Subido por Marhali.

Zukva (2016) es el título del nuevo trabajo del grupo bosnio Divanhana, que interpreta música tradicional con nuevos arreglos creados bajo la influencia del jazz, el pop y la música clásica del siglo XX. La intención de Divanhana es presentar la música urbana, no sólo de Bosnia y Herzegovina, sino también la música tradicional de toda la región de los Balcanes, con un acento particular en el estilo llamado Sevdah o Sevdalinka. La música Sevdah es el equivalente bosnio al fado portugués. Al igual que el fado, Sevdah (que deriva de la palabra turca "mal de amores") expresa los estados de ánimo románticos, la tristeza del amor perdido y la pasión adquirida, comparable a la saudade.

Divanhana fue fundado a principios de 2009 por un grupo de jóvenes estudiantes de la Academia de Música de Sarajevo. La banda grabó su disco debut Dert en 2011 en el estudio Fattoria Musica de Osnabruck (Alemania) en cooperación con Vanja Muhović. El álbum es el resultado de una investigación etnomusicóloga de dos años reflejada en el hecho de que algunas de las canciones del disco nunca fueron grabadas o publicadas antes.

A principios de 2013, Divanhana inició su primera gira europea, con exitosos conciertos en Suecia, Alemania, República Checa y Turquía. El álbum Bilješke iz Šestice (lanzado en noviembre de 2013) coronó dos años de gira, viaje y trabajo creativo de la banda.

En mayo de 2014 publicaron el tema "Zvijezda tjera mjeseca", grabado como la canción oficial de la selección nacional de fútbol de Bosnia y Herzegovina para celebrar su participación en la Copa del Mundo de Brasil. Poco después, la canción se convirtió en un éxito regional, contando con la participación del rey macedonio de la trompeta Džambo Agušev y el virtuoso de la guitarra Emir Hot, de Tuzla.

En mayo de 2015, en el ambiente creativo del estudio Long Play de Sarajevo, la banda experimentó con el sonido y enriqueció su arte con las melodías de la tamburica eslava, la suavidad de la guitarra clásica de Boško Jović y el violonchelo de Lana Kostić, el virtuoso y creativo violinista serbio Filip Krumes. Y, finalmente, en colaboración con la joven y talentosa artista de Sevdah, Naida Čatić. Todo el trabajo creativo realizado durante el año 2015 fue unificado y editado bajo un simbólico nombre: Zukva. Zukva es una manzana amarga que crece en Bosnia y Herzegovina, símbolo de las fuertes raíces del patrimonio histórico y cultural de Bosnia y Herzegovina. La banda continúa su viaje por la región de los Balcanes, recogiendo en su bolsa la rica herencia musical de la zona, melodía por melodía, como un cesto de manzanas pequeñas. En ese sendero ondulado, como el árbol de Zukva, se encuentran con rostros opuestos de tradiciones y costumbres que injertan su propia música y que dan, como resultado, el sonido del presente disco.

01. Oj Safete, Sajo, Sarajlijo
02. Da sam ptica
03. Ciganka sam mala
04. Zašto si me majko rodila
05. Otkako je Banja Luka postala
06. Emina
07. Sejdefu majka buđaše
08. Zvijezda tjera mjeseca (feat. Emir Hot & Džambo Agušev)
09. Pijanica, bekrija
10. Zapjevala sojka ptica





Es un debut en un doble respeto: el primer álbum de Sami, Mari Boine, completamente en inglés y su primer álbum para el sello MPS, grabado por el productor Tobias Frøberg. Un sonido pop melancólico y esférico se encuentra con un sofisticado concepto lírico.
"Algunas melodías que escojo de los árboles como fruta", dice MARI BOINE sobre su proceso de composición. La cantante ha sido la embajadora no oficial de la gente sami en el extremo norte de Escandinavia durante más de dos décadas, pero también es una poeta en sintonía con la naturaleza. Pero, por supuesto, la composición no siempre es tan fácil. "Otras canciones son más difíciles de moldear", añade Boine.


Today starts now
Chasing myself into reality
See the woman
Some sai I got Devil
Happily ever after
2-4-6-7-8-9 in one
Yes
Teepee rom
This is my heart
Twin soul
Adine & Isak – My treasures
Crowded streets of blue



Subido por Marhali.

Sidestepper es un grupo que ha sido parte importante de la escena musical iberoamericana revolucionando los sonidos tradicionales de la región al mezclarlos con vanguardias sonoras. Su mezcla particular incluye elementos de la música antillana: un poco de dub, drum and bass, dancehall y el ingrediente base, la música colombiana. El grupo liderado por el productor inglés Richard Blair, con su particular fusión, ha inspirando a toda la nueva generación de grupos, iniciando la nueva ola de la música electro-acústica en Colombia desde 1997.

Supernatural Love (2016) es su trabajo más reciente (realizado con ayuda de una campaña de crowfunding), en el que participan Juan Carlos "Chongo" Puello, Eka Muñoz, Ernesto "Teto" Ocampo y "Batatica". Un trabajo innovador en la mezcla de sonidos de todo el mundo, explorando sonidos africanos (Nigeria y El Congo), del Caribe y, por supuesto, los colombianos como la cumbia y el bullerengue. Se trata de un repertorio en el cual cada pieza resulta embriagante, y en conjunto funcionan como un paisaje sonoro cálido y contemplativo que evoca cierta ancestralidad, que es un viaje por los ritmos mestizos pero también el ingrediente para estimular los oídos y danzar en una playa del Caribe.

01. Fuego que te llama
02. On the line
03. Supernatural love
04. Come see us play
05. Magangué
06. Song for the sinner
07. Lover
08. La flor y la voz pt 1
09. La flor y la voz pt 2
10. Hear the rain come
11. Celestial
12. Supernatural soul



Oumou Sangaré fue coronada hace tiempo realeza musical en Malí. Conocida por sus voces formidables y sus mensajes sin miedo, se conoce tanto por su soberanía femenina como por su profundidad integral del estilo tradicional. A finales de los ochenta obtuvo popularidad con su interpretación de la música Wassoulou, un estilo regional basado en canciones de cazadores de larga tradición que tienen un fuerte vínculo con el blues africano, soul y funk. La celebración de un Grammy a su nombre, no es sólo una estrella africana, sino una figura internacional.

Su último lanzamiento, el último en nueve años, se llama Mogoya que significa 'La gente de hoy', el álbum habla de las luchas cotidianas de los que viven en Malí, en particular a las luchas de las mujeres. Las canciones ponen al descubierto un alma de corazón de león dedicadamente entregando cuentos de conflicto emocional.

