lunes, 27 de junio de 2022

17 Hippies (1997-2014)



17 Hippies es una banda de Berlín, Alemania, que toca sobre todo música instrumental. Su música, que procede de una confluencia entre varios tipos de folclore, es tocada con gran estilo y energía. Sus influencias son de temas belgas, polacos, griegos, serbios y alemanes.

Fundada en 1995 en Berlín por Christopher Blenkinsop, han tocado más de un centenar de conciertos, principalmente en Alemania y Francia, con frecuentes espectáculos en Suiza, Hungría, Bélgica, Holanda, República Checa, Austria, España, Rusia y Japón. Sus actuaciones en vivo en los Estados Unidos se limitan a unos pocos conciertos en Austin, y en Gran Bretaña, a una sola en Londres en 2005.

En Gran Bretaña posiblemente son más conocidos por la banda sonora de la película alemana Halbe Treppe, que en 2002 salió con el nombre inglés de Grill Point. El origen de su nombre es desconocido incluso para ellos mismos: Nadie sabe exactamente por qué 17 o por qué hippies. Pero tener un nombre es bueno, como un cartel en la carretera anuncia un pueblo.

Al principio se dedicaron a tocar melodías que reinterpretaban a su manera. Fueron momentos de crecimiento con conciertos en Alemania (donde llegaron a tocar 18 conciertos en 24 horas), Estados Unidos, Francia (donde la discográfica Buda Musique se interesó por ellos), etc.

En 2000 sufrieron un bajón por un conflicto de intereses y aspiraciones, pero en 2001, durante la gala de clausura de la Berlinale el director Andreas Dresen les pidió usar su música para su próxima película. Por casualidad, unos meses antes se habían reunido para componer temas de una película imaginaria. Separados en cinco habitaciones, simultáneamente improvisaron y compusieron música para acompañar las escenas de 'dos hermanos que conducen calle abajo mientras escuchan la radio y llueve'. Así es como llegó su primera canción propia, Mad Bad Cat, que puede escucharse en los títulos de crédito de 'Halbe Treppe'.

En 2002, tras una serie de conciertos en Alemania, Austria y Francia, se inspiran en este último país para componer cinco nuevos temas: Sirba, Marlène, Frau von Ungefähr, Was Bleibt, Dansons la Valse.

2003 es un año de colaboraciones. Trabajaron con 'Les Hurlements D'Leo', de donde nació 'Hardcore Trobadors'. También colaboraron en el proyecto 'Sexy Ambient Hippies', de su serie '17 Hippies play...' con varios amigos e invitados. En este proyecto la batería y los sonidos electrónicos juegan un extraño papel. Este suave giro desde la música improvisada a una forma más trabajada dio como resultado el tema 'Ifni', que saldría en su siguiente álbum. Su estancia en la ciudad marroquí de Sidi Ifni en 2004 les influyó con esa mezcla de lenguas, leyendas e historias. De ahí nacieron piezas como 'Valser nel Bosco'. En julio do 2008, visitaron Galicia para tocar en el Festival de Ortigueira.









DISCOS :


1997 Rock'n'roll 13
1999 Berlin Style
1999 Wer ist das
2002 Halbe Treppe (OST)
2002 Sirba
2003 17 Hippies Play Sexy Ambient Hippies
2004 Hardcore Trobadors
2004 IFNI
2004 Ifni Ifni
2005 Play Guitar (feat. Marc Ribot & Jakob Ilja)
2006 Live in Berlin
2007 Heimlich (Edición limitada)
2009 El Dorado
2011 Phantom Songs
2013 17 Hippies fur Kinder Titus traumt
2013 Chantent en français
2014 Biester


sábado, 25 de junio de 2022

Afro Celt Sound System (1996-2018)RESUBIDO



Afro Celt Sound System. Este colectivo exponente de la llamada World Music, en donde se mezclan con el pop/rock las tradiciones étnicas de África del oeste con la música de Irlanda, se formó en 1995 por la cantante irlandesa Iarla Ó Lionáird, el flautista Davy Spillane, además de Ronan Browne, James McNally y Ayub Ogada, entre varios otros. Cultores de una muy original muestra de la unión entre lo tecnológico, los instrumentos eléctricos y los tradicionales acústicos, utilizando una amplia gama de sonidos dados por la guitarra, el bouzouki, la mandolina, la batería programda, los teclados, el acordeón, las programaciones, la tabla y muchos otros. También ha sido importante la participación de Jo Bruce, el hijo del clásico bajista/vocalista Jack Bruce, quien ha destacado como tecladista y programador de computación en la agrupación. La banda se convirtió en una atracción desde su presentación en el Festival WOMAD en Reading, Inglaterra en 1995 y posteriormente, con la edición de su primer disco, "Sound Magic, Volume 1" en 1996. Varios de los temas de este trabajo fueron producidas por el afamado productor Simon Emmerson.

