Joji Hirota-Japanese Folk Songs

Percusionista, compositor, cantante, flautista: Joji Hirota desafía con maestría cualquier definición. Formado como músico clásico en su Japón natal, ha pasado más de la mitad de su vida en Inglaterra, donde fusiona libremente instrumentos e influencias para crear una música única. Su flauta suena como un canto, su canto suena instrumental y su batería tiene un sonido inconfundible.

Joji Hirota nació en Hokkaido, al norte de Japón. Comenzó a estudiar percusión a los once años y a los trece ya componía su propia música. Posteriormente estudió en la Universidad Municipal de Artes de Kioto.

En 1972, el ilustre Stomu Ymashta lo invitó a Inglaterra para ser Director Musical y Percusionista del Teatro del Buda Rojo. Este fue un punto de inflexión. Como el propio Joji afirma, de no haber sido por esa invitación, podría haber permanecido con la Orquesta Filarmónica de Nagoya interpretando la Quinta Sinfonía de Beethoven durante el resto de su vida. Esto lo llevó a convertirse en Director Musical y Percusionista Solista de la Compañía de Danza Lindsay Kemp en 1977, presentando espectáculos en Europa, Canadá, Sudamérica y Japón. En 1991, la compañía ganó el premio Time Out a la Mejor Compañía de Danza por su producción "Onnagata", para la cual Joji compuso e interpretó la música.

A Joji le pareció que Inglaterra era un lugar tan fascinante, «tan lleno de posibilidades», que ha vivido allí desde entonces. El gran interés por la música folclórica en Occidente lo inspiró a explorar la música folclórica de su propia cultura mucho antes de que se tomara en serio en Japón. Él niega estar mezclando tradiciones.

Canciones folclóricas tradicionales japonesas arregladas e interpretadas por Joji Hirota con shakuhachi, taiko, voz y percusión japonesa, con acompañamiento de cuerdas, arpas y voces infantiles. Melodías de una belleza conmovedora evocan imágenes de pescadores en Hokkaido, juegos infantiles en Tokio y cerezos en flor en primavera.



1 Solan Bushi
2 Sakura Variations
3 Kodomo No Uta Medorei (Children's Songs Medley 1)
4 Haru No Umi (The Sea Of Spring)
5 Esashi Oiwake
6 Komori Uta
7 Kokiriko Bushi
8 Jawa Kai No Shima Jima (The South Sea Islands)
9 Komoro Mago Uta
10 Takeda No Komori Uta (A Lullaby From Takeda)

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Trio Da Kali - Bagola

El Trio Da Kali está formado por tres jóvenes músicos, pero con gran experiencia, y provenientes de estirpes de grandes maestros. Hawa Kassé Mady Diabaté es la voz principal e hija del cantante Kassé Mady Diabaté, una de las grandes voces africanas que murió tristemente en 2018. Madou Kouyaté toca el ngoni bajo y es hijo de Bassekou Kouyaté virtuoso del ngoni (mezcla de arpa y laúd). Y Lassana Diabaté, maestro del balafón (xilófono de madera con resonadores de calabaza) y director musical del trío, ha tocado en la Symmetric Orchestra de Toumani Diabaté y ha participado en múltiples e importantes grabaciones, como el proyecto de fusión afrocubana AfroCubism.