La segunda canción 'Yere Faga' con Tony Allen (ex baterista de Fela Kuti) es una pieza infestada de groove. Este latido se arrastra directamente bajo tu piel. Comenzando con una ráfaga de bellas voces de capas inmediatas, los fantasmas back-beats comienzan a formar la marcha a su protesta. Sangaré es una diva con voces ricas pero desafortunadamente, la fuerza de sus letras crudas sensacionalmente cargadas es sofocada por la reverberación. Sin embargo, hay una gran fuerza en el minimalismo de esta pista, donde ningún instrumento habla sobre la voz principal y le permite concentrarse completamente. Las lluvias rápidas de la guitarra eléctrica y las melodias que giran alrededor de sus zancadas vocales.
http://www.rhythmpassport.com/articles-and-reviews/album-review/album-review-oumou-sangare-mogoya-no-format-19th-may/



1. Bena Bena
2. Yere Faga Ft. Tony Allen
3. Fadjamou
4. Mali Niale
5. Kamelemba
6. Djoukourou
7. Kounkoun
8. Minata Waraba
9. Mogoya




















Diluït entre totes eixes informacions – enllaços, retroenllaços, tweets, posts – que es generen durant les festes del poble hi havia un llançament d’un recopilatori ben especial, el In Balkan Klezmer we trust, fruit del treball de selecció del DJ basc DJ Rumaniak, especialista dels sons balcànics i de l’Europa de l’Est a la Península Ibèrica. Ja veieu que ha fet falta uns dies per integrar la informació i descarregar-lo, ja se sap, la rentrée i liquidar els afers que ja dataven com aquell iogurt que ha passat l’estiu al racó esquerre superior de la nevera. De totes formes valia la pena revindre cap enrere perquè a este recopilatori hi trobem un poc el bo i millor de les bandes estatals que juguen amb els ritmes de l’est, fent variant el grau d’ortodòxia, fet que encara fa més interessant el recopilatori. Entre les formacions seleccionades n’hi ha dos de valencianes, els alcoians de Pelandruska i els ontinyentins de La Trocamba Matanusca, així com la Freak Fandango Orchestra o Assabè.

Dels primers, de Pelandruska, hem de parlar, ja que van publicar “bodes, batejos i circumcisions” esta primavera passada – sí, també amb uns mesos de retràs, va com va – que no deixa de ser un disc amb els diversos enregistraments de la formació. L’àlbum conté tretze peces instrumentals amb algunes veus robades als companys d’Ovidi Twins, que fan tota la pinta de ser companys de batalles de dia i nit. El nom del disc ja deixa entreveure que es tracta bàsicament de klezmer, que no deixa de ser la música dels casaments i de les cerimònies de circumcisió dels jueus de l’Est de l’Europa. Els batejos, suposem, estan per fer de pont, però també per deixar una pinzellada d’un humor ben marca de la casa. L’humor, en un disc instrumental, o el fas amb els títols o no el fas.
Els primers temes poden semblar relativament ortodoxes a la sonoritat klezmer, fet que no impedix un alt voltatge per moments. Però la percepció de l’oient lambda és que estem davant d’un disc de folkis. Però les aparences enganyen. Les darreres cançons del disc van guanyant en watts i de fet incorporen bases electròniques. La botija de Tesla, que jo la interpreto com una inspiració llunyana o un avant-preludi de Tesla d’Orxata, és possiblement de les cançons més arrodonides del disc, amb un polset d’electrònica, ma non troppo, i amb l’única dolçaina del disc, ben circumscrita en un ritme que li escau perfectament. Aravésivoràs encadena amb les bases electròniques i culmina el disc, deixant entreveure en l’atmosfera electrificada que hi ha potencial per fer encara més remescles i forçar encara un poc més la rodeta. Que així siga i que tinguem klezmer en bodes, batejos i cerimònies civils.





01. Skotshne - 04:28
02. Menisc a l'escala - 03:20
03. L'altra haca la trac - 03:26
04. Reggaetwin - 03:36
05. Margarida - 03:41
06. Còmlidic - 02:53
07. Bacanal 9 - 04:09
08. L'himen d'Alcoi(t) - 07:00
09. (H)a mor(t), (h)a mor(t) - 03:30
10. Space invaders are smoking grass in Margarida - 05:17
11. La gitana d'Alcassares - 03:44
12. La botija de Tesla - 05:23
13. Aravésivoràs - 06:19


Músics de Pelandruska
David Galbis : acordió diatònic i acordió cromàtic
Llúcia Palàcios : acordió cromàtic i castanyoles
Cato : Clarinet, sac de gemecs, metal·lòfon i percussió
Ivan Candela : guitarra i acordió cromàtic
Raül Calatayud : flauta dolça i timple

Col·laboren
Roser Negro : flauta travessera
Pau Martí : violí i percussió
Xavi Learreta : percussió
Elies Fuster : percussió
Josep Alcover : trombó
Juan Bonet : trombó
Desi Calatayud : electronicaire
Txumi : electronicaire

i també
Ovidi Twins : veus totalment robades








TajMo marca una convergencia oportuna de los talentos de dos únicos artistas americanos que ya han construido legados iconoclasta individuales que han ampliado y ampliado las tradiciones de blues en un nuevo territorio aventurero. La colaboración saca lo mejor de ambos artistas, combinando sus voces, personalidades y estilos de guitarra para crear una música vibrante e inmediata, firmemente arraigada en la tradición y gobernada por un juguetón sentido de la aventura. El álbum cuenta con apariciones como invitada de Sheila E., Joe Walsh, Lizz Wright y Bonnie Raitt, quien presta su voz a una portada distintiva del himno de John Mayer "Esperando en el mundo para cambiar".





1.Don't Leave Me Here Taj Mahal , Keb' Mo' 05:02 
2.She Knows How To Rock Me Taj Mahal , Keb' Mo' 02:40 
3.All Around the World Taj Mahal , Keb' Mo' 03:22 
4.Om Sweet Om Taj Mahal , Keb' Mo' , Lizz Wright 03:35 
5.Shake Me In Your Arms Taj Mahal , Keb' Mo' 05:58 
6.That's Who I Am Taj Mahal , Keb' Mo' 04:17 
7.Diving Duck Blues Taj Mahal , Keb' Mo' 04:28 
8.Squeeze Box Taj Mahal , Keb' Mo' 03:16 
9.Ain't Nobody Talkin' Taj Mahal , Keb' Mo' 04:00 
10.Soul Taj Mahal , Keb' Mo' 06:00 
11.Waiting On the World To Change Taj Mahal , Keb' Mo' 02:42



For those that have followed the evolution of GoPro’s impressive video and film output over the last 3 years , William Ryan Fritch’s music will be immediately recognizable. From product launches, viral videos, heartwarming character studies to captivating short films; his music has helped punctuate some of GoPro’s most memorable stories with his beautiful, sweeping compositions.

With Eagle Hunters in a New World, GoPro has forged ahead into new and exciting territory with the breadth of its film making and has partnered with Fritch to create a singular and engrossing sound world that underscores both the otherworldly beauty of Mongolia and the unique social and cultural changes that are affecting age old traditions and ways of life. Drawing its rich colorful sound world from both traditional Mongolian instrumentation and modern orchestration, the music of Eagle Hunters.. captures both the almost alien vastness of Mongolia’s landscape, still largely undefiled by modernity, and its jarring juxtaposition with the rampant growth and startling change its cities are undergoing.

In its most ambient moments, immersive, otherworldly choirs and strings envelope plaintive and pastoral calm like unencumbered winds sweeping across vast plains. At its most bombastic, the rhythms race and rumble like beating hooves in pursuit. And in its most soaring moments, the music emanates an aura of the surreal grace and power these golden eagles display with reverence, awe and a melancholy of knowing the world they fly over is changing so fast.





