domingo, 11 de noviembre de 2018

Agustin Lara Canta Sus Canciones Inolvidables (1984)



Ángel Agustín María Carlos Fausto Mariano Alfonso del Sagrado Corazón de Jesús Lara y Aguirre del Pino, conocido como Agustín Lara (Tlacotalpan, Veracruz, 30 de octubre de 1900 - Ciudad de México, 6 de noviembre de 1970), fue un compositor e intérprete mexicano de canciones y boleros. Se le reconoce como uno de los más populares de su época y de su género. También conocido con los apelativos de El Músico Poeta y El Flaco de Oro, su obra fue ampliamente apreciada no solo en México, sino también en Centroamérica, Sudamérica, el Caribe y España. Luego de su muerte, se le ha reconocido también en Estados Unidos, Italia y Japón.

Sus intérpretes principales fueron y son Pedro Vargas, quien era su compadre, Toña la Negra (María Antonia Peregrino Álvarez), Pedro Infante, Juan Arvizu, Nestor Mesta Chayres, Javier Solís, Alejandro Algara, Hugo Avendaño, Plácido Domingo, Julio Iglesias, Manuel Mijares, Vicente Fernández, Pérez Prado y otros artistas más.

https://es.wikipedia.org/wiki/Agust%C3%ADn_Lara
https://www.sfng.es/Articulos/Lara/lara.html








1. Veracruz
2. Farolito
3. Santa
4. Rival
5. Piensa En Mi
6. Imposible
7. Rosa
8. Aquel Amor
9. Maria Bonita
10. Piensolo Bien
11. Palabras De Mujer
12. Noche De Ronda
13. Arrancame La Vida
14. Cada Noche En Amor
15. Amor De Mis Amores

lunes, 29 de octubre de 2018

ARA-UR - A ORILLAS DEL EBRO (2013) [España]


¡Ara-Ur, Grupo Folk de Garrapinillos (Zaragoza),formado por 4 músicos procedentes de Aragón y de otras latitudes, apuesta por una línea de interpretación moderna, basándose en todo tipo de melodías tradicionales . Sus conciertos se caracterizan por la participación total de sus miembros con un sonido en directo único, una fuerza interpretativa, y una energía contagiosa. Este cuarteto de gran proyección, son el ejemplo de la convivencia entre el nuevo renacer de los sonidos de raíz ibérica con influencias de tierras bañadas por los mares del norte y otras músicas del mundo. Su marca sonora destaca por la búsqueda de las máximas posibilidades de los instrumentos utilizados (zanfona, bouzouki, gaita, flautas, whistles, violín y percusiones del mundo), saltando de lo más púramente tradicional a lo más vanguardista, con un esplendor rítmico de otras músicas que aliñan tantos éstos como otros compases.

Además de las influencias del bagage cultural de cada músico, también se pueden
percibir las diferentes influencias de nuestra geografía española, como es la castellana,
la galaica-leonesa, astur-cántabra, aragonesa y de toda la vertiente del Pirineo.

Componentes:

Alette
Victor
Mónica
Javier




1. El Valle de Paula,

2. Retorno a la montaña,

3. Adivinanzas,

4. La Damisela de Bourgnau-Dous,

5. Puerto Canencia.

6. De Bujaraloz a Broxéliande

7. Un paseo por Bretonía

8. Espárragos silvestres

9. Taramundí e Alén

10. La mazurka de Sonny


Olivier Mellano, Brendan Perry & Bagad' Cesson - No Land (2017)






No Land est la nouvelle création du compositeur et musicien inclassable Olivier Mellano. Au croisement des musiques actuelles et de la musique nouvelle, se jouant des codes de la musique traditionnelle, il a convié pour ce projet les 30 musiciens du bagad de Cesson et la fascinante voix de Brendan Perry, du duo mythique Dead Can Dance.


domingo, 28 de octubre de 2018

VA - Wizard Women Of The North (1999)





Este álbum no es para todos.
Pero las personas a quienes les gusta viajar por el mundo y degustar sus culturas musicales como nuevas y coloridas cocinas, Wizard Women of the North es una sabrosa introducción a las tradiciones musicales nórdicas, que incluso ahora están experimentando un renacimiento global.

Este álbum de muestra ofrece a los oyentes una excelente variedad de música de cantantes de las tierras escandinavas de Noruega, Suecia y Finlandia. Las canciones son a veces ásperas y estridentes, debido a su estilo a la tradición de Kulning, una llamada de pastoreo inquietante y penetrante. Otras pistas son suaves y místicas. Todos se cantan en sus idiomas nativos, y cada letra del oyente es una imagen de noches árticas frías e interminables.

No aprenderá mucho de las escasas notas de esta muestra, que proporciona un texto encantador y lírico sobre Wizard Women of the North como un subconjunto de la cultura nórdica. Una mujer así, explica la escritora Pernille Anker, "está agobiada por el recuerdo de inviernos largos y duros, y sabe que sin ese lastre nunca podría tocar y cantar las canciones que ha heredado de sus antepasadas. Sí, viene". de una larga lista de madres, tanto habitantes ordinarios de la tierra como la misteriosa montaña y la gente de las montañas. No muchas de las mujeres en esta grabación saben cómo ordeñar una cabra, pero varias de ellas conocen a mujeres ancianas que han sido lecheras en granjas de verano. todas sus vidas. Estas mujeres cantaron mientras trabajaban y en su tiempo libre, y pasaron sus canciones tradicionales a las nuevas generaciones de músicas femeninas ".

Por supuesto, esto no nos dice mucho sobre el linaje específico de las 19 pistas que se encuentran en Wizard Women of the North, ni nos ayuda a identificar algunos de los instrumentos más extraños que se unen a los violines, silbatos, bajos verticales y guitarras y proporciona antecedentes A las voces sorprendentes destacadas aquí.

