Populous es en realidad Andrea Mangia, un productor y DJ de Salento que lleva desde 2003 trabajando en la creación de sintonías de televisión, bandas sonoras, música para la web o para desfiles de moda.

Al son de la música electrónica de Populous, las ilustraciones de Emanuele Kabu revelan su personal visión de la capital de Portugal, Lisboa, nos muestra el lado más misterioso, psicodélico y seductor de la ciudad. Este viaje caleidoscópico nos conduce por las estrechas callejuelas del Barrio Alto, saltando sobre el tranvía de Alfama, navegando por el río Tajo y bajo el puente 25 de Abril, hasta llegar a los pies de la estatua de Cristo Rei.






1. Alfama 02:04 
2. Alala 03:34 
3. Azul Oro ft. Ela Minus 03:26 
4. Voz Serena 05:05 
5. Azulejos 03:28 
6. Caparica 03:36 
7. Cru ft. Nina Miranda 05:22 
8. Racatin 03:37 
9. Mi Sueno 04:33 
10. Batismo ft. Riva 03:11




Svalan es el ultimo trabajo de Maria Kalaniemi (acordeón, voz) y Eero Grundström (armonio). En el se fusionan canciones contemporáneas de la costa oeste de Finlandia.
Maria Kalaniemi a vinculado aquí el paisaje espiritual de Finlandia-Suecia con la impresionante naturaleza del norte de Karelia. Ella es una persona muy amante de la naturaleza, y pasó mucho tiempo caminando con su perro por el bosque hasta Salonkylä. Mirando el lince el oso y el águila, sintiendo el sol el viento y el frío, los lobos los pájaros y la lluvia. Y encontró la inspiración para este disco. el disco fué presentado en el Festival de Música Folk JuuriJuhla en Espoo, Finlandia.  La música fue grabada en la casa en la que vivio su infancia Maria Kalaniemi, una antigua casa de la posguerra en el distrito kilo de Espoo.

http://www.juurijuhla.fi/en/program/




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Calypso Rose es el nombre artístico de Rose McCartha Linda Sandy Lewis, embajadora de la música caribeña, leyenda viva del calypso ("kaiso") y del soca, el género antillano nacido en el contexto del carnaval, con raíces tanto africanas como europeas que surge en el siglo XIX (que vive su apogeo hacia la década de los años 60 y 70), y cuyo origen se sitúa en las comunidades urbanas de origen africano de Trinidad y Tobago.

Nacida en la isla de Tobago, trabajadora incansable, ha escrito más de 800 canciones y grabado más de 20 discos producidos en el mundo entero. Comparada con Miriam Makeba y Cesária Évora, todas las comunidades del Caribe –anglófona, francófona o hispánica - la reciben con fervor: es la única artista femenina a quien han coronado en el famoso carnaval de Trinidad, ya en 1978, y en haberse llevado cinco veces seguidas el premio de "Calypso Queen". Calypso Rose es un icono. Su personalidad, su carisma y su alegría de vivir hacen de ella una cantante del alma. Una cantante de Soul, Gospel, de Blues y por supuesto de Calypso, una diva de la música popular.

En Far From Home (2016) nos encontramos con un desfile musical caribeño con cambios de ritmo, color y estados de ánimo, en el más puro estilo del Carnaval que, más que un ritual festivo, es el principal evento cultural de Trinidad y Tobago y personifica el alma así como la diversidad social y étnica de su población.

La producción ejecutiva la lleva Jean-Michel Gibert (quien ha manejado la carrera de la artista desde su álbum A Dirty Jim en 2005). La producción corre a cargo de Ivan Duran, y Drew Gonsalves (de la banda Kobo Town) co-escribe algunas de las canciones y compone los arreglos. Por su parte, Manu Chao co-produce y deja su huella inconfundible cantando en tres canciones ("Leave Me Alone", "Far From Home" y "Human Race") y tocando el charango. El arte gráfico del álbum con ilustraciones de Maxime Mouysset.

Un trabajo que le ha valido el premio al mejor disco (en la categoría Músicas del Mundo) en "Les Victoires de la Musique" de la Academia de Música de Francia, el WOMEX Awards de 2016 y el Songlines Music Awards de 2017.

01. Abatina
02. I Am African
03. Leave Me Alone (feat. Manu Chao)
04. Far From Home
05. Calypso Queen
06. Zoom Zoom Zoom
07. Trouble
08. Love Me or Leave Me
09. No Madame
10. Woman Smarter
11. Human Race
12. Wah Fu Dance!





“Leyenda” es, definido por la propia Ana Alcaide, “un viaje hacia un lugar atemporal e inquietante de historias atávicas, donde lo femenino se muestra con toda su fuerza, inmensa, como es la naturaleza”.

Lo femenino… El poder de una fuerza creadora y destructora, tan dócil como indómita, invisible, mágica, imprevisible, eterna y secreta, que burbujea latente en la cadena de sangre de todas y cada una de las hijas de la tierra; pura, temible, silenciosa y a menudo silenciada, tan profunda y arcana, tan salvaje y mineral como el principio de los tiempos…
http://www.musicafolk.es/escucha-leyenda-lo-nuevo-de-ana-alcaide/

 Blog de Ana... http://www.anaalcaide.com/leyenda-1/



Ana Alcaide: Voz, Nyckelharpas, Violin de Hardanger, Ambientes
Rainer Seiferth: Guitarras, Cittern, Percusiones
Bill Cooley: Laud Medieval, Psalterio, Santur, Percusiones
Bruno Duque: Whistles, Caracola, Moxeño, Clarinete, Flautas, Dulzaina, Ambientes y Coros
Ido Segal: Hansa Veena, Percusiones
Paul Castejón: Teclados, Ukelele, Duduk, Hang, Percusiones, Coros



Es un triste y trágico hecho que las personas que viven con Albinismo (una condición genética que resulta en poco o nada de pigmentación en la piel, cabello y ojos) en África Oriental son perseguidos y cazados, basados ​​en la creencia de que sus partes del cuerpo pueden transmitir poderes mágicos Y que de alguna manera son "demoníacos". Como resultado, han sido asesinados y desmembrados, constantemente viven con miedo.

En el año 2016, el productor Ian Brennan (mejor conocido por producir el álbum ganador del Grammy de Tinariwen, Tasili, así como los lanzamientos del Proyecto de la Cárcel de Zomba) se dirigió a Ukerewe, la isla interior más grande de África, que sólo puede ser alcanzada por un Overpacked cuatro horas de viaje en ferry. Es un lugar tan remoto que históricamente la gente a menudo viajaba allí para abandonar a sus hijos con albinismo y ahora sirve como un refugio para muchos con la condición.

Allí trabajó con miembros de la comunidad de Standing Voice, quienes se ofrecieron como voluntarios para talleres de composición. Brennan los animó a escribir sobre sus experiencias ya expresar lo que querían que otros entendieran acerca de su existencia. Pero incluso entre los que estaban dispuestos, el canto era difícil dentro de un grupo que rutinariamente evitaba el contacto visual, rara vez hablaba por encima de un susurro y no estaban acostumbrados a bailar.

Al llegar a la isla, Brennan se enteró de que a la comunidad local con albinismo no sólo se les había pedido que cantaran, sino que a menudo estaban prohibidas, incluso en la iglesia. Por espantoso que sea, tal vez no debería ser una sorpresa, ya que entre los padres que realmente eligen mantener a sus hijos, algunas familias a menudo obligan a ese niño a comer fuera y aparte de sus otros hermanos.