El germen de AfroCelt Soud System habría surgido cuando Simmon Emmerson estaba produciendo para Baaba Maal algunas canciones del disco ‘Lam toro’. A Emmerson una de aquellas melodías senegalesas le recordó a un aire tradicional irlandés que conocía. Y, un tiempo después, se animó a probar: en su grabación se escuchaba la gaita de Davy Spillane junto a una kora de África Occidental como si aquello fuese lo más natural. Además, en la decoración del estudio de grabación, había dibujos de inspiración celta obra de Jamie Reid, diseñador gráfico con reconocidos trabajos para los Sex Pistols. La conexión entre lo celta y lo africano, a priori delirio de músicos o argucia de promotores, tiene cierta verosimilitud: escritos de la época romana hablan de la presencia en las islas Británicas de hombres de piel negra y existe la creencia de que hubo celtas en África.



1996 - Volume 1 Sound Magic



1999 - Volume 2 Release



2000 - Release Remixes



2001 - Volume 3 Further in Time




2003 - AfroCelts - Seed



2004 - Pod



2005 - Anatomic




2010 - Capture (1995-2010)



2016 - The Source



2018 - Flight




Angélique Kidjo & Ibrahim Maalouf – Queen of Sheba (2022)

 



Queen of Sheba es el nuevo álbum de Ibrahim Maalouf & Angélique Kidjo. Esta suite de 7 partes fusiona las culturas del Medio Oriente y Africano inspiradas en la historia mítica de la Reina Africana. El 24 de junio.nnCon dieciséis álbumes a su nombre, el cinco veces ganador del Premio Grammy y "Premier Diva de África", Angélique Kidjo es un nombre que muchos sabrán. Ya sea a través de su música o su trabajo de derechos humanos de alto perfil, como hacer campaña por los derechos de las mujeres en África, no es un nombre que olvides. Una mirada a través de las muchas listas principales en las que aparece, y comenzará a ver una tendencia: la más influyente, icónica, inspiradora. En resumen, ella es un motor y una agitadora e increíblemente creativa, como lo demostró recientemente haciendo su primera incursión en el teatro musical con Yemandja. Considero como un cuento de hadas de África Occidental que se desenvuelve como una tragedia griega, Yemandja explora la historia de África Occidental del comercio de esclavos, abordando temas de amor, traición, honor, libre albedrío y los horrores e injusticias de la esclavitud.

El trompetista francés-libanés, nacido en Beirut, Ibrahim Maalouf, fue aclamado por el New York Times como un trompetista "virtuoso" que creció rodeado de música. Su madre era pianista y su padre jugaba trompeta. Una vez reveló que, como Don Ellis, su padre también inventó una trompeta de cuartos de tono para poder tocar música árabe. Juega hoy su propio tono de cuarto, lo que ayuda a cerrar sus influencias musicales árabes y occidentales. Es un instrumento muy versátil, y sus cualidades líricas brillan en Queen of Sheba.nnAunque Maalouf realizó estudios de trompeta clásicos en el Conservatorio Nacional de Música de París desde los 17 años durante cinco años, su amor por otras formas musicales pronto colocó su corazón a la deriva, una fuerza diversa que todavía da forma a su música hoy. Si bien su música a menudo se centra en el mundo del jazz, sus influencias son más amplias. Me encantan los sonidos del Medio Oriente que aporta a su música; Su interpretación es aventurera y vibrantemente exquisita, ya que demostró ser tan elegantemente en el reciente Via de la Plata de Daniel García Trio (2021).

Esa misma vitalidad y sed de exploración se puede escuchar en Queen of Sheba, descrita como una suite de 7 partes en altis; Fue inspirado y reinventos, el mito de la reina Sheba, una reina africana que se enteró de la reputación del rey Salomón y viajó a Jerusalén para presenciar la sabiduría del rey. Es una historia antigua que apareció en la Biblia, el Corán, el Talmud y la literatura etíope, entre innumerables otras películas y escritos.nnPara Queen of Sheba, la composición y la puntuación se dejó completamente a Maalouf, quien ha creado una amplia paleta de sonido a través de la adición de cuerdas, cuernos, tambores, percusión, guitarra, bajo y piano eléctrico. Kidjo trabajó en la letra, que se cantan en yoruba, lanzando esta historia mítica a una luz moderna.nnEste álbum ha llevado mucho tiempo, según el álbum Press Notes, la idea de un proyecto que combinaría su música y cultura respectivas se unieron cuando Maalouf y Kidjo se conocieron por primera vez, en la ciudad de Nueva York, en 2018.



