Pour son deuxième album, La Silencieuse, le trio Meïkhâneh, composé de Maria Laurent au chant, Johanni Curtet à la guitare, dombra et chant diphonique, Milad Pasta aux percussions iraniennes, s'est entouré de trois invités : Bijan Chemirani aux luths tzouras, saz et percussions additionnelles, Uuganbaatar Tsend-Ochir (Egschiglen) à la grande vièle cheval mongole ikh khuur et Martin Coudroy à l'accordéon diatonique. Les compositions de Meïkhâneh sont nourries d'imaginaire, d'improvisations, et de musiques traditionnelles d'Europe, de Mongolie et d'Iran. Les voix, lumineuses et envoutantes, portent la puissance des chants d'Europe de l'Est, les mélodies aériennes des grands espaces, et la profondeur des chants diphoniques mongols. On y entend des cordes voyageuses rappelant les steppes d'Asie et l'Andalousie. Les rythmes ciselés des percussions puisent dans la tradition persane. Meïkhâneh nous emmène au cœur d'une musique sans frontières qui caresse l'âme. Son nom emprunté à la poésie persane signifie la « maison de l'ivresse ». On se laisse porter…

Meikhaneh is a group based in France, but their repertoire originates from other world regions.The group incorporates a little Central Asian throat-singing on «Jaran tsagaan aduu.» Maria Laurent's sweet vocals and her stately morin khuur (horse-head fiddle) combines to form a unique blend of vocal and instrumental music. Maria is joined by Johanni Curtet on guitar, dombra, various chants, as well as Milad Pasta on tombak, daf, and udu drum.





1 Silencia  5:27 
2 Talyn Thème  7:20 
3 Eszmélet 3:52 
4 Uulyn Nulims 5:35 
5 Khan Khökhii  5:01 
6 Pluies  6:43 
7 Ayalakhui  4:39 
8 L'avion est annulé  4:42 
9 Ayari 5:47 
10 Gham Makhor  6:23 
11 Vinha do Sul  4:08




En 2014, los impulsos creativos del productor colombiano Iván Benavides se juntaron con los del ecuatoriano Ivis Flies. El resultado fue Río Mira, un super grupo de all stars que incluía músicos del Pacífico colombiano y ecuatoriano y que justamente lleva el nombre del río que comparten ambas naciones, que nace en Imbabura, Ecuador y termina en Nariño, Colombia.

Lo que hace tres años se formó como una idea, compartió territorio y exploró la sonoridad de una geografía mutua particular, hoy recibe de manera célebre los frutos de su trabajo materializado en un disco de 12 canciones publicado por AYA Records y bautizado de manera minimalista, pero acertada, Marimba del Pacífico: un título que encierra mucho más que un instrumento y un lugar en el mapa, la columna vertebral y la inspiración de más de una decena de músicos que hicieron parte del proceso, entre ellos Esteban Copete, Karla Kanora, Hugo Quiñonez, Larry Preciado y Eduardo Martínez entre otros.

Marimba del Pacífico bien podría entenderse como una antología de historias nacidas la tradición oral que habitan en ambos territorios que fueron inmortalizadas musicalmente, como si se tratara de fotografías, retratos de esos paisajes encantadores. Es un disco a veces selvático místico y otras veces fiestero reivindicador. Canciones como 'Adiós Morena', estándar del folclor Pacífico colombiano, 'Agua', 'Rconca Canalete' y 'Estaban llorando', se presentan como un lamento en forma de arrullo, de momentos y vivencias que están ahí, formando el paisaje más melancólico, mientras que 'Guarapo', 'Patacore', 'Torbellino' y 'Adarele Andarele', representan el espíritu más fiestero y frenético de ambas naciones. Y un par de temas como 'Aguacerito' que hace las veces de interludio cobijador y 'Chicungunya' que cierra el disco con otra más de las de esas narraciones vivenciales en el territorio.

En definitiva, es un disco que celebra a la marimba de chonta y el piano de la selva como la herramienta para contar y hermanar dos naciones a través de la música en una creación magnífica.

https://ayarecords.bandcamp.com/album/marimba-del-pacifico

https://noisey.vice.com/es_co/article/nev5k7/marimba-del-pacifico-rio-mira-aya-records-2017




Tanzania’s Msafiri Zawose has been one of the biggest slept-on musical forces from the region. That’s about to change with the imminent arrival of a new album that will redefine the boundaries of gogo music.

The Wagogo people are his traditionally nomadic tribe from the center of Tanzania, known for their musicality and made famous by Hukwe Zawose - Msafiri’s father, who toured the world as a part of Peter Gabriel’s Real World roster in the 80s and 90s. Working with Santuri East Africa, the much respected platform that has been responsible for some of the most interesting collaborations coming out of East Africa in recent years, the son continues his eminent father’s journey.

In August 2016, Santuri traveled to Bagamoyo on the Tanzanian coast with SoundThread’s Sam Jones, whose recent works with Orlando Julius and remixes for Mugwsia International and Sarabi have been rapturously received.

Laying down the foundations of the album over two weeks, Zawose and Jones developed a working relationship that was highly charged - their mutual respect for each others talents allowing them to work through difficult periods - hewing the raw materials into the hypnotic, revelatory material shared here. The process was never easy, but Msafiri was driven to explore new forms for traditional music, much as his father had with 2002’s experimental collaboration with ambient / electronica producer Michael Brook on the album Assembly.

The tracks assembled here have been created within a deeply collaborative process, primarily in person, and then via endless back and forth online between Jones’ studio in London and Zawose’s compound in Bagamoyo. Set to be completed in London in November when Msafiri visits the UK, the music here remains profoundly gogo, but is infused with a organic electronic aesthetic brought about by Jones’ exceptional production and feeling for textures. The tracks give off a borderless feeling, soaking up influences from across the globe - an afro-futurist journey that takes in dub, balearic, ambient and electronic vibrations alongside Zawose’s hypnotic playing and emotive, plaintive vocals.

https://d3kdsn8w8659vg.cloudfront.net/Media/Sample/SWR_RE_128/NzalaUrugu.mp3

  1. "Nzala Urugu"
  2. "Pole Pole"
  3. "Chibitenyi"
  4. "Nosaga"
  5. "Kunyemo"
  6. "Mbeleko"
  7. "Tamaduni"
  8. "Tusife Majanga"
  9. "Mazingira"
  10. "Mdara"
  11. "Mashariki Ya Mbali"
  12. "Malugaro"
  13. "Hali Halisi"



You take a trio of the finest traditional griot musicians from Mali and put them in the studio with a revolutionary Western string quartet - and the outcome is one of the most unusual and rewarding musical collaborations you are ever likely to encounter.

Ladilikan, the new album by Trio da Kali and Kronos Quartet represents a landmark in cultural cross-fertilisation which both parties rank among the most satisfying musical experiences in their diverse careers. David Harrington, who founded the Kronos Quartet in 1973, enthuses that the album is “one of the most beautiful Kronos has done in forty years.” On first hearing their griot grooves being played by two violins, viola and cello, Trio da Kali’s Lassana Diabate announced, “This is going to be the best collaboration of my life.” Da Kali means ‘to give a pledge’ – in this case to a musical heritage that dates back to the time of Sunjata Keita, founder of the great Mali empire in the early 13th century. The line-up of balafon (xylophone) bass ngoni (lute) and female singer is also based on ancient tradition, although the trio format and its repertoire is now an endangered species in contemporary Malian music.

