Strut presenta la primera serie recopilatoria que accede a los archivos de uno de los sellos más importantes del Caribe francés, Disques Debs de Guadalupe. Fundado por el difunto Henri Debs a finales de los años 50, el sello y estudio ha continuado durante más de 50 años, lanzando más de 300 sencillos de 7" y 200 LP, abarcando estilos que van desde el biguine y el bolero de los primeros tiempos hasta el zouk y el reggae. Debs jugó un papel fundamental en la difusión de la música criolla de Guadalupe y Martinica a un público internacional más amplio.
El volumen 1 de esta serie marca la primera década de existencia del sello e incluye orquestas de big bands, estrellas locales, bandas en gira y una nueva generación que surgiría a finales de los años 60. Los primeros lanzamientos se grabaron en la trastienda de Henri en Pointe-à-Pitre, desde su propio sexteto tocando biguines de percusión hasta el joven saxofonista Edouard Benoit, líder de Les Maxels y arreglista habitual de las bandas de Debs. Otros artistas incluyeron desde big bands como Orchestre Esperanza y Orchestre Caribbean Jazz hasta poeta y personalidad de la radio. Casimir “Caso” Létang y el artista folclórico de gwo ka Sydney Leremon. Debs también aprovechó la grabación de artistas extranjeros que visitaron Guadalupe a principios de los años 60, como el trompetista haitiano Raymond Cicault y el director de orquesta trinitense Cyril Díaz.
Compilado por Hugo Méndez (Sofrito) y Emile Omar (Radio Nova), «Disques Debs International» se publica en colaboración con Henri Debs Et Fils y Air Caraibes.
1.
Daniel Forestal Et Sa Guitare - Ces P`Tits Je T`aime 02:43
2.
Casimir Lètang - Travail Zènfants! Chantez Après! 02:08
3.
Cyril Diaz Et Son Orchestre - Feeling Happy 02:15
4.
Georges Tinedor Et Manuela Pioche - Colliè Et Zanno 02:50
5.
Henri Debs Quintet - Douce Kombass 03:20
6.
Joseph Lacides - Mr. Morin 02:56
7.
Geno Exile - Lan Misè 02:46
8.
Dolor Et Les Diables Du Rythme - Salvana 02:40
9.
Syndey Lèrèmon Et Ses Amis Du Calvaire Baie-Mahault - You You Matayango 02:04
10.
Raymond Cicault Et Son Orchestre Volcan - À Mon Ami Lucien Jolibois 03:45 video
11.
Orchestre Esperanza Et Jean Leroy - Ou Pas Bel 02:23
12.
Henri Debs Sextet Et Paul Blamar - Moin Çé On Maléré 03:31
13.
Le Ry-Co Jazz - Si I Bon Di I Bon 05:05
14.
Remy Mondey - Meringue Mondey 02:54
15.
Henri Guedon Et Les Contesta - Van Van 03:36
16.
Les Shupa Shupa D`Haiti - Batterie Shupa 03:30
17.
Paul Blamaret Vèlo - Lovency 03:21
18.
Eric Virgal - Stanislas 02:58
19.
Les Aiglons - Les Aiglons Ka Satisfait 05:20
20.
Tutus De La Guyane - Nanao Nanao 03:47
21.
Guy Conquette - Assez Fait Cancan 02:20
Grabado
en Trinidad bajo la dirección del saxofonista Jason Yarde y con la
participación de algunas de las voces más llamativas de la isla de la
que es originario,People Of The Sunes el álbum más íntimo, vanguardista y políticodel cantante y poeta Anthony. Joseph.
Trinidad.Cuatro
mil setecientos kilómetros cuadrados rodeados de aguas color turquesa,
una pieza del rompecabezas del Caribe, esta área donde las olas llevan
el intercambio de vibraciones musicales entre cada una de las islas.Diez años para visitar el cielo y las carreteras de todo el mundo, para grabar su música y tocarla en el escenario.Ver a Trinidad solo en líneas punteadas, durante unas semanas o unos meses.Sin embargo, por lo que Anthony Joseph ha viajado, su isla siempre ha estado con él.No
es un vínculo distendido y difuso, sino una raíz firmemente arraigada
en el suelo nativo, un vínculo directo capaz de correr por miles de
kilómetros sin perder intensidad.Una fuerza benevolente infundida en sus ritmos y sus libros, honrados en sus títulos.Impalpable pero tan presente.