BAGOLA Debut full-length solo album by the award-winning Malian trio, TRIO DA KALI In their new album Bagola, Trio Da Kali present newly-composed songs accompanied on balafon and ngoni bass, that provide a rich accompaniment to the spectacular voice of Hawa Kasse Mady Diabaté. She inherits her singing style from her father, the late Kasse Mady Diabaté, who was widely recognised as one of Africa’s all-time greatest singers, and won a Grammy nomination in 2004. Hawa’s voice has an exquisite purity and expressiveness, with a wide emotional range. She is equally at home in the lively, 9/8 rhythms of the title track Bagola, a light-hearted critique of men in Malian society, to the soulful Orpaillage, a song that laments the destruction of land from gold-panning. Orpaillage was in fact composed on the spot in the studio, reflecting the creative chemistry between these three musicians. The musical director of the trio is balafon (xylophone) player Lassana Diabaté, born in Guinea into a well-known family of balafon musicians. His remarkable dexterity on the balafon earned him a place in Toumani Diabaté’s Symmetric Orchestra, and later on in the group Afrocubism (featuring Eliades Ochoa). He has collaborated with many musicians, including bluesman Taj Mahal on the album Kulanjan. With two balafons of 22 rosewood keys each, tuned to play chromatic scales, Lassana Diabaté achieves a perfect balance of rhythm, melody, harmony and virtuosic embellishment. David Harrington, leader of Kronos Quartet, compares him to none other than JS Bach. Underpinning the balafon with compulsive groove, is the ngoni bass, played with brilliant musicality by Madou Kouyaté (son of Bassekou Kouyaté and member of his group Ngoniba). Madou, the youngest member of Trio Da Kali, also adds rich harmonies with his deep breathy voice to the songs. Trio Da Kali was founded in 2013 under the initiative of the Aga Khan Music Programme, with the help of three-times Grammy-nominated music producer Lucy Durán. The Trio first rose to international fame with their sublime album Ladilikan (World Circuit Records 2017), featuring an unprecedented and multi-award-winning collaboration with Kronos Quartet, the legendary classical string quartet from San Francisco. Bagola is a showcase of Trio Da Kali’s entrancing and unique sound, only equalled by their magical performances on stage.



1. BAGOLA 03:34
2. DADUNKAN 04:06
3. CELA SIGUI 03:50
4. TULUNKE 03:18
5. ORPAILLAGE 04:49
6. DISSA 03:10
7. WARA 04:12
8. NANA TRIBAN 03:57
9. FAKOLY 04:33
10. LATEGE 04:06
11. DEME 05:05 video

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Isao Tomita- Snowflakes Are Dancing -1974- (2004 Remastered Limited Edition)

Isao Tomita (en japonés: 冨田 勲, Tomita Isao), (Tokio, 22 de abril de 1932 - 5 de mayo de 2016), también conocido como Tomita, fue un renombrado músico y compositor japonés que se caracterizaba por fusionar piezas de música clásica con sintetizadores y otros instrumentos electrónicos. Es también considerado uno de los pioneros de la música electrónica. Recibió cuatro premios Grammy por su disco de 1974 Snowflakes Are Dancing.https://es.wikipedia.org/wiki/Isao_Tomita



01 - Snowflakes are Dancing [Children's Corner No. 4]
02 - Reverie
03 - Gardens in the Rain [Estampes No. 3]
04 - Clair de Lune [235k MP3] [Suite Bergamasque No. 3]
05 - Arabesque No. 1
06 - The Engulfed Cathedral [Preludes Book 1 No. 10]
07 - Passepied [Suite Bergamasque No. 4]
08 - The Girl with the Flaxen Hair [Preludes Book 1 No. 8]
09 - Golliwog's Cakewalk [Children's Corner No. 6]
10 - Footprints in the Snow [Preludes Book 1 No. 6]

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Nêgah Santos - Forró Da Nêgah

Nêgah Santos is a Brazilian-American percussionist, singer, and composer based in New York City whose work bridges Brazilian and Latin traditions from the African diaspora, Jazz, and contemporary popular music - embracing the openness and creativity, exploring the intersection of culture, groove, and improvisation, connecting audiences through the universal language of rhythm.

Recognized for her sensitive musicality and dynamic rhythmic approach, Nêgah Santos has built a reputation as a versatile and expressive collaborator across a wide range of musical settings.

After moving from Brazil to the United States, and graduating from Berklee College of Music, Nêgah Santos has toured extensively around the world and has become an active presence in New York’s vibrant music scene, performing with internationally acclaimed artists and appearing on major stages and broadcasts including The Late Show with Stephen Colbert - as a performer and co-writer of the house band for the past 9 years, earning two Academy Awards and a Peabody.

Some of the artists Nêgah Santos has collaborated with are Jon Batiste, Terri Lyne Carrington, James Taylor, Meshell Ndegeocello, Lake Street Dive, Jon Bellion, Lakecia Benjamin, Louis Cato, Cory Wong, Lawrence, Clinton Cerejo, Joyce Moreno, Alcione, Jorge Aragão, Lia de Itamaracá, Tony Tornado, Riverdance among others.

