Kimitang Mohamadou Cissoko, también conocido como Ablaye Cissoko, nació en Kolda en 1970 y proviene de una familia de griots. Comenzó a tocar la kora a los 8 años y dio su primer concierto a los 12. Se matriculó en el Conservatorio de Música de Dakar y formó un coro de 10 miembros con sus hermanos.
Actualmente reside en Saint-Louis y es un viajero incansable, perteneciente a una nueva generación de artistas que encarnan la fusión entre las tradiciones mandinka y la creación musical contemporánea. Desde 2002, se presenta por todo el mundo, desde África hasta Europa y América, y colabora con reconocidos artistas internacionales de música del mundo y jazz como Randy Weston, François Jeanneau, Majid Bekkas, Richard Galliano, Benat Achiary, Volker Goetze o el conjunto La Chimera, dirigido por Eduardo Egüez.
Hija de un músico de jazz y de una madre vinculada al teatro, Carola Ortiz (Terrassa, 1986) es una artista egarense que se define como creadora e investigadora multiforme. Formada en clarinete clásico y canto de jazz en la ESMUC, desde 2009 impulsa proyectos musicales que parten siempre de un reto artístico y vital. Su curiosidad inagotable la ha llevado a fusionar con naturalidad y libertad la improvisación que respira desde los clubes de jazz donde creció, la disciplina adquirida en el Conservatorio de Terrassa y la fuerza rítmica y melódica de sus raíces ibéricas. Al mismo tiempo, ha incorporado influencias de las músicas del Oriente Mediterráneo y de la India, fruto de sus numerosos viajes y estancias en esos territorios.
Como compositora y productora, ha publicado cinco álbumes («Sirin», 2016; «Spirala», 2018; «Pecata Beata», 2021; «Cantareras», 2023; y «Enllà», 2025) y ha llevado su música a escenarios de más de veinte países, tanto en clubes como en teatros y festivales internacionales. Su obra ha sido reconocida por la crítica nacional e internacional, incluyendo el Premi Núvol al mejor disco de canción (2021) y menciones en prestigiosas listas anuales como las de Ted Gioia y los World Music Charts Europe.
Carola Ortiz ha formado parte de la orquesta de percusión ibérica Coetus y ha compartido escenario con artistas de gran renombre como Xabier Díaz, Eliseo Parra, Rocío Márquez, Raül Refree, Rosalía, Sílvia Pérez Cruz, Lluís Vidal, Marco Mezquida, Roger Mas, así como con figuras internacionales de la talla de Debhashish Bhattacharya, The Mingus Orchestra o Maria Schneider.
Con más de treinta colaboraciones discográficas en diversos géneros, también ha aportado su voz y clarinete a obras de teatro, espectáculos musicales y documentales. En el ámbito docente, ha trabajado en el ESEM del Taller de Músics y en la ESMUC, además de impartir talleres y clases particulares.
1.
Amor Prohibido 04:38
2.
Free Bird 05:53
3.
Alma Gemela 04:08
4.
Bailarín Misterioso 05:10
5.
Mariona feat. Jurandir Santana 03:33
6.
Los Árboles 03:50
7.
Mi Mar [spanish milonga] 06:04
8.
Records de l'Havana 05:39
9.
Villanelle [string quartet version] 04:00
La cantante y compositora colombiana Nidia Góngora lanza Pacífico Maravilla (2025), su primera producción discográfica como solista, un canto a la vida, la memoria y la paz desde el corazón del litoral Pacífico.
Con más de dos décadas de trayectoria, Nidia Góngora se ha convertido en una de las voces fundamentales de la música tradicional afrocolombiana, una autoridad que se inició con la agrupación Canalón de Timbiquí, que ha formado dúo con Quantic y que ha puesto voz a grabaciones de artistas como The Bongo Hop, Bosq, Malecón o La Mambanegra, entre muchos otros.