Una vez que la música empezó a fluir, no es sorprendente que los temas de soledad surgieran en el trabajo: "Yo soy un ser humano", "Chismearon cuando nací", "La vida es dura" y "¿A quién podemos dirigirnos?" Sólo algunos ejemplos. Muchas letras fueron escritas en Kikirewe y Jeeta, ambos dialectos que oficialmente fueron desalentados y censurados después de la unificación del país en 1964. Como con el Proyecto de la Prisión de Zomba de Brennan, el Colectivo de Albinismo de Tanzania ofrece una visión de la música que viene del corazón y el alma de Un grupo de personas, que hasta ahora han estado casi completamente bajo representado y "inaudito". El álbum resultante es a su vez hermoso, emocional, angustiante, fascinante y lo más importante, completamente "humano".

Aquellos con Albinismo en el África Oriental son a menudo referidos por sus opresores como "Blancos", lo que llevó a los miembros del Colectivo Albinismo a tomar el control de ese mensaje de una manera autorizada, en vez de denigratoria, de ahí el título de álbum African Power. Comentando el título, el productor Brennan declara: "Como uno de los grupos más perseguidos del planeta, cuando un miembro de la comunidad de albinismo en Tanzania -especialmente aquellos que han sido cazados, asaltados, acosados ​​diariamente, abandonados, rechazados y / o reubicados Por el gobierno para su propia protección física "

For those that are inspired, please donate to the Tanzania Albinism Collective’s partners on Ukerewe Island, where you can easily donate with one simple click. www.standingvoice.org





1 Life Is Hard 1:02
2 White African Power (We Live In Danger) 1:22
3 This World Has Gone Wrong 1:07
4 I Will Build A Home, Someday 1:41
5 Sorrows 1:03
6 You Are Mine 1:20
7 Albino Brotherhood 1:41
8 Tanzania Is Our Country, Too 1:08
9 They Gossiped When I Was Born 0:44
10 I Am A Human Being 1:01
11 Peace Has Vanished 1:26
12 Forward Motion...At Last!!! 0:25
13 Disability Is Not A Curse 1:08
14 Mistreated 1:05
15 Unity Is Our Strength 0:55
16 Stigma, Everywhere 1:34
17 Love Has Left Me 1:05
18 Never Forget The Killings 1:59
19 Albino Day 0:51
20 Stop The Murders 0:29
21 Who Should We Run To? 1:25
22 Standing Voices (Once, I Was Abandoned) 1:02
23 Happiness 5:24


Juana Rosario Molina Villafañe (Buenos Aires, Argentina, 1 de octubre de 1962) es una cantante y actriz, hija del cantante de tango, Horacio Molina y de la actriz Chunchuna Villafañe. Ella es mundialmente famosa por su sonido distintivo, que generalmente se considera folktronica, como también a interpretar géneros como ambient, experimental, neofolk, indietronica, psicodélico e indie pop.
https://es.wikipedia.org/wiki/Juana_Molina

La argentina Juana Molina es una celebridad absoluta dentro del underground de su país, gran parte del Cono Sur y hasta Radiohead se declaran seguidores suyos. Y se lo tiene bien ganado, sin duda. Este “Halo” que ahora presenta fue grabado en Texas -lejos de su estudio bonaerense- junto a sus buenos músicos habituales y con la presencia de John Dietrich de Deerhoof como invitado. Como en anteriores entregas, su sonido se debate -sin colisión- entre ese humanismo naturalista y folkie y la valiente experimentación electrónica sin complejos. No hay apenas baile, es un regreso parcial a lo acústico e intimista de la Juana Molina de antaño. Y aquí, sin duda, suena la mejor versión de su voz. Seguramente “Paraguaya” es el mejor de los temas de este notable álbum -por su belleza y carácter etéreo-, pero también destacan la crepuscular y mística “Lentísimo Halo” y la indietrónica y suave “Cara de espejo”. Un trabajo estupendo de una artista que España debe de acoger ya mismo desde el respeto y la sorpresa. Ah, y la envidia.
http://www.mondosonoro.com/criticas/discos-musica/juana-molina-halo/




01. Paraguaya (03:44)
02. Sin dones (05:41)
03. Lentisimo halo (05:24)
04. In the lassa (04:39)
05. Cosoco (04:58)
06. Calculos y oraculos (04:47)
07. Los pies helados (05:23)
08. A00 B01 (04:30)
09. Cara de espejo (05:04)
10. Ando (03:50)
11. Estalacticas (04:53)
12. Al oeste (03:38)







Lila Downs es un ícono latinoamericano del arte, la música y la cultura. Tras múltiples premios Grammy, 11 discos de estudio e influencias de diversos géneros musicales como el jazz, blues, soul, cumbia, rock y hasta rap, Lila lanza el día de hoy, 26 de mayo, su décimo segundo álbum titulado Salón, lágrimas y deseo, un material discográfico que busca continuar su lucha por el empoderamiento de la mujer, tema por el cual se ha manifestado a favor. El mismo cuenta con diversas colaboraciones, entre las cuales destaca la participación de Diego El Cigala, Carla Morrison, Mon Laferete y Andrés Calamaro.
El público puede disfrutar en plataformas digitales de su actual sencillo “Peligrosa”, canción de la autoría de Lila Downs al estilo blues que relata la historia entre una mujer intrépida, hermosa, afanosa y caprichosa, quien no sabe lo que siente por su ser amado pero está segura de quererlo todo con él, al punto de pensar que su sentimiento parece amor.


Lila ha sido embajadora de Amnistía Internacional contra los feminicidios en México y Latinoamérica, así como vocera del Fondo Guadalupe Musalem por la educación de las niñas indígenas de su natal Oaxaca y vocera de la Organización Panamericana de la Salud para combatir las muertes maternas por hemorragia con su campaña #CeroMuertesMaternas.
A lo largo de su carrera, Lila Downs ha apoyado diversos proyectos culturales y sociales, caracterizándose por su trabajo multicultural, cantando música tradicional mexicana y nativa de Mesoamérica, en español, inglés y en lenguas de las culturas Mixteca, Zapoteca, Maya y Náhuatl. Además de que en sus canciones y proyectos de activismo social ha expresado sus preocupaciones por temas como la justicia, los derechos civiles, amenazas de los periodistas en el país y más recientemente sobre la situación de los migrantes en Estados Unidos bajo la administración Trump.
Por ello, además de ser ganadora de 4 premios Grammy Latino y 1 Grammy por su talento musical, también recibió el año pasado un título Doctorado Honoris Causa Por la Universidad DePaul en Chicago debido a su gran trayectoria, que se ha caracterizado por exponer las tradiciones mexicanas, los ritmos latinoamericanos y la justicia social a través de su música.
Así como al principio de su carrera, Lila vuelve a algunos clásicos del bolero, para expresar la universalidad del sentimiento básico, el amor y el desamor del ser humano.
Lila se presentará, como cada año, en El Auditorio Nacional. Será el día 5 de noviembre del 2017 cuando su público podrá gozar de su show en este importante recinto.


1. Urge
2. Palabras de mujer
3. Peligrosa
4. Tus pencas
5. La mentira
6. El Querreque
7. Inmortal
8. Piensa en mí
9. Envidia ft. Andrés Calamaro
10. Seguiré mi viaje
11. Ser paloma ft. Carla Morrison
12. Son de Juárez ft. Banda Tierra Mojada
13. Un mundo raro ft. Diego “El Cigala”
14. Peligrosa ft. Mon Laferte

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Salah Ammo vive en Viena desde 2012 debido a la situación en su país de origen, Siria. Todo lo que trajo de allí fue su bouzouki, su música, su pasión y su sueño musical. La voz conmovedora de Salah Ammo se acompaña de la extraordinaria y sensible instrumentación y del canto de Peter Gabis. Las composiciones que nos presentan están en lengua kurda y árabe y proporcionan un espacio emocionante y de versátil comunicación musical para los dos artistas.