Al menos, enumera los nombres de las mujeres y las bandas representadas, así como los álbumes de los cuales se levantaron las pistas individuales. Los artistas son Pernille Anker, Kirsten Braten Berg, Aurora Borealis, Mari Eggen y Helene Hoye, Tone Hulbaekmo, Sinikka Langeland, Annbjorg Lien, Susanne Lundeng, Hege Rimestad, Susanne Rosenberg, Asne Sunniva Soreide, Tallari y Tellu.
http://www.rambles.net/va_wizardwomen.html

País: Norway
Género: Folk, World, & Country

01. Susanne Rosenberg - Vallatar Fran Gammelboning (Herding Calls From Gammelboning, Sweden)
02. Tone Hulbaekmo - Svenvende Jord (Floating Earth)
03. Tallari - Miksi Ne Neijot (Why Do The Maidens)
04. Susanne Lundeng - Havella (Old Squaw)
05. Hege Rimestad - Krishnas Kusine (Krishna's Cousin)
06. Tellu - Tuulet (The Winds)
07. Mari Eggen & Helene Hoye - Ferdavals (Voyage Waltz)
08. Susanne Rosenberg - Anna Och Wilhelm (Sad Love Song)
09. Aurora Borealis - El Gamol Vise (The Harp)
10. Asne Sunniva Soreide - Huldrelokk (Wood Nymph Call)
11. Helene Hoye - Gjetarhuving / Helene Sin Springleik (Shepherd's Call / Helene's Springar Dance)
12. Annbjorg Lien - Fonix (Phoenix)
13. Sinnika Langeland - Brudesang Fra Solor (Bridal Song From Solor, Norway)
14. Kirsten Braten Berg - Heiemo Og Nykkjen (Heiemo And The Water Sprite)
15. Tellu - Manaus (Word Of Incantation)
16. Hege Rimestad - Myrullmorgen (Rolling Mist)
17. Tone Hulbaekmo - Hildring (Illusion)
18. Pernille Anker - Gjendines Banlat (Gjendine's Lullaby)
19. Annbjorg Lien - Myllargutens Brureslatt (The Miller Boy's Bridal Tune)




Moussu T e lei Jovents - Opérette Volume 2



Moussu T e lei Jovents es un grupo con sede en Marsella , La Ciotat y Recife en Brasil , compuesto por Tatou (cantante del grupo Massilia Sound System ), Blù ( Massilia Sound System y Oai Star guitarist ), Jamilson (percusionista brasileño), Stef K (batería) y Denis (batería).

El grupo está inspirado en Marsella en los años 1920 y 1930 celebrando el crisol que reinó allí. Varias influencias se encuentran en su música, desde el blues hasta la música brasileña, a través de las operetas de Vincent Scotto o las canciones de Victor Gélu . No dudan en cantar en occitano y reanudar al final de su primer álbum Soulòmi de Frédéric Mistral . Los textos oscilan entre la ligereza ( como dos moscas , cuando la veo , la Ciotat ...), la poesía ( tentáculos , la cambussada ...) y los textos comprometidos ( para bien nos lo hacen , bandera roja , Fada republicana )

https://fr.wikipedia.org/wiki/Moussu_T_e_lei_Jovents


1. Mi poulidette
2. Es Marseillais
3. Te amo
4. Angela 03:13
5. No me atrevo a decirte
6. Las 40 horas 02:58
7. Todos somos asi
8. Soñé con una flor 9. Sian de Viaïré leï Marsihès
10. En marsella una tarde
11. Tenerte a la luz de la luna
12. El Pescadous
13. Lo gòt de los anais

sábado, 27 de octubre de 2018

Eric Bibb - Global Griot (2018) (ALBUM REVIEW)






Rara vez un título ha sido más apropiado para un álbum. "Griot - (en África occidental) miembro de una casta responsable de mantener un registro oral de historia tribal en forma de música, poesía y narración". El trovador Eric Bibb trabaja con numerosos músicos de todo el mundo para este gran proyecto, Global Griot , que se grabó en siete países y en doce estudios diferentes. Diez personas tienen sus nombres en créditos de productores y participan doce ingenieros.

Bibb, dos veces nominado al Grammy y ganador múltiple de BMA, quien podría tener la voz más suave, aparte del difunto Sam Cooke, es generalmente reconocido como un artista de blues / folk / músicas del mundo y mientras escucha todos esos estilos aquí, podríamos como Incluye fácilmente el evangelio y el alma también. Bibb puede contar con más de 30 álbumes en su carrera histórica que comenzó hace más de 40 años. Obviamente, ha conocido a muchos músicos en el camino y ha comenzado a nacer en la realeza musical en la ciudad de Nueva York. Su padre fue conocido cantante de folk Leon Bibb, y su tío fue John Lewis del Modern Jazz Quartet. El legendario actor / cantante / activista fue el padrino de Eric.

Grabado en Suecia, Francia, Reino Unido. Canadá, Jamaica, Ghana y América, el proyecto presenta apariciones especiales como invitado por Habib Koite de World Music, con quien Bibb grabó su álbum estelar de 2012, Brothers in Bamako. También se une al músico de África Occidental Solo Cissokho, un maestro del arpa de 22 cuerdas, la kora, un instrumento que muchos fanáticos del blues escucharon por primera vez en la colaboración africana de Johnny Copeland en 1986 Bringing It All Back Home. Otros artistas y vocalistas de músicas del mundo aparecen junto con el invitado especial, el viejo amigo de Bibb y Harrison Kennedy, quien es el cantante de cuatro canciones. La esposa de Bibb, Ulrika, Paris Renita, Linda Tillery y Ken Boothe también hacen fuertes contribuciones vocales además de coros en algunas canciones.

A medida que se desarrolla el álbum, las combinaciones y la combinación de instrumentos son a menudo impresionantes y conmovedoramente conmovedoras. La voz de Bibb no tiene absolutamente ningún tinte de ira, pero sus letras comentan de forma conmovedora el estado actual del mundo, casi desde el principio. Después de la apertura de "Gathering of the Tribes", con Cissokho en Kora y dúo, Bibb trae los cuernos para el amargo "Wherza Money At". Eso comienza una secuencia de tres canciones donde "" Human River "habla del poder de la protesta. y "What's He Gonna Say Today" es una de las mejores canciones de este año dirigidas a POTUS 45. Bibb condena nuestro deseo de un consumo conspicuo en el amargo "We Don't Care", brinda otro grito de guerra en "Hoist Up the Banner" y hace varias declaraciones sobre el racismo a partir de su versión de "Black, Brown & White" de Bib Bill Broonzy, con la voz de Kennedy. Kennedy también contribuye en "Brazos River Blues", el "Listen for the Spirit" y el "Spirit Day" cargados de ritmos. Las canciones "We Don't Care" y "Mami Wata / Sebastian's Tune" presentan a Habib Koite cantando y tocando acústicamente Guitarra en tándem con Bibb.