Pacífico Maravilla es un manifiesto musical que recoge memorias, duelos y resistencias, tejido con la marimba, el tambor, los cantos ancestrales y una profunda conexión espiritual con África. Compuesto por 12 canciones, el disco fue soñado y gestado en Timbiquí, Cauca, tierra natal de Góngora. Allí se grabó gran parte del disco, con la participación de más de 25 músicos del suroccidente colombiano y la presencia fundamental de mujeres mayores y jóvenes, un homenaje al relevo generacional de los cantos tradicionales.
La pieza que le da nombre a la producción abre el disco, a modo de introducción, con coros majestuosos y ritmos. "Tu Corazón" nos contagia con bellas armonías y un ritmo cadencioso. "Todo en vida" tiende puentes entre las sonoridades del Pacífico y la Salsa. "Marejada" invita a Daymé Arocena en un memorable dúo con Nidia, cantando a las divinidades yorubas y estableciendo un corredor entre el Pacífico colombiano y los ritmos afrocubanos, con el acompañamiento de Heriberto Bonilla en la marimba. "Insistencia" es un poema con coros preciosos que pone de relieve a la antropóloga y poeta afrocostarricense Shirley Campbell, junto a Didier Venté en la marimba. "Mi Sábalo" con un texto jocoso y ritmos entre Rumba y Cumbia, destaca el arreglo de clarinetes de Adrián Viáfara y la batería de Sebastian Blackburn. Alexis Play coprodujo el tema "Mi Marimba", un ritmo de Juga. "Te Amo" es una composición de Basilio Sinisterra; "Mi Bunde" es un tema que produjo Djamel Kadi con arreglos del australiano Jake Dominic Savona (Mista Savona), que conecta los ritmos del Pacífico con beats electrónicos, y "El Llamado" es el rugido de la tierra, un poderosísimo cierre del disco.
Nidia Góngora nos regala un álbum valioso, hermoso y contundente, en el que nos pasea por diversos universos sonoros. Se sale, a su vez, de lugares comunes, con textos inteligentes y una calidad y ejecución magistral. Uno de los mejores discos de la música del Pacífico de los últimos tiempos.
01. Pacífico Maravilla
02. En los manglares
03. Tu corazón
04. Todo en vida
05. Marejada (feat. Daymé Arocena)
06. Insistencia (poema) (feat. Shirley Campbell)
07. Mi Sábalo
08. Mi Marimba
09. Arrullo Dub
10. Te amo
11. Mi Bunde (feat. Djamel Kadi & Mista Sanova)
12. El Llamado
Originaria de la República Democrática del Congo y criada en Buenos Aires, la cantante recibió diversas influencias musicales, entre ellas la de su tío, el gigante de la rumba congoleña Franco Luambo Makiadi. “En Argentina, escuché una amplia gama de estilos, desde artistas afroamericanos hasta estrellas dominicanas como Juan Luis Guerra, grandes figuras congoleñas como mi tío y Papa Wemba, y varios artistas argentinos, incluyendo a Mercedes Sosa”, comenta. Juanita, un rostro familiar para muchos en la vibrante escena musical londinense de la última década, lidera los dinámicos shows en vivo de London Afrobeat Collective, fusiones y cruces entre Animanz y el colectivo cubano Wara.
Su álbum debut, Mabanzo, fusiona una vez más las diversas influencias musicales de la cantante, alternando entre el boogie de los 80, la música afrocubana, las baladas románticas y la rumba. «Siempre he escrito canciones y poemas desde pequeña», reflexiona Euka. «He intentado plasmar en mi álbum toda la herencia musical que he vivido». En las distintas canciones abordará luchas personales, clamará por la libertad y defenderá el amor por encima del materialismo, adentrándose en sus «pensamientos» (la traducción del título del álbum).
1.
Alma Seca 04:51
2.
Mboka Moko 04:36
3.
For All It's Worth 05:35
4.
Sueños De Libertad 04:33
5.
Nalingi Mobali Te 05:05 video
6.
Blood 04:30
7.