Antes de trasladarse a Damasco para estudiar en el Instituto Superior de Música, Salah Ammo vivió y creció en el norte de Siria, donde los pueblos kurdo, árabe, armenio, y asirio convivieron juntos durante cientos de años. Influenciado por la música de estas culturas, presentó su experiencia con su grupo JOUSSOUR, considerado como una de las bandas interculturales más importantes de su país. Por su parte, Peter Gabis es baterista de jazz, percusionista y cantante de tonos. Estudió en Viena y Nueva York, y es conocido como un sólido percusionista en la vibrante escena vienesa de jazz, habiendo participado en innumerables conciertos y giras en Europa, Estados Unidos, Australia y África. En los últimos años se ha centrado en la música étnica, en paisajes sonoros meditativos y en el canto de tonos, siendo profesor de percusión en el Conservatorio de Viena.

El proyecto de Salah Ammo y Peter Gabis comenzó en 2013, y el resultado es Assi – A Story of a Syrian River (2014), donde las composiciones que realizan reflejan la apertura de los músicos para combinar diferentes estilos de muchas culturas e interpretarlas de una manera totalmente novedosa. Las letras son profundas, e incluso cuando la o el oyente no entiende el idioma, la emocionalidad de los paisajes sonoros que crean transportan al significado de las canciones.

El título del álbum "Assi" es el nombre de un río en Siria (el río Orontes) y significa "desobedecido" porque fluye al revés. En la canción "Assi" se lleva a cabo un diálogo entre Assi y el cantante, durante el cual intercambian ideas sobre la tragedia siria y la traición del mundo al pueblo sirio y a su calvario humanitario. La historia de "Assi" se sitúa metafóricamente en las historias de millones de sirios/as. El río solía ser una fuente vibrante de energía para las ruedas de agua (Nuayir) de la ciudad de Hama (una de las ciudades monumentales más famosas de Siria).

Además de "Assi", el álbum cuenta con otras seis canciones en árabe y kurdo. El álbum contiene un libreto que presenta cada canción en kurdo, árabe, inglés y alemán, diseñado por el artista sirio Ahmad Ali (que reside en Paris). En definitiva, Assi: A Story of a Sirian River es la respuesta musical de un hombre que perdió su hogar, pero no su esperanza de un mundo mejor.

01. Leysa Lil Kurdi illa Arrieh
02. Assi
03. Sabahkon Huorya, Roja wa Azzadi ba
04. Darweshe Avdi
05. Rojava ma
06. Lami Maqam "Ya man Hawaho"
07. Alhajir


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Ana Tijoux se presenta golpeando almas y conciencias con los versos de su último álbum hasta la fecha, Vengo, aparecido en 2014. Un trabajo que le valió una nominación como Mejor Álbum Latino en la edición de los premios Grammy de 2015. Lejos de arquetipos raperos, la artista se ha labrado una reputación como abanderada del hip-hop de protesta, actitud que acompaña con una rica formulación musical. Ambos aspectos se equilibran perfectamente en una propuesta que ha llamado la atención no solo del público latinoamericano, ya que también ha sido aplaudida en escenarios de Europa y Estados Unidos. Baste señalar que, según The New York Times, Tijoux es "la respuesta latinoamericana a Lauryn Hill".

Mezclando ritmos y culturas, Vengo es una bomba sonora de 17 temas, que pasa desde el tinku (Bolivia) hasta el hip hop más ácido y contestatario, incluyendo matices instrumentales con manifiestos emocionales, políticos, llenos de carencias sociales y culturales conocidas por todas y todos. Prueba de ello es "Somos Sur" (donde comparte líricas con Shadia Mansour, rapera de origen palestino); "Antipatriarca", dedicada expresamente a la liberación femenina y reivindicación de la mujer en nuestra sociedad, y "Somos todos erroristas" la que, siguiendo en la línea de las colaboraciones, posee el aporte de Hordatoj.

"Los Peces Gordos no pueden volar" es una canción dirigida a su hijo donde, por medio de su lírica, le muestra las verdades de nuestro sistema, la injusticia y como él (nosotros/as) podemos hacer de nuestro entorno un espacio mejor y más amigable. "Río Abajo" vuelve a ser un tema que exacerba ritmos autóctonos con una letra reivindicadora.

En "Oro Negro", sacando a relucir la versatilidad de su voz sin perder la rítmica del hip hop como base, Tijoux esboza nuevas críticas, esta vez contra la guerra y la ambición que hay tras ella. Un canto a la paz en su estilo, con una armonía agradable que logra su objetivo: llamar a la reflexión y dar a entender que las luchas bélicas por el poder y el enriquecimiento sólo hacen del pueblo alimento para la muerte. Otro punto álgido dentro del presente trabajo.

Fuera de ciertas comparaciones que puedan darse con otras bandas e intérpretes latinoamericanos, Tijoux ha facturado un álbum de combate que también destaca en lo musical, con un hip hop instrumental que repasa un variopinto de ritmos andinos y autóctonos que logran dar un baño nuevo al ambiente musical iberoamericano. Todo un acierto.

01. Vengo
02. Somos Sur (con Shadia Mansour)
03. Antipatriarca
04. Somos todos erroristas (con Hordatoj)
05. Er-rrro-r
06. Los Peces Gordos no pueden volar
07. Creo en tí (con Juanito Ayala)
08. Los diablitos
09. Interludio Agua
10. Rio Abajo
11. Oro Negro
12. Delta (con Mc Niel)
13. No más
14. Todo lo sólido se desvanece en el aire
15. Emilia (con RR Burning)
16. Rumbo al Sol (bonus track)
17. Mi verdad (bonus track)





A penguin stands in the middle of a scorching desert, far away from its natural habitat. This mirrors composer Arthur Jeffes’ journey and exploration into a new musical territory. Penguin Cafe have evolved into something of their own at the hands of Arthur who started the band in 2009 with the continuation and homage to his father’s legacy, to the late Simon Jeffes’ Penguin Cafe Orchestra. Now, their upcoming album The Imperfect Sea echoes reminiscent sounds that embrace the new.

The album title refers to a saying by his father that “we wade in a sea of imperfections…”, reflecting upon the idea that beauty can be found amongst the chaos. “If there is a narrative to the album it’s coming to the acceptance of the imperfections in all aspects of life; moreover, the recognition that these imperfections and tiny randomnesses are in fact what make up the best parts”, Arthur explains.






