs on this double LP showcase the many facets of the Congolese capitals, and highlight the bands and artists, famous and obscure, who pushed Rumba to new heights and ultimately influenced the musical landscape of the entire continent and beyond.
1.
Petelo Vicka et Son Nzazi - Sungu Lubuka 07:49
2.
Groupe Minzoto Ya Zaïre - Mfuur Ma 05:00
3.
M.B.T's - M.B.T's Sound 03:48
4.
Abeti et les Redoutables - Musique Tshiluba 03:14
5.
Trio Bydoli - Lalia 04:59
6.
Tabu Ley et L'Orchestre Afrisa - Adeito 06:42 video
7.
Les Bantous De La Capitale - Ngantsie Soul 08:28 video
8.
Les Frères Soki et L'Orchestre Bella-Bella - Nganga 08:39 video
9.
Orchestre Celi Bitshou - Tembe Na Tembe Ya Nini 07:18 video
10.
Lolo et L'Orchestre O.K. Jazz - Lolo Soulfire 03:35 video
11.
Zaiko Langa Langa - Femme Ne Pleure Pas 06:01
12.
Orchestre O.K. Jazz - Kiwita Kumunani 03:49
13.
G.O. Malebo - Fiancée Laya 05:05
14.
Orchestre National Du Congo - Ah! Congo 03:17
Ginger Baker's Air Force fue un supergrupo de fusión de jazz-rock liderado por el baterista Ginger Baker .
La banda se formó a finales de 1969 tras la disolución de Blind Faith . La formación original estaba formada por Ginger Baker en la batería, Steve Winwood en el órgano y la voz, Ric Grech en el violín y el bajo, Jeanette Jacobs en la voz, Denny Laine en la guitarra y la voz, Phil Seamen en la batería, Alan White en la batería, Chris Wood en el saxo tenor y la flauta, Graham Bond en el saxo alto, Harold McNair en el saxo tenor y la flauta, y Remi Kabaka en la percusión. Sus primeros shows en vivo, en el Birmingham Town Hall en 1969 y el Royal Albert Hall , en 1970, también incluyeron a Eleanor Barooshian (tanto Jacobs como Barooshian eran ex miembros del grupo de chicas The Cake ).
Ginger Baker's Air Force 2 fue el segundo y último álbum de Ginger Baker's Air Force , lanzado en 1970. En Alemania , Australia y Nueva Zelanda fue lanzado con una lista de canciones diferente, incluidas canciones inéditas.
Este álbum fue grabado en un estudio, a diferencia del anterior, con una formación diferente de la banda, con Denny Laine , Harold McNair , Aliki Ashman y Ric Grech como "personal adicional". Graham Bond asumió las funciones vocales principales junto con Ginger Baker , Diane Stewart y Catherine James.
La portada del álbum fue diseñada para zurdos, es decir, con la portada delantera impresa en lo que tradicionalmente se consideraría la parte trasera y viceversa.
01. Let Me Ride (4:24)
02. Sweet Wine (3:37)
03. Do U No Hu Yor Phrenz R? (5:31)
04. We Free Kings (4:27)
05. I Don't Wan't To Go On Without You (3:56)
06. Toady (8:22)
07. Gates Of The City (8:15)
¿Qué más se podía esperar de una colaboración entre dos compositores de renombre internacional: la reconocida flautista y expresidenta de la AACM, Nicole Mitchell, y el innovador intérprete de kora, embajador musical de Bamako, Ballaké Sissoko? Ambos han desafiado las convenciones en sus respectivos géneros: el sonido afrofuturista y la ética cósmica de Mitchell y la integración de progresiones de guitarra en composiciones de kora de Sissoko. Ambos llevan las formas tradicionales a nuevos espacios. Ambos aportan una rica historia de colaboración en varios géneros.
El álbum completo encarna las tradiciones africanas de griot de llamada y respuesta, arraigadas en el linaje del blues/jazz de los negros estadounidenses. Algunas canciones despiertan la sensación de Bamako dando serenatas a Chicago a través de las calles de Mali y las historias locales, como se ve en "Tara". La exuberante voz de Kouyate, acompañada por las suculentas cuerdas de Sissoko, crean una experiencia sensorial tradicional pero poderosa, que refleja una rica cultura antigua.
1.
Bamako Chicago 08:21
2.
Doname 04:44
3.
Kanu 04:48
4.
Tolotai 04:37
5.
Spicy Jambalaya 07:28
6.
Tara 04:01
7.
This Moment 14:47
8.
Se Wa Kole 04:20
9.