With her own project, Nêgah Santos pays homage to her Brazilian heritage, composing and arranging music that brings together her influences with all the different communities she has been able to experience and learn from. Whether performing on stage, recording in the studio, collaborating on new artistic projects, or writing compositions of her own, Nêgah Santos approaches rhythm as both foundation and storytelling tool.



1. Ô Cocada! 02:17
2. Trago Côco e Xaxado feat. Louis Cato 02:28
3. Forró Mais Cedo 03:10
4. Você Chegar 03:51
5. Moça Nordestina 02:23
6. Ser Feliz Por Aí 03:09

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Mahotella Queens - Buya Buya; Come Back

Mahotella Queens es un grupo femenino sudafricano establecido en 1964. El grupo es uno de los más prominentes especializados en mbaqanga, un estilo nacido en los estudios de grabación de la Sudáfrica de los años 60 y el primer género en el país en utilizar acompañamiento rítmico totalmente eléctrico.Las Queens desarrollaron una identidad alegre y distintiva que combinaba armonías de grupos femeninos de varias partes con una coreografía escénica enérgica, la voz masculina de barítono de Simon 'Mahlathini' Nkabinde y el intenso respaldo de la Makgona Tsohle Band, ofreciendo a los oyentes un respiro feliz durante la opresiva era del apartheid. La formación original de las Queens generalmente giraba en torno a cinco cantantes lideradas por la popular soprano Hilda Tloubatla, pero su membresía evolucionó significativamente en los años 70 y 80. Una exitosa gira por Francia en 1987, con tres de las integrantes originales de las Queens —Tloubatla, Nobesuthu Mbadu y Mildred Mangxola—, allanó el camino para una carrera internacional que se ha extendido durante cuatro décadas, a pesar de la muerte de Mahlathini y varios miembros de la banda Makgona Tsohle. La formación actual de las Mahotella Queens está compuesta por Tloubatla, Amanda Nkosi y Nqobile Njapha



1. Jomba Jomba (Jump To The Music) 04:42
2. Buya Buya (Come Back) 03:51
3. Ngibuz'indlela (Show Me The Way) 04:31
4. Mpho Ke Lehlohonolo (Take Care Of Your Gift) 05:19
5. Phephezela (Wedding Dance) 05:17
6. Šalang (Farewell) ft. Jack Lerole Jnr 05:02
7. Thoko, Ujola Nobani? (Thoko, Who Are You Dating?) 04:24
8. Mma Ditaba (Gossipmonger) 04:38
9. Uyeke Amanga (Stop Your Lies) 04:40
10. Ba Ntshepisa Lenyalo (I'm Tired Of Your Promises) 05:28
11. Nkhono Le Ntate-Moholo (My Grandparents) 05:14
12. Laduma Lamthatha (The Thunder Roars) 05:20

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Lluís Gómez - FlamenGrass

FlamenGrass nace de la mezcla del bluegrass y el flamenco, ambas músicas de raíz tradicional. El proyecto nace de la mano de Lluís Gómez, destacado banjista a nivel internacional, autor de varios libros para la prestigiosa editorial norteamericana Mel Bay, Carol Durán, violinista y cantante de bandas como La Carrau, Sabor de Gràcia, Les Violines y ha realizado diversas giras internacionales con Las Migas, Maribel Rivero, contrabajo y voz, (Barcelona Bluegrass Band, Les Violines) ha acompañado a artistas como Tony Trischka, Bill Keith, Scott Law entre otros y Roger Lozano, guitarrista.