1.Bek 03:20 
2.Burkitshi 02:31 
3.Tending the Herd 02:12 
4.Goshawks II (Bonus Track) 03:00 
5.Aegil 03:05 
6.Distant Hooves (Bonus Track) 01:43 
7.Karakorum 02:46 
8.Gold Colored Foxes 03:13 
9.Gurts 02:12 
10.Qusbegi 02:42 
11.Sala Ensalaar 03:30 
12.Red Wolves 02:28 
13.Goshawks 03:01 
14.Scattered Flocks 01:33 
15.Burkit 02:13 
16.Tsingali 02:24 
17.On Strong Winds (Bonus Track) 02:38 
18.Descendants 03:36



1 Mar Azul 3:35 
2 Cize 5:19 
3 Estanhadiha 2:41 
4 Cabo Verde 3:12 
5 Belga 4:54 
6 Cretcheu Di Ceu 6:12 
7 Cinturão Tem Mel (Dansa Tcha Tcha Tcha) 3:31 
8 Separação 4:49




"Legends of Benin" es una colección de obras maestras muy rara y altamente bailable, grabadas entre 1969 y 1981 por cuatro legendarios compositores de Benín: Gnones Pedro y Ses Dadjes, Antoine Dougbé, El Rego y Ses Commandos y Honoré Avolonto.

Cada uno de ellos tiene su propio sonido característico: una gruesa mezcla de agbadja, soul, cavacha, funk, afro-beat y sonidos afro-latinos, todos mezclados con ritmos tradicionales pesados, ¡un sonido distintivo beninés!

Gnonnas Pedro siempre ha sobresalido en muchos estilos de música, pero si se tuviera que asociarlo con un género particular sería agbadja. Agbadja es un ritmo enormemente popular en Togo, Benin y Ghana. Se basa en tres percusiones, cada una con un tono diferente. El epicentro de ese ritmo es una región llamada Le Mono, situada en el centro de Benín, y lugar de nacimiento de Gnonnas Pedro. Es un ritmo utilizado principalmente durante las ceremonias de entierro. Gnonnas lo adoptó y modernizó a mediados de los años 60 llamándolo "agbadja moderno". Se convirtió en su sonido de marca registrada y pronto fue doblado 'le roi du rhythme agbadja'. La pista "Dadje Von O Von Non" fue grabada originalmente en 1966 y es la primera versión moderna de Gnonnas de agbadja. También se presenta aquí la loca canción funk "Okpo Videa Bassouo" grabada en 1973, así como la sublime y contagiosa pista "La Musica en Verité".

Honoré Avolonto comenzó su carrera hace 40 años como percusionista. El joven jugador de tumba se convirtió en uno de los compositores más prolíficos de Benin: "Yo estaba componiendo tantas melodías que algunos productores se quedaban sin dinero y me pagaban con bienes; Recuerdo haber recibido una antorcha por una canción una vez ". Avolonto compuso el LP más exitoso de Benin (No Title-SAT 143) que fue grabado para el sello discográfico Satel a finales de los años 70. Ese álbum fue grabado con Black Santiago, una banda liderada por el increíble trompetista Ignace De Souza, otra leyenda, con la que grabó la canción afro-beat "Dou Dagbe We" unos años antes. Avolonto ha dirigido algunas de las bandas más poderosas de Benin y algunas de las asociaciones con la Orquesta Poly-Rythmo y Les Commandos se presentan aquí. ¡Tener cuidado! ¡El afro-beat asesino encuentra el funk frenético!

En los últimos años, los discos de vinilo de El Rego y Ses Commandos han llevado a la escena del funk DJ a la tormenta, con algunas cosas increíbles lanzadas en Albarika Store y Aux Ecoutes desde los años 70. Durante al menos un año Analog Africa operaba únicamente con dinero generado a partir de discos El Rego vendidos a DJs y coleccionistas, así que cuando decidí lanzar música de Benín, era natural que El Rego fuera el primer artista de ese país que buscaría Para obtener los derechos de licencia para. Esta recopilación incluye la primera canción afro-soul-funk de Benín (llamada como te gusta) grabada por El Rego con el apoyo del cantante de Ghanean Eddy Black Power. La escena sacudida en Benin fue desencadenada por el éxito generado por la fenomenal canción "Feeling You Got", que tenía un riff de acordeón infeccioso que no parecía sorprender a nadie en Benin, ya que musicalmente todo era posible en ese momento. Como consecuencia bandas comenzaron a componer melodías en el modelo de esa canción - la Orquesta Poly-Rythmo de Cotonou siendo uno de ellos, y así es como comenzó la loca escena del funk. "E Nan Mian Nuku" es una melodía afro-latina combinada con una especie de bossa nova. Hemos incluido "Vimado Wingnan", la pista de funk más codiciada de Benin - y es comprensible.

La Orquesta Poly-Rythmo no sólo compuso y grabó cientos de canciones, sino que todavía encontró tiempo para arreglar y grabar para otros artistas, uno de ellos siendo 'le ministre du diable' Antoine Dougbé. De todos los artistas aquí, Dougbé es el menos conocido incluso en Benin, pero la calidad y el poder de su composición lo convierten en mi leyenda personal. Una cosa es segura, creó su propio estilo al que llamó afro cavacha. Es una mezcla fantástica de rumba congoleña, sonidos latinos y ritmos de vodun traditonal - un melting pot loco si prefiere. Y por último pero no menos importante ... nunca deje un disco de vinilo de Antoine Dougbé detrás, especialmente no los lanzados en su propio sello, las ediciones Dougbé Antoine. Son increíbles y se han convertido en algunos de los artículos de coleccionista más buscados de África.



Tracklisting :
01. Dadje Von O Von Non - Gnonnas Pedro & His Dadjes Band
02. Feeling You Got - El Rego et Ses Commandos
03. Honton Soukpo Gnon - Antoine Dougbé
04. E Nan Mian Nuku - El Rego et Ses Commandos
05. Tin Lin Non - Honoré Avolonto & Orchestre Poly-Rythmo
06. Okpo Videa Bassouo - Gnonnas Pedro et Ses Panchos
07. Ya Mi Ton Gbo - Antoine Dougbe & Orchestre Poly-Rythmo
08. Nou Akuenon Hwlin Me Sin Koussio - Antoine Dougbé
09. Djobime - El Rego et Ses Commandos
10. Na Mi Do Gbé Hué Nu - Honoré Avolonto
11. Vimado Wingnan - El Rego et Ses Commandos
12. Dou Dagbé Wé - Honoré Avolonto & Black Santiago
13. Kovito Gbe De Towe - Antoine Dougbé
14. La Musica en Verité - Gnonnas Pedro & His Dadjes Band




Les Amazones d'Afrique are an all-female collective of west African musicians, campaigning for gender equality. They have been described as a supergroup, and the characterisation seems apt. Angélique Kidjo, Kandia Kouyaté, Mamani Keita, Mariam Doumbia, Mariam Koné, Massan Coulibaly, Mouneissa Tandina, Nneka, Pamela Badjogo and Rokia Koné hold a strong pedigree, and it's a rare opportunity to witness such a collaboration; the real sound of contemporary Africa.
République Amazone is the sound of the diaspora of African music returning home, a reclaiming outside of genre and time. As much at home on the dancefloors of east London, or as part of an Awesome Tapes from Africa festival set in Croatia, as it would be ringing out of a cement brick house in Bamako, it showcases the sparkling range and versatility of its songstresses.