All three Da Kali members come from hereditary musical families, and were brought together as a griot super group by Dr Lucy Duran. Balafon player and musical director Lassana Diabaté was a long-time member of Toumani Diabate’s Symmetric Orchestra and has recorded with Salif Keita, Taj Mahal and many others. A musician of great subtlety and invention he has honed a virtuoso two-balafon technique to perfection. Bass ngoni player Mamadou Kouyaté is the eldest son of the instrument’s greatest exponent, Bassekou Kouyaté and he holds down the groove in his father’s band ‘Ngoni ba’. He is also involved in the thriving Bamako hip-hop scene. Singer Hawa ‘Kassé Mady’ Diabate is the daughter of Mali’s greatest traditional singer, Kassé Mady Diabate, and the power, range and phrasing of her voice led David Harrington to compare her to the late queen of American gospel, Mahalia Jackson.

The Kronos Quartet – David Harrington and John Sherba on violins, Hank Dutt on viola, and cellist Sunny Yang - have built an enviable reputation as the world’s most adventurous string quartet. Known for their commitment to continually re-imagining the string quartet experience Kronos have released over 50 records of extraordinary breadth and creativity and they are no strangers to collaborations with some of the world’s foremost composers and artists. Combining the spirit of fearless exploration with expert craftsmanship and skill, Trio Da Kali’s original repertoire has been taken on a fascinating journey, giving a new voice to timeless sounds.




  1. Tita
  2. Kanimba
  3. Eh Ya Ye
  4. Garaba Mama
  5. God Shall Wipe All Tears Away
  6. Samuel
  7. Lila Bambo
  8. Kene Bo
  9. Ladilikan
  10. Sunjata







Oumou Sangaré est née le 2 Février 1968 à Bamako, capitale du Mali. Elle est la fille cadette d'une famille Peul originaire de la région forestière du Wassoulou. Enfant, elle a très peu connu son père, Dari Sangaré, qui a quitté le foyer familial quand elle avait deux ans. Abandonnée, sa mère Aminata Diakité se fait commerçante pour faire vivre ses quatre enfants. Oumou lui vient en aide en vendant des petits sachets d'eau potable dans les rues de Bamako. Elle a cinq ans quand son don pour le chant en fait une véritable attraction dans son quartier, elle s'attire la gloire lors d'un concours interscolaire où elle fait gagner son école maternelle du quartier Daoudabougou.

À 18 ans, Oumou a déjà une longue carrière professionnelle derrière elle. Chanteuse très sollicitée pour les «soumous » (cérémonies nuptiales et baptismales), elle est passée par l'Ensemble National du Mali, a tourné en Europe avec le groupe Djoliba et s'apprête à enregistrer à Abidjan sa première cassette produite par Abdoulaye Samassa. La cassette intitulée Moussolou (les femmes) se vend à plus de 250 000 exemplaires, record inégalé à ce jour en Afrique de l'Oues

Mogoya, su primer álbum desde 2009, marca su gran retorno a la canción. Oumou habla de lo que ella conoce mejor, a saber, las relaciones humanas (Mogoya puede traducirse como "las relaciones humanas de hoy"). Oumou explica los problemas específicos que enfrentan diariamente las mujeres africanas, sus relaciones a menudo difíciles con el mundo de los hombres. "Cuando empecé mi carrera sólo tenía una idea en mente: vengar a mi madre" nos dice la que hoy en Minata Waraba (Aminata la leona) hace un homenaje chocante a esta madre habiendo mostrado ante las pruebas un valor ejemplar cuya hija siempre se ha inspirado. Después de haber sufrido heridas infantiles entre los más crueles - el abandono del padre, la miseria extrema - Oumou debe hoy protegerse de los males que la notoriedad le atrae: los celos, la calumnia, la ingratitud, la traición. Mogoya expresa el paso de la música, especialmente en canciones como Bena Bena y Kounkoun, donde invita a no hundirse en el resentimiento. En Yere Faga, aborda con una franqueza impresionante uno de los flagelos de la sociedad maliense moderna, el suicidio.



1. Bena Bena
2. Yere Faga feat. Tony Allen
3. Fadjamou
4. Mali Niale
5. Kamelemba
6. Djoukourou
7. Kounkoun
8. Minata Waraba
9. Mogoya





Cuando tocan en vivo, los Meridian Brothers son de cinco piezas. Pero en el estudio, sólo un hombre crea su sonido distintivo. Con sede en Bogotá, Colombia, Eblis Álvarez es un compositor, multi-instrumentista y cantante con una toma muy personal en la escena musical latina. Describe este conjunto sencillo y peculiar como "una especie de viaje desde Argentina hasta México", y utiliza los variados ritmos de América Latina como punto de partida.

Hay de todo aquí desde la cumbia hasta el reggaetón y los huaynos andinos, en una fusión siempre cambiante en la que la insistente percusión se compara con la electrónica, las guitarras y la improbable adición de cuerdas, con el uso prominente del violonchelo. Su trabajo vocal puede no ser nada extraordinario, pero desde la fugaz canción de apertura de la Cumbia, Eres La Cumbia, este es un álbum que tiene éxito porque es melodioso, inteligente y divertido.

https://www.theguardian.com/music/2017/sep/07/meridian-brothers-donde-estas-maria-review-tuneful-journey-from-argentina-to-mexico

https://soundwayrecords.officialstore.co.uk/Shop/DownloadDetails?rid=SWR_RE_127

https://meridianbrothers.bandcamp.com/album/d-nde-est-s-mar-a


1 ¿Dónde Estás María?
2 Canto Me Levantó
3 Yo Soy Tu Padre, Yo Te Fabriqué
4 Entra El Ritmo Antillano
5 Háblame Amigo, Citadino
6 Cumbia, Eres La Cumbia
7 Como Estoy En Los Sesenta
8 Estaré Alegre, No Estaré Triste
9 Él No Está Muerto
10 No Me Traiciones




Sufi trance musicians and rituals – from the depths of the Tunisian desert – in conversation with post-industrial sonics.

‘No theatre or stage or audience. The rûwâhîne have possessed and contorted the bodies of the Banga. Teenagers leap to the floor, their legs arched and tense, glaring transfixed [while] girls dance wildly, … accelerating the rhythm of the hand percussion’



‘This is, then, most certainly not a “world music” project (still less an ethnomusicological one), but a wild process of improvisation and re-composition that brings traditional instruments face to face with computers and electric guitars… [My work] is driven towards elevation, sweat, blood, poetry and tears – not to some pretty colour postcard’ — François R. Cambuzat / Ifriqiyya Electrique





1. Laa la illa Allah 02:49 
2. Qaadrii - Salaam Alaik - Massarh 07:32 
3. Mawwel 01:09 
4. Zuru el Haadi - El Maduulaa - Maaluuma 06:34 
5. Stombali - Baba ‘Alaia 03:39 
6. Annabi Mohammad - Laa la illa Allah - Deg el bendir 09:15 
7. Lavo - Baba Marzug - Sidi Saad - Allah 04:46 
8. Arrah arrah abbaina - Bahari - Tenouiba 05:42 
9. Sidriiya 02:05


Ariwo es un cuarteto cubano / iraní, centrado en la intersección inexplorada entre música folclórica electrónica y afrocubana. La banda combina la energía cruda de la rumba cubana con la profunda melancolía de la música electrónica iraníLa palabra Ariwo significa "ruido" en Yoruba. El nombre fue seleccionado para subrayar el énfasis de la banda en el sonido y su deseo de combinar los ritmos tradicionales en una actuación electrónica en vivo que desafía las percepciones de la música ancestral y conecta diversas culturas de todo el mundo.La banda está compuesta por el compositor electrónico iraní Pouya Ehsaei y tres de los músicos cubanos más influyentes de Londres: Oreste Noda, Yelfris Valdés y Maestro y Hammadi Valdés / Irakere]. Pouya procesa sus instrumentos vivos mientras crea paisajes sonoros y ritmos hipnóticos que influyen en la música folclórica de Cuba y su ciudad natal de Teherán.