1. La Flor 03:52
2. Quan s'atura el Temps 04:09
3. Grant por Bulerías 03:56
4. Station to your Heart 03:26
5. Nel Pozu 03:43
6. Alegria 04:05
7. Abenamar 03:35
8. Zorongo Gitano 03:29
9. RumbaGrass 03:31
10. Imatges 03:41

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Yoshida Brothers - Best of Yoshida Brothers - Tsugaru Shamisen

 

 

El Tsugaru-shamisen, se originó en China en el siglo 16, este instrumento de tres cuerdas fué introducido en Japón a través de músicos populares que viajaban por todo el pais y se convirtió en un elemento integral de la música clásica japonesa. Los hermanos Yoshida han llevado el Tsugaru-shamisen más lejos que cualquier otro músico moderno, prácticamente han reinventado su sonido, lo que les ha llevado a un estilo musical firmemente arraigada en las tradiciones del pasado y audazmente con una vision del futuro.

Yoshida Brothers o también conocidos en Japón como Yoshida Kyodai, son un dúo compuesto por los hermanos Ryoichiro Yoshida y Kenichi Yoshida que tocan tsugaru shamisen, un antiguo instrumento japonés de tres cuerdas. Esta descripción puede llevar a pensar que se trata de otro grupo de música folclórica de su país, pero lo cierto es que los Yoshida Brothers han sabido mezclar las melodías y sonidos tradicionales de Japón con ritmos e instrumentos contemporáneos, lo que genera una mezcla musical única, muy dinámica, sensible y profundamente refinada.

El remix de su canción "Kodo" se hizo mundialmente conocida por haber sido utilizada en los comerciales de la Nintendo Wii.

https://www.domomusicgroup.com/yoshidabrothers/
https://es.wikipedia.org/wiki/Shamisen


    Storm
    Kodo (Hishou version)
    Overland Blues
    A Hill With No Name
    Modern (Hishou Version)
    Saiun
    Passion
    My Heart Holds
    Blooming
    Cherry Blossoms in Winter
    Kodo (Inside The Sun Remix)
    Rising
    Morricone

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Seun Kuti & Egypt 80 Heavier Yet (Lays The Crownless Head) (Deluxe Edition)

El poderoso artista de afrobeat Seun Kuti y Egypt 80 se unen a Kamasi Washington, POS de De La Soul, Adi Oasis, Alborosie y otros en la edición de lujo de Heavier Yet (Lays The Crownless Head)

Originalmente lanzado en octubre de 2024 y producido por Lenny Kravitz, el álbum marcó un poderoso regreso para Seun, un artista profundamente arraigado en el legado de su padre, Fela Kuti, pero plenamente comprometido con el presente. Con la Edición Deluxe, Seun expande el alcance sonoro y político del álbum original, presentando una atractiva colección de remezclas, versiones renovadas y nuevas colaboraciones que aportan perspectivas frescas a su mensaje de resistencia, empoderamiento y orgullo cultural. Entre las colaboraciones estelares se incluyen la del nuevo gigante del jazz Kamasi Washington en «Move», la diosa caribeña francesa Adi Oasis en «Love & Revolution», la estrella del reggae Alborosie en «T.O.P.», el rapero y poeta revolucionario zambiano Sampa The Great en «Emi Aluta», el legendario POS de De La Soul en «Stand Well Well» y el dúo británico Gaudi & Don Letts en el remix disco dub de «Dey».

Con esta Edición Deluxe, Seun Kuti & Egypt 80 reafirman su compromiso con el afrobeat como fuerza musical y vehículo de cambio. Estas nuevas versiones insuflan nueva vida a «Heavier Yet», invitando a los oyentes a experimentar el álbum no solo como un disco, sino como un movimiento vivo y en constante evolución.



CD 1
01. Seun Kuti, Egypt 80 - T.O.P. (7:24)
02. Damian Marley, Seun Kuti, Egypt 80 - Dey (5:43)
03. Seun Kuti, Egypt 80 - Stand Well Well (5:53)
04. Seun Kuti, Egypt 80, Sampa the Great - Emi Aluta (8:43)
05. Seun Kuti, Egypt 80 - Love & Revolution (8:36)
06. Seun Kuti, Egypt 80 - Move (5:47)