Baño De Oro 04:50
8.
Motema 06:17
9.
Camarades 06:27
10.
War Is Over 04:25
11.
Irresolute 05:16
12.
Alma Seca (Acoustic Version) 04:08
‘Keep Me In Mind’, el último álbum de Miriam Makeba con Reprise, reflejó importantes cambios tanto en su vida personal como en la política estadounidense. Tras convertirse en una estrella nacional gracias al éxito de ‘Pata Pata’ en 1967, tuvo un enfrentamiento público con su mentor y figura paterna, Harry Belafonte. Makeba decidió regresar a África tras una invitación del presidente Sékou Touré. En Conakry, conoció a Stokely Carmichael, presidente del SNCC, una organización de derechos civiles, con quien más tarde se casaría. “Con la guerra de Vietnam, las protestas estudiantiles y los disturbios en los guetos, todo el mundo tiene miedo”, dijo Makeba. “Todo el mundo teme que haya una gran revuelta negra”. Los conciertos de Makeba fueron cancelados en su mayoría y tanto ella como Carmichael fueron vigilados sin descanso por el FBI.
Reprise también rescindió su contrato, pero contrató al productor Lewis Merenstein para su última grabación con el sello, conocido por su trabajo con Van Morrison en «Astral Weeks». Merenstein le sugirió a Makeba dos canciones de Van Morrison para que las versionara: «Brand New Day» de las sesiones de «Moondance» y «I Shall Sing». Se añadieron otras canciones para reflejar tanto el clima político como los propios recuerdos de Makeba, incluyendo «For What It’s Worth» de Stephen Stills y la melancólica «In My Life» de Lennon & McCartney. Entre las nuevas composiciones de Makeba y su hija Bongi se encuentra «Lumumba», un homenaje personal al líder de la independencia congoleña, Patrice Lumumba. Reflejando la época, el álbum está impregnado de una desesperación palpable, pero, como en toda su música, una silenciosa determinación aún brilla.
1. LUMUMBA 2.46
2. FOR WHAT IT’S WORTH 2.45
3. BRAND NEW DAY 3.17
4. I SHALL SING 3.06
5. KULALA 2.37
6. IN MY LIFE 3.08
7. DOWN ON THE CORNER 2.32
8. IBANDE 2.17
9. MEASURE THE VALLEYS 3.33
10. TULULU 2.11
La palabra tuvana Chirgilchin tiene dos traducciones: «danza del aire en el calor del día» y «milagro». Fundado en 1996, Chirgilchin es un grupo de músicos de Tuvá, una pequeña provincia rusa al norte de Mongolia Occidental. Su música narra historias de su tierra natal, sus caballos y su gente. Las notas monótonas y sostenidas que se ramifican en canto de armónicos con ligeros cambios de tono le dan a la música tuvana su característica cualidad de zumbido, a la vez vibrante y meditativo. Las canciones se cantan en escala pentatónica menor, similar al blues estadounidense. El canto de garganta es una forma vocal extraordinaria en la que un cantante produce dos o más voces simultáneamente, armonizando los sonidos graves de la garganta con armónicos medios y agudos, similares a los de una flauta, para crear melodías ricas en capas que evocan las estepas de Asia Central y la vida nómada. Atmosférica y fascinante, esta música es casi imposible de describir con palabras y hay que escucharla para creerla. Las formas más avanzadas de canto gutural provienen de Tuvá, y los miembros de Chirgilchin se encuentran entre los mejores y más consumados cantantes de este estilo en toda la región. Desde su primera gira internacional en 1996, el grupo ha recorrido Europa, Asia, Norteamérica y Australia, colaborando con artistas como Stephen Kent y Laurie Anderson.