1. To Earth 13:50
2. Caldera 09:20
3. Alafin 10:21
4. Gahambar 11:27




Drum legend Tony Allen has seen a childhood dream come true. He even says that when he made The Source (his debut album for Blue Note Records), it was the best recording in his whole life. Coming from Allen, that’s not a casual statement: he is 76 years old and his career goes back 50 years, not to mention recordings by the hundred. The saxophonist Yann Jankielewicz, who has been playing alongside him for nearly a decade, observes: “Tony has never played drums as well as this. He's never had as much freedom, never had as much power as he does today.”

The Source is the Nigerian-born Paris-based drummer's first full-length album for Blue Note, following the tantalizing 4-track EP release A Tribute to Art Blakey and the Jazz Messengers. Blue Note is one of the most prestigious names in jazz and a label that has opened its sphere of creativity considerably wider since its renaissance in the 1980s. The Source manages to represent the label's classic era at the same time as it symbolizes Blue Note's innovative present. The jazz here navigates its way back to the source in Africa, creating a sound that is totally captivating.

The best albums always tell a story. This one takes us back to the source of Allen's art as a musician, in other words, to Nigeria in the latter half of the 20th century. Tony Oladipo Allen, who was born in Lagos in 1940, never played a traditional instrument: right from the beginning, his interest was for a distant relative of the ancestral percussion family, namely, the drum kit. He taught himself, serving his apprenticeship while working as a technician for Nigerian national radio, all the time listening to records by American masters such as Art Blakey, Max Roach and Kenny Clarke, the eminent drummers of the bebop and hard bop eras.

His life changed totally in 1964 when he made the acquaintance of Fela Kuti, whom he would accompany for the next 15 years, first with Fela's Koola Lobitos, an emblematic highlife band that was a model for all modern African music groups, and then when Fela led Africa 70, for which he developed a new music language: Afrobeat, which combined Yoruba rhythms and funk instruments with themes of revolution. Alongside Fela, Tony recorded some 20 albums and put his rhythm-signature to each of them. From then on, Afrobeat would propel a career that saw him pursue his own projects while collaborating with everyone from Oumou Sangare to Damon Albarn (in The Good, The Bad & The Queen).

In early 2017, Tony began preparing The Source, the next step in the musical and spiritual voyage that he has undertaken from Africa to America and beyond. To share writing tasks and take care of the arrangements, he called on Jankielewicz, with whom he has worked since 2009 and the album Secret Agent. They began by getting together to listen to and exchange their favorite records: Lester Bowie, Charles Mingus, Art Blakey, Gil Evans… albums that served as a compass to guide them on their way, as if they were navigators of old scrutinizing a constellation.

“Tony belongs to those musician-architects who know how to build on a drum pattern with rare precision,” says Jankielewicz. “He can hear every instrument before it makes a sound.” This particular architect's worksite was the Midilive studio (Vogue's former recording facility), whose walls in the suburbs of Paris contain equipment that is purely analog. It’s a rare studio, and it’s worth underlining that the recording went onto tape and, from the sound-take to the mixing and cutting, not a single digital byte was consumed in the process. That goes some way towards explaining the exceptional texture of the sound you hear in the album.

Surrounding Tony are some of the best musicians on a Paris scene that is difficult to call “jazz” due to its highly changeable nature: Jankielewicz alongside saxophonists Rémi Sciuto and Jean-Jacques Elangue, trumpeter Nicolas Giraud, trombonist Daniel Zimmermann, bassist Mathias Allamane, pianist Jean-Philippe Dary, and keyboardist Vincent Taurelle, who produced the album with Bertrand Fresel… a French cast to begin with, but with the addition of guitarist Indy Dibongue from Cameroon who, like Tony, contributes an indispensable African pigment to this palette. 11 excellent players in total would finally deliver The Source, along with one notable guest: Damon Albarn, who adds an ethereal piano part to “Cool Cats.”

The album sparkles in the variety of its timbres and the diversity of its colors. Each of the 11 instrumental tracks—all new originals co-written by Allen and Jankielewicz—bring forward a particular instrument: Giraud's trumpet on “Bad Roads”; the bass of Allamane on “Crusin’”; Dary's piano inside “On Fire,” and Sciuto's bari sax on “Woro Dance.” With “Cool Cats,” it's the turn of Elangue and his tenor, while Zimmerman's trombone is featured on “Wolf Eats Wolf.” And throughout, Tony’s indelible signature, a unique way of hitting skins or a cymbal, its main characteristics a caressing, almost ethereal energy, and a formidable efficiency.

The music on The Source creates its own milieu. It shines like the African sun on “Push & Pull,” becomes contemplative with “Tony’s Blues,” then hypnotic in “Life Is Beautiful,” then dresses in the urban colors of dusk on “Ewajo.” Where is the jazz, where is the Afrobeat, in this insistent swirl of the music? Nobody knows. But nor should we ask the ocean's calm or restless waters to differentiate between currents from the river Niger and those from the Mississippi.





01. Moody Boy 
02. Bad Roads 
03. Cruising 
04. On Fire 
05. Woro Dance
06. Tony’s Blues 
07. Wolf Eats Wolf 
08. Cool Cats 
09. Push And Pull 
10. Ewajo 
11. Life Is Beautiful

Siguiendo la guía para principiantes de African Funk del 2010, la guía para principiantes de African Blues es una introducción esencial a las escenas de African Blues y Desert Blues que han dominado la música mundial en los últimos años. Con las leyendas Afro-Blues como Ali Farka Toure y Boubacar Traore, la nueva escuela de afro-superestrellas como Toumani Diabate y Rokia Traoré y afro-fusionistas globales como Justin Adams y Juldeh Camara y Dub Colossus, Beginner's Guide to African Blues Cuenta la historia del blues africano en el siglo XXI.

Este no es el lugar para debatir el origen africano del blues. Todo lo que necesitamos notar es que la música africana moderna está viva con su sonido; Podemos dejar los detalles precisos de su viaje por las rutas comerciales del Atlántico a los etno-musicólogos.

El compilador Phil Meadley ha hecho un buen trabajo al representar la propagación del blues africano de Etiopía a Malí, a través de puestos avanzados como Madagascar y Mauricio. Al hacerlo, extiende la definición del blues africano para incluir los duetos clásicos de la kora clásica de Ballake Sissoko y Toumani Diabate, el afro-brazillian soind de Bonga (cuyo "Mona Ki Ngi Xica" suena como un primo angoleño de la melodía temática de Buena Vista 'Chan Chan') el canto de la antorcha de jazz de Sia Tolno de Guinea y el funk de Etiopía de Tlahoun Gessesse. Todo esto demuestra un desprecio por el pigeonholing y una admirable comprensión de cómo los diferentes estilos pueden fertilizarse mutuamente e informarse mutuamente. A lo largo del camino, hay algunas opciones maravillosas del  cantante de Mali Rokia Traore, de los reyes de la fusión Dub Colossus y de la banda de la guitarra de Touareg Terakaft entre las 36 pistas.
Hay dos críticas, sin embargo - uno que estaba más allá del control de la etiqueta y el compilador y el otro que no era. No hay nada de los gigantes más conocidos del género, como Ali Farka Toure (aunque invitados en un par de canciones de otros artistas), Tinariwen y Amadou & Mariam. Eso está abajo a las ediciones de la licencia y no podría ser ayudado.
El primer CD agrupa a Senegal y Malí juntos, pero no incluye a Gambia, a pesar de sus raíces comunes de mande. En cambio, Gambia se ve envuelta en un inexplicable conglomerado llamado "África Occidental, África Central y las Naciones Insulares". La música de Eithopian y los Touaregs se unen en un tercer disco. Podrían haber sido mejor aconsejados simplemente para secuenciar las pistas con nada más en mente que complacer a la oreja, como un DJ, en lugar de agruparlos en categorías falsas.