Así que, glorificado el archipiélago al reunir a músicos locales en las conocidasCaribbean Roots, es para, por y con Trinidad, que diseñó y grabóPeople Of The Sun, en el corazón de la capital Puerto de España.Sumérgete
en su entusiasmo musical para finalmente darse cuenta del tributo que
Anthony había mantenido durante mucho tiempo en un rincón de su mente.El álbum y la ciudad regresan sus iniciales como frente a un espejo.
Con
este talento único para mezclar soul, funk, jazz y frecuencias
caribeñas para contar historias con calma iniciadas y cerradas en una
furia de ritmos y metales, fábulas fantásticas o poemas cautivadores,
Anthony Joseph ha impuesto este momento como el rasgo de unión entre dos
generaciones de músicos de Trinidad.El portador del patrimonio musical, steelpan, rapso y soca;y el nuevo, sensible al R & B como el hip hop, el que camina por los caminos despejados por los ancianos.
Len
"Boogsie" Sharpe, Brother Resistance, Modupe Folasade Onilu, Mikhail
Salcedo, John John Francis, 3 Channel, su hija Meena, todos vinieron a
traer el dominio del tambor de acero, la pluma de la poesía militante,
la brujería de percusión, los teclados, las vibraciones alma, agilidad
vocal y dulzura celestial: el Ibis String Ensemble se encarga de traer
con sus arreglos de cuerda una dimensión melancólica y una profundidad
que coquetea con Blaxploitation.
Los
ecos metálicos del steelpan en alambre cuasi conductor para posar sus
textos políticos, sus crónicas sociales o su conciencia negra, el groove
siempre suficientemente influyente para llevar todos los instrumentos
hacia el trance colectivo,People Of The Sunbajo las sucesivas contribuciones de sus participantes proyecta la música de Trinidad más allá de sus orillas.
Ensamblado, orquestado y producido por Jason Yarde, el secuaz de Anthony en el estudio y en el escenario,People Of The Sunirradia como siempre esta pieza del rompecabezas caribeño, menos visible que los vecinos jamaicanos o cubanos, pero cuyo lema "Juntos aspiramos, juntos logramos", nunca habrá sonado tan bien.
1 Milligan (The Ocean) (feat. Ella Andall)
Ella Andall
8:26 2
Sans souci (Totem) (feat. Len "boogsie" Sharpe)
Len ' Boogsie' Sharpe
5:45 3
Bandit School (feat. 3 Canal)
3 Canal
4:09 4
Suffering
6:45 5
Dealings (feat. Brother Resistance)
Brother Resistance
7:16 6
Dig out Your Eye
7:36 7
He Was Trying
9:13 8
On the Move
5:49 9
Incense Taxi
2:33 10
Jungle (feat. Meena Joseph)
Meena Joseph
7:31 11
People of the Sun (feat. John John Francis)
John John Francis
5:54
Durante casi 40 años, Ecos de Borinquen ha capturado el alma de la música jíbara en sus interpretaciones y grabaciones a través de un exquisito balance entre tradición e innovación. Fundado en 1980 por el trovador Miguel Santiago Díaz, el grupo ha acogido a algunos de los mejores instrumentistas de Puerto Rico como Neftalí Ortiz, Edi López y Ramón Vázquez. Los creativos arreglos de Ecos de Borinquen para el cuatro (el instrumento de cuerda más icónico de la música jíbara) junto con la maestría poética de Miguel Santiago para componer décimas, han hecho de este grupo uno de los preferidos entre las audiencias locales y han atraído reconocimiento internacional. En 2004, su disco Jíbaro Hasta el Hueso fue nominado al premio Grammy en la categoría de mejor álbum "Traditional World Music" y al premio Latin Grammy en la categoría de "Best Folk Music", haciendo de ésta una de las más exitosas grabaciones de música jíbara desde aquellas legendarias del cantante Ramito (Florencio Morales "Flor" Ramos), quien durante la década de 1950 popularizó este estilo de música tradicional puertorriqueña a lo largo de América Latina y los Estados Unidos.