TOR, nuevo cuarteto de referencia en el folk céltico atlántico gallego, creado en
2018 y compuesto por cuatro músicos de diversas influencias y con larga
trayectoria en el panorama folk y celta internacional: Cástor Castro (flautas de
madera, buzuqui, ulna), Félix Castro (anglo concertina, acordeón diatónico, gaita
galega, gaita de caña), Xosé Liz (buzuqui) y Álvaro Iglesias (Contrabajo)
Acaban de publicar
«Zira» (Avidplay 2024) y han dotado a su nuevo trabajo de
toda una simbología que evidencia los fundamentos de su personalidad, de su
música y de su forma de estar en el mundo:
La Torre, Arcano Mayor nº XVI del Tarot, representa la victoria del espíritu y la
renovación sobre bases sólidas, enraizadas en la tierra.
Cira (Silleda), el lugar donde grabaron este nuevo trabajo, significa
«Luz de luna
llena» en lengua tamazight (bereber), Zira, y da título al nuevo CD.
Potentes sets instrumentales de temas originales tomados de la tradición gallega y
algunas composiciones propias, provenientes principalmente del trabajo de campo
de
Arquivo Castro Vicente, durante más de treinta años. Además incorporan
nuevos temas ibéricos de las músicas portuguesas, vascas o castellanas.
Sólida base armónica de
buzuqui y
contrabajo que fundamenta la línea melódica
guiada por la
gaita, flauta, acordeón diatónico y la
angloconcertina, , conformando
un sonido acústico, reelaborado de un modo concordante con los trabajos que se
hacen hoy en día en el folk atlántico europeo.
Muiñeiras, xotas, alboradas, pasacorredoiras o polcas, se suceden con otros temas
más pausados como alalás, cantos de reyes, valses o mazurcas
El legendario cantante, compositor e intérprete de kora Ablaye Cissoko unió fuerzas con el famoso acordeonista Cyrille Brotto, y juntos crearon, interpretaron y grabaron el álbum «Djiyo». Este lanzamiento, en poco tiempo, ha captado la atención y el reconocimiento mundial, y cada día goza de mayor prestigio.
Con un mensaje humano y temas presentados desde una perspectiva humana sobre relaciones, reconocimientos y anhelos de libertad, Ablaye y Cyrill profundizan en temas eternos, introduciendo musicalmente al oyente en el mundo de los dulces tonos de los instrumentos que tocan y la atmósfera que crean constantemente. Las canciones se desarrollan a un tempo medio lento, rara vez a un tempo medio rápido, donde no hay un solo pasaje "vacío" entre las líneas instrumentales, y donde ningún tono es superfluo. A veces, la atmósfera melancólica y triste se convierte en el factor dominante de cierta composición, pero esto solo confirma la seriedad de los objetivos expresivos establecidos por estos dos artistas. Casi todas las canciones tienen una dimensión narrativa, similar a la de contar una historia, y es necesario abordar el material preparado con mucha atención, así como cada pista por separado.
Estos dos músicos crean un tipo de expresión particular, y su arte representa una forma especial de abordar la música, tanto a nivel autoral como interpretativo. «Djiyo» es un álbum con una gran variedad de detalles creativos que se revelan gradualmente, pero que confirman la calidad de sus intérpretes.
1.
Meuno Ma Terée 03:56
2.
Si je savais voler 03:28
3.
A l'oeil nu 04:29
4.
Amanké Dionti 05:37
5.
Nina 04:37
6.
Ni Wilita 05:28
7.
Kana Maloundi 03:36
8.
Djiyo 03:50
9.
Nulle part 04:53
10.
Ni Fountita 04:01
Estuaire, ese lugar donde el agua dulce se encuentra con el agua salada, evoca tránsito, renovación y fertilidad. Un espacio de transición y transformación, donde surgen posibilidades inesperadas, muy parecidas a los encuentros musicales que Constantinopla vislumbraba.
En esta nueva colaboración, Ablaye Cissoko, maestro de la kora, y Kiya Tabassian, virtuoso del setar persa, vuelven a unirse, fusionando las influencias de sus recuerdos musicales. Junto a ellos, su colaborador habitual, el percusionista Patrick Graham, aporta ritmo y matices a esta conversación sonora.