CD 2
01. Alborosie, Seun Kuti, Egypt 80 - T.O.P. (Over The Top Version) (3:15)
02. Damian Marley, Seun Kuti, Egypt 80 - Dey (Gaudi & Don Letts Remix) (4:28)
03. De La Soul, Seun Kuti, Egypt 80 - Stand Well Well (Grand Stand Version) (3:57)
04. Seun Kuti, Sampa the Great, Egypt 80 - Emi Aluta (Zamrock Remix) (3:29)
05. Seun Kuti, Egypt 80, Adi Oasis - Love & Revolution (Cinnamon Version) (3:34)
06. Seun Kuti, Egypt 80, Kamasi Washington - Move (Keep Moving Version) (5:47)

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Seun Kuti & Egypt 80 (2008-2018) 4 CD´s

Oluseun Anikulapo Kuti (born 11 January 1983, Lagos, Nigeria ), commonly known as Seun Kuti , is a Nigerian musician , and the youngest son of legendary afrobeat pioneer Fela Kuti . Seun leads his father's former band Egypt 80 .

Seun and his brother Femi are the two commercially successful musical offspring of the late Nigerian afrobeat innovator Fela Kuti. Seun has one younger sister who used to sing in his band. At the age of nine Seun expressed the wish to sing to his father. [ citation needed ] A short while later Seun started performing with his father and the band. Since then, Seun has followed the political and social ethos of his father.

After Fela had died in 1997, Seun, then only 14 years old, became the lead singer of Egypt 80. While in school Seun had to choose between a career in music and one in African Football. His 2008 debut album, Many Things , was produced by Martin Meissonnier , who had already produced two albums for his father.

About three quarters of the current Egypt 80 line-up consists of musicians that not only played with Fela Kuti , but often were arrested and harassed alongside the founder of the Afrobeat movement. Live sets consist of both new material and originals from Seun's father. Since during his lifetime, Fela Kuti had never performed any songs live on stage which he had recorded in the studio, this is the first chance for many long-time fans to enjoy classics like Shuffering and Shmiling , Colonial Mentality and Army Arrangement in a live setting. A new studio album called From Africa with Fury: Rise was released on 5 April 2011. It was recorded in London, produced by Brian Eno , John Reynolds and Seun himself.

Seun Kuti is featured in Calle 13 's song "Todo se mueve" (Everything Moves), on their 2010 album Entren los que quieran.

He participated actively in the Occupy Nigeria protests against the fuel subsidy removal policy of President Goodluck Jonathan in his native Nigeria, in January 2012. Seun Kuti is an atheist.

Many Things

1 Think Africa 6:49

2 Don't Give That Shit To Me 9:21

3 Many Things 8:01

4 Fire Dance 8:09

5 Mosquito Song 7:23

6 Na Oil 8:09

7 African Problems 5:01

From Africa With Fury: Rise 

1 African Soldier 5:16 

2 You Can Run 5:37 

3 Mr. Big Thief 7:38 

4 Rise 7:05 

5 Slave Masters 7:45 

6 From Dem Eye 6:56 

7 The Good Leaf 6:12

A Long Way To The Beginning

1 IMF 5:00 

2 African Airways 5:12 

3 Higher Conciousness 7:34 

4 Ohun Aiye 5:17 

5 Kalakuta Boy 6:40 

6 African Smoke 6:49 

7 Black Woman 8:52

 

Black Times

1 - Last Revolutionary
2 - Black Times ft Carlos Santana
3 - Corporate Public Control Department (CPCD)
4 - Kuku Kee Me
5 - Bad Man Lighter
6 - African Dreams
7 - Struggle Sounds
8 - Theory of Goat And Yam

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Ablaye Cissoko - Mes Racines

En 2013, el intérprete de kora Ablaye Cissoko lanzó "Mes racines" ( Mis raíces), un viaje a los orígenes del repertorio musical de kora mandinka . Este álbum fue grabado con el conjunto Le Corda Ba, compuesto exclusivamente por músicos residentes en Senegal .



1. Champion 04:35
2. Kano Mbifé 03:01
3. Nanfoulé 05:15
4. Kano 04:40
5. Xarite 04:36
6. Gnon Déma 03:32
7. Baye 04:57
8. Koro 04:01
9. Kimintang 04:28
10. Mon Frère 03:18
11. Thiaroye 44 01:31

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Noura Mint Seymali - Yenbett

Subido por Marhali.