1 Ricercar 4:34 
2 Cantorum 7:23 
3 Control 1 (Interlude) 6:57 
4 Franz Schubert 5:46 
5 Half Certainty 2:31 
6 Protection 5:22 
7 Rescue 6:29 
8 Now Nothing (Rock Music) 4:38 
9 Wheels Within Wheels






he’s played with everyone from Radiohead to Lee “Scratch” Perry, but the 2012 debut by this Bahrain-raised, London-based trumpeter was a spartan collection which tried, tentatively, to fuse the maqam melodic modes used in Arabic music with Miles Davis’s modal jazz. This time, however, Ahmed improvises more fluently in these Arabic scales. It adds a futuristic, Fourth World dimension to the textures created by an unorthodox, Bitches Brew-style line-up that features Shabaka Hutchings on bass clarinet and Naadia Sheriff on Fender Rhodes piano. Riff-based tracks such as Organ Eternal and a cover of Radiohead’s Bloom resemble the slightly clinical post-rock of Jaga Jazzist or Tortoise, but Ahmed works better when she’s being less strident. On the space age jazz waltz The Space Between the Fish and the Moon, her haunting solo is elegantly mutilated by FX pedals until it sounds as though her flugelhorn is melting before our very ears.

https://yazzahmed.bandcamp.com/



1. Inhale 01:21 
2. Jamil Jamal 08:12 
3. Misophonia 01:13 
4. The Space Between The Fish and The Moon 05:02 
5. La Saboteuse 04:31 
6. Al Emadi 06:15 
7. Inspiration Expiration 01:01 
8. The Lost Pearl 07:19 
9. Bloom 05:07 
10. Belielle 07:22 
11. Whirling 00:42 
12. Organ Eternal 07:22 
13. Exhale 01:26




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Zukva (2016) es el título del nuevo trabajo del grupo bosnio Divanhana, que interpreta música tradicional con nuevos arreglos creados bajo la influencia del jazz, el pop y la música clásica del siglo XX. La intención de Divanhana es presentar la música urbana, no sólo de Bosnia y Herzegovina, sino también la música tradicional de toda la región de los Balcanes, con un acento particular en el estilo llamado Sevdah o Sevdalinka. La música Sevdah es el equivalente bosnio al fado portugués. Al igual que el fado, Sevdah (que deriva de la palabra turca "mal de amores") expresa los estados de ánimo románticos, la tristeza del amor perdido y la pasión adquirida, comparable a la saudade.

Divanhana fue fundado a principios de 2009 por un grupo de jóvenes estudiantes de la Academia de Música de Sarajevo. La banda grabó su disco debut Dert en 2011 en el estudio Fattoria Musica de Osnabruck (Alemania) en cooperación con Vanja Muhović. El álbum es el resultado de una investigación etnomusicóloga de dos años reflejada en el hecho de que algunas de las canciones del disco nunca fueron grabadas o publicadas antes.

A principios de 2013, Divanhana inició su primera gira europea, con exitosos conciertos en Suecia, Alemania, República Checa y Turquía. El álbum Bilješke iz Šestice (lanzado en noviembre de 2013) coronó dos años de gira, viaje y trabajo creativo de la banda.

En mayo de 2014 publicaron el tema "Zvijezda tjera mjeseca", grabado como la canción oficial de la selección nacional de fútbol de Bosnia y Herzegovina para celebrar su participación en la Copa del Mundo de Brasil. Poco después, la canción se convirtió en un éxito regional, contando con la participación del rey macedonio de la trompeta Džambo Agušev y el virtuoso de la guitarra Emir Hot, de Tuzla.

En mayo de 2015, en el ambiente creativo del estudio Long Play de Sarajevo, la banda experimentó con el sonido y enriqueció su arte con las melodías de la tamburica eslava, la suavidad de la guitarra clásica de Boško Jović y el violonchelo de Lana Kostić, el virtuoso y creativo violinista serbio Filip Krumes. Y, finalmente, en colaboración con la joven y talentosa artista de Sevdah, Naida Čatić. Todo el trabajo creativo realizado durante el año 2015 fue unificado y editado bajo un simbólico nombre: Zukva. Zukva es una manzana amarga que crece en Bosnia y Herzegovina, símbolo de las fuertes raíces del patrimonio histórico y cultural de Bosnia y Herzegovina. La banda continúa su viaje por la región de los Balcanes, recogiendo en su bolsa la rica herencia musical de la zona, melodía por melodía, como un cesto de manzanas pequeñas. En ese sendero ondulado, como el árbol de Zukva, se encuentran con rostros opuestos de tradiciones y costumbres que injertan su propia música y que dan, como resultado, el sonido del presente disco.

01. Oj Safete, Sajo, Sarajlijo
02. Da sam ptica
03. Ciganka sam mala
04. Zašto si me majko rodila
05. Otkako je Banja Luka postala
06. Emina
07. Sejdefu majka buđaše
08. Zvijezda tjera mjeseca (feat. Emir Hot & Džambo Agušev)
09. Pijanica, bekrija
10. Zapjevala sojka ptica





Es un debut en un doble respeto: el primer álbum de Sami, Mari Boine, completamente en inglés y su primer álbum para el sello MPS, grabado por el productor Tobias Frøberg. Un sonido pop melancólico y esférico se encuentra con un sofisticado concepto lírico.
"Algunas melodías que escojo de los árboles como fruta", dice MARI BOINE sobre su proceso de composición. La cantante ha sido la embajadora no oficial de la gente sami en el extremo norte de Escandinavia durante más de dos décadas, pero también es una poeta en sintonía con la naturaleza. Pero, por supuesto, la composición no siempre es tan fácil. "Otras canciones son más difíciles de moldear", añade Boine.


Today starts now
Chasing myself into reality
See the woman
Some sai I got Devil
Happily ever after
2-4-6-7-8-9 in one
Yes
Teepee rom
This is my heart
Twin soul
Adine & Isak – My treasures
Crowded streets of blue



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Sidestepper es un grupo que ha sido parte importante de la escena musical iberoamericana revolucionando los sonidos tradicionales de la región al mezclarlos con vanguardias sonoras. Su mezcla particular incluye elementos de la música antillana: un poco de dub, drum and bass, dancehall y el ingrediente base, la música colombiana. El grupo liderado por el productor inglés Richard Blair, con su particular fusión, ha inspirando a toda la nueva generación de grupos, iniciando la nueva ola de la música electro-acústica en Colombia desde 1997.

Supernatural Love (2016) es su trabajo más reciente (realizado con ayuda de una campaña de crowfunding), en el que participan Juan Carlos "Chongo" Puello, Eka Muñoz, Ernesto "Teto" Ocampo y "Batatica". Un trabajo innovador en la mezcla de sonidos de todo el mundo, explorando sonidos africanos (Nigeria y El Congo), del Caribe y, por supuesto, los colombianos como la cumbia y el bullerengue. Se trata de un repertorio en el cual cada pieza resulta embriagante, y en conjunto funcionan como un paisaje sonoro cálido y contemplativo que evoca cierta ancestralidad, que es un viaje por los ritmos mestizos pero también el ingrediente para estimular los oídos y danzar en una playa del Caribe.

01. Fuego que te llama
02. On the line
03. Supernatural love
04. Come see us play
05. Magangué
06. Song for the sinner
07. Lover
08. La flor y la voz pt 1
09. La flor y la voz pt 2
10. Hear the rain come
11. Celestial
12. Supernatural soul



Oumou Sangaré fue coronada hace tiempo realeza musical en Malí. Conocida por sus voces formidables y sus mensajes sin miedo, se conoce tanto por su soberanía femenina como por su profundidad integral del estilo tradicional. A finales de los ochenta obtuvo popularidad con su interpretación de la música Wassoulou, un estilo regional basado en canciones de cazadores de larga tradición que tienen un fuerte vínculo con el blues africano, soul y funk. La celebración de un Grammy a su nombre, no es sólo una estrella africana, sino una figura internacional.

Su último lanzamiento, el último en nueve años, se llama Mogoya que significa 'La gente de hoy', el álbum habla de las luchas cotidianas de los que viven en Malí, en particular a las luchas de las mujeres. Las canciones ponen al descubierto un alma de corazón de león dedicadamente entregando cuentos de conflicto emocional.