CD 1 (SENEGALESE & MALIAN BLUES):
01. Berebere - Ali Farka Touré
02. Kora - Cherif Mbaw
03. Fatma - Habib Koité
04. Souba - Rokia Traoré
05. Mande Djeliou - Djelimady Tounkara
06. Mouso Teke Soma Ye - Boubacar Traoré
07. Baro - Tama
08. Sinners - Skip McDonald
09. Boor Yi - El Hadj N' Diaye
10. Barani Saba - Mah Damba Djelimousso
11. Kanou - Ballaké Sissoko
12. Diarabi - Ali Farka Touré

CD2 (NORTH AFRICAN, ETHIOPIAN & TOUAREG BLUES):
01. Bemen Sebeb Letlash - Mahmoud Ahmed
02. Tenesh Kelbe Lay - Muluqen Mellesse
03. Gubelye - Mulatu Astatke
04. Sele Genna - Alèmu Aga
05. Sema - Tlahoun Gèssèssè
06. Teredchewalehu - Alemayehu Eshete
07. Shegye Shegitu - Dub Colossus
08. Nnew - Malouma
09. Hakmet Lakdar - Hasna el Becharia
10. Tenere Wer Tat Zinchegh - Terakaft
11. Aicha - Tamikrest
12. Tassile - Touareg de Fewet

CD3 (WEST AFRICA, CENTRAL AFRICA & THE ISLAND NATIONS):
01. Fulani Coochie Man - Juldeh Camara
02. Gouma - Isnebo Kawtal
03. Ye Ye Ye - Geoffrey Oryema
04. Zoma - Charles Kely
05. Melodi La Mer - Menwar
06. Very Ny Bado - D'Gary
07. Manssani - Ba Cissoko
08. Izimi - Pierre Akendengué
09. Ineti - Granmoun Lélé
10. Annil - Mounira
11. Mona Ki Ngi Xica - Bonga
12. La Penqui Choevuh - Sia Tolno


Con "Le Cinquième Fruit", su noveno álbum, Hadouk continúa inventando música que mezcla Oriente y Occidente, música tradicional e improvisación de jazz, una invitación a viajar.
 El Hadouk nació en 1996 de la reunión de Didier Malherbe, un jugador de una multitud de instrumentos de viento (doudouk, tipo de oboe caucásico, saxofón a través de la flauta y hulusi, pequeño instrumento de viento chino) , Y Loy Ehrlich. Este amante de la música africana occidental y gnawa juega gumbass, un instrumento inventado, híbrido de bajo y gembri, y otros instrumentos tradicionales de cuerda.
A los 74 años de edad, Didier Malherbe, decano de la banda, pertenece a Don Cherry, Barney Wilen y otros a esta generación de músicos de jazz que fueron a descubrir África, el Este y la India en los años sesenta. Antes de convertirse en miembro en la década de 1970 de Gong, una banda de rock progresivo influenciado por la música del mundo.
 Después de publicar un primer dúo, sus dos miembros originales pasan rápidamente al trío con la llegada del percusionista estadounidense Steve Shehan. En 2013, el grupo reclutó al guitarrista Eric Lörher y al baterista-percusionista Jean-Luc Di Fraya, y se convirtió en un cuarteto. A pesar de estos cambios de personal, el Cuarteto Hadouk nunca se desvió de su filosofía musical: hacer que el oyente viaje con composiciones que se alimentan de música del Este, India, China, el Magreb y el mundo celta, Vinculándolos con la improvisación del jazz.
 En su nuevo disco, "Le Cinquième Fruit", la música se orienta más hacia el jazz-fusión y más sonidos eléctricos. Una evolución debido al guitarrista Eric Löhrer que ocupa más espacio.
 Gracias a su ingeniosa mezcla de especias musicales, los Hadouk lograron forjar un público y seducir a la crítica, en particular ganando una victoria del jazz en 2008.


1 - Le Matin du faune 
2 - Tidzi 
3 - Dame de coeur 
4 - Le jardin d'Hadouk 
5 - So Gong 
6 - Tchoun 
7 - Les fées d’Iris 
8 - Lila et Lampion 
9 - Valse au pays de Tendre  
10 - Le cinquième fruit



Deeply impressed by the music of Congolese collective Kasai Allstars, French-Senegalese director Alain Gomis drew inspiration from their music, and from the voice and character of their singer Muambuyi to write and direct his new fiction movie, entitled Félicité. The film’s eponymous protagonist is a proud, free-willed woman who sets out on a breakneck race through the streets of electric Kinshasa to save her son. Her profession: singer with Kasai Allstars!

The band wrote and performed most of the soundtrack, and appears onscreen playing their own part. Muambuyi’s voice is omnipresent, and is being heard every time Félicité (played by Congolese actress Vero Tshanda) sings in the bars of Kinshasa, backed by Kasai Allstars.

The film was presented in competition at the Berlin International Film Festival 2017, where it obtained the Silver Bear Grand Jury Prize. Theatrical release in France & Belgium will take place in late March/early April, other countries will follow.

The Around Félicité album includes the film’s main pieces, performed by Kasai Allstars and by the Kinshasa Symphonic Orchestra (who specially arranged three works by Estonian composer Arvo Pärt), alongside new tracks by Kasai Allstars, as well as interludes consisting of fragments of dialogues and sound bites taken from the soundtrack.

http://www.crammed.be/index.php?id=34&art_id=73&bio=full





Side 1
1. Kasai Allstars - "Tshalemba" (5:00)
2. Kasai Allstars - "In Praise Of Homeboys" (3:49)
3. Kasai Allstars - "Kapinga Yamba" (5:01)
4. Orchestre Symphonique Kimbanguiste - "Sieben Magnificat-Antiphonen: O Immanuel" (5:28)
5. Kasai Allstars - "Lobelela" (5:40)
Side 2
1. Kasai Allstars - "Tshitua Fuila Mbuloba" (5:12)
2. Kasai Allstars - "Bilonda" (6:59)
3. Orchestre Symphonique Kimbanguiste - "My Heart's In Highlands" (6:43)
4. Kasai Allstars - "Quick As White" (7:03)
Side 3
1. Kasai Allstars - "Mabela" (12:50)
2. Orchestre Symphonique Kimbanguiste - "Fratres" (10:38)
Side 4
1. Kasai Allstars - "Quick As White" (Clap! Clap! remix) (3:41)
2. Kasai Allstars - "In Praise Of Homeboys" (Africaine 808 remix) (5:41)
3. Kasai Allstars - "Drowning Goat" (Daedelus remix) (3:48)
4. Kasai Allstars - "Salute To Kalombo" (Ekiti Sound System remix) (3:42)
5. Kasai Allstars - "Felicite Three" (RAMZi remix) (3:39)






Véritable chanteuse halogène, Eloïse Decazes hante depuis quelques années les ruines de la chanson française, notamment au sein du groupe Arlt. On l’a par ailleurs entendue miniaturiser les Folksongs de Luciano Berio en compagnie de Delphine Dora ou improviser sur cassette des hymnes au Titanic avec Le Ton Mité. Son timbre mystérieux, dont on peine à démêler le chaud du froid, son articulation faussement sereine, et cette façon de perturber les durées en chantant l’ombre des notes plutôt que les notes sont immédiatement reconnaissables.