Con el paso de los años, su diálogo se ha profundizado, convirtiéndose en una conversación musical profunda e inspiradora. Y cuando las estrellas se alinean, durante un concierto, la kora y el setar entrelazan sus voces para crear un universo mágico que detiene el tiempo y calma el alma.
Yael nació en Jerusalén en el seno de una familia con raíces en Argentina, Francia y Argelia. En su búsqueda de sus raíces y las influencias con las que creció, Yael pasó una larga temporada en el sur de España, donde se especializó en canto y desarrolló gradualmente su propio estilo musical.
En su obra, Yael logra crear una combinación original entre la singular poesía sefardí y la música mediterránea de su ciudad natal, Jerusalén. El resultado es una música original e innovadora que refleja el mundo multicultural de Yael y su vida entre países y culturas, envuelta en una rica y envolvente experiencia musical.
Su álbum debut, Latido, fue grabado en España con la participación de destacados músicos del sur de España y artistas israelíes. El disco incluye canciones originales compuestas por Yael, junto con temas flamencos tradicionales, así como versiones originales y sorprendentes de clásicos como "Ne me quitte pas" y "At Li Lila" de Boaz Sharabi.
1.
El tiempo vuela 03:47
2.
Cuando te miro 03:27
3.
Ne Me Quitte Pas 03:38
4.
Latido 03:46
5.
Shejarjoret 04:42
6.
Luna Flamenca 04:06
7.
At li laila 05:51
8.
Un Ramito De Violetas 04:31
9.
Solea de Triana 04:45
10.
Fin De Fiesta Por Bulerías 06:23
11.
Hasta El Final - New Single!!! 03:44
En los últimos 15 años, muchas bandas han explorado los mundos pagano y nórdico en busca de sonidos atmosféricos, acústicos y rituales con gran seriedad. Este no es el camino que eligió EIHWAR .
Aunque los músicos de EIHWAR son virtuosos con sus instrumentos acústicos, su objetivo es brindar diversión… y el mayor caos posible durante sus conciertos, provocando el trance más desenfrenado en las pistas de baile. Ofrecen una música neovikinga festiva y potente cuya fuerza primigenia se basa en máquinas tecnoideas, mezcladas con voces trance y sonidos nórdicos tradicionales. La electrónica es un «nuevo acero» para estos guerreros modernos, fríos y poderosos. Como ya se comenta en internet, el dúo es una especie de nuevo «Viking Carpenter Brut».
1.
Nauðiz 04:28
2.
Freyja's Calling 03:41
3.
Ein 03:42
4.
Skuggaríki 04:01
5.
Hugrheim 03:19
6.
Ljósgarðr 03:27
7.
Heill Óðinn 03:36
8.
The Lake of the Dead 03:39
9.
Omenotharena (Warrior's Training) 05:41
10.
Berserkr (Tim's Memorial Version) 04:25
O Rapaz da Montanha (2025) es el último trabajo de Rodrigo Leão, un disco que presenta un cambio de forma y fondo, entrelazando tradición y vanguardia en una experiencia única. Con un sonido que evoca las raíces más profundas de la identidad portuguesa, el uso de coros refuerza el sentimiento colectivo, combinándolo con la intensidad de la percusión y una lírica conmovedora que retrata historias de lucha, esperanza y redención. Un espectáculo donde cada nota transporta al público a paisajes sonoros que resuenan con emoción y profundidad, a través de la fusión de elementos tradicionales con el inconfundible estilo contemporáneo de Leão.
Las palabras muestran a hombres "atrapados en ese engranaje" ("O Rapaz da Montanha"), mujeres oprimidas con un deseo de liberación ("Guarda-te"), personas en busca de sí mismas ("Andava Eu...", "Estranho Imperfeito"), el duro trabajo en el mar ("Lobos do Mar") o personajes que luchan con su mortalidad y son rehenes en el más terrible de los territorios: el país del "Si", de lo que queda por hacer ("Madrugada"). Ana Carolina Costa es la autora de la mayoría de las letras, con la excepción de Gito Lima ("Estranho Imperfeito..."), Francisco Menezes ("Esperança") y João Pedro Diniz ("Vento sem Fim").