En El alma de Puerto Rico (2016), su segunda grabación con Smithsonian Folkways, Ecos de Borinquen presenta una variedad de géneros tradicionales como el seis, aguinaldo y la cadena, que son considerados la esencia misma de la música jíbara.
El nombre Ecos de Borinquen procede de un programa de radio que Miguel Santiago Díaz inauguró en 1978 en la estación WViAc 740 AM, y que todavía está en el aire en la WQbs 870 AM. El programa tenía como propósito dar mayor exposición pública a la música jíbara la cual, según Miguel Santiago, tiene una presencia limitada en las ondas radiales nacionales. Dos años más tarde, Miguel incorporó el grupo Ecos de Borinquen como parte del programa para acompañar trovadores y cantantes invitados/as. Yezenia Cruz, quien canta en este álbum, fue una de las artistas jóvenes destacadas en el programa. Ahora, en la cúspide de su carrera, su voz poderosa y enérgica complementa la experimentada voz de Miguel Santiago en El alma de Puerto Rico.
Ecos de Borinquen ha incluido en el disco tres piezas instrumentales inéditas compuestas para cuatro por Héctor "Tito" Báez, acompañante de Nieves Quintero y parte de la escena musical jíbara en Nueva York durante la era de Ladí, a principios del siglo XX, cuando el Conjunto Típico Ladí y otros grupos pioneros comenzaron a incorporar música de salón derivada de modelos europeos del siglo XIX y estilos de música popular de Estados Unidos y Latino América dentro del repertorio jíbaro. Tres piezas incluidas en este álbum son testimonio de la popularidad, sofisticación y sabor criollo adquirido por este repertorio: una mazurca ("Gloria"), un foxtrot ("El Rodadero") y un pasillo colombiano ("Homenaje a Juan González").
Por su parte, el cuatrista Cheo Delgado ofrece algunos solos jazzísticos a Nieves Quintero. Nieves Quintero, quien redefinió el arte de tocar el cuatro incorporando elementos de música popular latinoamericana (son, bolero, guaracha, danzón), jazz, blues y folclore latinoamericano (joropo llanero, milonga) dentro de los estilos jíbaros, ha sido influyente para músicos jíbaros como José "Cheo" Delgado y Ramón Vázquez Lamboy (director musical del grupo), quienes han usado el conocimiento legado por estos grandes maestros para crear un sonido único para el grupo, que los ha mantenido a la vanguardia de la música jíbara. En El alma de Puerto Rico son presentados Benjamín Laboy (segundo cuatro) y la trovadora Elsie Marie Díaz, estrellas en ascenso que ahora hacen parte de la familia de Ecos. Como continuación de una venerable tradición puertorriqueña, El alma de Puerto Rico representa una grabación inmejorable para las y los fans de la música jíbara y para cualquiera que guste de la música tradicional.
01. Soñando con regresar (seis joropo estilo Ángel Luis García)
02. Nuestro amigo el flamboyán (seis a Borinquen)
03. El alma de Puerto Rico (seis tumbao)
04. Paraíso borincano (llanera estilo bairoa)
05. Homenaje a Juan González (pasillo)
06. Gloria al idioma español (seis marumba)
07. Hospitalidad (aguinaldo nuevo)
08. El Rodadero (fox criollo)
09. Un sol de esperanza (aguinaldo de promesa)
10. Comerío vibra en mí (seis guaracaná)
11. Tres generaciones (aguinaldo patrullero)
12. Cadenas
13. Fiesta en el batey (aguinaldo comerío)
14. Gloria (mazurka)
15. Plegaria (aguinaldo mayagüezano)
16. Por amor (seis gurabo)
Calypso Rose es el nombre artístico de Rose McCartha Linda Sandy Lewis, embajadora de la música caribeña, leyenda viva del calypso ("kaiso") y del soca, el género antillano nacido en el contexto del carnaval, con raíces tanto africanas como europeas que surge en el siglo XIX (que vive su apogeo hacia la década de los años 60 y 70), y cuyo origen se sitúa en las comunidades urbanas de origen africano de Trinidad y Tobago.