Noura Mint Seymali tiene una voz a la vez ancestral y atemporal con una tesitura fraguada en la crudeza de los espacios desérticos, pero conectada al presente; también es una virtuosa intérprete del ardine, un instrumento parecido a la kora, que solo se encuentra en Mauritania, que solo lo tocan mujeres, y que ella aprendió de su abuela, Mounina. Una griot (poeta, cantante, música, historiadora y guardiana cultural a partes iguales) y la viva imagen de la tradición musical de Mauritania, lo que hace que sus canciones no sean solo musicales, sino también vehículos de memoria, identidad y relato social. Entre la antigua tradición del noroeste de África, las guitarras eléctricas y la fuerza del rock.

El sonido de su tercer álbum -le preceden, Tzenni (2014) y Arbina (2016)- recuerda sonidos gnawa y otras formaciones surgidas en torno al Sahel, como los legendarios Tinariwen y otras bandas similares surgidas en los últimos veinte años, en el que la guitarra de Jeich Ould Chighaly (su marido) y el bajo de Ousmane Touré elevan el voltaje eléctrico.

La coproducción se realizó junto a Matthew Tinari (baterista de Noura) y el bajista Mikey Coltun (Mdou Moctar). El resultado es el de un disco magnético, hipnótico, que arrastra al trance, a un delirio psicodélico en el desierto: el ardine pone la base melódica y espiritual; las guitarras eléctricas, la energía rock; los ritmos africanos (a través de la percusión y las palmas), la dimensión comunitaria, y el bajo y la batería lo acercan al funk.

Más que contar historias lineales, las canciones invocan estados emocionales personales y colectivos: celebración, relatos, diálogo interno, soledad, observación, vida cotidiana, espiritualidad, amor, elogios, referencias sociales y poesía oral. Seymali se presenta como una potente vocalista con una profunda conexión con el repertorio atemporal del griot y el deseo de crear mensajes frescos y contemporáneos.

Yenbett (2025) no es solo un disco, sino una reformulación contemporánea de la música griot. Noura Mint Seymali logra respetar una tradición muy codificada y, al mismo tiempo, empujarla hacia terrenos experimentales. El resultado es un álbum profundamente cultural, intensamente físico y sorprendentemente moderno.

01. Bidayett Lehjibb
02. Lehjibb
03. Guéreh
04. Wezeun (Lebteït)
05. Knou
06. Moughadim Karr
07. Jraad
08. Radatt Lebiyaad
09. Tassirit
10. El Vaïz (Seni Karr)
11. Ch’tib (Naha)
12. Wezeun (Vaghou)
13. Hagala Geyeul
14. Wezeun (Likhal Karr)
15. Lebleida

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Imarhan – Aboogi

Subido por Marhali.

Con dos álbumes (Imarhan, en 2016, y Temet, en 2018) Imarhan (que en tamasheq significa "aquellos que se aman, que se codean y son sinceros") se ha convertido en un emblema de la nueva generación tuareg, revitalizando el "Assouf", el blues del desierto. El grupo, liderado por Iyad Sadam, forma parte de su cultura y de su ciudad, la capital del pueblo tuareg, con una puerta abierta al desierto.

En 2021, aprovechando el parón de la pandemia y parte de lo obtenido en sus conciertos, se decidieron a construir el primer estudio de grabación en su villa natal, Tamanrasset, llamado Aboogi, en homenaje a las primeras estructuras que ayudaron a formar sus pueblos ancestrales. De ahí que su último álbum se titulara así, reflejando el arraigado espíritu de comunidad que respiran sus canciones.

A diferencia de sus dos trabajos anteriores, Aboogi (2022) se revela más introspectivo, lleno de sensaciones y percepciones, con la colaboración de la banda hermana Tinariwen, los padrinos del Assouf: el genial músico Abdallah Ag Alhousseyni en "Tindjatan", y el poeta Mohamed Ag Itlale (alias Japonais) poniendo su suave ritmo en "Tamiditin".
Gruff Rhys (Super Furry Animals) canta una canción para sus héroes en su galés natal, "Adar Newlan". Invitando a la cantante sudanesa Sulafa Elyas en la conmovedora "Taghadart", se entiende que Imarhan está abierto a toda África, erigiéndose en portavoz de la juventud tuareg, dispersa y olvidada por los gobiernos de la zona.