Al crecer en la escena popular de la Villa de Nueva York, Bibb fue naturalmente influenciado por Dylan, Báez y Seeger, que también eran visitantes frecuentes de su hogar. También cuenta con Odetta, Richie Havens y Taj Mahal como las principales influencias y sus ecos están en todo su catálogo, además de estar presentes aquí. Las variedades del Evangelio son evidentes en "Send Me Your Jesus", "Let God" y en el modo de espera de los antiguos, "Michael, Row da Boat en tierra", entre varias melodías. Bibb comienza el segundo disco, Act Two, con "Race & Equality" y ofrece un grupo coherente de canciones centradas en nuestra necesidad de unidad. Entre los aspectos más destacados aquí se encuentra el "Día del espíritu", que presenta a otro jugador destacado del álbum, Michael Jerome Brown en banjo y guitarra sin trastes, así como a Cissokho en kora y voz junto con Kennedy. El tradicional "Last Night I Had The Strangest Dream" presenta a Ulrika Bibb en la voz. Linda Tillery da un giro especialmente conmovedor a "New Friends" y Ken Boothe le da su toque a "Mole in the Ground".

Bibb es totalmente adepto a casar las raíces africanas del blues con los estilos estadounidenses, está más que dispuesto a compartir el foco con músicos talentosos de todo el mundo y es intrépido en su enfoque donde los comentarios sobre el estado actual se posicionan finalmente como gritos de Un futuro esperanzador. Puede ser bastante atrevido marcar esto como el mejor de Bibb, considerando su impresionante cuerpo de trabajo de 40 años, pero sin duda debería ganar otra nominación al Grammy o dos. Está claramente entre los mejores álbumes de música de este año.



 CD1:
1. Gathering Of The Tribes – 2:51
2. Wherza Money At – 4:38
3. Human River – 3:21
4. What’s He Gonna Say Today – 3:13
5. Brazos River Blues – 2:31
6. We Don’t Care – 3:29
7. Black; Brown & White – 3:13
8. Listen For The Spirit – 4:43
9. Holst Up The Banner – 3:10
10. Mami Wata / Sebastian’s Tune – 3:40
11. Send Me Your Jesus – 5:00
12. A Room For You – 2:34
13. Remember Family – 3:14

CD2:
1. Race & Equality – 3:59
2. Grateful – 3:29
3. All Because – 4:21
4. Spirit Day – 5:50
5. Let God – 3:07
6. Last Night I Had The Strangest Dream – 2:46
7. Picture A New World – 2:28
8. New Friends – 2:44
9. Mole In The Ground – 4:24
10. Michael, Row Da Boat Ashore – 4:15
11. Needed Time – 7:01

jueves, 25 de octubre de 2018

La Mambanegra – El Callegüeso y su Malamaña

Subido por Marhali.

La Mambanegra es una orquesta de once miembros de Santiago de Cali que desarrolla un sonido que ellos mismos llaman "colombian break salsa" y que está inspirado en las orquestas de salsa que triunfaron en el Nueva York de los años 70 del siglo XX, al que incorporan influencias del r&b, el hip hop y el reggae.

Inspirada en la historia de un héroe anónimo y mítico del Barrio Obrero (Tomás Rentería, alias "El Callegüeso), quien tuvo una serie de aventuras fantásticas en Cali, La Habana y Nueva York, esta orquesta trae un nuevo concepto de la salsa y la música latina para el Mundo. Como esta historia suena El Callegüeso y su Malamaña (2017), la opera prima de La Mambanegra. Creada y dirigida por el compositor, arreglista, saxofonista y vocalista colombiano Jacobo Vélez, La Mambanegra propone un discurso musical con elementos urbanos como el hip hop, el funk y la música antillana. Jacobo -quien a su vez fundó La Mojarra Eléctrica- logra crear todo un universo visual y sonoro a partir de historias urbanas que entrelazan el Barrio Obrero de Cali con el malecón de La Habana. Acontecimientos surrealistas, vivencias de esquina, y la picardía propia de un músico con horizontes infinitos, logran que esta grabación (realizada en su mayoría en Cali por Bombo Records) difícilmente pueda ser etiquetada, como precisamente pretende el experimentado saxofonista.

01. Puro Potenkem (feat. Maite Hontelé & Denilson Ibargüen)
02. El Sabor De La Guayaba (feat. Santiago Jiménez)
03. Cantare para Vos (feat. Eddy Martínez)
04. La Compostura (feat. Edgardo Manuel)
05. La Fokin Bomba (feat. Santiago Jiménez)
06. El Blues De Yemaya (feat. Yasek Manzano)
07. Kool And The Mamba
08. Me Parece Perfecto (feat. Chinito Escobar)
09. El Malembe (feat. Wilson Viveros)
10. Barrio Caliente (feat. Jorge Huertas)

lunes, 22 de octubre de 2018

lee scratch perry - the black album



Rainford Hugh Perry, más conocido como Lee «Scratch» Perry o The Upsetter (Kendal, 20 de marzo de 1936), es un músico, técnico de sonido y gran productor musical jamaicano, pionero del dub y el reggae.

Empezó su carrera bajo la pobreza, durante la miseria de los años 1950. Trabajó como mezclador de sonido para el Clement Coxsone Dodd's sound system. Con este sello logró grabar cerca de 30 canciones, pero problemas financieros y diferencias de personalidad (problemas que tuvo en toda su carrera) lo llevaron a dejar el estudio y buscar nuevos caminos. Por lo que pronto logró encontrar un nuevo trabajo con Joe Gibb's Amalgamated Records
Trabajando con Joe Gibb's, Perry continuó su carrera musical, pero, una vez más, los problemas financieros se hicieron presentes. Perry terminó apartándose de Gibb's y formó su propio sello en 1968, llamándolo Upsetter Records. Su primer sencillo, People Funny Boy, que era un insulto dirigido a Gibbs, se vendió muy bien. Aquí da una muestra de su talento a la hora de mezclar, por su uso innovador de un sample(un bebé que llora) así como un rápido, resoplado ritmo que pronto pasaría a ser identificable como «reggae» (a esta nueva forma de sonido, se le dio el nombre de «Steppers»). Desde 1968 hasta 1972, trabajó con su banda de estudio The Upsetters.

Durante la década de 1970, Perry lanzó numerosas grabaciones en una variedad de sellos discográficos que él controlaba, y muchas de sus canciones fueron muy populares en Jamaica y Reino Unido. Pronto se hizo conocido por sus innovadoras técnicas de producción, así como su carácter excéntrico.