Nacida en la isla de Tobago, trabajadora incansable, ha escrito más de 800 canciones y grabado más de 20 discos producidos en el mundo entero. Comparada con Miriam Makeba y Cesária Évora, todas las comunidades del Caribe –anglófona, francófona o hispánica - la reciben con fervor: es la única artista femenina a quien han coronado en el famoso carnaval de Trinidad, ya en 1978, y en haberse llevado cinco veces seguidas el premio de "Calypso Queen". Calypso Rose es un icono. Su personalidad, su carisma y su alegría de vivir hacen de ella una cantante del alma. Una cantante de Soul, Gospel, de Blues y por supuesto de Calypso, una diva de la música popular.
En Far From Home (2016) nos encontramos con un desfile musical caribeño con cambios de ritmo, color y estados de ánimo, en el más puro estilo del Carnaval que, más que un ritual festivo, es el principal evento cultural de Trinidad y Tobago y personifica el alma así como la diversidad social y étnica de su población.
La producción ejecutiva la lleva Jean-Michel Gibert (quien ha manejado la carrera de la artista desde su álbum A Dirty Jim en 2005). La producción corre a cargo de Ivan Duran, y Drew Gonsalves (de la banda Kobo Town) co-escribe algunas de las canciones y compone los arreglos. Por su parte, Manu Chao co-produce y deja su huella inconfundible cantando en tres canciones ("Leave Me Alone", "Far From Home" y "Human Race") y tocando el charango. El arte gráfico del álbum con ilustraciones de Maxime Mouysset.
Un trabajo que le ha valido el premio al mejor disco (en la categoría Músicas del Mundo) en "Les Victoires de la Musique" de la Academia de Música de Francia, el WOMEX Awards de 2016 y el Songlines Music Awards de 2017.
01. Abatina
02. I Am African
03. Leave Me Alone (feat. Manu Chao)
04. Far From Home
05. Calypso Queen
06. Zoom Zoom Zoom
07. Trouble
08. Love Me or Leave Me
09. No Madame
10. Woman Smarter
11. Human Race
12. Wah Fu Dance!
Marie Clotilde "Toto" Bissainthe (1934 – June 4, 1994) was a Haitian actress and singer known for her innovative blend of traditional Vodou and rural themes and music with contemporary lyricism and arrangements. Born in Cap-Haïtien in 1934, she left Haïti at an early age to pursue her studies abroad. Her career started in theatre with the company Griots, of which she was a founding member in 1956. Griots was at the vanguard of négritude-inspired cultural institutions in France, and was the first African theatre company in Paris.
With a groundbreaking performance in 1973 at La vieille grille in Paris, Toto Bissainthe established herself as singer-songwriter-composer, stunning the audience with her soul-stirring renditions of original compositions that paid homage to the lives, struggles, miseries and spirituality of working class and rural Haïtians.
An artist in exile, Toto Bissainthe will be unable to return to the Haïti that so inspired her until the departure of Jean-Claude Duvalier in 1986. However, the multiple disappointments of the unending democratic transition and political infighting would forever embitter the outspoken artist, who had long dreamed of a return to help rebuild her motherland. Saddened by Haïti's social and political degradation, Toto Bissainthe's health would enter a downward spiral ending with her death from liver damage on June 4, 1994.https://en.wikipedia.org/wiki/Toto_Bissainthe
Tuff Lion is an artist, himself, who could well be described as a ‘modern classic’. The very fact that you and I are existing in a frame of life which happens to not only coincide with this man’s own, but this man making music at the height of his powers is something really special. Long a fixture on the Virgin Islands Reggae scene, the Lion has played for just about every remotely prominent and gifted Reggae artist from out of the VI as a producer, a musician, an arranger, a writer and pretty much just everything you could want. In 2007, the master guitarist from out of St. Croix released his very own debut album, the very well received ”Utterance”, which actually featured him taking things to the mic and singing throughout the very strong affair. The very next year, however, he outdid himself and did so in the most natural and organic way that he possibly could without uttering a single syllable on one of the finest albums the region has ever produced. “Ten Strings”