Imarhan habla sobre el vínculo con la naturaleza, la opresión, la juventud perdida, pero también y especialmente sobre la esperanza y la lucha en riffs de guitarra arenosos, coros fascinantes y letras poéticas.

01. Achinkad
02. Derhan
03. Temet
04. Tindjatan
05. Asof
06. Assossam
07. Taghadart
08. Laouni
09. Imaslan N'Assouf
10. Tamiditin
11. Adar Newlan

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Ablaye Cissoko - Popenguine

Kimitang Mohamadou Cissoko, también conocido como Ablaye Cissoko, nació en Kolda en 1970 y proviene de una familia de griots. Comenzó a tocar la kora a los 8 años y dio su primer concierto a los 12. Se matriculó en el Conservatorio de Música de Dakar y formó un coro de 10 miembros con sus hermanos.

Actualmente reside en Saint-Louis y es un viajero incansable, perteneciente a una nueva generación de artistas que encarnan la fusión entre las tradiciones mandinka y la creación musical contemporánea. Desde 2002, se presenta por todo el mundo, desde África hasta Europa y América, y colabora con reconocidos artistas internacionales de música del mundo y jazz como Randy Weston, François Jeanneau, Majid Bekkas, Richard Galliano, Benat Achiary, Volker Goetze o el conjunto La Chimera, dirigido por Eduardo Egüez.



1. Evolution 02:25
2. Douna 05:51
3. Interlude 02:58
4. Sound Design 03:17
5. Popenguine 02:34
6. Ludoludo 03:08

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Carola Ortiz - SIRIN

Hija de un músico de jazz y de una madre vinculada al teatro, Carola Ortiz (Terrassa, 1986) es una artista egarense que se define como creadora e investigadora multiforme. Formada en clarinete clásico y canto de jazz en la ESMUC, desde 2009 impulsa proyectos musicales que parten siempre de un reto artístico y vital. Su curiosidad inagotable la ha llevado a fusionar con naturalidad y libertad la improvisación que respira desde los clubes de jazz donde creció, la disciplina adquirida en el Conservatorio de Terrassa y la fuerza rítmica y melódica de sus raíces ibéricas. Al mismo tiempo, ha incorporado influencias de las músicas del Oriente Mediterráneo y de la India, fruto de sus numerosos viajes y estancias en esos territorios.

Como compositora y productora, ha publicado cinco álbumes («Sirin», 2016; «Spirala», 2018; «Pecata Beata», 2021; «Cantareras», 2023; y «Enllà», 2025) y ha llevado su música a escenarios de más de veinte países, tanto en clubes como en teatros y festivales internacionales. Su obra ha sido reconocida por la crítica nacional e internacional, incluyendo el Premi Núvol al mejor disco de canción (2021) y menciones en prestigiosas listas anuales como las de Ted Gioia y los World Music Charts Europe.

Carola Ortiz ha formado parte de la orquesta de percusión ibérica Coetus y ha compartido escenario con artistas de gran renombre como Xabier Díaz, Eliseo Parra, Rocío Márquez, Raül Refree, Rosalía, Sílvia Pérez Cruz, Lluís Vidal, Marco Mezquida, Roger Mas, así como con figuras internacionales de la talla de Debhashish Bhattacharya, The Mingus Orchestra o Maria Schneider.

Con más de treinta colaboraciones discográficas en diversos géneros, también ha aportado su voz y clarinete a obras de teatro, espectáculos musicales y documentales. En el ámbito docente, ha trabajado en el ESEM del Taller de Músics y en la ESMUC, además de impartir talleres y clases particulares.



1. Amor Prohibido 04:38
2. Free Bird 05:53
3. Alma Gemela 04:08
4. Bailarín Misterioso 05:10
5. Mariona feat. Jurandir Santana 03:33
6. Los Árboles 03:50
7. Mi Mar [spanish milonga] 06:04
8. Records de l'Havana 05:39
9. Villanelle [string quartet version] 04:00

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