En la década de los 70's, Perry fue uno de los productores que con sus mezclas experimentales ayudo a la creación del Dub, aunque el autentico padre de esta rama del dub fue King Tubby. En 1973, Perry construyó un estudio en el patio trasero de su casa: The Black Ark, para tener más control sobre sus producciones, al mismo tiempo continuó ocupándose de notables músicos como: Bob Marley & The Wailers, Junior Byles, Jacob Miller, The Heptones, The Congos, Max Romeo o Junior Delgado. Con su propio estudio a su disposición, las producciones de Perry se hicieron más lujosas, como un productor energético fue capaz de pasar tanto tiempo como él quería en la música que producía. Casi todo lo que Perry grabó en The Black Ark se realizaba utilizando un equipo básico de grabación, a través de la prestidigitación sonora de manos e hizo un sonido único. Lee "Scratch" Perry permaneció detrás de la mesa de mezclas durante muchos años, produciendo las canciones y álbumes que se destacan como un punto alto en la historia del Reggae.

https://es.wikipedia.org/wiki/Lee_Perry




1. "Mr Brown In Town"
2. "Mr Brown Dub"
3. "Trendsetter"
4. "Trendsetting Dub"
5. "Your Shadow Is Black"
6. "Your Shadow Is Dub"
7. "Dead Meat"
8. "Dead Meat"
9. "Dub At Abbey Road"
10. "Abbey Road" (version)
11. "Bumpy Road Of Life"
12. "Dumpy Dub"
13. "Captain Perry"
14. "Captain Dub"
15. "Killing Dancehall Softly"
16. "Killing" (version)
17. "Solid State Communication"
18. "Solid State Dub"

domingo, 21 de octubre de 2018

Bixiga 70 - Quebra Cabeça




São Paulo’s acclaimed 10-piece instrumental collective return for their 4th album. Urban Afro-Brazilian grooves, empowered horn-driven melodicism and massive dance floor inspiration.
One of South America’s most exhilarating musical propositions.

Almost four centuries after the first slave ships loaded their cargoes and set sail, the connection between Brazil and West Africa remains firm and deep. It was African slaves who created the culture of Brazil in all its sorrows and its joys, and those memories have flowed down through the generations. Africa is everywhere in Brazil, and it pulses through the music on Quebra Cabeça (Puzzle), Bixiga 70’s second studio album for Glitterbeat, where two continents dance together across the black Atlantic.

“From the very beginning, what we have always had in common is African-Brazilian music,” explains baritone sax player and flautist Cuca Ferreira. ‘Some of us come from candomblé (the African-Caribbean religion), others from jazz, reggae, dub, everything. The whole idea of the band has been to take all these different elements that form us, from Africa and Brazil, and create a hybrid from them.”

With Quebra Cabeça, that hybrid has taken on a slightly different form. As Ferreira notes, this time Bixiga 70’s music “is more complex. We worked harder on the compositions than in the past, spent more time on them. Each song has a lot of different parts, they can seem like a journey.”

That’s apparent in the shifts and turns of a piece like “Pedra De Raio” or “Levante,” where the melody shifts and swerves, one section flowing naturally into the next, adding layer upon layer to create something astonishing and utterly satisfying in its power. In large part, this change has come from the band’s relentless touring over the last few years.

“We’ve been exposed to so much,” Ferreira notes. “So many of the people we’ve played with have had an impact on us, like Pat Thomas, the Ghanaian highlife singer or [Nigerian saxophonist] Orlando Julius. And then we toured and recorded with João Donato. He’s over 80 now and still playing piano, one of the icons of Brazilian music. We’ve learned from them all, they’ve made us think about what we can do with our music. Those new ideas have found their way into this album.”

One result is the new, shining lyricism of the melodies, with the horns pushed even more to the fore, parading around with a singer’s swagger.

“We want people to relate to our melodies, to take the line a vocalist might use and play it on the horns. Sometimes in instrumental music, the players are so good it ends up putting the listener at a distance. We make music as a celebration, a way to connect and bring some joy. We want to draw them in. We try to write something very memorable.”

And Quebra Cabeça is a very memorable set of hummable earworms, from the title cut that opens up the album and continuing, sinewy and cool and relentless, all the way to the final note of “Portal.”

Throughout though, the heartbeat of everything remains utterly African, refracted through the prism of the band’s home in the Bixiga neighbourhood of São Paulo. “What we put on top of that is essentially urban São Paulo music. This city has been a huge influence on us. It has that sense of urgency, always running to catch up. It’s expensive, and services are awful, with so much pollution and violence. But it’s our home and it was developed through immigration. Bixiga is where people come first of all. It’s always had that influx; it’s the story of São Paulo in miniature.”

And Bixiga 70 has always been a reflection of the streets where they live. The band played their first show in October 2010 and released their debut album a year later. Eight years on they are still the same 10-piece collective, honing and shaping the music, evolving towards the changes found on Quebra Cabeça.

“We knew we wanted this record to be different. Our other three albums were all recorded live in the studio, because we’re more of a live band, the stage is our habitat. This time we decided to use the studio to experiment with arrangements and voicings. We began composing in early 2017. It took us a year to write everything, then we began recording in May this year. And for the first time we used a co-producer, Gustavo Lenza (Céu, Marisa Monte). He was a friend even before we formed the band, but it recent years he’s become a very big producer in Brazil.”

The result still captures the incendiary excitement of Bixiga 70 live, but the freedom of the studio brings more shade and subtlety than before. The rhythms are more sinuous than ever, snaking through the funk in way that looks more to Ghana or Nigeria than Memphis or Muscle Shoals, while the horns strut in powerful harmonies. It’s music that forges connections and retraces history while sounding absolutely contemporary. But for Bixiga 70, African will always be the root, and Brazil its beautiful, vibrant flower.
credits
released October 12, 2018

https://bixiga-70.bandcamp.com/album/quebra-cabe-a






1. Quebra Cabeça 05:00 
2. Ilha Vizinha 05:46 
3. Pedra de Raio 05:32 4. 
4 Cantos 05:25 
5. Areia 03:41 
6. Ladeira 03:57 
7. Levante 05:14 
8. Primeiramente 04:26 
9. Torre 04:17 
10. Camelo 05:35 
11. Portal 05:58 

viernes, 19 de octubre de 2018

Orquesta Akokán-Orquesta Akokán


Ensamblado y dirigido por el vocalista cubano José “Pepito” Gómez, la Orquesta Akokán es un gran colectivo de la banda de los mejores músicos cubanos, jóvenes y viejos. Su próximo álbum en Daptone presenta música completamente original y fue grabado en vivo para grabar durante una sesión de tres días en los sagrados estudios estaduales de La Habana, Havana.