El mundo creativo de Rodrigo Leão siempre ha estado íntimamente ligado a los afectos, ya sean familiares o amistades. Como era de esperar, aparecen en este álbum nuevos y viejos cómplices, como Pedro Oliveira (coproductor), el acordeonista Gabriel Gomes y José Peixoto (guitarra clásica). También hay espacio para invitados como Carlos Poeiras (acordeón), Francisco Palma (voz) o el ilustrador Tiago Manuel, quienes sin esfuerzo se convierten en ciudadanos honorarios de la obra de Leão. Su familia más cercana también colabora: además de su esposa Ana Carolina Costa, sus hijas Sofía, Rosa y su hijo António están presentes a lo largo del disco.
O Rapaz da Montanha no representa una revolución en el universo musical de Rodrigo Leão, sino más bien una evolución consecuente que, aunque conlleva cambios, no abandona ni un ápice la identidad musical del compositor. Con una trayectoria ya larga y notable, la inquietud y la curiosidad siguen vivas en Rodrigo Leão. Este O Rapaz da Montanha es una hermosa prueba más, un álbum humano y humanista, un canto de esperanza hacia las nuevas generaciones.
01. O Labirinto
02. Cadeira Preta
03. O Rapaz da Montanha
04. Já Sabia
05. Exercícios
06. Guarda-te
07. Interlúdio
08. Andava Eu...
09. Afronto
10. Estranho Imperfeito
11. Valsa Espiral
12. Madrugada
13. Esperança
14. O Guardador
15. Lobos do Mar
16. Vento sem Fim
Durante la década de 1970, Javier Bergia estudió con el músico español Gregorio Paniagua, y en 1980 se unió al grupo familiar de Paniagua, el Atrium Musicae De Madrid. Este conjunto madrileño, fundado por Paniagua en 1964, se dedicaba a preservar las antiguas músicas europeas, y en 1984, con esta sólida formación en música tradicional (guitarra, percusión), canto, poesía y composición, Bergia comenzó a grabar y experimentar, junto a Juan Alberto Arteche y Luis Delgado, bajo el nombre de Finis Africae (nombre que alude al conocimiento prohibido/deliberadamente perdido de «El nombre de la rosa» de Umberto Eco). Bergia continúa colaborando con Delgado en los proyectos Alquibla y Halilem, centrados en la herencia musical, los romances y las melodías de los judíos sefardíes, originarios de la Península Ibérica. En 1985, Bergia publicó su primer trabajo en solitario, del que suman trece álbumes hasta la fecha.
1.
Ballenas 05:04
2.
Adios Tren De Jaipur 04:07
3.
Midnight Round Mekines 05:19
4.
Donde Una Amaploa Blanca Revienta 05:01
5.
Tierra A La Vista 04:19
6.
Tagomago 04:37
7.
El Colegio De Alvarito 04:31
8.
Eucaliptus Blues 05:35
9.
Himalaya 04:03
10.
Interior Del Bosque 04:27
11.
A Una Muchacha 01:15
12.
La Alegria Del Coyote 05:35
13.
Gran Via 04:11
14.
Kabul 04:18
15.
La Oracion Y El Te 03:17
16.
Rio Nilo 08:14
Ballaké Sissoko (nacido en 1968) es un intérprete maliense de kora. Ha colaborado con Toumani Diabaté y Taj Mahal, y es miembro del grupo 3MA junto a Driss El Maloumi y Rajery.