Running on funk and blues with dabs of dub; ancient rhythms blending seamlessly with their western appropriated cousins, Les Amazones d'Afrique sound like an aural actuation of the new melting pot cities of the African continent. Tracks on their album, République Amazone, are sung intermittently in English, French, Bambara and Fon. At times, it's almost as if we are swirling about in several decades simultaneously: filthy backwards or wah wah guitars, distorted thumb piano, dreamy, jazzy chords and soulful singing over a pneumatic beat give way to the kind of Afrobeat best heard as the dawn rises in a muddy field in Europe during festival season. Liam Farrell, who has worked with Afro-pop king Tony Allen and Mbongwana Star, had a firm hand in leading the edgy, industrial feel to the production.
Wedding features dirty shards of Malian blues guitar over insistent, clipping percussion and trippy chords. On Nneka's song La Dame et Ses Valises we eavesdrop on an internal conversation which could be about love, or could be a woman giving herself the best advice: 'Woman, don't you know you are a queen?' Her history is not her destiny. On tracks like Kounani it sometimes feels as if the sounds and arrangements have sneaked into the mid-Atlantic to dance with the Tropicalia of Brazil, enjoying a shared delight in scraping, clanging percussion, off kilter melodies that blossom, moment to moment into beautiful cadence.

Profits from the sale of the track I Play The Kora - the first track to be revealed from the project - will be donated to The Panzi Foundation, led by Doctor Mukwege in Bukavu (DRC), which has provided healing support to more than 80,000 women, nearly 50,000 of whom are survivors of sexualised violence. Les Amazones d'Afrique have started a crowdfunding campaign to help finance the work of Panzi Foundation. Click here to donate.






1 Dombolo (feat. Angélique Kidjo)

2 Mansa Soyari (feat. Rokia Koné)

3 Doona (feat. Mamani Keita)

4 La Dame et Ses Valises (feat. Nneka)

5 Nebao (feat. Mamani Keita)

6 Deep In Love (feat. Rokia Koné, Massan Coulibaly)

7 Anisokoma (feat. Rokia Koné, Kandia Kouyaté)

8 Wedding (feat. Madiaré Dramé)

9 Kounani (feat. Madina N'Diaye)

10 Full Moon (feat. Rokia Koné, Mamani Keita)

11 I Play The Kora (feat. Rokia Koné, Mamani Keita, Nneka, Kandia Kouyaté, Mariam Doumbia)

12 vDesert Storm (feat. Kandia Kouyaté, Rokia Koné)

Subido por Marhali.

José Natividad Cano (Nati Cano) fue el fundador de Mariachi Los Camperos y gran precursor de la música mexicana. Ganador, en 2009, del Grammy al Mejor Álbum de Música Regional Mexicana por Amor, Dolor y Lágrimas: Música Ranchera, la historia del grupo comenzó en 1967 cuando Don Nati abrió su restaurante La Fonda, donde Los Camperos actuaban regularmente. El restaurante le permitió a Cano mantener los niveles artísticos del mariachi y preservar su tradición.

El quinto álbum del grupo bajo el sello Smithsonian, Tradición, Arte y Pasión (2015), bebe del pozo de la expansiva "edad de oro" de la música mariachi en los años 40 y 50 para conjurar ingeniosamente un sonido tan fresco y contemporáneo como lo era entonces. Nuevo, aunque con edad, y explotando la amplia paleta sonora de la instrumentación del mariachi, el álbum refleja el enfoque musical de Cano: "Amor, dedicación, disciplina, orgullo y pasión". Además, el álbum rinde homenaje a la leyenda del mariachi y fundador del grupo Nati Cano, quien falleció en Octubre de 2014.

01. El súchil
02. Yo
03. Parranda larga 04. La petenera (popurrí) ("La petenera", "Tata Dios", "La Cecilia")
05. A los cuatro vientos
06. El framboyán
07. La morena
08. Nuestro gran amor
09. El silencio de la noche
10. El arreo
11. Sones de antaño


Subido por Marhali.

El "Kwassa Kwassa" es un variante del soukous (un tipo de rumba africana bastante peculiar) caracterizada por la rapidez de sus ritmos, en los que se combinan instrumentos tradicionales africanos con otros de origen europeo. Y es el Kwassa Kwassa el que sitúa a Kanda Bongo Man como uno de los gigantes de la música africana.

Su carrera en solitario comenzó a despegar después de trasladarse a París en 1979, donde su música comenzó a incorporar elementos de la entonces vibrante música zouk (originaria de las Antillas francesas). Sus primeros discos en solitario, Iyole en 1981 y Djessy en 1982, se convirtieron en seguida en grandes éxitos gracias a los cambios estructurales que implementó a la música soukous mediante el fomento de solos de guitarra después de cada verso y al principio de cada canción. Esta forma de abordar el soukous dió origen al Kwassa Kwassa como ritmo de baile, donde las caderas se mueven hacia delante y hacia atrás mientras las manos se mueven siguiendo a las caderas.

Detrás de la voz y la carismática presencia escénica de Kanga Bongo Man están las guitarras de Diblo Dibala y Rigo Star (que también enriquecieron, en su momento, los álbumnes de Paul Simon y Papa Wemba), y las de Nene Tchakou y Dally Kimoko, considerados de los mejores guitarristas soukous del mundo, dando lugar a un hermanamiento que dió a su música una calidad maravillosamente alegre y resonante.

La presente recopilación, King Of Kwassa Kwassa (2011), recoge sus principales temas grabados entre 1984 y 1991, canciones que marcaron toda una era de soukous parisinos y que nos muestran una banda en el apogeo de su plenitud.

CD1
01. Malinga
02. Zing Zong
03. Belle Amie
04. Isambe
05. J.T.
06. Sai
07. Aime
08. Amour Fou
09. Bayembi
10. Monie

CD2
01. Naloti
02. Cantique
03. Iyole
04. Ebeneza
05. Djessy
06. Mosali
07. Mazina
08. Ekipe
09. Yonde Love Me
10. Emame




La banda de baile más emblemática de África Occidental ha vuelto. Una década después de su último álbum y casi medio siglo desde su formación, la Orquesta Baobab de Senegal regresa con un conjunto intemporal de melodías clásicas que se balancean fusionando los ritmos afro-cubanos y la tradición africana en el estilo de marca del grupo.

Grabados localmente en el estudio Dakar de Moussa X, las nuevas grabaciones suenan frescas y tranquilizadoras, conservando la madurez del sonido que hizo de Orchestra Baobab una leyenda pero interpretada con vigor y vitalidad, y con unos pocos giros vitales y cautivantes.


Tan duradero como el poderoso árbol africano baobab del que el grupo deriva su nombre, el núcleo veterano de la banda sigue siendo tan fuerte y robusto como siempre. Los vocalistas Balla Sidibe y Rudy Gomis, los saxofonistas Issa Sissoko y Thierno Koite y la sección de ritmos rocosos de larga duración de Balla Sidibe, los timbales, el bajo Charlie Ndiaye y el Koite de Mountaga en las congas.Junto a esta impresionante continuidad se han producido cambios en los diez años transcurridos desde el último disco de Baobab en el World Circuit, 'Made in Dakar', pero han sido ejecutados a la perfección. El guitarrista Barthelemy Attisso, ahora abogado en Togo, está ausente debido a las exigencias de su trabajo diario, pero el jugador kora Abdouleye Cissoko de la región de Cassamance en el sur de Senegal es una adición bienvenida. Es la primera vez que Baobab cuenta con un jugador de kora en sus filas permanentes, pero las cuerdas onduladas de Cissoko se han mezclado perfectamente en el sonido y han prestado una nueva dinámica. Por otra parte, el distintivo ataque de dos saxofones de Baobab -que combina el vibrante estilo declamatorio de Issa Cissoko con el juego más lírico de Thierno Koite- ha sido reforzado por el trombonista Wilfried Zinzou y el joven virtuoso guitarrista René Sowatche, ambos de los fértiles pastizales musicales de Benín .