Quant à Eric Chenaux, guitariste virtuose, il est connu pour avoir cessé un beau jour de prendre son outil au sérieux, préférant y voir un instrument bâtard et s’étonner lui-même d’en sortir tout à la fois des sons d’orgue ou de viole de gambe, de canne à pêche électrique ou de fusil tombé dans l’eau. Le pire, c’est que c’est très beau. À part ça, c’est un théoricien retors et il chante admirablement. Pour preuves, ses albums parus sur le label Constellation, dont le syncrétisme minimal, le groove et la spéculation considérée comme un érotisme, évoquent une espèce d’Arthur Russell piqué de Marvin Gaye. C’est aussi un improvisateur de premier plan, qui défonce tous les clichés du genre, à force d’humour et de paradoxes.

L’amour de ces deux grands irréguliers pour la chanson ancienne les rassembla sur un même disque, enregistré en deux après-midi à Toronto et paru sur le label belge Okraïna. On y entendait principalement de longues complaintes glanées du Moyen Âge au 19ème siècle, pleines de meurtres et de métamorphoses, étirées d’une voix pâle et hérissées de contrepoints guitaristiques et de mélodica patraque, de dissonances et de drones égorgés à l’archet. On parla pour se rassurer de Nico et John Cale, ou d’Areski-Fontaine, mais en vérité ce drôle d’objet ne ressemblait pas à grand-chose de connu. Cette rencontre de l’inouï et du familier, du très ancien et du très moderne, du très savant et du pas savant du tout frappa quelques têtes et le disque fut rapidement épuisé, devenant l’objet d’un petit culte assez fervent chez les amateurs de beautés pas franchement normées.

La bride, qui sort aujourd’hui à l’enseigne lausannoise three:four records (Norberto Lobo, Danny Oxenberg & Bear Galvin, Mike Wexler, etc.) est leur deuxième album et il est peut-être encore plus étonnant.

Qu’est-ce qu’on y trouve ? Dix nouvelles chansons d’autrefois repensées à deux et de fond en comble, arrangées avec autant de folie que de science. On meurt toujours beaucoup dans ces chansons sans refrain, qui sont des rouleaux et des ruisseaux. On ne sait y aimer que furieusement et on s’y perd à peu près partout. On en raconte des vertes et des pas mûres dans une langue aux tournures insensées. Les animaux ont la parole et la forêt flanque la frousse, les enfants font l’amour, et les pères meurent au fil de l’épée du fiston, c’est bien fait. Mais Eloïse Decazes, plus danseuse qu’actrice, plus plasticienne que conteuse, plus musicienne que quoi que ce soit, n’en rajoute pas dans le littéral, ne théâtralise jamais ses récits, préférant souffler les mélodies comme du verre ou en gratter le calcaire et la craie, cherchant l’air dans le déroulé touffu des couplets. Sa voix d’aube et ses agencements curieux ainsi que les multiples parti-pris sonores de Chenaux sont autant de fusées éclairantes qui dans la noirceur des thèmes font un ballet d’ombres et de lumières très lent et très beau. Il faut entendre ces arpèges fermement désaxés sur le nylon que le vibrato et les motifs entrelacés de guitare électrique viennent troubler voire liquéfier par vagues. Il faut entendre les bourdons et les lucioles. C’est rempli de surprises et d’émotions contrastées. Autre chose qui nous sidère, c’est combien ce drôle d’album fait parfois tourner la tête, à force de majesté vocale et de faux violons rampants, de suicides harmoniques ou de soli égarants, combien il subvertit ses formes, mais sans tapage, avec bienveillance et dans le plus grand calme.

La bride n’est pas un disque de folk, précisons-le, ni même d’ailleurs de musique dite traditionnelle. C’est un disque de musique nouvelle rêvé et pensé à partir de très vieilles mélodies, ce dont attestent la production toute en stéréo mouvante, le psychédélisme doux, un dialogue souriant avec une certaine modernité intrépide (Monk, Cage, Derek Bailey ou les disques « Obscure » de Brian Eno en ligne de mire), l’amour des questions et la quête inlassable d’un présent sans cesse recommencé.

A true chanteuse halogène, Eloïse Decazes has been haunting the ruins of French chanson for a few years now, notably with the group Arlt. Elsewhere she can be heard miniaturizing Luciano Berio’s Folksongs in the company of Delphine Dora, or improvising hymns to the Titanic on cassette with Le Ton Mité. Her mysterious timbre is immediately recognizable, as warm as it is cold, her deceptively serene articulation, and her way of warping durations by singing the shadows of notes in lieu of the notes themselves.
Eric Chenaux - a virtuoso guitarist - is known for having decided one day to cease taking his chosen instrument seriously, preferring to treat it as a bastard utensil by making it sound at the same time like an organ, a viola da gamba, an electric fishing rod and a handgun fired underwater. The worst part is that the result is quite beautiful.
Apart from this, he's a mad theorist and an admirable singer. For evidence, see his albums released on the Constellation label, which - with their minimal syncretism, their groove and their speculation considered as eroticism - evoke a sort of Arthur Russell cross stitched with Marvin Gaye. He is also an improvisor of the first order, destroyer of all clichés associated with the genre by dint of humor and paradox.
The shared enthusiasm of these two great anomalies for the chanson ancienne brought them together on the same album, recorded over the course of two afternoons in Toronto and issued by the Belgian label Okraïna (2012). One predominantly hears long laments gleaned from the Middle Ages through to the 19th century, rife with murders and metamorphoses, strung out with a pale voice and bristling with guitar counterpoint and dodgy melodica, drones and dissonances slaughtered with a bow. One seeks to reassure oneself by way of comparison to Nico and John Cale, or to Areski-Fontaine, but in truth this curious object does not resemble anything known.
Their inaugural meeting of the unheard-of and the familiar, the antique and the ultra-modern, the learned and the not-learned-at-all impacted quite a few heads and the album quickly sold out, becoming the object of a little fervent cult among the lovers of not patently standardized beauties.

La bride [The Bridle], which is here released by the Lausanne-based three:four label (Norberto Lobo, Danny Oxenberg & Bear Galvin, Mike Wexler, etc.), is their second album and it is perhaps even more surprising.

What do we find here? Ten new songs from old times, reimagined from top to bottom, arranged with equal parts madness and precision. One dies always and often in the rolling waves and riptides of these songs without refrain. You can only love furiously and you lose yourself almost everywhere. One hears vicious tales sung in a language characterized by insane turns of phrase. Animals have the word and the forest frightens to death, children make love, and if fathers die by the swords of their sons, it is well deserved. But Eloïse Decazes, more dancer than actress, more visual artist than storyteller, more musician than anything else, does not embellish the literal, never dramatizes her narratives, preferring to blow her melodies like glass or scrub and distill them to limestone and chalk, seeking air in the wooly outlines of verses. Her voice like dawn and her curious formations accompanied by the multiple sonic stances of Chenaux are like myriad flares that inscribe a ballet of shadows and lights in the dark material of the themes, very slow and very beautiful. One hears these firmly unstable arpeggios played on nylon strings that interwoven patterns of electric guitar come to disturb or even liquefy like waves. It is comprised of surprises and conflicting emotions. Furthermore, we are stunned by the way this curious album sometimes induces vertigo, with its vocal majesty and fake crawling violins, its harmonic suicides and misleading solos; how handily it subverts its forms, but without fuss, with kindness and in the utmost calm.