La segunda canción 'Yere Faga' con Tony Allen (ex baterista de Fela Kuti) es una pieza infestada de groove. Este latido se arrastra directamente bajo tu piel. Comenzando con una ráfaga de bellas voces de capas inmediatas, los fantasmas back-beats comienzan a formar la marcha a su protesta. Sangaré es una diva con voces ricas pero desafortunadamente, la fuerza de sus letras crudas sensacionalmente cargadas es sofocada por la reverberación. Sin embargo, hay una gran fuerza en el minimalismo de esta pista, donde ningún instrumento habla sobre la voz principal y le permite concentrarse completamente. Las lluvias rápidas de la guitarra eléctrica y las melodias que giran alrededor de sus zancadas vocales.
http://www.rhythmpassport.com/articles-and-reviews/album-review/album-review-oumou-sangare-mogoya-no-format-19th-may/



1. Bena Bena
2. Yere Faga Ft. Tony Allen
3. Fadjamou
4. Mali Niale
5. Kamelemba
6. Djoukourou
7. Kounkoun
8. Minata Waraba
9. Mogoya




















Diluït entre totes eixes informacions – enllaços, retroenllaços, tweets, posts – que es generen durant les festes del poble hi havia un llançament d’un recopilatori ben especial, el In Balkan Klezmer we trust, fruit del treball de selecció del DJ basc DJ Rumaniak, especialista dels sons balcànics i de l’Europa de l’Est a la Península Ibèrica. Ja veieu que ha fet falta uns dies per integrar la informació i descarregar-lo, ja se sap, la rentrée i liquidar els afers que ja dataven com aquell iogurt que ha passat l’estiu al racó esquerre superior de la nevera. De totes formes valia la pena revindre cap enrere perquè a este recopilatori hi trobem un poc el bo i millor de les bandes estatals que juguen amb els ritmes de l’est, fent variant el grau d’ortodòxia, fet que encara fa més interessant el recopilatori. Entre les formacions seleccionades n’hi ha dos de valencianes, els alcoians de Pelandruska i els ontinyentins de La Trocamba Matanusca, així com la Freak Fandango Orchestra o Assabè.

Dels primers, de Pelandruska, hem de parlar, ja que van publicar “bodes, batejos i circumcisions” esta primavera passada – sí, també amb uns mesos de retràs, va com va – que no deixa de ser un disc amb els diversos enregistraments de la formació. L’àlbum conté tretze peces instrumentals amb algunes veus robades als companys d’Ovidi Twins, que fan tota la pinta de ser companys de batalles de dia i nit. El nom del disc ja deixa entreveure que es tracta bàsicament de klezmer, que no deixa de ser la música dels casaments i de les cerimònies de circumcisió dels jueus de l’Est de l’Europa. Els batejos, suposem, estan per fer de pont, però també per deixar una pinzellada d’un humor ben marca de la casa. L’humor, en un disc instrumental, o el fas amb els títols o no el fas.
Els primers temes poden semblar relativament ortodoxes a la sonoritat klezmer, fet que no impedix un alt voltatge per moments. Però la percepció de l’oient lambda és que estem davant d’un disc de folkis. Però les aparences enganyen. Les darreres cançons del disc van guanyant en watts i de fet incorporen bases electròniques. La botija de Tesla, que jo la interpreto com una inspiració llunyana o un avant-preludi de Tesla d’Orxata, és possiblement de les cançons més arrodonides del disc, amb un polset d’electrònica, ma non troppo, i amb l’única dolçaina del disc, ben circumscrita en un ritme que li escau perfectament. Aravésivoràs encadena amb les bases electròniques i culmina el disc, deixant entreveure en l’atmosfera electrificada que hi ha potencial per fer encara més remescles i forçar encara un poc més la rodeta. Que així siga i que tinguem klezmer en bodes, batejos i cerimònies civils.





01. Skotshne - 04:28
02. Menisc a l'escala - 03:20
03. L'altra haca la trac - 03:26
04. Reggaetwin - 03:36
05. Margarida - 03:41
06. Còmlidic - 02:53
07. Bacanal 9 - 04:09
08. L'himen d'Alcoi(t) - 07:00
09. (H)a mor(t), (h)a mor(t) - 03:30
10. Space invaders are smoking grass in Margarida - 05:17
11. La gitana d'Alcassares - 03:44
12. La botija de Tesla - 05:23
13. Aravésivoràs - 06:19


Músics de Pelandruska
David Galbis : acordió diatònic i acordió cromàtic
Llúcia Palàcios : acordió cromàtic i castanyoles
Cato : Clarinet, sac de gemecs, metal·lòfon i percussió
Ivan Candela : guitarra i acordió cromàtic
Raül Calatayud : flauta dolça i timple

Col·laboren
Roser Negro : flauta travessera
Pau Martí : violí i percussió
Xavi Learreta : percussió
Elies Fuster : percussió
Josep Alcover : trombó
Juan Bonet : trombó
Desi Calatayud : electronicaire
Txumi : electronicaire

i també
Ovidi Twins : veus totalment robades








TajMo marca una convergencia oportuna de los talentos de dos únicos artistas americanos que ya han construido legados iconoclasta individuales que han ampliado y ampliado las tradiciones de blues en un nuevo territorio aventurero. La colaboración saca lo mejor de ambos artistas, combinando sus voces, personalidades y estilos de guitarra para crear una música vibrante e inmediata, firmemente arraigada en la tradición y gobernada por un juguetón sentido de la aventura. El álbum cuenta con apariciones como invitada de Sheila E., Joe Walsh, Lizz Wright y Bonnie Raitt, quien presta su voz a una portada distintiva del himno de John Mayer "Esperando en el mundo para cambiar".





1.Don't Leave Me Here Taj Mahal , Keb' Mo' 05:02 
2.She Knows How To Rock Me Taj Mahal , Keb' Mo' 02:40 
3.All Around the World Taj Mahal , Keb' Mo' 03:22 
4.Om Sweet Om Taj Mahal , Keb' Mo' , Lizz Wright 03:35 
5.Shake Me In Your Arms Taj Mahal , Keb' Mo' 05:58 
6.That's Who I Am Taj Mahal , Keb' Mo' 04:17 
7.Diving Duck Blues Taj Mahal , Keb' Mo' 04:28 
8.Squeeze Box Taj Mahal , Keb' Mo' 03:16 
9.Ain't Nobody Talkin' Taj Mahal , Keb' Mo' 04:00 
10.Soul Taj Mahal , Keb' Mo' 06:00 
11.Waiting On the World To Change Taj Mahal , Keb' Mo' 02:42



For those that have followed the evolution of GoPro’s impressive video and film output over the last 3 years , William Ryan Fritch’s music will be immediately recognizable. From product launches, viral videos, heartwarming character studies to captivating short films; his music has helped punctuate some of GoPro’s most memorable stories with his beautiful, sweeping compositions.

With Eagle Hunters in a New World, GoPro has forged ahead into new and exciting territory with the breadth of its film making and has partnered with Fritch to create a singular and engrossing sound world that underscores both the otherworldly beauty of Mongolia and the unique social and cultural changes that are affecting age old traditions and ways of life. Drawing its rich colorful sound world from both traditional Mongolian instrumentation and modern orchestration, the music of Eagle Hunters.. captures both the almost alien vastness of Mongolia’s landscape, still largely undefiled by modernity, and its jarring juxtaposition with the rampant growth and startling change its cities are undergoing.