1. Ahan (4:05)
2. Eyin (3:58)
3. Omije (7:30)
4. Ogbo (4:19)
5. Alikama (5:40)
6. Ife (5:53)
7. Obinrin (5:34)

jueves, 26 de mayo de 2022

Catrin Finch & Seckou Keita – Echo

 


echo celebra el décimo aniversario de una asociación extraordinaria entre dos virtuosos cuyos lanzamientos anteriores incluyen el álbum Soar de 2018 y su debut de 2013 Clychau Dibon echo marca la tercera parte de esta notable trilogía.

el arpa y la kora comparten siglos de historia, y Catrin y Seckou crean un diálogo único en una alianza musical de rara empatía, inspirada en diferencias y similitudes. su magia atmosférica cruza las fronteras de los géneros, desde la música popular y mundial hasta la música clásica y contemporánea, mientras sus dedos fluyen como afluentes opuestos en un solo río de sonido. echo es el tierno triunfo de una extraordinaria asociación musical que combina el arpa y la kora, lo moderno y lo tradicional, las diferentes culturas y la humanidad común. echo es el tercer álbum de una trilogía notable, que marca diez años de una de las colaboraciones musicales globales interculturales más exitosas de los últimos tiempos. echo sigue a sus galardonados lanzamientos anteriores soar (2018) y Clychau Dibon (2013), la combinación perfecta y virtuosa de las 47 cuerdas del arpa de Catrin Finch con las 22 cuerdas de la kora de Seckou Keita: dos culturas, dos historias y dos personalidades fusionadas en un viaje musical atmosférico, se ha convertido en un raro éxito mundial de la música. Descrito por la revista Songlines como 'uno de los actos de música mundial más populares de esta década', Finch y Keita crean música que no solo defiende sus exquisitos instrumentos, sino que combina elementos de música nueva y antigua de la música occidental clásica, celta, folk, contemporánea. y las tradiciones de canciones de África Occidental, revelando un sorprendente hilo común entre diferentes culturas y épocas. la pareja ha obtenido múltiples premios de críticos de la industria de froots y songlines, así como el mejor dúo/banda en los premios bbc radio 2 folk de 2019. han encabezado las listas oficiales de música independiente, así como las listas de música mundial transglobal y la lista de música mundial europea. Finch y Keita han realizado más de 200 actuaciones juntos durante los últimos 10 años en múltiples giras y apariciones en los principales festivales de música del mundo, incluidos Womad, Shambala, Sfnks, Chicago World Music Festival, Hay Festival, Lorient Interceltic Festival, Sydney Opera House y los bailes de graduación de la BBC. en el Royal Albert Hall. echo presenta arreglos de cuerdas por primera vez en la producción grabada del dúo, interpretados por violín, viola, violonchelo y contrabajo.








1.gobaith
2.chaminuka
3.dimanche
4.dual rising
5.tabadabang
6.jeleh calon
7.jula kuta


sábado, 14 de mayo de 2022

Mamak Khadem – Remembrance

Subido por Marhali.

Mamak Khadem es una impresionante cantante y compositora de formación clásica persa, perteneciente a esa nueva generación surgida de la diáspora iraní de los años 80 del siglo XX que difunde, a lo largo del mundo, su exquisita cultura originaria a través de nuevos talentos musicales que combinan tradición e innovación al mismo tiempo. Mamak interpreta una mezcla impresionante de estilos vocales persas clásicos y diversas influencias musicales contemporáneas. Fue fundadora de Axiom of Choice, la banda innovadora de fusión iraní que influyó y abrió las puertas a otras y otros músicos del género.

Remembrance (2022), su cuarto álbum en solitario, es un profundo y amoroso tributo a su difunto padre, Mohsen Khadem, y fue creado en el aislamiento de su casa de Santa Mónica durante la pandemia de Covid mientras él vivía sus últimos días en Irán. Debido a las restricciones de viaje, no pudo estar con él por última vez. Con ocho canciones originales elegantes y conmovedoras, Khadem captura un sentido universal de la belleza, el amor, la separación y la pérdida. Para Remembrance vuelve a utilizar bellísimos poemas de autores persas clásicos del siglo XIII (Saadi Shirazi y Jalāl al-Dīn Muḥammad Rūmī) para trazar su propio camino en cada canción, viajando a través de su sentido del dolor y buscando sabiduría en la memoria.

A diferencia de sus trabajos anteriores (enfáticamente acústicos y teñidos con el sonido de la tradición), Remembrance es apropiadamente contemporáneo, con mucho sintetizador, solo puntuado por instrumentos de oriente, creando el efecto de otro mundo tan necesario para este viaje. Para ello, utiliza su voz apasionada y conmovedora y su fantástico estilo ululante combinado sobre grabaciones vocales exquisitamente construidas. Co-escrito y co-producido por la propia Mamak Khadem, el gran Jamshied Sharifi, el guitarrista Marc Copely y el cellista Chris Votek, el disco incorpora una amplia gama de influencias musicales. A sus raíces persas en forma de voces e instrumentos musicales, Mamak y Jamshied añaden con elegancia otros elementos musicales como el blues, la música de cámara y la música celta, así como las fascinantes atmósferas electrónicas características de Sharifi. Un álbum memorable.