On an album like this, besides the quality of a particular sound and song (which is unquestionable in this case), everything is left to the individual perceiving that sound. What I mean is that, when I analyze these songs, where there’re no lyrics, I’m likely (and hopefully) to get something out of them which you won’t and which Tuff Lion didn’t when he made the songs. The album was pushed by I Grade Records, and was, essentially, Tuff Lion’s own musical efforts on some of the riddims from I Grade - Basically placing music where there is generally lyrics. The results were outstanding and probably pretty difficult to analyze. I think I’ll try it anyway. (Fuente: achisreggae.blogspot.com.ar)
1. Yad Along 2. Vibes Presentation 3. Majestic Honor 4. Coming Home 5. Indigo Tides 6. Burning Bush 7. Kindred Spirit 8. Ivahlasting 9. A Different Iration 10. Lalibella 11. Love Is All 12. Zion Awake 13. Firm Foundation 14. Set Dem Free 15. Fly Away 16. Carry On 17. Blessed Feeling 18. Ancient Trees
1. Scream Of Consciousness 2. Rootstafari 3. In De West 4. Pimps And Parasites 5. The Truth Is 6. Planters Chant 7. Utterance 8. Know The I Self 9. Be N.a.t.t.y. 10. Balance 11. Dreamin' 12. Love Now 13. Advance Tuff Lion - Utterance (Islas Vírgenes, 2007)
LABUGA (la boca) es una celebración de la cultura
garífuna consistente en un montaje de obras musicales anónimas tradicionales
con composiciones de David de Gandarias, realizadas a partir de la música
tradicional. El compacto LABUGA es el audio de un montaje
multimedia que comprende orgánico en vivo, tratamiento electrónico, música
computarizada, video digital, danza, teatro y luces. En el montaje LABUGA trabajó durante,
aproximadamente, dos años un grupo de artistas e intelectuales garífunas de
Livingston, Izabal, Guatemala, junto a un equipo de investigadores y artistas
mestizos de la ciudad de Guatemala. LABUGA es el lugar donde se funde, sin
jerarquías, el acerbo estético de los garífuna rural y tradicional con
principios propios de lo mestizo, urbano y actual.
LABUGA nace de la idea de confrontar el racismo a
través del establecimiento de reales nexos interculturales y la expectativa de
adentrarse en nuevos derroteros estéticos y sonoros por medio de la
experimentación.
El compacto
LABUGA está dividido en cuatro
secciones que corresponden a diversos géneros de música garífuna tradicional. Cada una de estas partes está constituida por
una composición electrónica basada en ciertos rasgos instrumentales o vocales
que caracterizan dichos estilos, unida a la interpretación del grupo
instrumental en vivo a manera electroacústica. El orgánico interpreta –generalmente,
al final de cada sección– composiciones tradicionales de cada uno de estos
géneros.
En LABUGA el recurso digital corresponde,
tanto a una necesidad expresiva, como a una toma de conciencia de la
contemporaneidad. Se ha utilizado la
parafernalia electrónica para extender y magnificar el gesto instrumental y
vocal. La participación viva del grupo
tradicional garífuna en interacción directa con la elaboración sonora
computarizada concreta ese proceso de intercambios entre universos complementarios
que es el motor de este montaje musical.
Ibímeni
es el grupo musical tradicional más importante de la comunidad garífuna de
Livingston. Para el específico montaje
de LABUGA el grupo ha sido dirigido
por David de Gandarias (Notas del folleto)
Músicos:
Ibímeni:
Voces:
Elvira Álvarez
Berta Sandoval
Cosme Baltazar
Xiomara Norales
Percusiones:
Sergio Núñez:
garaon primera (tambor garífuna)
Higinio Flores:
garaon segunda
Máximo Ramírez:
sísiras (maracas garífunas)
Edwin Álvarez:
sísiras
Isidro Bonilla:
sísiras
Tulio Baltazar:
garaon primera
Gregorio Lucas:
coordinador
David de Gandarias: composición electrónica,
montaje, dirección y producción
La colección Cinco leyendas, integrada por registros originales de Francisco Repilado (Compay Segundo), Ibrahim Ferrer, Omara Portuondo, Eliades Ochoa y Rubén González, se convirtió en la producción discográfica cubana de mayores ventas a nivel internacional.