La veterana vocalista Balla Sidibe es una destacada presencia en el álbum con su triple amenaza de influencias musicales - Manding de Guinea / Malí, creole de Cassamance y Afro-Cuban. Dos invitados especiales añaden memorablemente sus voces a la mezcla. Cheikh Lo dejó caer al estudio para añadir sus tonos de soul a 'Magno Kouto' y Thione Seck - quien dejó Babobab en 1979 para una carrera como una de las mayores estrellas solistas de África Occidental - se reúne con sus antiguos compañeros de banda por primera vez en más de 35 Años para repetir su primer éxito 'Sey'.'Tribute To Ndiouga Dieng' está dedicado a uno de los vocalistas de bandas originales que tristemente murió en noviembre de 2016. Sus canciones continuarán siendo cantadas con la banda por su hijo Alpha. Representa el último capítulo de una larga carrera que comenzó en 1970 cuando la recién formada Orquesta Baobab ayudó a Dakar a convertirse en una de las ciudades musicales más vitales del mundo. Durante la década siguiente el grupo dominó la escena local y produjo incontables hits antes de disolverse a principios de los ochenta.


Una gran cantidad de interés internacional en sus grabaciones originales -y en particular la aclamación que saludó la reedición de World's Circuit de su legendario álbum de 1982 "Pirate's Choice" - llevó a la reforma triunfal de la banda en 2001 y su galardonado álbum ' Todos los Estilos '.Desde entonces han recorrido el mundo a la aclamación internacional y han vuelto a estar juntos mientras estuvieran en la belle époque de la primera encarnación del grupo. Este, su tercer álbum desde su feliz regreso - producido por Nick Gold, Lamine Faye y Jerry Boys - es una mezcla irresistible de armonías de terciopelo, voces cálidas y sinceras, saxo ahumado y kora dulcemente brillante y líneas de guitarra, habilidosamente elaborado y magistralmente entregado con Un equilibrio y virtuosismo construido a lo largo de toda una vida.



https://shop.worldcircuit.co.uk/Shop/PhysicalDetails?pid=WCR_PH_76





1 Foulo 4:14 
2 Fayinkounko 5:06 
3 Natalia 3:20 
4 Magnokouto 4:54 
5 Mariama 4:39 
6 Woulinewa 5:05 
7 Sey 4:35 
8 Caravana 3:46 
9 Douga 4:22 
10 Alekouma




Las melodías se asemejan a una caja de música. Sin embargo, lo que escuchamos es inconfundible: puros Beatles. Esta es la propuesta de UAKTI, grupo minero de música instrumental hecha por los músicos Marco Antônio Guimarães, Artur Andrés Ribeiro, Decio Ramos y Paulo Sergio Santos.
Hay 16 canciones con arreglos cuidadosamente preparados por Uakti clásicos como "Lucy in the Sky with Diamonds", "Eleanor Rigby", "With a Little Help from My Friends", "Come Together", "Here Comes the Sun".
"Hemos abierto una nueva ventana, otra forma de ver el repertorio de los Beatles. 



01 – Mother Nature’s Son
02 – Get Back
03 – A Day in the Life
04 – With a Little Help From My Friends
05 – Lucy in the Sky with Diamonds
06 – Julia
07 – Come Together
08 – Here Comes the Sun
09 – Dig a Pony
10 – Across the Universe
11 – For No One
12 – She’s Leaving Home
13 – Eleanor Rigby
14 – Golden Slumbers
15 – Ob-La-Di, Ob-La-Da
16 – Something



She collects and performs music from the Black Sea region.

Kolivar strives to revive, restore and preserve the music and traditions of that region, especially female vocal traditions. To learn these traditions, she traveled throughout northeastern Turkey to study the culture and interview village elders. She can sing in six languages spoken in that region. Listen to Kolivar perform a song called "Norhars Ellim," sung in the Hamshen dialect, which is Armenian and commonly spoken by Muslims living in northeast Turkey. The song tells the dreams of a young girl. She says, “I wish to be the moon light, so I can feel the room of my love.” About Ayensur Kolivar

Kolivar was born in Rize’s Çayeli province and spent her youth in İzmit. She’s been performing as a soloist in various Black Sea music projects since 1993. As a Turkish language and literature student at Boğaziçi University, she began studying music and folklore with the university’s folklore club, focusing her academic studies on cultures of the East Black Sea. She edited the book Fadime Kimdir ("Who is Fadime?"), which was published in 2007. Currently, Kolivar is a doctoral student at İstanbul Technical University department of Musicology and Music Theory. She also teaches Turkish.





CD 1

01. Kar Yaðayi
02. Norhars Ellim
03. He Yar
04. Bahçeye Hanýmeli
05. Dida Voy Nana
06. Da Im Yusuf Orti
07. Mavi Eþarbumi
08. Lafun Aykirisi
09. Si Þk’imi Ma-ti Sk Ani
10. Ela Mendemiyoni
11. Vulurt Rak Anepeþa
12. E Asiye


CD 2

01. Vin Magitana
02. Kalta Simðera
03. Gogo Da Bici
04. Getma
05. Yaylalar
06. Yistambýlako
07. Gafe Khix
08. Coroxi Kovuþ
09. Ti Trihas To Yefir
10. Sumela
11. Ekseva Apan So Vapor
12. Vay Beni
13. Ha Gelduk Ýs





Hace 5 años el músico colombiano Mario Galeano, creador de proyectos como el Frente Cumbiero y reconocido por ser una especie de arqueólogo de la música tropical en nuestro país -en especial del género de la cumbia-, se unió al productor y Dj inglés Will Holland, más conocido como Quantic, para crear una gran orquesta bajo el nombre de Ondatrópica con músicos de la vieja escuela como Michi Sarmiento, Markos Minolta, Nidia Góngora, entre otros.
Ahora en el 2017 y luego de presentar sus tres primeros sencillos “Hummingbird”, “Lazalypso” y “Bogotá”, llega la segunda producción de la agrupación cargada de sonidos y ritmos que predominan en las islas del caribe como el calipso, reggae, soukous y mento. Se titula Baile Bucanero y fue grabada entre la ciudad de Bogotá y la Isla de Providencia con la participación de músicos como Elkin Robinson y miembros de grandes orquestas de la época dorada de los años 70.
La producción estuvo a cargo del sello disquero londinense Soundway Records , también contará con una edición de lujo en vinilo.
Son un total de 15 canciones







1 Commotion 2:56 
2 La Naranja Madura 4:07 
3 Hummingbird 4:32 
4 De Mar a Mar 4:25 
5 Malaria 3:40 
6 Lazalypso 3:33 
7 Caldo Parao 3:15
8 Estar Contigo 5:11 
9 Come Back Again 3:28 
10 Campesino 4:25 
11 Boga Canoero 4:23 
12 Bogotá 5:30 
13 Trustin' 4:24 
14 Cumbia Bucanero 3:03 
15 Just a Moment 3:20



Subido por Marhali.