01. Remembrance
02. Mina
03. Entangled
04. Across The Oceans (feat. Chris Martin)
05. Dead and Alive
06. Face To Face
07. Messenger
08. Don´t Go Without Me



domingo, 1 de mayo de 2022

Oumou Sangaré - Timbuktu


 La superestrella mundial maliense ganadora del premio Grammy, Oumou Sangaré, ha regresado con su trabajo más ambicioso hasta la fecha.


Sangaré es reconocida mundialmente por su música vibrante y poderosa, que a menudo presenta mensajes revolucionarios sobre los derechos de las mujeres, la tradición y la pobreza. En su carrera de 30 años, ha ganado numerosos premios, cuenta entre sus muchos admiradores notables Alicia Keys y Beyoncé (que probaron el clásico 'Diaraby Nene' para su lanzamiento de 2019 Lion King) y, por su incansable trabajo en el progreso social y el desarrollo cultural. ostenta los prestigiosos títulos de Embajador de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación, Comandante de la Orden Nacional de Malí y Caballero de la Cultura en Francia.

'Timbuktu' es una impresionante colección de canciones que fusiona su característico sonido y voz malienses con elementos de blues, folk y rock, lo que da como resultado una obra atemporal, libre de fronteras y géneros. Escrito y grabado en los EE. UU. durante el confinamiento por el coronavirus, el álbum es el último capítulo de una epopeya musical sin igual en la que un artista nacido en los distritos más pobres de Bamako, Malí, se ha convertido en el cantante africano vivo más grande e influyente, así como en un poderoso icono feminista.



1. Wassulu Don
2. Sira
3. Degui N'Kelena
4. Gniani Sara
5. Timbuktu
6. Sarama
7. Kanou
8. Demissimw
9. Kêlê Magni
10. Dily Oumou
11. Sabou Dogoné


Yungchen Lhamo & Anton Batagov - Tayatha



Yungchen Lhamo nació y creció en Lhasa, Tíbet. Su nombre, que se traduce como "Diosa de la melodía y la canción", le fue dado por un hombre santo al nacer. Cruzó las montañas del Himalaya hacia Dharamshala, India, para continuar su práctica espiritual budista. Yungchen se mudó a Australia donde comenzó a cantar oraciones de meditación que la inspiraron a crear su primer CD, Tibetan Prayer, que ganó el Premio de la Industria de la Grabación de Australia (ARIA) al mejor álbum de músicas del mundo en 1995.

Anton Batagov es un pianista y compositor posminimalista ruso. "Una de las figuras más significativas e inusuales de la música contemporánea rusa", según la edición rusa de 'Newsweek en 1997, Batagov es un influyente compositor.

"Tayatha" (una palabra sánscrita que significa literalmente "es así") es un diálogo impactante y meditativo entre la voz de Lhamo y las melodías de piano espaciosas y bien elegidas de Batagov. Haciendo referencia a su práctica compartida del budismo y su creencia compartida en el poder de la música para cambiar el mundo, Batagov y Lhamo crean música posminimalista que tiene un sentido de oferta.





1 Good Times Will Come
2 Medicine Buddha
3 Flying Dakini
4 Ungrateful Child
5 Your Kindness
6 White Palace
7 My Mother’s Words


domingo, 24 de abril de 2022

Chancha Via Circuito - Bienaventuranza (RESUBIDO FLAC)



For the last decade, Argentina has become the epicenter of a musical explosion that characteristically blends folk music from the surrounding Andes and electronic beats. The artist arguably responsible for its emergence on a global platform is one named Chancha Via Circuito- a Buenos Aires native named Pedro Canale whose first album Rodante (2008) opened the floodgates by pushing the borders of Cumbia listeners weren't even aware existed. He's gone on to release other highly acclaimed albums such as Rio Arriba (2010), which Resident Advisor described as 'aural magical realism', and Amansara (2014), which catapulted him onto acclaimed international stages and received praises from Pitchfork to the New York Times.

Four years later, in the midst of some very notable global turbulence, Chancha Via Circuito brings us his highly anticipated new album Bienaventuranza- a word that essentially means bliss. Replete with his signature touches of Andean instruments (think lots of flute and charango), the folkloric elements on this album blend fluidly with danceable and digestible electronic beats. He's been cooking this record slowly, with unprecedented amounts of care and in a much more collaborative manner than his past albums.