Escuchando el nuevo LP de la Orquesta Akokán, no puedes evitar sentir los espíritus de los gigantes musicales de Cuba irradiando de los altavoces. Pero honrar y cuidar a estos espíritus no es tarea fácil, ni es una tarea que le quede solo a una generación. Es una colaboración de jóvenes y mayores; Los ancianos conocen las tradiciones, los gestos, los conjuros, pero es la generación más joven la que tiene el deber de aprender, la fuerza para continuar y el fuego y el alma para hacer nuevas canciones para los espíritus nuevos.

En noviembre de 2016, Michael Eckroth viajó a los sagrados estudios Areito en Centro Habana con una pila de cuadros debajo del brazo. Al llegar a la cavernosa sala de estar con paneles de madera, hizo un inventario de los jugadores reunidos por el productor Jacob Plasse: una docena de jugadores de viento y ritmo más feroces y rítmicos de Cuba de grupos como Irakere y Los Van Van, el sensacional vocalista veterano. José “Pepito” Gómez, y un puñado de jóvenes experimentados de la música latina de Nueva York. Estos músicos transformarían sus tablas en el documento vivo y respirador que tienes en tus manos.

Un arpegio desciende dulcemente por las teclas del piano, y el conjunto explota en masa con exclamaciones de trompetas, introduciendo saxofones que de inmediato se establecen como el centro de una sección rítmica. Los arreglos llevan la belleza exquisita, el patetismo y la alegría de las reconocidas orquestas de baile de los años 1940 y 1950 que habían grabado en esta habitación, evocando los fantasmas de Arsenio Rodríguez, Pérez Prado y Beny Moré. Y las robustas y comprobadas arquitecturas musicales de son cubano y mambo están presentes y se honran hábilmente a través de las nueve composiciones originales. El tres cubano melodioso, el tumbao oscilante de las congas, la mezcla tensa de armonías vocales: están todas allí. Sin embargo, hay algo inequívocamente nuevo: secciones de saxofón tocando montunos donde se podría imaginar un piano, un angelical, swinging flauta que cabría esperar en una grabación de charanga, sones – improvisaciones vocales que tienen el flujo experimentado y la cadencia de mediados de 1970 cantantes de “salsa dura”, y por supuesto, la aparición del inimitable César “Pupy” Pedroso en el piano. De alguna manera, esta síntesis de gramática musical y estilos compositivos, de La Habana y Nueva York, de viejos y nuevos, tiene perfecto sentido.

Akokán es una palabra yoruba utilizada por los cubanos para significar “desde el corazón” o “alma”, por lo que no sorprende que una grabación como esta encuentre su camino de regreso a Daptone Records de Brooklyn. Durante casi una generación, la etiqueta venerable nos ha traído música conmovedora en una miríada de estilos, hechos en el presente, pero con todo el arte y el sabor de las grabaciones clásicas del pasado. Al hacerlo, Daptone ha consagrado tanto los géneros que honra como a los artistas que crean nuevas obras en el canon universal de la música dance. Es una cocina perfecta para servir a este cautivador baile entre lo viejo y lo nuevo: una sopa levantamuertos, preparada con ritmo, con cuidado y, sobre todo, con akokán.



1. Mambo Rapidito 03:19
2. La Corbata Barata 05:25
3. Un Tabaco para Elegua 05:35 video
4. Otro Nivel 04:25
5. La Cosa 04:01
6. Cuidado Con el Tumbador 04:11
7. Yo Soy para Tí 05:14
8. No Te Hagas 03:55
9. A Gozar la Vida 03:37

sábado, 6 de octubre de 2018

Maya Youssef – Syrian Dreams

Subido por Marhali.

Desde la desolada Siria suena con especial emoción el nuevo trabajo de Maya Youssef, virtuosa del qānūn: "Desde que empezó la guerra en mi tierra en 2011 hacer música dejó de ser una opción. Era una manera crucial de expresar mis intensos sentimientos de pérdida y tristeza al ver a mi gente sufrir y mi patria destruida". Por suerte, Youssef está afincada en Londres y desde allí pudo realizar este disco enteramente dedicado a la tragedia siria y que se escucha, lógicamente, con una intensa emoción. A ratos cerca de la vanguardia o del jazz, Syrians Dreams (2017) es un disco tan triste como necesario.

El virtuosismo y enfoque único e innovador de Maya Youssef para tocar el qānūn, originalmente un instrumento tradicional, consiste en combinar sus extraordinarios dones musicales con una generosidad de perspectivas, calidez, humor y optimismo.

Maya Youssef ha actuado en todo el mundo y es ganadora del premio Exceptional Talent, que le permitió migrar al Reino Unido en 2012. Además de su música, lleva a cabo su proyecto de doctorado "Music Healing for Syrian Refugee Children" en la SOAS University of London, donde también enseña el qānūn y dirige el SOAS Middle Eastern Ensemble, además de ser una habitual en la BBC.

Producido por Jerry Boys para Harmonia Mundi, Syrian Dreams cuenta con la participación de Sebastian Flaig (percusión), Barney Morse-Brown (cello) y Attab Haddad (oud). Como señala Youssef en el disco, "Este álbum es mi viaje personal a través de los 6 años de guerra en Siria. Es una traducción de mis recuerdos del hogar y mis sentimientos hacia la música. Veo el acto de tocar música como lo opuesto a la muerte; es un acto de vida y de afirmación de esperanza. Para mí, la música es sanadora y un antídoto contra lo que está sucediendo, no solo en Siria, sino en todo el mundo. Me gusta pensar que mi música devuelve a la gente a la humanidad y al centro de sus corazones, donde no se puede dañar a ninguna forma de vida y donde todas y todos pueden existir juntos en paz". Este viaje personal y su propuesta musical ha supuesto para Maya resultar finalista en los Songlines Music Awards de 2018.

01. Horizon
02. Bombs Turn Into Roses
03. Hi-Jazz
04. Touta
05. Queen Of The Night
06. Syrian Dreams
07. The Seven Gates Of Damascus
08. Breakthrough
09. The Sea
10. Awatef (bonus track)

lunes, 24 de septiembre de 2018

Anthony Joseph – People Of The Sun



Grabado en Trinidad bajo la dirección del saxofonista Jason Yarde y con la participación de algunas de las voces más llamativas de la isla de la que es originario, People Of The Sun es el álbum más íntimo, vanguardista y político del cantante y poeta Anthony. Joseph.
 