In its most ambient moments, immersive, otherworldly choirs and strings envelope plaintive and pastoral calm like unencumbered winds sweeping across vast plains. At its most bombastic, the rhythms race and rumble like beating hooves in pursuit. And in its most soaring moments, the music emanates an aura of the surreal grace and power these golden eagles display with reverence, awe and a melancholy of knowing the world they fly over is changing so fast.





1.Bek 03:20 
2.Burkitshi 02:31 
3.Tending the Herd 02:12 
4.Goshawks II (Bonus Track) 03:00 
5.Aegil 03:05 
6.Distant Hooves (Bonus Track) 01:43 
7.Karakorum 02:46 
8.Gold Colored Foxes 03:13 
9.Gurts 02:12 
10.Qusbegi 02:42 
11.Sala Ensalaar 03:30 
12.Red Wolves 02:28 
13.Goshawks 03:01 
14.Scattered Flocks 01:33 
15.Burkit 02:13 
16.Tsingali 02:24 
17.On Strong Winds (Bonus Track) 02:38 
18.Descendants 03:36



1 Mar Azul 3:35 
2 Cize 5:19 
3 Estanhadiha 2:41 
4 Cabo Verde 3:12 
5 Belga 4:54 
6 Cretcheu Di Ceu 6:12 
7 Cinturão Tem Mel (Dansa Tcha Tcha Tcha) 3:31 
8 Separação 4:49




"Legends of Benin" es una colección de obras maestras muy rara y altamente bailable, grabadas entre 1969 y 1981 por cuatro legendarios compositores de Benín: Gnones Pedro y Ses Dadjes, Antoine Dougbé, El Rego y Ses Commandos y Honoré Avolonto.

Cada uno de ellos tiene su propio sonido característico: una gruesa mezcla de agbadja, soul, cavacha, funk, afro-beat y sonidos afro-latinos, todos mezclados con ritmos tradicionales pesados, ¡un sonido distintivo beninés!

Gnonnas Pedro siempre ha sobresalido en muchos estilos de música, pero si se tuviera que asociarlo con un género particular sería agbadja. Agbadja es un ritmo enormemente popular en Togo, Benin y Ghana. Se basa en tres percusiones, cada una con un tono diferente. El epicentro de ese ritmo es una región llamada Le Mono, situada en el centro de Benín, y lugar de nacimiento de Gnonnas Pedro. Es un ritmo utilizado principalmente durante las ceremonias de entierro. Gnonnas lo adoptó y modernizó a mediados de los años 60 llamándolo "agbadja moderno". Se convirtió en su sonido de marca registrada y pronto fue doblado 'le roi du rhythme agbadja'. La pista "Dadje Von O Von Non" fue grabada originalmente en 1966 y es la primera versión moderna de Gnonnas de agbadja. También se presenta aquí la loca canción funk "Okpo Videa Bassouo" grabada en 1973, así como la sublime y contagiosa pista "La Musica en Verité".

Honoré Avolonto comenzó su carrera hace 40 años como percusionista. El joven jugador de tumba se convirtió en uno de los compositores más prolíficos de Benin: "Yo estaba componiendo tantas melodías que algunos productores se quedaban sin dinero y me pagaban con bienes; Recuerdo haber recibido una antorcha por una canción una vez ". Avolonto compuso el LP más exitoso de Benin (No Title-SAT 143) que fue grabado para el sello discográfico Satel a finales de los años 70. Ese álbum fue grabado con Black Santiago, una banda liderada por el increíble trompetista Ignace De Souza, otra leyenda, con la que grabó la canción afro-beat "Dou Dagbe We" unos años antes. Avolonto ha dirigido algunas de las bandas más poderosas de Benin y algunas de las asociaciones con la Orquesta Poly-Rythmo y Les Commandos se presentan aquí. ¡Tener cuidado! ¡El afro-beat asesino encuentra el funk frenético!

En los últimos años, los discos de vinilo de El Rego y Ses Commandos han llevado a la escena del funk DJ a la tormenta, con algunas cosas increíbles lanzadas en Albarika Store y Aux Ecoutes desde los años 70. Durante al menos un año Analog Africa operaba únicamente con dinero generado a partir de discos El Rego vendidos a DJs y coleccionistas, así que cuando decidí lanzar música de Benín, era natural que El Rego fuera el primer artista de ese país que buscaría Para obtener los derechos de licencia para. Esta recopilación incluye la primera canción afro-soul-funk de Benín (llamada como te gusta) grabada por El Rego con el apoyo del cantante de Ghanean Eddy Black Power. La escena sacudida en Benin fue desencadenada por el éxito generado por la fenomenal canción "Feeling You Got", que tenía un riff de acordeón infeccioso que no parecía sorprender a nadie en Benin, ya que musicalmente todo era posible en ese momento. Como consecuencia bandas comenzaron a componer melodías en el modelo de esa canción - la Orquesta Poly-Rythmo de Cotonou siendo uno de ellos, y así es como comenzó la loca escena del funk. "E Nan Mian Nuku" es una melodía afro-latina combinada con una especie de bossa nova. Hemos incluido "Vimado Wingnan", la pista de funk más codiciada de Benin - y es comprensible.

La Orquesta Poly-Rythmo no sólo compuso y grabó cientos de canciones, sino que todavía encontró tiempo para arreglar y grabar para otros artistas, uno de ellos siendo 'le ministre du diable' Antoine Dougbé. De todos los artistas aquí, Dougbé es el menos conocido incluso en Benin, pero la calidad y el poder de su composición lo convierten en mi leyenda personal. Una cosa es segura, creó su propio estilo al que llamó afro cavacha. Es una mezcla fantástica de rumba congoleña, sonidos latinos y ritmos de vodun traditonal - un melting pot loco si prefiere. Y por último pero no menos importante ... nunca deje un disco de vinilo de Antoine Dougbé detrás, especialmente no los lanzados en su propio sello, las ediciones Dougbé Antoine. Son increíbles y se han convertido en algunos de los artículos de coleccionista más buscados de África.



Tracklisting :
01. Dadje Von O Von Non - Gnonnas Pedro & His Dadjes Band
02. Feeling You Got - El Rego et Ses Commandos
03. Honton Soukpo Gnon - Antoine Dougbé
04. E Nan Mian Nuku - El Rego et Ses Commandos
05. Tin Lin Non - Honoré Avolonto & Orchestre Poly-Rythmo
06. Okpo Videa Bassouo - Gnonnas Pedro et Ses Panchos
07. Ya Mi Ton Gbo - Antoine Dougbe & Orchestre Poly-Rythmo
08. Nou Akuenon Hwlin Me Sin Koussio - Antoine Dougbé
09. Djobime - El Rego et Ses Commandos
10. Na Mi Do Gbé Hué Nu - Honoré Avolonto
11. Vimado Wingnan - El Rego et Ses Commandos
12. Dou Dagbé Wé - Honoré Avolonto & Black Santiago
13. Kovito Gbe De Towe - Antoine Dougbé
14. La Musica en Verité - Gnonnas Pedro & His Dadjes Band




Les Amazones d'Afrique are an all-female collective of west African musicians, campaigning for gender equality. They have been described as a supergroup, and the characterisation seems apt. Angélique Kidjo, Kandia Kouyaté, Mamani Keita, Mariam Doumbia, Mariam Koné, Massan Coulibaly, Mouneissa Tandina, Nneka, Pamela Badjogo and Rokia Koné hold a strong pedigree, and it's a rare opportunity to witness such a collaboration; the real sound of contemporary Africa.
République Amazone is the sound of the diaspora of African music returning home, a reclaiming outside of genre and time. As much at home on the dancefloors of east London, or as part of an Awesome Tapes from Africa festival set in Croatia, as it would be ringing out of a cement brick house in Bamako, it showcases the sparkling range and versatility of its songstresses.