Appearing on the album are heavy hitters in the digital cumbia scene, including Mateo Kingman, Kaleema, and Lido Pimienta, all of whom contribute their highly distinguishable sounds to the natural flow of the album. Most of these collaborations came about almost effortlessly. La Victoria is a track that blends cumbia, dancehall, and a bit of mysticism- carried by Lido Pimienta's luminous voice, Colombian Dancehall wizard Manu Ranks happened to be in town and slipped into the song naturally. Kawa Kawa came from an improv jam during rehearsal one day with Kaleema (Heidi Lewandowski) and Federico Estevez (percussionist in Chancha Via Circuito). Niño Hermoso, which is lyrically a fable, sounds the way it does because Pedro saw a video of Gianluz (Gianluca Zonzini), who he knows from dance classes, singing a Pocahontas song on Youtube.

As dancefloor-friendly as it is mystical, Bienaventuranza is as Chancha as it gets- with elements from Cumbia to Dancehall to Andean Folk to Global house, crystal clear production, and collaborations that are evidently natural and genuine, the record holds true to the sound that Canale has played such a huge part in creating. Since the release of his last album, the digital folk scene has also grown exponentially. From a new generation of producers to more listeners in unassuming parts of the globe, Pedro has been humbled to see the sound develop- and proves with this album that he's grown swiftly alongside it.






1. Los Pastores 03:03
2. Ilaló ft. Mateo Kingman 05:00 
3. Barú 03:07 
4. Nadie lo Riega ft. Miriam Garcia 04:12 
5. Sierra Nevada 03:08 
6. Niño Hermoso ft. Gianluz 04:17 
7. El Señor del Flautín (Interludio) 00:50 
8. La Victoria ft. Lido Pimienta & Manu Ranks 03:57 
9. Kawa Kawa ft. Kaleema 04:13 
10. Alegria 05:00 
11. Indios Tilcara 03:45 
12. Gira Gira 02:10

miércoles, 20 de abril de 2022

Omar Faruk Tekbilek (1988-2009)



Ömer Faruk Tekbilek (nació en 1951, Adana, Turquía), también conocido como Omar Faruk Tekbilek, es un compositor y virtuoso flautista turco. Es conocido por sus interpretaciones con el ney en estilo sufi, como también por su fusión de música tradicional del medio oriente, principalmente turca, con sintetizadores modernos.

Honrado como promotor de la paz y músico virtuoso, Omar es actualmente uno de los músicos más solicitados, cuyo trabajo traciende las fronteras políticas, a la vez que mantiene y desarrolla sensibilidades tradicionales del medio oriente con gran calidad.

https://es.wikipedia.org/wiki/Omar_Faruk_Tekbilek









1988 - Suleyman The Magnificent
1990 - Fire Dance
1992 - Beyond The Sky
1994 - Gypsy Fire
1994 - Whirling
1995 - Fata Morgana ~ 320 (kbps) 1996 - Mystical Garden
1997 - The Best of The Sultans
1998 - Crescent Moon
1999 - One Truth
2000 - Dance into Eternity - Selected Pieces (1987–1998)
2002 - Alif - Love Supreme
2003 - One
2006 - Tree Of Patience
2008 - Garden of Delight
2009 - Kelebek - The Butterfly 2CD
2009 - Rare Elements (Remixes)



lunes, 11 de abril de 2022

Sabir - Fones ( L'Ham de Foc )



L’ham De Foc o El Anzuelo de Fuego es un grupo Valenciano acustico que fusiona y adapta sonidos de la musica Medieval Occidental, del Oriente Medio, Mediterraneo Oriental con una fuerte influencia de su tierra natal y los sonidos antiguos mas tradicionales Ibericos. Es en este mestizaje musical donde las mesclas de sonidos (griegos, balcanicos, turcos, arabes, afganos y otros) se funden y potencian mostrando el talento del multinstrumentalista Efrén López y la bella voz de Mara Aranda. Quienes aportan y completan el sonido particular de L’ham De Foc son un grupo de musicos que se encargan de ejecutar intrumentos, como el Kanjira o el ghatam, el tomback, el ney y el kaval, el Rabab o Laúd afgano(instrumentos absolutamente desconocidos para mi de nombre y seguramente irreconocibles en sonido tambien). Sabir, trio instrumental donde participan Efrén López junto a Diego López y Spyros Kaniaris. El disco debut lleva por nombre Fones(2004) y mantiene la misma linea que L’ham De Foc pero sin despliegues vocales. Sabir fue el nombre de la lingua franca , de origen comercial, que se utilizo en los puertos mediterraneos en el medievo.

SABIR era la lengua franca hablada en los puertos del Mediterráneo durante la época medieval, una lengua basada en elementos catalanes, griegos y árabes entre otros. Nació como una especie de progresión natural debido a la socialización de los comerciantes para quienes el mar se había convertido su casa; personas de muchas culturas diferentes que estaban dando forma a su necesidad de ser entendido por medio de este lenguaje recién nacido.