Transcurridos cinco años desde su último disco de estudio, Mariza publica su nuevo álbum Mundo (2015) bajo la producción de Javier Limón (que ya le produjo su anterior Terra en 2008). Un álbum muy esperado de una de las artistas más populares de Portugal y la representante mundial del Fado tras la admirada y siempre recordada Amália Rodrigues.

El Fado también le acompaña en este nuevo álbum, pero es un Fado moderno que abarca muchos conceptos, estilos y emociones, porque incluye ritmos de tango, flamenco, pop, sutiles toques de electrónica, africanos y antillanos, evocando otras culturas musicales. Cuenta con artistas de la talla de José Manuel Neto, guitarra portuguesa; Pedro Jóia, viola; Charlie Mendes, bajo; Alfonso Pérez, piano y teclados; Israel Suárez "Piraña" (percusión), y Javier Limón a la guitarra flamenca.

Es notable la voz de Mariza que enlaza a la perfección diferentes estilos musicales bajo el paraguas del Fado que todo lo abarca. Con este disco nos encontramos con una artista en plena madurez expresiva que presta a su voz unos matices nunca antes registrados. Impresionante.

01. Rio de Mágoa
02. Melhor de Mim
03. Alma
04. Saudade Solta
05. Sem Ti
06. Maldição
07. Padoce de Céu Azul
08. Caprichosa
09. Paixão
10. Anda o Sol Na Minha Rua
11. Adeus
12. Missangas
13. Sombra
14. Meu Amor Pequenino


Subido por Marhali.

El nuevo disco de Lura, considerada como una de las mejores exponentes musicales de Cabo Verde, es un disco vibrante, bailable y muy caboverdiano, centrado en el energizante género musical del archipiélago. Herança (Patrimonio) (2015) sigue perfectamente la progresión natural de la discografía de Lura después Di Korpu ku Alma (2005), M'bem di fora (2006) y Eclipse (2009).

Herança es otra oportunidad de oro para volver a explorar su rica cultura y sus gentes, su tradición y su música en compañía de las y los más melodiosos y carismáticos cantantes de toda una generación de artistas del país africano. Con temas compuestos por la propia Lura, Mário Lúcio, Kaka Barbosa y Tcheka, el disco incluye la colaboración de tres importantes invitados e invitada: el poeta y músico brasileño Naná Vasconcelos ("Herança"), Richard Bona en "Barco di Papel" (que escribió con Lura) y la estrella emergente Elida Almeida en "Nhu Santiagu".

La voz de Lura y cada una de las canciones del álbum nos recuerdan cómo la esencia de la multiculturalidad y la música criolla tradicional ha dado lugar a un género vocal universal, en el corazón del secreto mejor guardado de África: Cabo Verde.

01. Sabi di Más
02. Somada
03. Di Undi Kim Bem
04. Mantenha Cudado
05. Nhu Santiagu (con Elida Almeida)
06. Ness Tempo di Nha Bidjissa
07. Ambienti Más Seletu
08. Herança (con Naná Vasconcelos)
09. Barco di Papel (con Richard Bona)
10. X da Questão
11. Sema Lopi
12. Maria di Lida
13. Goré
14. Cidade Velha







Alrededor de Kidal, el desierto malí se extiende en todas direcciones. Horizontes interminables de roca y arena, estériles y resecos. Este es el extremo suroeste del Sahara, el hogar del pueblo Tuareg, y la ciudad de Kidal es uno de sus principales centros culturales. Luchó, conquistó y reconquistó, sigue siendo el símbolo del desafío y de la esperanza de los Tuareg, el hogar espiritual de un pueblo desposeído.

También es la ciudad en la que Tamikrest se unió por primera vez en grupo, y en Kidal, el cuarto álbum de estudio de Tamikrest, la banda rinde homenaje a este lugar que los ha nutrido a ellos ya su gente.

Es un grito de sufrimiento y el grito de rebelión. Es poder y resistencia. Se trata de un puro rock'n'roll tuareg.

"Kidal habla sobre la dignidad", dice Ag Mossa. "Consideramos el desierto como un espacio de libertad para vivir. Pero muchas personas lo consideran como un mercado para vender a las empresas multinacionales, y para mí es una gran amenaza para la supervivencia de nuestros pueblos nómadas".

Los tuareg siempre han sido personas nómadas, sus vidas en movimiento a través del desierto, a veces llevando consigo sólo lo esencial. Pero por un breve momento tuvieron un hogar después de que los tuaregs se levantaran en 2012 y declararan el estado independiente de Azawad en el noreste de Malí. Duró menos de un año, cuando los primeros conductos de al-Qaeda arrasaron desde el norte, imponiendo el gobierno islámico, y luego los militares franceses llegaron para liberar el área - una vez más dejando a los tuareg con poca o ninguna oportunidad de autodeterminación. Pero el sueño sigue siendo, todavía atrapado entre los gobiernos y la codicia de las corporaciones globales.

"Kidal, la cuna de todas estas revueltas, continúa resistiéndose a los muchos actos perpetrados por manos oscuras contra nuestro pueblo", señala el asociado de la banda Rhissa Ag Mohamed. "Este álbum evoca todo el sufrimiento y la manipulación de nuestras poblaciones atrapadas en tenazas por todas partes".

Las canciones de Kidal evocan una larga historia. Y para toda la electricidad, como observa Ag Mossa, "Es muy tradicional si profundizas en lo que estoy tocando".

Aquí todo está enfocado. Todo arde. Ag Mossa puntúa sus letras con pernos inspirados de la guitarra. Incluso una canción acústica como "Tanakra" mantiene un borde luminoso.

Con Kidal, ese resplandor está rugiendo. Grabado en Bamako, Malí en el verano de 2016, el álbum fue producido por Mark Mulholland (Orquesta Experimental Afro-Haitiana) y mezclado por David Odlum, quien recibió un Grammy por su trabajo con Tinariwen. Es un álbum que toma dos años para hacer, dice Ag Mossa, "porque compartimos las mismas dificultades de nuestra gente". Y las canciones aquí reflejan sus alegrías, su dolor y su falta de voluntad para aceptar las cosas tal como son.

Hay una belleza cruda en el rock'n'roll de Tamikrest. Está ahí en la conducción, el insistente groove que impulsa las canciones, las líneas de bajo y serpenteantes de bajo y las guitarras que se entrelazan y se retuercen alrededor de las melodías, y la mezcla musical completamente natural del Sahel de África, Magreb y Occidente. Influencias tan diversas como Pink Floyd, Rachid Taha, y el flamenco. Sin embargo, el Sahara, y la gente que vive allí, siempre está firmemente en su corazón.

"Esta música se fundó en una causa muy precisa, la causa de los tuareg", dijo Ag Mossa al periodista Andy Morgan en 2013. Pueden ser amenazados por todos lados, pero no se rinden y este álbum celebra quiénes son los tuareg, El Kel Tamasheq ("los que hablan Tamasheq"), los guardianes de una voz cultural antigua y en peligro de extinción.

El nuevo álbum de Tamikrest es la música del desafío, de la esperanza. Es el rock'n'roll del Sahara, el sonido del sueño tuareg, un sueño que se renovará de nuevo, en su pueblo ancestral: Kidal.