Let us be clear: La bride is not folk music, nor even so-called traditional music. It is an album of new music dreamt and conceived from very old melodies, an observation testified to by its production - all in shifting stereo - its soft psychedelia, a dialogue with a certain intrepid modernity (Monk, Cage, Derek Bailey and the "Obscure" records of Brian Eno are all visible from here), the love of inquiry and peregrinations for a present that is ceaselessly renewed.

credits

released April 14, 2017

Eloïse Decazes – voix, Eric Chenaux – guitare électrique, guitare nylon, voix
Chansons traditionnelles / arrangements – Eloïse Decazes et Eric Chenaux
Enregistré et mixé par Cyril Harrison au Pouget et à Paris, entre juillet 2015 et avril 2016
Masterisé par Harris Newman au Greymarket, Montréal QC
Artwork – Brest Brest Brest
Merci à Mariette Cousty, Sing Sing, Gaëtan Seguin, Maxime Guitton


https://wearethreefour.bandcamp.com/album/la-bride



1. Le deuil d’amour 05:06
2. Dedans la ville de plaisantement 05:39
3. La belle endormie 05:39
4. Au jardin des amours 04:37
5. Bella Louison 03:46
6. Le flambeau d’amour 03:34
7. L’amante du dauphin 03:15
8. La mie qui meurt 05:58
9. Quand je menais mes chevaux boire 04:51
10. Quand j’tiens la bride de mon cheval 04:23




Songhoy Blues has always been about resistance. We started this group during a civil war, in the face of a music ban, to create something positive out of adversity. As long as we have music left in us and something to say, we'll keep fighting each day with music as our weapon, our songs as our resistance.

Songhoy Blues are:
Aliou Toure - Vocals / Guitar
Garba Toure - Guitar / Vocals
Oumar Toure - Bass / Vocals
Nathanael Dembele - Drums / Vocals

http://www.rollingstone.com/music/lists/50-best-albums-of-2017-so-far-w487435/songhoy-blues-rsistance-w487540
https://songhoyblues.bandcamp.com/releases






1. Voter 03:19
2. Bamako 03:40
3. Sahara (feat. Iggy Pop) 03:03
4. Yersi Yadda 03:50
5. Hometown 05:00
6. Badji 04:01
7. Dabari 03:07
8. Ici Bas 03:47
9. Ir Ma Sobay 03:16
10. Mali Nord 03:59
11. Alhakou 03:55
12. One Colour 04:02 





Violinist and vocalist, Sudan Archives writes, plays, and produces her own music. Drawing inspiration from Sudanese fiddlers, she is self-taught on the violin, and her unique songs also fold in elements of R&B, and experimental electronic music.

Sudan Archives grew up in Cincinnati, Ohio, where she "messed around with instruments in the house" and took up violin in the fourth grade, eventually teaching herself how to play the instrument by ear. When she discovered the violin playing style of Northeast Africa, her eyes opened to the possibilities of the instrument. "The way they played it was different from classical music. I resonated with the style, and I was like, 'Maybe I can use this style with electronic music,'" she says.

This fusing of folk music and electronic production was the turning point for Sudan. "I started mixing my violin into beats,” she says, “It wasn't complicated — I'd just sing straight into the iPad." She honed her at-home style after moving to Los Angeles aged 19 to study music technology, and after a chance encounter at a Low End Theory party with Stones Throw A&R and Leaving Records owner Matthewdavid, she signed with Stones Throw. At the very start of her musical career, she's already won plaudits from the likes of the New York Times and Pitchfork, and played live at experimental festival Moogfest.

Her EP Sudan Archives is an extraordinary debut statement from a singular artist. Over six tracks, Sudan Archives layers harmonies, violin figures and ethereal vocals, grounding them all with the hip-hop beats

http://www.stonesthrow.com/store/album/sudanarchives/sudan-archives




1. Paid
2. Come Meh Way
3. Time
4. Oatmeal
5. Goldencity
6. Wake Up




African-Nordic jazz alchemists Monoswezi explore new sonic worlds in their third Riverboat Records album. A Je features the compositions of bandleader Hallvard Godal with a fresh hosting of new musical collaborators. Expanding their sound even further afield, Monoswezi’s minimalist global groove is chic as ever and well ahead of the curve. Inspired to introduce chord textures to Monoswezi’s vernacular, the band flexes their line-up to include Indian harmonium, Malian ngoni and African-American banjo.

African music remains central to Monoswezi’s inspiration. Their compositional approach draws on Hope Masike’s Zimbabwean and Calu Tsemane’s Mozambican musical heritage alongside the rest of the band’s Nordic jazz tilt. In conversation Hallvard remarks on his earliest encounters with the music of Mozambique: ‘the music felt like a wheel, spinning, without beginning or end’. Opening track ‘Loko U Muka’ really catches this sentiment with rippling cyclical mbira and banjo lines atop interlocking bass line and Calu’s vocal.

The West African musical powerhouse that is Mali makes it’s way in via Sidiki Camara. Monoswezi first played with the Sidiki at the London Jazz Festival in 2013. On this album he contributes calabash percussion and plays an 8-string lute called an ngoni on tracks ‘Dzimani’ and ‘Esta Bem’.

All of the tracks here feature Norwegian jazz improviser Kim Johannesen’s banjo and were written with the instrument’s idiosyncratic sound and flailing playing style in mind. The banjo’s crystalline cut and dry sound alongside the ngoni’s more dampened deep plucked punctuations contrast well. Though different the two instruments are historically linked: the ngoni, alongside other West African lutes, was transported to America and the Caribbean during the dreaded slave trade, manifesting in Creole culture and influencing the emergence of the modern five-string banjo.

Parallel to their African explorations, Monoswezi draw on Pakistani qawaali tradition on this album. Hallvard’s interest in the music of Nusrat Fateh Ali Khan manifests in his use of Indian harmonium which reverberates smoothly amid the texture.

Monoswezi’s strength lies in their endless curiosity for new sounds. Salve to the ears of those tired of cosmetic “world fusion” bands, Monoswezi plunge across international waters to meld a meeting of music’s that is well thought, well executed and an audio pleasure to be devoured.


http://www.worldmusic.net/store/item/TUG1103/



1 Loko U Muka (5:03) 
2 A Djaha (5:52) 
3 A Je (4:31) 
4 Dzimani (6:18)
5 Nyuchi (3:43) 
6 Sola Mani (4:55) 
7 Esta Bem (4:49) 
8 Silobela (1:36) 
9 C'est Comme Ca (6:04)



Subido por Marhali.

Durante casi 40 años, Ecos de Borinquen ha capturado el alma de la música jíbara en sus interpretaciones y grabaciones a través de un exquisito balance entre tradición e innovación. Fundado en 1980 por el trovador Miguel Santiago Díaz, el grupo ha acogido a algunos de los mejores instrumentistas de Puerto Rico como Neftalí Ortiz, Edi López y Ramón Vázquez. Los creativos arreglos de Ecos de Borinquen para el cuatro (el instrumento de cuerda más icónico de la música jíbara) junto con la maestría poética de Miguel Santiago para componer décimas, han hecho de este grupo uno de los preferidos entre las audiencias locales y han atraído reconocimiento internacional. En 2004, su disco Jíbaro Hasta el Hueso fue nominado al premio Grammy en la categoría de mejor álbum "Traditional World Music" y al premio Latin Grammy en la categoría de "Best Folk Music", haciendo de ésta una de las más exitosas grabaciones de música jíbara desde aquellas legendarias del cantante Ramito (Florencio Morales "Flor" Ramos), quien durante la década de 1950 popularizó este estilo de música tradicional puertorriqueña a lo largo de América Latina y los Estados Unidos.

En El alma de Puerto Rico (2016), su segunda grabación con Smithsonian Folkways, Ecos de Borinquen presenta una variedad de géneros tradicionales como el seis, aguinaldo y la cadena, que son considerados la esencia misma de la música jíbara.