Running on funk and blues with dabs of dub; ancient rhythms blending seamlessly with their western appropriated cousins, Les Amazones d'Afrique sound like an aural actuation of the new melting pot cities of the African continent. Tracks on their album, République Amazone, are sung intermittently in English, French, Bambara and Fon. At times, it's almost as if we are swirling about in several decades simultaneously: filthy backwards or wah wah guitars, distorted thumb piano, dreamy, jazzy chords and soulful singing over a pneumatic beat give way to the kind of Afrobeat best heard as the dawn rises in a muddy field in Europe during festival season. Liam Farrell, who has worked with Afro-pop king Tony Allen and Mbongwana Star, had a firm hand in leading the edgy, industrial feel to the production.
Wedding features dirty shards of Malian blues guitar over insistent, clipping percussion and trippy chords. On Nneka's song La Dame et Ses Valises we eavesdrop on an internal conversation which could be about love, or could be a woman giving herself the best advice: 'Woman, don't you know you are a queen?' Her history is not her destiny. On tracks like Kounani it sometimes feels as if the sounds and arrangements have sneaked into the mid-Atlantic to dance with the Tropicalia of Brazil, enjoying a shared delight in scraping, clanging percussion, off kilter melodies that blossom, moment to moment into beautiful cadence.

Profits from the sale of the track I Play The Kora - the first track to be revealed from the project - will be donated to The Panzi Foundation, led by Doctor Mukwege in Bukavu (DRC), which has provided healing support to more than 80,000 women, nearly 50,000 of whom are survivors of sexualised violence. Les Amazones d'Afrique have started a crowdfunding campaign to help finance the work of Panzi Foundation. Click here to donate.






1 Dombolo (feat. Angélique Kidjo)

2 Mansa Soyari (feat. Rokia Koné)

3 Doona (feat. Mamani Keita)

4 La Dame et Ses Valises (feat. Nneka)

5 Nebao (feat. Mamani Keita)

6 Deep In Love (feat. Rokia Koné, Massan Coulibaly)

7 Anisokoma (feat. Rokia Koné, Kandia Kouyaté)

8 Wedding (feat. Madiaré Dramé)

9 Kounani (feat. Madina N'Diaye)

10 Full Moon (feat. Rokia Koné, Mamani Keita)

11 I Play The Kora (feat. Rokia Koné, Mamani Keita, Nneka, Kandia Kouyaté, Mariam Doumbia)

12 vDesert Storm (feat. Kandia Kouyaté, Rokia Koné)

Subido por Marhali.

José Natividad Cano (Nati Cano) fue el fundador de Mariachi Los Camperos y gran precursor de la música mexicana. Ganador, en 2009, del Grammy al Mejor Álbum de Música Regional Mexicana por Amor, Dolor y Lágrimas: Música Ranchera, la historia del grupo comenzó en 1967 cuando Don Nati abrió su restaurante La Fonda, donde Los Camperos actuaban regularmente. El restaurante le permitió a Cano mantener los niveles artísticos del mariachi y preservar su tradición.

El quinto álbum del grupo bajo el sello Smithsonian, Tradición, Arte y Pasión (2015), bebe del pozo de la expansiva "edad de oro" de la música mariachi en los años 40 y 50 para conjurar ingeniosamente un sonido tan fresco y contemporáneo como lo era entonces. Nuevo, aunque con edad, y explotando la amplia paleta sonora de la instrumentación del mariachi, el álbum refleja el enfoque musical de Cano: "Amor, dedicación, disciplina, orgullo y pasión". Además, el álbum rinde homenaje a la leyenda del mariachi y fundador del grupo Nati Cano, quien falleció en Octubre de 2014.

01. El súchil
02. Yo
03. Parranda larga 04. La petenera (popurrí) ("La petenera", "Tata Dios", "La Cecilia")
05. A los cuatro vientos
06. El framboyán
07. La morena
08. Nuestro gran amor
09. El silencio de la noche
10. El arreo
11. Sones de antaño


Subido por Marhali.

El "Kwassa Kwassa" es un variante del soukous (un tipo de rumba africana bastante peculiar) caracterizada por la rapidez de sus ritmos, en los que se combinan instrumentos tradicionales africanos con otros de origen europeo. Y es el Kwassa Kwassa el que sitúa a Kanda Bongo Man como uno de los gigantes de la música africana.

Su carrera en solitario comenzó a despegar después de trasladarse a París en 1979, donde su música comenzó a incorporar elementos de la entonces vibrante música zouk (originaria de las Antillas francesas). Sus primeros discos en solitario, Iyole en 1981 y Djessy en 1982, se convirtieron en seguida en grandes éxitos gracias a los cambios estructurales que implementó a la música soukous mediante el fomento de solos de guitarra después de cada verso y al principio de cada canción. Esta forma de abordar el soukous dió origen al Kwassa Kwassa como ritmo de baile, donde las caderas se mueven hacia delante y hacia atrás mientras las manos se mueven siguiendo a las caderas.

Detrás de la voz y la carismática presencia escénica de Kanga Bongo Man están las guitarras de Diblo Dibala y Rigo Star (que también enriquecieron, en su momento, los álbumnes de Paul Simon y Papa Wemba), y las de Nene Tchakou y Dally Kimoko, considerados de los mejores guitarristas soukous del mundo, dando lugar a un hermanamiento que dió a su música una calidad maravillosamente alegre y resonante.

La presente recopilación, King Of Kwassa Kwassa (2011), recoge sus principales temas grabados entre 1984 y 1991, canciones que marcaron toda una era de soukous parisinos y que nos muestran una banda en el apogeo de su plenitud.

CD1
01. Malinga
02. Zing Zong
03. Belle Amie
04. Isambe
05. J.T.
06. Sai
07. Aime
08. Amour Fou
09. Bayembi
10. Monie

CD2
01. Naloti
02. Cantique
03. Iyole
04. Ebeneza
05. Djessy
06. Mosali
07. Mazina
08. Ekipe
09. Yonde Love Me
10. Emame




La banda de baile más emblemática de África Occidental ha vuelto. Una década después de su último álbum y casi medio siglo desde su formación, la Orquesta Baobab de Senegal regresa con un conjunto intemporal de melodías clásicas que se balancean fusionando los ritmos afro-cubanos y la tradición africana en el estilo de marca del grupo.

Grabados localmente en el estudio Dakar de Moussa X, las nuevas grabaciones suenan frescas y tranquilizadoras, conservando la madurez del sonido que hizo de Orchestra Baobab una leyenda pero interpretada con vigor y vitalidad, y con unos pocos giros vitales y cautivantes.


Tan duradero como el poderoso árbol africano baobab del que el grupo deriva su nombre, el núcleo veterano de la banda sigue siendo tan fuerte y robusto como siempre. Los vocalistas Balla Sidibe y Rudy Gomis, los saxofonistas Issa Sissoko y Thierno Koite y la sección de ritmos rocosos de larga duración de Balla Sidibe, los timbales, el bajo Charlie Ndiaye y el Koite de Mountaga en las congas.Junto a esta impresionante continuidad se han producido cambios en los diez años transcurridos desde el último disco de Baobab en el World Circuit, 'Made in Dakar', pero han sido ejecutados a la perfección. El guitarrista Barthelemy Attisso, ahora abogado en Togo, está ausente debido a las exigencias de su trabajo diario, pero el jugador kora Abdouleye Cissoko de la región de Cassamance en el sur de Senegal es una adición bienvenida. Es la primera vez que Baobab cuenta con un jugador de kora en sus filas permanentes, pero las cuerdas onduladas de Cissoko se han mezclado perfectamente en el sonido y han prestado una nueva dinámica. Por otra parte, el distintivo ataque de dos saxofones de Baobab -que combina el vibrante estilo declamatorio de Issa Cissoko con el juego más lírico de Thierno Koite- ha sido reforzado por el trombonista Wilfried Zinzou y el joven virtuoso guitarrista René Sowatche, ambos de los fértiles pastizales musicales de Benín .