Mawarniha Tartit
Wainan Adobat
Manhouy Inerizhan 
War Toyed 
Atwitas 
Tanakra 
War Tila Eridaran 
Ehad Wad Nadorhan 
Erres Hin Atouan 
Adoutat Salilagh 
Adad Osan Itibat 

flac+covers





"The new album narrates urban life. It is rather personal music, bound up with this city, there are images of an asphalt jungle and a house that is being built in a city, and we always support the ones who don't have power." -Baba Zula — Qantara.de
The new Baba Zula album is called "Gecekondu," a term used in Turkey for illegal settlements built on the fringes of major cities like Istanbul or Ankara. These growing slums, built with the simplest materials, have become home to many newcomers trying their luck in urban centers.
One could argue, though, that there's more dignity and beauty in the gecekondus than in the ritzy financial districts now conquering the legendary inner city areas of Istanbul. One example is a historic district situated in the shadows of the Byzantine city wall, known as Sulukule, which has been almost completely torn down.
The band opposes the gentrification of Istanbul.






1. Abdülcanbaz
2. Kelebekler Kuşlar
3. Efkarlı Yaprak
4. Hopçe Açış
5. Hopçe
6. Le Furet Dans La Forêt En Feu
7. Temptation
8. Hayde Hayde
9. Komşu Açış
10. Komşu
11. Temptation (Enstrümantal)



The vocal ensemble Trio Mediaeval was founded by Linn Andrea Fuglseth in Oslo in 1997. For sixteen years, the three original members Anna Maria Friman, Linn Andrea Fuglseth and Torunn Østrem Ossum constituted the trio. In December 2013, Torunn left the group. Linn Andrea and Anna Maria are now joined by Berit Opheim, who has been singing with the ensemble regularly since 2010.

The trio's core repertoire features sacred monophonic and polyphonic medieval music from England, Italy and France, contemporary works written for the ensemble, as well as traditional Norwegian, Swedish and Icelandic ballads and songs, mostly arranged by the group members. During the last eight years, the trio has developed exciting collaborations with both individual musicians as well as larger ensembles/orchestras.
http://www.triomediaeval.no/trio-medival





1   St Birgitta Hymn – Rosa Rorans Bonitatem Arranged By [Arr.] – Arve Henriksen, Trio Mediaeval*Written-By – Nils Hermansson 4:20
2 O Jesu Dulcissime Arranged By [Arr.] – Arve Henriksen, Trio Mediaeval*Written-By – Anonymous, Tvisöngur C17, Iceland* 5:05
3 ¡Om Ödet Skulle Skicka Mig Arranged By [Arr.] – Anna Maria FrimanWritten-By – Traditional Folk Song, Småland, Sweden* 1:19
4 Morgunstjarna Arranged By [Arr.] – Anna Maria FrimanWritten-By – Anonymous, Tvisöngur C17, Iceland* 3:07
5 Rís Upp, Drottni Dýrð Written-By – Anonymous, Tvisöngur C17, Iceland* 1:06
6 St Magnus Hymn – Nobilis Humilis Arranged By [Arr.] – Arve Henriksen, Trio Mediaeval*Written-By – Anonymous, C13, Orkney* 4:22
7 Láta Gjalla Létt Og Hátt Arranged By [Arr.] – Arve Henriksen, Trio Mediaeval*Transcription By [After] – Þuriður FriðriksdóttirWritten-By [Rima, Iceland] – Unknown Artist 2:38
8 Brureslått Arranged By [Arr.] – Berit OpheimTranscription By [After] – Anders SagenWritten-By – Traditional Wedding Tune From Vik, Sogn, Norway* 3:16
9 St Sunniva Hymn – Eterna Christi Munera Arranged By [Arr.] – Arve Henriksen, Trio Mediaeval*Written-By – Anonymous, C13, Bergen, Norway* 3:56
10 Krummi Written-By – Anna Maria Friman, Arve Henriksen 2:25
11 Anda Þinn Guð Mér Gef Þú Víst Arranged By [Arr.] – Anna Maria FrimanWritten-By – Anonymous, Tvisöngur C17, Iceland* 3:29
12 Sulla Lulla Arranged By [Arr.] – Linn Andrea FuglsethTranscription By [After] – Sondre BratlandWritten-By – Traditional Folk Song, Østerdalen, Norway* 2:17
13 Du Är Den Första Arranged By [Arr.] – Anna Maria FrimanTranscription By [After] – Sofia SandénWritten-By – Sjömansvisa, Traditional Shanty, Sweden* 4:06
14 Alma Redemptoris Mater Written-By – Anonymous, Chant* 2:40
15 BÍum BÍum Bambaló Arranged By [Arr.] – Linn Andrea FuglsethTranscription By [After] – Bergsveinn BirgissonWritten-By – Traditional Folk Song, Iceland* 2:23
16 Jag Haver Ingen Kärare Arranged By [Arr.] – Anna Maria FrimanWritten-By – Traditional Folk Song, Småland, Sweden* 2:11
17 Gammelkjerringvalsen Arranged By [Arr.] – Paul Gunnar LienWritten-By – Traditional Folk Song, Fron, Gudbrandsdalen, Norway* 2:10




Agrim Agadez es una recopilación de grabaciones de campo contemporáneas de música de guitarra del imperio saheliano de Níger. Centrándose en la música de la guitarra en todo el país, desde baladas de estrellas de meditación, borrosas cubiertas de Hendrix, bandas de boda de trapo, a los guitarristas folk políticos. Una hermosa encapsulación de la diversidad de la guitarra tal como existe hoy, registrada durante años de viajes.

Como la mayor parte del Sahel, la guitarra se encuentra en todos los rincones de Níger. Ya sean acústicas, eléctricas, o construidas a mano, las guitarras son posesiones muy preciadas y siguen inspirando. Cada rincón de Níger tiene lenguas, costumbres y culturas particulares, y cada rincón ha tomado el instrumento y lo ha transformado de una manera especial: de las bandas de bar de la tierra del Hausa del sur, pastoral pastoral con autodidactos de la aldea, Músicos, a los guitarristas folk políticos.

Agrim Agadez sigue los sonidos escuchados tocando en casetes, buscando a los legendarios héroes locales en sus ciudades natales, y tropezando con los músicos en encuentros accidentales. El récord resultante es un documento de la guitarra como se ha oído, experimentado en los estudios al aire libre de Níger con un solo micrófono - con telones de fondo de las voces de los niños, los grillos, y el ambiente del pueblo.

https://sahelsounds.bandcamp.com/album/agrim-agadez




1. Fatou Seidi Ghali - Migrid Noulhawan 03:15 
2. Etran De L'Aïr - Iban Mano D'Ikhya 06:10 
3. Mdou Moctar - Adounia Tiyoun 04:01 
4. Mohamed Karzo - C'est La Vie 04:49 
5. Azna De L'Ader - Hey Joe 04:06 
6. John Safokoley - Anashua 05:31 
7. Etran De L'Aïr - Agrim Agadez 05:48 
8. Kel Tangawal - Yayela 04:16 
9. Ahmed Ag Kaedi - Imouhagh Siwlat 03:31 
10. Amaria Hamadalher - Bahouche 03:04





Es el lugar olvidado. Situada entre las montañas del noroeste de Túnez y la frontera argelina, el valle del Bargou y el pueblo que lleva su nombre se encuentran aislados, alejados del mundo. Es país pobre y estéril, pero aparte, Bargou ha desarrollado su propia cultura que nunca había sido documentada hasta que Nidhal Yahyaoui comenzó la tarea. Nacido en el valle, creció escuchando que sus padres y su familia cantaban las canciones que pertenecían a la región, y estaba decidido a que la música y las tradiciones no se escaparan a la oscuridad. Con Targ, el álbum que hizo con su banda Bargou 08, Yahyaoui ha fundido perfectamente el pasado y el presente para colocar Bargou en el mapa.