El nombre Ecos de Borinquen procede de un programa de radio que Miguel Santiago Díaz inauguró en 1978 en la estación WViAc 740 AM, y que todavía está en el aire en la WQbs 870 AM. El programa tenía como propósito dar mayor exposición pública a la música jíbara la cual, según Miguel Santiago, tiene una presencia limitada en las ondas radiales nacionales. Dos años más tarde, Miguel incorporó el grupo Ecos de Borinquen como parte del programa para acompañar trovadores y cantantes invitados/as. Yezenia Cruz, quien canta en este álbum, fue una de las artistas jóvenes destacadas en el programa. Ahora, en la cúspide de su carrera, su voz poderosa y enérgica complementa la experimentada voz de Miguel Santiago en El alma de Puerto Rico.

Ecos de Borinquen ha incluido en el disco tres piezas instrumentales inéditas compuestas para cuatro por Héctor "Tito" Báez, acompañante de Nieves Quintero y parte de la escena musical jíbara en Nueva York durante la era de Ladí, a principios del siglo XX, cuando el Conjunto Típico Ladí y otros grupos pioneros comenzaron a incorporar música de salón derivada de modelos europeos del siglo XIX y estilos de música popular de Estados Unidos y Latino América dentro del repertorio jíbaro. Tres piezas incluidas en este álbum son testimonio de la popularidad, sofisticación y sabor criollo adquirido por este repertorio: una mazurca ("Gloria"), un foxtrot ("El Rodadero") y un pasillo colombiano ("Homenaje a Juan González").

Por su parte, el cuatrista Cheo Delgado ofrece algunos solos jazzísticos a Nieves Quintero. Nieves Quintero, quien redefinió el arte de tocar el cuatro incorporando elementos de música popular latinoamericana (son, bolero, guaracha, danzón), jazz, blues y folclore latinoamericano (joropo llanero, milonga) dentro de los estilos jíbaros, ha sido influyente para músicos jíbaros como José "Cheo" Delgado y Ramón Vázquez Lamboy (director musical del grupo), quienes han usado el conocimiento legado por estos grandes maestros para crear un sonido único para el grupo, que los ha mantenido a la vanguardia de la música jíbara. En El alma de Puerto Rico son presentados Benjamín Laboy (segundo cuatro) y la trovadora Elsie Marie Díaz, estrellas en ascenso que ahora hacen parte de la familia de Ecos. Como continuación de una venerable tradición puertorriqueña, El alma de Puerto Rico representa una grabación inmejorable para las y los fans de la música jíbara y para cualquiera que guste de la música tradicional.

01. Soñando con regresar (seis joropo estilo Ángel Luis García)
02. Nuestro amigo el flamboyán (seis a Borinquen)
03. El alma de Puerto Rico (seis tumbao)
04. Paraíso borincano (llanera estilo bairoa)
05. Homenaje a Juan González (pasillo)
06. Gloria al idioma español (seis marumba)
07. Hospitalidad (aguinaldo nuevo)
08. El Rodadero (fox criollo)
09. Un sol de esperanza (aguinaldo de promesa)
10. Comerío vibra en mí (seis guaracaná)
11. Tres generaciones (aguinaldo patrullero)
12. Cadenas
13. Fiesta en el batey (aguinaldo comerío)
14. Gloria (mazurka)
15. Plegaria (aguinaldo mayagüezano)
16. Por amor (seis gurabo)






Esta singular formación está compuesta por jóvenes de varias islas que pertenecen a una nueva generación de timplistas con amplia formación académica y profesional. Todos ellos con el bagaje de muchas horas de estudio y enormes dosis de ilusión


La Orquesta de Timples de Canarias está compuesta por los timples de Benito Cabrera, Yone Rodríguez, Francisco Yanes, Israel Espino, José Alberto Delgado, Josele del Pino, Tomás Fariña y Víctor Estático. Y presenta una propuesta de música de raíz canaria, para ofrecer un repertorio que navega entre el pop, jazz y el folk.

‘Nómadas’ es una búsqueda de sonoridades atlánticas. Un paseo por melodías que han hecho sus migraciones entre pueblos y estilos diversos. Todos ellos aunados por un instrumento que puede hablar en muchos idiomas estéticos, desde este archipiélago que también ha escrito su historia con los vaivenes errantes de sus hijos. Con este nuevo trabajo pretendemos dar cauce a parte del trabajo que, desde Timpluras, vienen realizando desde su formación, en el año 2010. La idea es seguir abundando en su objetivo de seguir haciendo música en grupo con su instrumento fetiche: el timple. Desde el disco anterior, han incorporado algunas novedades, como el timple-bajo y una contra. Timpluras es un conjunto instrumental de ocho timples, sin más acompañamiento ni aderezo que las posibilidades sonoras de éstos.
http://lavozdelapalma.com/2015/04/23/puroarte-timpluras-con-el-espectaculo-nomadas/
https://m.facebook.com/Orquesta-de-timples-de-Canarias-Timpluras-148804108644864/?__tn__=%2As




Tanganillo del Aire 2:25
I Want You Back 2:51
El Novio Pollero 1:43
Chorinho Natalino 2:20
Mack The Knife 3:10
Sing Sing Sing 3:35
El Diablo Anda Suelto 2:00
Set 2:49
Bimbaches 3:01
Agua de Beber 2:29
Polka Chang 2:00
Lola Querida 2:52



Populous es en realidad Andrea Mangia, un productor y DJ de Salento que lleva desde 2003 trabajando en la creación de sintonías de televisión, bandas sonoras, música para la web o para desfiles de moda.

Al son de la música electrónica de Populous, las ilustraciones de Emanuele Kabu revelan su personal visión de la capital de Portugal, Lisboa, nos muestra el lado más misterioso, psicodélico y seductor de la ciudad. Este viaje caleidoscópico nos conduce por las estrechas callejuelas del Barrio Alto, saltando sobre el tranvía de Alfama, navegando por el río Tajo y bajo el puente 25 de Abril, hasta llegar a los pies de la estatua de Cristo Rei.






1. Alfama 02:04 
2. Alala 03:34 
3. Azul Oro ft. Ela Minus 03:26 
4. Voz Serena 05:05 
5. Azulejos 03:28 
6. Caparica 03:36 
7. Cru ft. Nina Miranda 05:22 
8. Racatin 03:37 
9. Mi Sueno 04:33 
10. Batismo ft. Riva 03:11




Svalan es el ultimo trabajo de Maria Kalaniemi (acordeón, voz) y Eero Grundström (armonio). En el se fusionan canciones contemporáneas de la costa oeste de Finlandia.
Maria Kalaniemi a vinculado aquí el paisaje espiritual de Finlandia-Suecia con la impresionante naturaleza del norte de Karelia. Ella es una persona muy amante de la naturaleza, y pasó mucho tiempo caminando con su perro por el bosque hasta Salonkylä. Mirando el lince el oso y el águila, sintiendo el sol el viento y el frío, los lobos los pájaros y la lluvia. Y encontró la inspiración para este disco. el disco fué presentado en el Festival de Música Folk JuuriJuhla en Espoo, Finlandia.  La música fue grabada en la casa en la que vivio su infancia Maria Kalaniemi, una antigua casa de la posguerra en el distrito kilo de Espoo.

http://www.juurijuhla.fi/en/program/




Subido por Marhali.

Calypso Rose es el nombre artístico de Rose McCartha Linda Sandy Lewis, embajadora de la música caribeña, leyenda viva del calypso ("kaiso") y del soca, el género antillano nacido en el contexto del carnaval, con raíces tanto africanas como europeas que surge en el siglo XIX (que vive su apogeo hacia la década de los años 60 y 70), y cuyo origen se sitúa en las comunidades urbanas de origen africano de Trinidad y Tobago.