Trinidad. Cuatro mil setecientos kilómetros cuadrados rodeados de aguas color turquesa, una pieza del rompecabezas del Caribe, esta área donde las olas llevan el intercambio de vibraciones musicales entre cada una de las islas. Diez años para visitar el cielo y las carreteras de todo el mundo, para grabar su música y tocarla en el escenario. Ver a Trinidad solo en líneas punteadas, durante unas semanas o unos meses. Sin embargo, por lo que Anthony Joseph ha viajado, su isla siempre ha estado con él. No es un vínculo distendido y difuso, sino una raíz firmemente arraigada en el suelo nativo, un vínculo directo capaz de correr por miles de kilómetros sin perder intensidad. Una fuerza benevolente infundida en sus ritmos y sus libros, honrados en sus títulos. Impalpable pero tan presente.
 
Así que, glorificado el archipiélago al reunir a músicos locales en las conocidas Caribbean Roots , es para, por y con Trinidad, que diseñó y grabó People Of The Sun , en el corazón de la capital Puerto de España. Sumérgete en su entusiasmo musical para finalmente darse cuenta del tributo que Anthony había mantenido durante mucho tiempo en un rincón de su mente. El álbum y la ciudad regresan sus iniciales como frente a un espejo.

Con este talento único para mezclar soul, funk, jazz y frecuencias caribeñas para contar historias con calma iniciadas y cerradas en una furia de ritmos y metales, fábulas fantásticas o poemas cautivadores, Anthony Joseph ha impuesto este momento como el rasgo de unión entre dos generaciones de músicos de Trinidad. El portador del patrimonio musical, steelpan, rapso y soca; y el nuevo, sensible al R & B como el hip hop, el que camina por los caminos despejados por los ancianos.
 
Len "Boogsie" Sharpe, Brother Resistance, Modupe Folasade Onilu, Mikhail Salcedo, John John Francis, 3 Channel, su hija Meena, todos vinieron a traer el dominio del tambor de acero, la pluma de la poesía militante, la brujería de percusión, los teclados, las vibraciones alma, agilidad vocal y dulzura celestial: el Ibis String Ensemble se encarga de traer con sus arreglos de cuerda una dimensión melancólica y una profundidad que coquetea con Blaxploitation.
Los ecos metálicos del steelpan en alambre cuasi conductor para posar sus textos políticos, sus crónicas sociales o su conciencia negra, el groove siempre suficientemente influyente para llevar todos los instrumentos hacia el trance colectivo, People Of The Sun bajo las sucesivas contribuciones de sus participantes proyecta la música de Trinidad más allá de sus orillas.

Ensamblado, orquestado y producido por Jason Yarde, el secuaz de Anthony en el estudio y en el escenario, People Of The Sun irradia como siempre esta pieza del rompecabezas caribeño, menos visible que los vecinos jamaicanos o cubanos, pero cuyo lema " Juntos aspiramos, juntos logramos ", nunca habrá sonado tan bien. 

http://iseecolors.fr/2018/07/04/anthony-joseph-people-of-the-sun/




1 Milligan (The Ocean) (feat. Ella Andall) Ella Andall 8:26 
2 Sans souci (Totem) (feat. Len "boogsie" Sharpe) Len ' Boogsie' Sharpe 5:45 
3 Bandit School (feat. 3 Canal) 3 Canal 4:09 
4 Suffering 6:45 
5 Dealings (feat. Brother Resistance) Brother Resistance 7:16 
6 Dig out Your Eye 7:36 
7 He Was Trying 9:13 
8 On the Move 5:49 
9 Incense Taxi 2:33 
10 Jungle (feat. Meena Joseph) Meena Joseph 7:31 
11 People of the Sun (feat. John John Francis) John John Francis 5:54





domingo, 9 de septiembre de 2018

L.S Kancana Sari - Degung Klasik Vol. 1-5 (Indonesia)


Los Sundanese (Sundanese, Urang Sunda) son un grupo étnico nativo de la parte occidental de la isla indonesia de Java. Suman aproximadamente 40 millones, y forman el segundo grupo étnico más poblado de Indonesia, después del vecino javanés. Su idioma es el Sundanese, los Sundanese se refieren a sí mismos como Urang Sunda (Gente de Sunda), mientras que Orang Sunda o Suku Sunda es su equivalente indonesio .

Los Sundanese se han concentrado tradicionalmente en las provincias de Java Occidental, Banten, Yakarta y la parte occidental de Java Central. Los migrantes de Sundanese también se pueden encontrar en Lampung y Sumatra del sur, y en menor medida en Java central y Java del este.
Las artes tradicionales de los Sundanese incluyen diversas formas de música, danza y artes marciales. Los tipos más notables de la música de Sundanese son música de bambú angklung, música de kecapi suling, gamelan degung, reyog Sunda y gendang rampak. El instrumento musical de bambú Angklung es considerado uno de los patrimonios mundiales de la cultura intangible Sundanese.


El Gamelan degung es una orquesta de gamelan única para el pueblo de Sundanese del Oeste de Java. Se cree que se desarrolló durante el siglo pasado a partir de un gamelan ceremonial más antiguo llamado goong renteng. Originalmente, se realizó para el entretenimiento de la aristocracia local en las cortes de los regentes de Sundanese (bupati), los gobernantes locales de Indonesia bajo los holandeses. Desde la independencia de Indonesia, sin embargo, la música interpretada por degung se ha popularizado cada vez más.



Hoy en día, a menudo se toca en recepciones de bodas, y desde finales de la década de 1980 ha tenido éxito comercial con el apoyo de la industria del cassette de Sundanese. Esta coleccion incluye piezas antiguas de degung klasik, que solían tocar en los tribunales, y canciones populares más recientes.