SABIR nos da la imagen de los dos pilares más lejanos del Mediterráneo: por una parte tenemos a Grecia, cuna de la civilización occidental, y por otra orillar la tierra ibérica. Dos lugares que definen los confines del mar que comparten estos dos tierras por donde, desde la antigüedad, navegaban las naves de los mercaderes, piratas, viajeros románticos y todo tipo de aventureros. Estas personas se habían convertido asentamientos costeros en pueblos culturalmente ricos y estaban participando en este intercambio de experiencias y formas de entender y convivir con otras tierras. De manera similar, los tres miembros del grupo greco-español SABIR incluyen en su repertorio piezas tradicionales de los países mediterráneos, así como otras que son composiciones originales pero aún fuertemente influenciadas por la tradición música de los Balcanes, Persia, Grecia, Flamenco o música medieval occidental.

En un concierto de SABIR se fusionan modos antiguos y orientales con ritmos asimétricos e improvisaciones realizadas con instrumentos como la tabla india, la zanfoña (instrumento medieval de cuerda frotada), guitarra flamenca, el santoor (salterio persa), saz (laúd turco) o el zarb (instrumento de percusión persa).





1. Sokratako (Sokratis Sinopulos/Sabir) 3:41
2. Erghen Diado (Petar Liondev/Sabir) 5:14
3. Mavro Potami (Spyros Kaniaris) 4:41
4. Zeibekiko (Greek-Turkish trad. /Sabir) 3:21
5. Erimos (Persian trad./Sabir) 5:30
6. Foni (Spyros Kaniaris/Sabir) 4:05



domingo, 3 de abril de 2022

Synthesizer Greatest (vol.1 al 7)



Ed Starink (nacido Eduward AJ Starink el 17 de diciembre de 1952 en Apeldoorn ), también conocido como Star Inc. , es un compositor , arreglista , músico de sesión y productor discográfico holandés . Desde niño estuvo fascinado por la música y aprendió por sí mismo a tocar muchos instrumentos musicales .

Durante sus estudios, trabajó para varios estudios de grabación importantes en los Países Bajos . Como tecladista fue contratado para acompañar a los Beach Boys en el órgano Hammond , y también para tocar los teclados de David Bowie . Starink se graduó en 1976 y luego dio sus propias conferencias en la Academia de Música.

El álbum debut de Starink fue Cristallin , pero sus lanzamientos más conocidos son sus versiones de otros éxitos, temas de cine y televisión , que han sido lanzados en su propio sello discográfico , Star Inc.

Hacia fines de la década de 1980, Starink cooperó con Arcade Records y lanzó una serie de álbumes de Synthesizer , que tuvieron éxito principalmente en el mercado europeo. Su álbum, Synthesizer Gold , llegó al top 40 de la lista de álbumes del Reino Unido en 1993. Su álbum anterior, Synthesizer Greatest , alcanzó el puesto número 22 en el Reino Unido .



















sábado, 2 de abril de 2022

Antología de la música afrocubana 10 Cd´s (RESUBIDO)



El más completo material editado discográficamente de la música folklórica cubana de origen africano, preparado por la connotada musicóloga cubana Dra María Teresa Linares. Además de contar con 10 volúmenes con grabaciones originales interpretadas por cultivadores de esa música en Cuba, reúne un cúmulo de información especializada sobre el tema, de inapreciable valor para estudios de carácter etnológico

Esta colección constituye un valioso acercamiento al rico y complejo panorama musical, resultante del proceso de transculturación operado en nuestro país, a partir del encuentro entre los elementos provenientes de las diversas culturas a las que pertenecían los esclavos africanos traídos a Cuba, y las aportaciones de los conquistadores europeos, choque cultural que ha devenido en un proceso de evolución constante de ritos, cantos, bailes y toques, recogidos aquí a partir de los testimonios tomados de viejos portadores, así como registros in situ de diversas ceremonias a través de las cuales podemos apreciar el rico mosaico que representa la música afrocubana.

Antología de la música afrocubana. Vol. I
1. Enkame (2:05)
2. Canto de Wemba (1:52)
3. Canto a babalú Ayé (1:59)
4. Canto a Elebwa (1:32)
5. Canto de Trabajo (1:50)
6. Canto Ritual de un Poseso (1:37)
7. Canto de Yuca (1:28)
8. Toque de tambor Yuca (0:51)
9. Canto de Asoyin (2:10)
10. Canto a Ebioso (1:54)
11. Canto de Makuta (2:19)
12. Canto de Trabajo (2:19)
13. Canto de Maniseros (2:10)
14. Canto Funerario (1:11)
15. Rumba Columbia (1:03)
16. Moyuba (2:56)
17. Rezo para Changó (2:24)
18. Canto a Oddúdua (1:54)
19. Canto a Obatalá (1:46)