"Nidhal empezó a coleccionar canciones de todo el valle hace más de diez años", explica el productor y tecladista Sofyann Ben Youssef, que es conocido por Yahyaoui desde que tenían diez años. Nadie había hecho eso antes. Escuchaba a las mujeres, a los ancianos del pueblo, y aprendía todas las variaciones de las canciones. Ésta es su pasión, y él me pidió que me uniera a él.

Juntos, reunieron un colectivo de músicos locales y europeos que pasaron tres semanas jugando en la casa de la familia Yahyaoui en el pueblo de Bargou. Ellos trabajaron en el material, formando un sonido que aprovechó el poder de la tradición y lo conectó a algo que los jóvenes entenderían.

"Estas canciones están todas en el dialecto Targ", dice Ben Youseff. "Es parte de Berber, parte árabe, la gente de la lengua habla en el valle. Muchas de estas piezas tienen más de trescientos años de antigüedad. Después de los cambios en Túnez en 2011, sentimos que era hora de una nueva relación con nuestras raíces, de tener algo fiel al pasado pero que también era inteligible para los jóvenes. Pasamos tres semanas en Bargou, con gente de la zona, actuando y escuchando. En el momento en que empacamos, sentimos que estábamos creando algo que logró eso. "

Ellos tomaron la música que habían creado en la carretera, jugando en las ciudades y pueblos de todo Túnez y en todo el mundo, incluyendo las actuaciones rugientes en el famoso festival de Roskilde en Dinamarca y el festival de selva tropical en Sarawak. Para la gira, Bargou 08 se convirtió en una banda de cinco piezas, con Yahyaoui en voz y loutar, Ben Youssef en Moog, junto con tambores, bendir, y gasba y zokra flautas. Cuando llegaron a Bargou para grabar finalmente, habían afinado sus ideas y sabían cómo sonaría el álbum.

"Fue importante para nosotros grabar allí y usar algunos músicos locales en el disco. Pero también queríamos que los jóvenes de la aldea se dieran cuenta de que algo podía crearse allí y que no necesitaban mucho dinero para hacerlo, para inspirarlos ".

Hecho en el transcurso de tres semanas en la casa de la familia Yahyaoui, cortó cerca de la tradición, sacando su poder de la raíz, con el sintetizador de Ben Yousef agregando sutiles toques en los extremos superior e inferior.

"Todo pasa por el ritmo de esta música", dice. "Si lo comprendes, la imagen se vuelve mucho más clara. Traté de imaginar lo que habría sucedido si un avión lleno de Moogs se hubiera estrellado en el valle hace años. ¿Cómo los habrían integrado en su música? Eso fue lo que hice, sólo algo simple pero eficaz. Mantuve los instrumentos y la voz en el medio y realzó las frecuencias superior e inferior. Las líneas de bajo que toco son ritmos tradicionales; Acabo de engordar en el teclado. Para mí, simplemente estaba tocando música tradicional ".

Fardos de heno se amontonaron en las habitaciones para actuar como deflectores acústicos. Ben Yousef montado en la cocina, operando el equipo de grabación con una mano y jugando Moog con la otra. Era un montaje improvisado, pero capturó el fuego y la energía de las actuaciones de los músicos. Pero todo gira en torno a la voz de Yahyaoui. Crudo y emotivo, lamentable y apasionado, lleva orgullosamente todo el peso de la historia. Y por debajo, el bajo grueso y graso lleva la música firmemente hacia el siglo XXI.

Pero en el corazón están las canciones mismas, y las penetraciones que ofrecen en la vida del valle de Bargou con tiempo.

"No elegimos el material de Targ", dice Ben Yousef. "Las canciones nos eligieron. El lugar hizo la selección para nosotros. Ellos lo trajeron todo vivo. Mamchout, por ejemplo, es un hombre que describe a su amante, diciendo que su pelo se siente como las plumas de un águila, tan oscuro. Las palabras hablan de cómo se hablan, de cómo se besan y hacen el amor, pero todas formuladas de una manera que obedece el tabú de la época. Es historia en la mano.

El canto de Yahyaoui, ya sea sobre el amor o la sensación de diferencia y aislamiento que marca el pueblo Bargou, capta cada capítulo de la emoción en las canciones, haciéndolas tan reales y concretas que las canciones podrían haber sido escritas ayer. A su alrededor, los ritmos explosivos de la batería y la percusión dan un poder primordial a los surcos de los bajos. Es el trance del pasado que emerge de los altavoces.

Lassaed Bougalmi – gasba, zokra (traditional reed instruments)
Imed Rezgui – bendir (percussion)
Nidhal Yahyaoui – vocals, wtar (oud-like instrument)
Sofyan Ben Youssef – synthesizer, musical director Benjamin Chaval – drums

https://www.theguardian.com/music/2017/feb/16/bargou-08-targ-review-gutsy-entertaining-songs-from-tunisias-highlands
https://bargou08.bandcamp.com/album/targ
http://glitterbeat.com/artists/bargou08/






1. Chech el khater 04:38 
2. Mamchout 04:34 
3. Le min ijina 04:04 
4. Tarjaachi layem 05:29 
5. Wazzaa 05:19 
6. Hezzi haremek 05:27 
7. Dek biya 04:44 
8. Roddih 03:28 
9. Sidi el kadhi 04:54


The ukulele (from Hawaiian: ʻukulele), sometimes abbreviated to uke, is a member of the guitar family of instruments; it generally employs four nylon or gut strings or four courses of strings.

The ukulele originated in the 19th century as a Hawaiian interpretation of the machete, a small guitar-like instrument related to the cavaquinho, braguinha and the rajao, taken to Hawaii by Portuguese immigrants. It gained great popularity elsewhere in the United States during the early 20th century, and from there spread internationally.

The tone and volume of the instrument varies with size and construction. Ukuleles commonly come in four sizes: soprano, concert, tenor, and baritone. (Wikipedia)


2000 - Kuchibue To Ukulele (featuring Naoto Takenaka)
01. Bittersweet samba
02. Raindrops Keep Falling On My Head
03. Moon River
04. Love
05. My Blue Heaven
06. Love is a many splendored thing

 


 2008 - Kuchibue To Ukulele 2 (featuring Naoto Takenaka & Kimiko Wakeyama)
01. Intro
02. Venus [Shocking Blue]
03. Tie a Yellow Ribbon Round the Old Oak Tree [Tony Orlando & Dawn]
04. Theme From A Summer Place [The Percy Faith Orchestra]
05. My Uncle [Alain Romans, Franck Barcellini]
06. Suzhou Nocturne [Li Xianglan]
07. Karma Chameleon [Culture Club]
08. As The Tears Go By [The Rolling Stones]
09. La Mer [Charles Trenet]

Dictamen

Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que, una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tienda habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible.
En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.

La Música


La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso.
La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido.
La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
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