Vulnerable 09:21
Los hermanos MacNeil son de la isla de Cape Breton y comenzaron a actuar juntos en 1980 cuando todavía eran adolescentes (Lucy MacNeil tenía solo 10 años). En consecuencia, solo podían actuar los fines de semana y hacían giras durante las vacaciones escolares. Los hermanos son músicos de formación clásica y ex alumnos de la Universidad Mount Allison (Sheumas '84, Kyle '85, Stewart '87 y Lucy '91).
En 1986, lanzaron su primer álbum homónimo en su propio sello independiente. The Barra MacNeils ganaron su primer premio East Coast Music Award en 1991, y han ganado cuatro más desde entonces, incluido un premio Juno al Álbum del año por TimeFrame en 1992 y un premio al Grupo del año en 2001. Firmaron con PolyGram y sus dos primeros álbumes fueron reeditados, mientras que su álbum de 1993 Closer To Paradise obtuvo un disco de oro . Han sido teloneros de Céline Dion y han realizado giras regularmente por América del Norte y Europa .
1. God Rest Ye Merry Gentlemen 2. Children's Winter 3. Carol of the Bells 4. Ann am Baile Ri'oghail Dhaibhidh (Once in Royal David's City) 5. Singing in the Streets 6. Christmas Comes But Once a Year 7. Christmas in Killarney 8. Snowplow Set 9. O Holy Night 10. Galician Carol 11. O Come Divine Messiah 12. Taladh Chriosda (Christ Chile Lullaby) 13. Party in Washabuckt 14. Auld Lang Syne
Ian Carter y Nicola Kearey, de Stick in the Wheel , hacen música folk de un modo un poco diferente al resto. Si bien en el pasado se han discutido los méritos relativos de conservar las tradiciones folklóricas y modernizar el género, el dúo va mucho más allá de ese debate. Reconocen que el acto de hacer música folk tiene connotaciones éticas y políticas y que recopilar y conservar canciones a menudo refuerza estereotipos y fortalece estructuras sociales desiguales. Como resultado, su música siempre se ha inclinado hacia un modernismo contundente y emocionante, algo arraigado en su propia localidad de Londres pero cuyo mensaje es completamente universal. Sus canciones resuenan con la alegría de la especificidad y el detalle, la alegría feroz de las voces marginadas que se hacen oír, la alegría furiosa de la gente que reclama su herencia.
A Thousand Pokes es la expresión más potente de esa ira y alegría hasta el momento. La canción principal avanza a paso rápido sobre un elegante motivo circular de guitarra eléctrica, mientras la batería golpea incesantemente y Kearey oscila entre el habla y la canción. Por un momento, justo antes de llegar a un final abrupto, la guitarra levanta la cabeza por encima del agua, se distorsiona como un fragmento perdido de una canción de Velvet Underground. Y luego se acaba, dejando un extraño y cargado escalofrío en su ausencia. Entre sus muchos talentos, Stick in the Wheel realmente sabe cómo terminar una canción. Te dejan con ganas de más, y luego instantáneamente te dan algo completamente diferente, algo que no sabías que necesitabas, como Burnt Walk , que se jacta de ser una de las canciones más sutiles y melódicas de su catálogo. Aquí, Kearey demuestra que puede trabajar en varios registros emocionales sin sacrificar el carácter esencial de su voz. La sutileza persiste en una interpretación de la vieja canción de los vendedores ambulantes, Lavender . Aquí, la banda está en su momento más delicado, solo el canto de Kearey y una guitarra acústica desarmantemente hermosa.
Londres, como siempre, es el centro del álbum. Stick in the Wheel tiene una relación amorosa pero nada sentimental con su ciudad natal, y canciones como Cracks presentan un retrato con todos sus defectos de la metrópolis como un lugar de grandes oportunidades y niveles de criminalidad aún mayores. What Can the Matter Be une una popular canción infantil con la historia de un asesino a sueldo del East End, presentada de manera sencilla y efectiva como una balada y aumentada por una enérgica guitarra española. Can't Stop es una concisa melodía inspirada en los años 60 basada en la versión de la Famous Jug Band de una composición de Wizz Jones. Una canción sobre un accidente de coche, tocada para reír. El resultado es perfecto, incluso si el humor es muy oscuro.
1.
Crystal Tears 04:54
2.
Back Of The Hatch 01:32
3.
A Thousand Pokes 03:27
4.
Burnt Walk 02:45
5.
Lavender 02:08
6.
The Cramp 01:46
7.
Cracks 03:47
8.
Can't Stop 02:03
9.
What Can The Matter Be? 04:12
10.
Watercress-o 04:01
11.
Brisk Lad 01:54
12.
Hush 01:38
13.
Steals The Thief 07:24
Skyedance está formado por Alasdair Fraser (violín), Eric Rigler (gaita escocesa y uillean), Chris Norman (flauta de madera), Paul Machl...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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