L.S. Kancana Sari es un grupo musical Indonesio de Gamelan Liderado por Endang Sukandar.
Musicos: Anda Lugina, Endang Sukandar, Entis Sutisna, Achmad Suwandi






Bandadriatica - Babilonia (2015) [Italia]







El conjunto de Salento (Apulia / Sur de Italia) centra su atención en las fascinantes culturas musicales de las dos costas del mar Adriático. En este nuevo álbum, mezclando sorprendentemente varios sonidos en uno, el grupo empuja su vista hacia Turquía, Líbano, Armenia. Bandadriatica navega cada vez más hacia el este, en busca de los rasgos comunes entre las diversas tradiciones, para reescribir la música tradicional a través de canciones y canciones originales. El mar Adriático, el gran mar escondido, una Babilonia de idiomas y culturas, es develado por estos músicos que conocen muchas de sus rutas posibles. A partir de esta Babilonia de sonidos provenientes de las dos costas a través de fonemas ancestrales y nuevas sílabas musicales, Bandadriatica trata de crear un nuevo diálogo entre las tradiciones, manteniendo el ritmo. "Este es un proyecto interesante que integra maravillosamente la nueva composición con las raíces y demuestra cuán fácilmente la música puede cruzar las barreras nacionales y lingüísticas". - Michael Hingston (raíces populares)




01 - Me perdu 4:55
02 - Turkayak 4:40
03 - La capu 4:48
04 - Babilonia 4:38
05 - Bint el shalabiya 3:45
06 - Pizzica Balkan 4:33
07 - Il bivio 4:28
08 - Mania DGL 4:08
09 - Terra 3:40
10 - Giga 4:06
11 - Salignano 5:25
12 - Tre balli in maschera 4:50
 
 

The Last Poets - Understand What Black Is



This is The Last Poets' 50th anniversary year, and they've celebrated it with an album that matters - not just musically, but as a record of the times we're living in. The Last Poets are weathervanes, warning of the future and past sins in poems that are indivisible from the rhythms they're voiced on. Think warriors reporting from the battlefield; but their work is also a test of our own courage, because are you ready to receive what they're saying? And is your heart clean and strong enough to withstand the truth?

These ten tracks speak of their own journey, and that of a revolutionary struggle largely defined by race when The Last Poets first came together at an event commemorating Malcolm X in East Harlem's Marcus Garvey Park during the spring of 1968. That initial line-up, comprised of Dahveed Nelson, Gylan Kain and Felipe Luciano proved short-lived and it was a trio of different voices that would secure their legacy with a debut album, 1970's Last Poets, that sounds just as radical and challenging today as it did nearly fifty years ago. Two of their members from that time, Umar Bin Hassan and Adiodun Oyewole, still wear the mantle of Last Poets. "Back then, I wanted to see everything burned and people hanged. I wanted to see riots," says Abiodun, who's from Queens in New York, and took over from Nelson in 1969. He was missing from their follow-up album This Is Madness, after being jailed in North Carolina for armed robbery. "Each of The Last Poets has their own stories about problems with the law," he reflects. Umar, who wrote the title track of This Is Madness, was next to leave. He was living in Brooklyn by then, and struggling with substance abuse. Speaking on the phone from his home in Baltimore, he makes the point that their poetry wouldn't have the same impact had their resolve not been tested along the way, and there's an unassailable truth to this. 



He was replaced by Suliaman El-Hadi, who went on to record a series of albums with Jalal Mansur Nuriddin (aka Lightnin' Rod) as the The Last Poets. The last of them was Freedom Express in 1988. Two years later and Bill Laswell invited Umar to record a solo album called Bebop Or Be Dead, with backing from musicians like Bernie Worrell and Bootsy Collins. In Umar's own words, "there would be no second coming of The Last Poets" without this album, on which he'd revisited This Is Madness and Niggers Are Scared Of Revolution. He and Abiodun, soon to record his own solo album 25 Years, revived the name The Last Poets for the nineties' albums Holy Terror and Time Has Come, again produced by Laswell. Such releases were well received but then little was heard of The Last Poets for another twenty years aside from Claude Santiago's film Made In Amerikkka, which documented a one-off reunion concert in France, commemorating their fortieth anniversary. That's how it is with The Last Poets - unseen forces govern their actions, and it wasn't until Donald Trump was elected US President and a renewed struggle for America's soul began that they stirred once more.

After Abiodun and Umar had resurrected the group and they'd started doing shows together, UK producer Ben Lamdin contacted them about doing some recording and sent them a few rhythm tracks that he'd got from Prince Fatty, whom he knew from their time in Brighton. Fatty's speciality is old school reggae and dub, which he records using seasoned UK session players such as Horseman and Dub Judah, who play drums and bass respectively. That's how the foundations were laid, at Fatty's Brighton studio on Blackman Street. Ben then added horns arrangements with help from his band Nostalgia 77 and set off for New York where he, Umar and Abiodun met for the first of two recording sessions.

"When they listened to the tracks they were really blown away," says Ben. "I think they were surprised to hear themselves in that context basically, because everything they've done before is resolutely American in terms of the sound and what they've been talking about. What we ended up with was a mixture of American poetry and jazz, Jamaican rhythms and African drums. It was as if Mingus and Duke Ellington had got together and stopped over in Jamaica..." Umar confirms that it was the first time the Poets ever voiced on reggae rhythms. "It's amazing how the music has opened up new avenues and taken us somewhere else," he says. "Reggae is such a deep music because it envelops your words; it closes around them and gives them a whole new meaning."

The first track they worked on was a statement voiced with absolute certainty by Abiodun, who'd previewed the same lyrics at that fortieth anniversary show in Paris ten years earlier. "America's a terrorist, killing the natives of the land," he intones. "Killing and stealing has always been a part of America's master plan to control the earth and everything on it. To divide and conquer is all they wanted." It's a vivid expose of America's collective psyche and if his words cause hearts to flutter, it's in recognition of the truth although the real danger would be to disregard what he's saying, and not act whilst we can still make a difference. The other tracks voiced at that first session - held at the studio of a friend in lower Manhattan - include How Many Bullets which bridles with defiance as Abiodun works through a litany of injustices suffered by black people in the US. "You tried to blow my brains out with bigotry. Chopped off my wings so I couldn't fly free. Took my drum, broke my hands, yanked my boots right up out of the land and riddled my soul with Jesus." A repetitive chant of, "You can't kill me. Can't you see?" mocks his oppressor, but with no loss of dignity. Tracks like this go beyond social commentary, just as the opening Understand What Black Is transcends ethnicity. "Understand what black is," he urges. "It's the source from which all things come." He explains that it's not a colour, but the basis of all colour, and it's nothing to do with complexion either. "Black is a hero, not a villain. Black is the essence, sealed with a kiss."