De figuras legendarias está colmada la música cubana, y por tanto sobre la base de este título podrían haberse armado tantos quintetos ocasionales como se quisiera, pero sucede, que estos cinco no fueron tomados al azar, sino que entre lo mucho que tienen en común, está el haber sido precisamente los nombres que más lograron brillar dentro del mundo del disco, luego de su inestimable contribución al triunfo alcanzado por el que pudiera considerarse como el más comercial de los proyectos sobre música cubana realizado en los últimos diez años, el Buena Vista Social Club.
Este disco nos brinda la posibilidad de poder obtener de una vez, cinco compilaciones hechas a partir temas seleccionados de antologías editadas anteriormente sobre estos grandes artistas, lo que presupone que se trate musicalmente de “lo mejor de lo mejor”, incluyendo también amplios comentarios de prestigiosos musicólogos que se encargan de profundizar en la historia de cada una de estas figuras y su significación dentro del contexto musical cubano, con lo cual se logra brindar una interesante plataforma teórica editada además en dos idiomas, a las setenta y cuatro joyas que agrupa este elegante estuche.
COMPILACION 1
Título: Compay Segundo
Artista(s): Compay Segundo
Género: Tradicional
Año de producción: 2005
Cuando en la pasada década de los noventa se pusieron de moda los veteranos defensores de la música tradicional cubana con sus formatos acústicos sacando un enorme trecho de ventaja en el orden comercial al resto de las manifestaciones; uno de los temas que más sonó indiscutiblemente fue el Chan Chan que, haciendo gala de una sencillez extrema y una sabrosura inigualable, movió a todo el planeta en la voz de su compositor, Francisco Repilado, el carismático Compay Segundo.
Oriundo de la santiaguera Playa Siboney, donde nació el 18 de noviembre de 1907, fue desde muy joven clarinetista de la Banda Municipal de Santiago, a la par que daba rienda suelta a su filiación trovadoresca simultaneando su permanencia en ésta con su participación en diferentes agrupaciones de música tradicional. En la década del treinta se radica en La Habana, ingresando como clarinetista en la Banda Municipal de la capital bajo la dirección del maestro Gonzalo Roig, a lo que seguiría su entrada como guitarrista en el Cuarteto Hatuey de Justa García. El clarinete le sirvió también para formar parte del Conjunto Matamoros donde se mantuvo por espacio de doce años, además de fundar a partir de 1942 el dúo Los Compadres junto a Lorenzo Hierrezuelo, en el que se mantuvo hasta el mes de septiembre de 1955, luego de lo cual funda la agrupación Compay Segundo y sus Muchachos que le acompañaría durante el resto de su vida.
En 1997 toma parte en el proyecto Buena Vista Social Club, álbum ganador de un Grammy, que sirvió para convertir su Chan Chan en todo un himno, que posteriormente tuvo la oportunidad de defender en los principales escenarios del mundo.
El presente álbum es una compilación de algunos de los temas más importantes dentro de su repertorio, que nos dan la medida de su maravilloso talento como compositor y de la extraordinaria cubanía de su pluma. Fuente
Temas del Disco:
01. Saludos Compay
02. Chan chán
03. Voy pa' Mayarí
04. Anita
05. La mujer del peso
06. Sanluisera
07. Yo soy de monte Compay
08. Será cuando tú digas
09. Francisco Guayabal
10. Sigue el paso No. 1
11. A los barrios de Santiago
12. De Jatibonico a Bolondrón
13. Sigue el paso No. 2
14. Sigue el paso en la Nochebuena
15. María en la playa
Título: Omara Portuondo
Artista(s): Omara Portuondo
Género: Tradicional
Año de producción: 2005
Omara Portuondo es reconocida como uno de los principales exponentes del “filin”, movimiento creativo que se gestó a finales de los años cuarenta dentro de la canción cubana. A lo largo de su carrera integró diferentes agrupaciones como el Conjunto Loquibambia Swing, el grupo Musicabana, el Cuarteto de Orlando de la Rosa y la orquesta Anacaona; pero sin lugar a dudas la más importante de todas fue el cuarteto Las D’Aida, organizado por la pianista Aida Diestro, con el que se mantuvo trabajando por espacio de quince años, hasta que en 1967 se separa y ofrece un concierto en el Teatro Amadeo Roldán, con el que da inicio a una época de consolidación de su imagen, en la que se ganó por completo el favor de un público nacional que presenció la auténtica aparición de una artista avalada por su talento, a la cual supo admirar no como la cantante de moda, sino como la genuina personificación de la canción cubana.