Antología de la música afrocubana. Vol. II
1. Toque a Elebwa (2:39)
2. Toque a Oggún (1:29)
3. Toque a Ochosi (2:23)
4. Toque a Babalu Ayé (1:15)
5. Toque a Orunla (1:29)
6. Toque a Aggayú (1:34)
7. Toque Ayacutá para Aggayú (1:30)
8. Toque para Changó (3:09)
9. Toque para Obbá (2:48)
10. Toque para Oyá (2:08)
11. Toque para Yemayá (4:41)
12. Toque para Obatalá (1:58)
13. Toque para Ochún (1:52)
14. Toque para Yeguá (1:15)
15. Toque para los Idbeyi (0:37)
16. Canto antiguo a Changó (2:20)
17. Otro canto para Changó (2:16)
18. Canto para Oggún (1:42)


Antología de la música afrocubana. Vol. III
1. Toques solos de Tambores (1:52)
2. Toque y canto a Elebwa (2:15)
3. Toque y canto a Oggún (2:09)
4. Toque y canto a Ochosi (2:01)
5. Babalú Ayé (2:14)
6. Toque y canto a Obatalá (2:18)
7. Toque y canto a Yeguá (2:25)
8. Toque y canto a Oyá (2:09)
9. Toque y canto a Ochún (2:51)
10. Toque y canto a Yemayá (2:49)
11. Toque y canto a Aggayú (2:31)
12. Toque y canto a Orula (2:21)
13. Toque Aceleyó Añá Elebwa (3:56)


Antología de la música afrocubana. Vol. IV
1. Toque y canto a Ojún Degara (2:36)
2. Toque Fereketé con tambores solos (1:57)
3. Toque Daluaa con tambores solos (1:33)
4. Toque y canto a Jurajó Tatuó (0:55)
5. Toque y canto a Arggue (1:14)
6. Toque y canto a Ajuangún (2:09)
7. Toque y canto a Kututó (2:39)
8. Toque y canto a Ebbioso (2:10)
9. Toque y canto a Fereketé (2:23)
10. Toque y canto a Foddu Masen (2:30)
11. Toque y canto a Addanó (2:17)
12. Toque y canto a Daluaa (2:39)
13. Toque y canto a Ajosi (2:13)
14. Toque y canto a Ajosi (con palmadas) (1:53)
15. Toque y canto a Ossain Sobola (2:12)
16. Toque de diversión con los santos 1 (1:47)
17. Toque de diversión con los santos 2 (2:44)
18. Toque de diversión con los santos 3 (1:58)
19. Toque de agradecimiento a los santos (2:24)


Antología de la música afrocubana. Vol. V
1. Toques de tambor yuka solos, y canto (3:23)
2. Fiesta, con varios estribillos (15:18)
3. Gavilán pollero (5:07)
4. Ma Lutgarda (4:33)
5. Llora, llora, Magdalena (4:11)
6. Se formo un dilema (5:53)


Antología de la música afrocubana. Vol. VI
1. Fragmentos de la fiesta, parte 1 (18:12)
2. Fragmentos de la fiesta, parte 2 (17:27)


Antología de la música afrocubana. Vol. VII
1. Toque masón (2:56)
2. Toque yubá macota (3:18)
3. Toque yubá cobrero (3:19)
4. Frenta yubá (2:15)
5. Masón (canto solo) (1:31)
6. Yubá cobrero (canto solo) (2:52)
7. Yubá mavota (canto solo) (2:52)
8. Masón (fiesta completa) (10:37)
9. Yubá macota (fiesta completa) (8:57)


Antología de la música afrocubana. Vol. VIII
1. Toque y canto a Eleggua (3:26)
2. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Guataca y Cachimbo (0:11)
3. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Guataca y Segundo (0:13)
4. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Guataca y Caja (0:48)
5. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Guataca y Mula (0:38)
6. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Guataca y Repicador (0:39)
7. Toques para acompañar los cantos a Eleggua, Oggún, Ochosi e Inle: Ensamble en el order anterior (1:30)
8. Toque y canto a Changó (2:19)
9. Toque y canto a Oya (2:20)
10. Toque y canto a Ochún (2:37)
11. Toque y canto a Obbatalá (1:19)
12. Toque y canto a Elegguá (2:44)
13. Oru a Changó (20:00)


Antología de la música afrocubana. Vol. IX
1. Umbé (0:49)
2. Kunañanka (1:13)
3. Iyaka (1:13)
4. Ekuso (1:43)
5. Wanileilo (0:53)
6. Mi sopa (1:05)
7. Ta makuenda (1:44)
8. Kibulayaya (1:22)
9. Tu quiere (1:36)
10. Lupemba (1:33)
11. Kunañanga (1:39)
12. Maninguala (1:09)
13. Pero Zapone (1:31)
14. Nengo nengo (1:40)
15. Andule andule (1:20)
16. Congo Real (1:49)
17. Caravela (1:47)
18. Toque de la mula (0:36)
19. Toque de la mula y la guagua (0:47)
20. Toque de la mula, la guagua y el secundo (0:45)
21. Toque de la mula, la guagua y la caja (1:33)
22. Canto y toque a Mirena (2:28)