Abiodun also wrote What I Want To See, which describes a utopia - a refuge from hurt and those who'd make "our vision blurred, and our faith obscure." As the music builds in intensity, horns and chanted harmonies arrive together, "No prisons, no locks, no keys..." "I know the music I want to hear," he continues. "I know the air I want to breathe. I know the love I want to feel." He uses imagery like that found in old time spirituals for The Bridge - a song of transition that he wrote for the Poets' second recording session with Ben. Label boss Tony Thorpe, who'd previously worked with KLF, joined them on that occasion. 


 
For the most part, the Poets voiced over readymade rhythm tracks although this wasn't always the case. Umar's North East West South happened the other way round because he voiced it first, and then the horns were painted in afterwards. A little-known album of Prince instrumentals called News inspired the words and prompted Umar to draw parallels between their respective childhood experiences.
"That poem took me about a year to write," he says. "I just kept writing and writing but not getting too far and then I heard that album and the musicianship was amazing. I was left wondering if it was jazz, classical, rock or maybe something new but all those images that I write about came to me from listening to that album. I loved Prince in that movie Purple Rain because my father was a talented musician but he was into brutalising Mama at times and in the movie there's a Jerome and my name is Jerome, so it was like he was telling my life story as well."
Umar was raised in North Akron, in the Elizabeth Park projects. His father spent time in jail, leaving him and his seven brothers & sisters in the care of their mother and grandparents. Umar dedicated Bebop Or Be Dead to his father, who he says was born in "the wrong family, in the wrong place and at the wrong time."

"My father and I were constantly arguing. As a matter of fact one time I nearly killed him when he was taking his anger out on my mother. I went and got this hatchet and I was going to take him down but I knew that if I did that, I'd surely kill him. My mother saw me and stopped me because she was scared that I'd do it for real, but Prince also had issues with his father because his mother was white and in the movie, his father was always blaming her for not believing in him. He'd beat her and one day Prince got in the middle of it, just like I did except I’ve come to realise that I am my father the musician, and I am those sounds that he never got to bring to the world.”

Umar's father played trumpet, and he'd often sit in with visiting musicians whenever they came to town. His quartet played local clubs such as Roxy's Cafe in North Howard Street, where his son also worked. Umar used to shine shoes there from the age of eight and he'd be out until midnight, hustling small change from the patrons at Roxy's, the Tropicana, the Hi-Hat and Joy's Lounge... It was after leaving the projects at fourteen that he became an avid reader, which then led to him meeting Fred Ahmed Evans and joining the Black United Front. He first met The Last Poets in 1968 at the Black Arts Festival in Yellow Springs, Ohio, whereupon he underwent an epiphany of sorts. Several months later and he arrived in New York "with just twenty-two cents, a book of poetry and a pair of jeans in a brown paper bag." The three original members had left by then. Abiodun found him a place to stay and invited him to become a Last Poet, along with Jalal. Their aim was to politicise the black community, and raise people's revolutionary consciousness. "Wake up niggers or you're all dead," they warned. Abiodun, speaking in Claude Santiago's film, says that the Poets set out to "de-nigger" black people, and free them of their slavish mentality. "We were raw. We didn't give a damn. We just came at you raw!"

When Umar joined them, they used to meet at a place in Harlem on the corner of 125th Street and Lenox Avenue called East Wind. A Black Arts movement had formed in New York made up of activists, musicians, artists, fashion designers and writers like Amiri Baraka, who Abiodun describes as "a major influence and a true mentor of The Last Poets." It was 1969 and jazz, like poetry, was an integral part of the struggle. The Last Poets hosted workshops and events at East Wind featuring jazz musicians such as Sun Ra, Pharaoh Sanders and Archie Shepp, who shared the same cultural and political aims. Umar and Abiodun have continued to celebrate music in their poems ever since. It's a love that's deepened with age and encompasses every stage of black music's development, from ragtime, jazz and blues to artists like Prince and Jimi Hendrix - music that "gives credit to who we are and where we come from." She Is traces the development of that music from its inception in New Orleans' Congo Square, which is renowned as the birthplace of jazz. "It's a place where the slaves could go and enjoy a free day," Umar explains. "They'd come together, play music and dance... The music then spread to places like Chicago and Detroit and took on different forms as people went from being slaves to sharecroppers and then factory workers. Music has been part of our lives as black people from the beginning and it's played a vital role in our survival as well." His story begins with "the rage of the overseer, ripping and shredding" before the music emerges as a healing force, and spawns "secret songs of the Mississippi delta." The rhythm's based on Don Redman's thirties' jazz tune, Chant Of The Weeds, complete with shifting textures and colourful harmonies. It's an unlikely candidate for a reggae treatment, but then few rules apply at a Last Poets' session.

Abiodun, who grew up listening to his parents' gospel and jazz collection and has a good singing voice, also writes powerfully about music. Take the lyrics of The Music for instance, in which he refers to the drum as his "heartbeat."
"I started out with the blues, because I had been abused so I created medicine to ease the pain, so I wouldn't go insane. I found a way to heal my soul, in spite of what I was being told. I created a new world of sound, to pick me up when I was down."
Abiodun, formerly known as Charles Davis, attended a Yoruba temple in Harlem from the age of fifteen, and forged a deep, spiritual connection to its teachings that have continued to serve him ever since. Umar has studied Islam and urges us to rediscover our capacity for love in Certain Images, despite warning how "the stink of conspiracy fills the air." He wants us to believe this simple act of faith can save humanity, and talks about a "resurrection of our minds" in We Must Be Sacred, promising that "the phoenix will come from the flames this time."

"We can't change without love," he insists. "Love is the most important thing in the world but first of all we must understand how to make love a fact, because it's not there to play with. Love is everlasting, and you have to hold it and protect it and keep it strong because you can't quit. You've got to believe in what you're doing and try and make the world a better place because when I was a little boy, I'd see the bar room brawlers, the pimps and the prostitutes... Basically, what I learned is that people just want to be appreciated and that's what I try and hit upon in my poetry. I try and see what they're searching for and then I have to hope that whatever comes out of my mouth helps them to feel good, and I'm giving them the respect they deserve."

John Masouri
 


www.studiorockers.net
www.thelastpoets.net
https://thelastpoets.bandcamp.com/album/understand-what-black-is






1. Understand What Black Is 06:09 
2. North, East, West, South 07:14 
3. How Many Bullets 04:30 
4. She Is 05:03 
5. What I Want To See 05:15 
6. Certain Images 04:58 
7. The Bridge 03:31 
8. We Must Be Sacred 04:51 
9. Rain Of Terror 09:55 
10. The Music 05:09