El padre de Ballaké, Djelimady Sissoko, fue un destacado músico de Gambia[1] que se trasladó a Malí y recibió financiación del gobierno para formar parte de la orquesta nacional.[2] Sissoko comenzó a tocar música a temprana edad, como la mayoría de los nacidos en la casta jeli o griot.[3] En 1981, a los 13 años, falleció su padre, y él ocupó su lugar en el Ensemble Instrumental National du Mali.[2] También actuó con varias cantantes prominentes antes de alcanzar la fama con su dúo con Toumani Diabaté en 1999.[4] En 2000, formó el trío Mande Tabolo con un intérprete de n'goni y un intérprete de balafón.
Su álbum de 2005, Tomora, cuenta con la participación de Toumani Diabaté en la kora, los cantantes Alboulkadri Barry y Rokia Traoré, y Fanga Diawara, violinista solista del Conjunto Instrumental Nacional de Malí.
Su disco Chamber Music, publicado en octubre de 2009, fue fruto de una colaboración con Vincent Ségal, violonchelista clásico conocido por su trabajo con Bumcello, y fue editado por el sello francés No Format! y el sello estadounidense Six Degrees Records.
En 2013, lanzó un álbum en solitario, At Peace. El violonchelista Vincent Ségal produjo el álbum y participa en varios temas.
En 2023, Sissoko estrenó un Concierto para Kora del compositor libanés Zad Moultaka en la sala de conciertos de Radio France en París.
Desde 2022, Sissoko ha colaborado en conciertos a dúo con el guitarrista sudafricano Derek Gripper, quien ha transcrito música de kora para su interpretación en guitarra clásica. En 2024, el dúo lanzó el álbum Ballaké Sissoko & Derek Gripper con Matsuli Music.
Albums:
1997- Jeli Moussa Sissoko - Ballaké. Kora Music from Mali
1997- New Ancient Strings (& Toumani Diabate)
1998- Mali Kora (Djéli Moussa Ballaké Sissoko - Djelimoussa Sissoko)
1999- Live at Bremen (& Toumani Diabate) Bootleg
2000- Déli
2003- Diario Mali (& Ludovico Einaudi)
2005- Tomora
2006- Mauritanie Conversation (Bootleg) (& Ensamble Diddal Jaalal)
2008- 3 MA (& Rajery, Driss El Maloumi)
2008- Thee, Stranded Horse And Ballake Sissoko (& Thee Stranded Horse)
2009- Chamber Music (& Vincent Segal)
2012- At Peace
2015- Musique de Nuit (& Vincent Segal)
2017- Anarouz (3MA, & Driss El Maloumi, Rajery feat. Khalid Khouhen)
2018- Live in Cologne (New Direction Cello Festival) (& Vincent Segal)
2019- Sissoko & Sissoko (& Baba Sissoko)
2021- A Touma
2021- Djourou
2021- Nocturne (& David Walters, Vincent Segal, Roger Raspail)
2023- Les Égarés (& Vincent Segal, Emile Parisien, Vincent Peirani)
2024- Ballaké Sissoko & Derek Gripper (& Derek Gripper)
2024- Bamako Chicago Sound System (& Nicole Mitchell)
2024- Radicants (& Lorenzo Bianchi Hoesch, ft Emile Parisien)
2025- Our Calling (& Piers Faccini)
2025- Sou Kora (& Vincent Segal, Emile Parisie, Vincent Peirani)
EP, Singles:
2022- The Fire Inside (& Piers Faccini) (Single)
2023- Banja (& Vincent Segal, Emile Parisien, Vincent Peirani) (EP)
2024- Kanakasi (Radio Edit) (& Lorenzo Bianchi Hoesch) (Single)
2024- Prelude to River of Paradise (L’Amour- When Paths Meet) (& Sami Yusuf) (Single)
TOR, nuevo cuarteto de referencia en el folk céltico atlántico gallego, creado en 2018 y compuesto por cuatro músicos de diversas influen...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
Si alguna vez no puedes entrar en el blog GPS-SONORO ,apuntate el siguiente blog para no despistarte.(SOLO SE ABRIRA EL BLOG SI CIERRAN GPS)
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