Nacida en la isla de Tobago, trabajadora incansable, ha escrito más de 800 canciones y grabado más de 20 discos producidos en el mundo entero. Comparada con Miriam Makeba y Cesária Évora, todas las comunidades del Caribe –anglófona, francófona o hispánica - la reciben con fervor: es la única artista femenina a quien han coronado en el famoso carnaval de Trinidad, ya en 1978, y en haberse llevado cinco veces seguidas el premio de "Calypso Queen". Calypso Rose es un icono. Su personalidad, su carisma y su alegría de vivir hacen de ella una cantante del alma. Una cantante de Soul, Gospel, de Blues y por supuesto de Calypso, una diva de la música popular.

En Far From Home (2016) nos encontramos con un desfile musical caribeño con cambios de ritmo, color y estados de ánimo, en el más puro estilo del Carnaval que, más que un ritual festivo, es el principal evento cultural de Trinidad y Tobago y personifica el alma así como la diversidad social y étnica de su población.

La producción ejecutiva la lleva Jean-Michel Gibert (quien ha manejado la carrera de la artista desde su álbum A Dirty Jim en 2005). La producción corre a cargo de Ivan Duran, y Drew Gonsalves (de la banda Kobo Town) co-escribe algunas de las canciones y compone los arreglos. Por su parte, Manu Chao co-produce y deja su huella inconfundible cantando en tres canciones ("Leave Me Alone", "Far From Home" y "Human Race") y tocando el charango. El arte gráfico del álbum con ilustraciones de Maxime Mouysset.

Un trabajo que le ha valido el premio al mejor disco (en la categoría Músicas del Mundo) en "Les Victoires de la Musique" de la Academia de Música de Francia, el WOMEX Awards de 2016 y el Songlines Music Awards de 2017.

01. Abatina
02. I Am African
03. Leave Me Alone (feat. Manu Chao)
04. Far From Home
05. Calypso Queen
06. Zoom Zoom Zoom
07. Trouble
08. Love Me or Leave Me
09. No Madame
10. Woman Smarter
11. Human Race
12. Wah Fu Dance!





“Leyenda” es, definido por la propia Ana Alcaide, “un viaje hacia un lugar atemporal e inquietante de historias atávicas, donde lo femenino se muestra con toda su fuerza, inmensa, como es la naturaleza”.

Lo femenino… El poder de una fuerza creadora y destructora, tan dócil como indómita, invisible, mágica, imprevisible, eterna y secreta, que burbujea latente en la cadena de sangre de todas y cada una de las hijas de la tierra; pura, temible, silenciosa y a menudo silenciada, tan profunda y arcana, tan salvaje y mineral como el principio de los tiempos…
http://www.musicafolk.es/escucha-leyenda-lo-nuevo-de-ana-alcaide/

 Blog de Ana... http://www.anaalcaide.com/leyenda-1/



Ana Alcaide: Voz, Nyckelharpas, Violin de Hardanger, Ambientes
Rainer Seiferth: Guitarras, Cittern, Percusiones
Bill Cooley: Laud Medieval, Psalterio, Santur, Percusiones
Bruno Duque: Whistles, Caracola, Moxeño, Clarinete, Flautas, Dulzaina, Ambientes y Coros
Ido Segal: Hansa Veena, Percusiones
Paul Castejón: Teclados, Ukelele, Duduk, Hang, Percusiones, Coros



Es un triste y trágico hecho que las personas que viven con Albinismo (una condición genética que resulta en poco o nada de pigmentación en la piel, cabello y ojos) en África Oriental son perseguidos y cazados, basados ​​en la creencia de que sus partes del cuerpo pueden transmitir poderes mágicos Y que de alguna manera son "demoníacos". Como resultado, han sido asesinados y desmembrados, constantemente viven con miedo.

En el año 2016, el productor Ian Brennan (mejor conocido por producir el álbum ganador del Grammy de Tinariwen, Tasili, así como los lanzamientos del Proyecto de la Cárcel de Zomba) se dirigió a Ukerewe, la isla interior más grande de África, que sólo puede ser alcanzada por un Overpacked cuatro horas de viaje en ferry. Es un lugar tan remoto que históricamente la gente a menudo viajaba allí para abandonar a sus hijos con albinismo y ahora sirve como un refugio para muchos con la condición.

Allí trabajó con miembros de la comunidad de Standing Voice, quienes se ofrecieron como voluntarios para talleres de composición. Brennan los animó a escribir sobre sus experiencias ya expresar lo que querían que otros entendieran acerca de su existencia. Pero incluso entre los que estaban dispuestos, el canto era difícil dentro de un grupo que rutinariamente evitaba el contacto visual, rara vez hablaba por encima de un susurro y no estaban acostumbrados a bailar.

Al llegar a la isla, Brennan se enteró de que a la comunidad local con albinismo no sólo se les había pedido que cantaran, sino que a menudo estaban prohibidas, incluso en la iglesia. Por espantoso que sea, tal vez no debería ser una sorpresa, ya que entre los padres que realmente eligen mantener a sus hijos, algunas familias a menudo obligan a ese niño a comer fuera y aparte de sus otros hermanos.

Una vez que la música empezó a fluir, no es sorprendente que los temas de soledad surgieran en el trabajo: "Yo soy un ser humano", "Chismearon cuando nací", "La vida es dura" y "¿A quién podemos dirigirnos?" Sólo algunos ejemplos. Muchas letras fueron escritas en Kikirewe y Jeeta, ambos dialectos que oficialmente fueron desalentados y censurados después de la unificación del país en 1964. Como con el Proyecto de la Prisión de Zomba de Brennan, el Colectivo de Albinismo de Tanzania ofrece una visión de la música que viene del corazón y el alma de Un grupo de personas, que hasta ahora han estado casi completamente bajo representado y "inaudito". El álbum resultante es a su vez hermoso, emocional, angustiante, fascinante y lo más importante, completamente "humano".

Aquellos con Albinismo en el África Oriental son a menudo referidos por sus opresores como "Blancos", lo que llevó a los miembros del Colectivo Albinismo a tomar el control de ese mensaje de una manera autorizada, en vez de denigratoria, de ahí el título de álbum African Power. Comentando el título, el productor Brennan declara: "Como uno de los grupos más perseguidos del planeta, cuando un miembro de la comunidad de albinismo en Tanzania -especialmente aquellos que han sido cazados, asaltados, acosados ​​diariamente, abandonados, rechazados y / o reubicados Por el gobierno para su propia protección física "

For those that are inspired, please donate to the Tanzania Albinism Collective’s partners on Ukerewe Island, where you can easily donate with one simple click. www.standingvoice.org





1 Life Is Hard 1:02
2 White African Power (We Live In Danger) 1:22
3 This World Has Gone Wrong 1:07
4 I Will Build A Home, Someday 1:41
5 Sorrows 1:03
6 You Are Mine 1:20
7 Albino Brotherhood 1:41
8 Tanzania Is Our Country, Too 1:08
9 They Gossiped When I Was Born 0:44
10 I Am A Human Being 1:01
11 Peace Has Vanished 1:26
12 Forward Motion...At Last!!! 0:25
13 Disability Is Not A Curse 1:08
14 Mistreated 1:05
15 Unity Is Our Strength 0:55
16 Stigma, Everywhere 1:34
17 Love Has Left Me 1:05
18 Never Forget The Killings 1:59
19 Albino Day 0:51
20 Stop The Murders 0:29
21 Who Should We Run To? 1:25
22 Standing Voices (Once, I Was Abandoned) 1:02
23 Happiness 5:24

Dictamen

Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que, una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tienda habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible.
En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.

La Música


La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso.
La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido.
La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
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