La veterana vocalista Balla Sidibe es una destacada presencia en el álbum con su triple amenaza de influencias musicales - Manding de Guinea / Malí, creole de Cassamance y Afro-Cuban. Dos invitados especiales añaden memorablemente sus voces a la mezcla. Cheikh Lo dejó caer al estudio para añadir sus tonos de soul a 'Magno Kouto' y Thione Seck - quien dejó Babobab en 1979 para una carrera como una de las mayores estrellas solistas de África Occidental - se reúne con sus antiguos compañeros de banda por primera vez en más de 35 Años para repetir su primer éxito 'Sey'.'Tribute To Ndiouga Dieng' está dedicado a uno de los vocalistas de bandas originales que tristemente murió en noviembre de 2016. Sus canciones continuarán siendo cantadas con la banda por su hijo Alpha. Representa el último capítulo de una larga carrera que comenzó en 1970 cuando la recién formada Orquesta Baobab ayudó a Dakar a convertirse en una de las ciudades musicales más vitales del mundo. Durante la década siguiente el grupo dominó la escena local y produjo incontables hits antes de disolverse a principios de los ochenta.


Una gran cantidad de interés internacional en sus grabaciones originales -y en particular la aclamación que saludó la reedición de World's Circuit de su legendario álbum de 1982 "Pirate's Choice" - llevó a la reforma triunfal de la banda en 2001 y su galardonado álbum ' Todos los Estilos '.Desde entonces han recorrido el mundo a la aclamación internacional y han vuelto a estar juntos mientras estuvieran en la belle époque de la primera encarnación del grupo. Este, su tercer álbum desde su feliz regreso - producido por Nick Gold, Lamine Faye y Jerry Boys - es una mezcla irresistible de armonías de terciopelo, voces cálidas y sinceras, saxo ahumado y kora dulcemente brillante y líneas de guitarra, habilidosamente elaborado y magistralmente entregado con Un equilibrio y virtuosismo construido a lo largo de toda una vida.



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1 Foulo 4:14 
2 Fayinkounko 5:06 
3 Natalia 3:20 
4 Magnokouto 4:54 
5 Mariama 4:39 
6 Woulinewa 5:05 
7 Sey 4:35 
8 Caravana 3:46 
9 Douga 4:22 
10 Alekouma




Las melodías se asemejan a una caja de música. Sin embargo, lo que escuchamos es inconfundible: puros Beatles. Esta es la propuesta de UAKTI, grupo minero de música instrumental hecha por los músicos Marco Antônio Guimarães, Artur Andrés Ribeiro, Decio Ramos y Paulo Sergio Santos.
Hay 16 canciones con arreglos cuidadosamente preparados por Uakti clásicos como "Lucy in the Sky with Diamonds", "Eleanor Rigby", "With a Little Help from My Friends", "Come Together", "Here Comes the Sun".
"Hemos abierto una nueva ventana, otra forma de ver el repertorio de los Beatles. 



01 – Mother Nature’s Son
02 – Get Back
03 – A Day in the Life
04 – With a Little Help From My Friends
05 – Lucy in the Sky with Diamonds
06 – Julia
07 – Come Together
08 – Here Comes the Sun
09 – Dig a Pony
10 – Across the Universe
11 – For No One
12 – She’s Leaving Home
13 – Eleanor Rigby
14 – Golden Slumbers
15 – Ob-La-Di, Ob-La-Da
16 – Something



She collects and performs music from the Black Sea region.

Kolivar strives to revive, restore and preserve the music and traditions of that region, especially female vocal traditions. To learn these traditions, she traveled throughout northeastern Turkey to study the culture and interview village elders. She can sing in six languages spoken in that region. Listen to Kolivar perform a song called "Norhars Ellim," sung in the Hamshen dialect, which is Armenian and commonly spoken by Muslims living in northeast Turkey. The song tells the dreams of a young girl. She says, “I wish to be the moon light, so I can feel the room of my love.” About Ayensur Kolivar

Kolivar was born in Rize’s Çayeli province and spent her youth in İzmit. She’s been performing as a soloist in various Black Sea music projects since 1993. As a Turkish language and literature student at Boğaziçi University, she began studying music and folklore with the university’s folklore club, focusing her academic studies on cultures of the East Black Sea. She edited the book Fadime Kimdir ("Who is Fadime?"), which was published in 2007. Currently, Kolivar is a doctoral student at İstanbul Technical University department of Musicology and Music Theory. She also teaches Turkish.





CD 1

01. Kar Yaðayi
02. Norhars Ellim
03. He Yar
04. Bahçeye Hanýmeli
05. Dida Voy Nana
06. Da Im Yusuf Orti
07. Mavi Eþarbumi
08. Lafun Aykirisi
09. Si Þk’imi Ma-ti Sk Ani
10. Ela Mendemiyoni
11. Vulurt Rak Anepeþa
12. E Asiye


CD 2

01. Vin Magitana
02. Kalta Simðera
03. Gogo Da Bici
04. Getma
05. Yaylalar
06. Yistambýlako
07. Gafe Khix
08. Coroxi Kovuþ
09. Ti Trihas To Yefir
10. Sumela
11. Ekseva Apan So Vapor
12. Vay Beni
13. Ha Gelduk Ýs





Hace 5 años el músico colombiano Mario Galeano, creador de proyectos como el Frente Cumbiero y reconocido por ser una especie de arqueólogo de la música tropical en nuestro país -en especial del género de la cumbia-, se unió al productor y Dj inglés Will Holland, más conocido como Quantic, para crear una gran orquesta bajo el nombre de Ondatrópica con músicos de la vieja escuela como Michi Sarmiento, Markos Minolta, Nidia Góngora, entre otros.
Ahora en el 2017 y luego de presentar sus tres primeros sencillos “Hummingbird”, “Lazalypso” y “Bogotá”, llega la segunda producción de la agrupación cargada de sonidos y ritmos que predominan en las islas del caribe como el calipso, reggae, soukous y mento. Se titula Baile Bucanero y fue grabada entre la ciudad de Bogotá y la Isla de Providencia con la participación de músicos como Elkin Robinson y miembros de grandes orquestas de la época dorada de los años 70.
La producción estuvo a cargo del sello disquero londinense Soundway Records , también contará con una edición de lujo en vinilo.
Son un total de 15 canciones







1 Commotion 2:56 
2 La Naranja Madura 4:07 
3 Hummingbird 4:32 
4 De Mar a Mar 4:25 
5 Malaria 3:40 
6 Lazalypso 3:33 
7 Caldo Parao 3:15
8 Estar Contigo 5:11 
9 Come Back Again 3:28 
10 Campesino 4:25 
11 Boga Canoero 4:23 
12 Bogotá 5:30 
13 Trustin' 4:24 
14 Cumbia Bucanero 3:03 
15 Just a Moment 3:20



Dictamen

Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que, una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tienda habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible.
En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.

La Música


La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso.
La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido.
La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
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