Antología de la música afrocubana. Vol. X
1. Enkame - cantos rituales de La Habana (4:47)
2. Marcha efó de La Habana (5:36)
3. Marcha efí de La Habana: el ekón (0:52)
4. Marcha efí de La Habana: ekón y erikundi (0:56)
5. Marcha efí de La Habana: ekón, erikundi y los itones (1:09)
6. Marcha efí de La Habana: ekón y enkomo obi-apá (1:09)
7. Marcha efí de La Habana: ekón y enkomo biankomé (1:03)
8. Marcha efí de La Habana: ekón y enkomo kuchí-yeremá (1:01)
9. Marcha efí de La Habana: ekón y bonkó-enchemiyá (1:10)
10. Marcha efí de La Habana (6:52)
11. Enkame - cantos rituales de Matanzas (2:37)
12. Marcha efó de Matanzas (12:25)
13. Marcha efí de Matanzas: el ekón (0:30)
14. Marcha efí de Matanzas: ekón y erikundi (0:35)
15. Marcha efí de Matanzas: ekón y los itones (0:36)
16. Marcha efí de Matanzas: ekón y enkomo obi-apá (0:37)
17. Marcha efí de Matanzas: ekón y enkomo biankomé (0:37)
18. Marcha efí de Matanzas: ekón y enkomo kuchí-yeremá (0:34)
19. Marcha efí de Matanzas: ekón y bonkó-enchemiyá (1:21)
20. Marcha efí de Matanzas (11:04)





viernes, 1 de abril de 2022

PUTUMAYO (96 Cd´s)



Putumayo World Music, que tiene sus oficinas principales en la ciudad de Nueva York, se especializa en música folclórica, latinoamericana y afrocubana, además de otros géneros que pueden clasificarse como world music (música del mundo).
La empresa se fundó en 1993 para presentar la música de las culturas del mundo. El sello creció a partir de la compañía de ropa Putumayo, fundada por Dan Storper en 1975 y que se vendió en 1997.

Desde su creación, el sello se ha distinguido principalmente por sus rítmicas y melodiosas compilaciones de música popular internacional que caracteriza el lema de la compañía: ¡Garantizamos hacerte sentir bien!

El origen del nombre de la compañía es el río Putumayo, que cruza Colombia, Ecuador, Perú y Brasil.









domingo, 27 de marzo de 2022

Dulce Pontes (1992-2017)



Dulce José da Silva Pontes (Montijo, 8 de abril de 1969) es una cantante y compositora de fado portuguesa conocida artísticamente como Dulce Pontes.

A Dulce Pontes se la considera como una artista de la world music. Su actividad artística contribuyó al renacimiento del fado en los años noventa del siglo pasado. Pontes se distingue por su voz versátil, dramática y con calidez emotiva, compone algunos de los temas de su repertorio. Ha actuado junto a artistas como Ennio Morricone, Giorgos Dalaras, Andrea Bocelli y José Carreras.

En su niñez estudió música en el Conservatorio de Lisboa donde aprendió a tocar el piano. Estudió danza contemporánea entre los siete y los diecisiete años de edad. En 1988 fue seleccionada para actuar en la Comedia Musical Enfim sós siguiendo con Quem tramou o Comendador, en el Teatro María Matos, como actriz, cantante y bailarina. En 1990 la invitaron a formar parte del espectáculo Licença para jogar en el Casino de Estoril. Ganó popularidad entre el público portugués a través del programa de televisión Regresso ao passado.

En 1991 venció en el Festival RTP de la Canción y representó a Portugal en el Festival de la Canción de Eurovisión, donde cantó "Lusitana paixão". Alcanzó el octavo lugar entre los veintidós países participantes, una de las mejores puntuaciones portuguesas en este certamen. Ese mismo año participó en el Festival OTI, celebrado en Acapulco, donde logró clasificarse para la final, en la que quedó 5.ª con el tema "Ao sul da América".

En 1992 grabó su primer álbum, Lusitana. Contenía principalmente canciones pop, que pronto superaría.
https://es.wikipedia.org/wiki/Dulce_Pontes





1992 Lusitana
1993 Lagrimas
1995 A Brisa do Coracao (2CD, Live)
1996 Caminhos
2000 O primeiro Canto (2CD)
2002 Best Of
2002 Fado Portugues (Bootleg)
2004 Focus (& Ennio Morricone)
2006 O Coracao Tem Tres Portas (2CD)
2009 Momentos (2CD)
2017 Peregrinaсao (2CD)