Una exitosa carrera de tres décadas repletas de giras al extranjero, participaciones en festivales y grabaciones fue coronada con el triunfo del Buena Vista Social Club, convirtiéndose Omara en una de las grandes leyendas de la música cubana junto a Ibrahím, Compay, Rubén y Eliades; momento a partir del cual comenzó a aparecer en múltiples compilaciones que buscaban saciar el apetito de un público ávido de encontrar sus grabaciones
El disco que estamos poniendo a su consideración persigue como objetivo mostrarnos una parte de tanta buena música sembrada a lo largo de toda una vida, insuperablemente interpretados por una cantante que constituye una verdadera diva de la música cubana. Fuente
Temas del Disco:
01. Échale salsita
02. Lo que me queda por vivir
03. Mi son caliente
04. Vuela pena
05. Guitarra en son mayor
06. Nada para ti
07. Vieja luna
08. Te quería
09. Vale la pena vivir
10. Toda una vida
11. Eso no lo he dicho yo
12. Me acostumbré a estar sin ti
13. Y mucho más
14. Nosotros
15. Agua que cae del cielo
Título: Ibrahim Ferrer
Artista(s): Ibrahim Ferrer
Género: Tradicional
Año de producción: 2005
Ibrahím Ferrer se inicio en el canto a la edad de trece años, con un grupo llamado Los Jóvenes del Son que se dedicaba a amenizar fiestas de barrios, pasando posteriormente a integrar diferentes conjuntos como el Wilson, el Sorpresa y el Maravilla de Beltrán, hasta ingresar en la legendaria orquesta Chepín de Electo Rosell, con la que colocó una gran cantidad de éxitos, entre los que destaca el antológico son montuno El platanal de Bartolo.
En 1953 entró al grupo de Pacho Alonso –años después bautizado con el nombre de Los Bocucos-, agrupación en la que a partir de 1967 ocupa la responsabilidad de cantante principal, y en la que se va a mantener hasta el año 1991.
En 1997, es invitado a participar en el Buena Vista Social Club, y ese mismo año regresa a los estudios para grabar con la orquesta Afro Cuban All Stars el disco A toda Cuba le gusta, al que seguiría poco tiempo después el título Buena Vista Social Club presenta a Ibrahím Ferrer, su primer disco en solitario, nominado al Grammy Latino, donde Ibrahím se alzó con el título de “Artista Revelación” luego de sesenta años de carrera artística.
A partir de entonces se generaron innumerables conciertos en infinidad de países, que lo llevarían a los escenarios más importantes del mundo, creándose una gran demanda sobre su discografía, la mayor parte de la cual se encuentra atesorada en los archivos de la EGREM, sirviendo de base para la conformación de compilaciones como esta en la que podemos apreciar buena parte de los temas que convirtió en hits a lo largo de su carrera. Fuente
Temas del Disco:
01. El botellero
02. Como la piel canela
03. Fomento
04. Monte adentro
05. En qué parte de Cuba nació el son
06. Así es la vida Compay
07. Todavía me queda voz
08. El son de la santiaguera
09. Cucuruchito de coco
10. Esto se baila y se toca
12. Mi tonada montuna
13. Estoy seco y me quiero mojar
14. Mañana me voy pa' Sibanicú
15. El platanal de Bartolo
Título: Eliades Ochoa
Artista(s): Eliades Ochoa
Género: Tradicional
Año de producción: 2005
Nacido en el poblado oriental de Songo La Maya en 1946, Eliades Ochoa comenzó a tocar la guitarra a los seis años, debutando muy joven en cuanta descarga se improvisaba en las calles de Santiago de Cuba, hasta llegar a convertirse en integrante del Quinteto Oriental y del Septeto Típico.
Reconocido por sus excepcionales cualidades como guitarrista, recibe en 1978 la oferta de dirigir el Cuarteto Patria, agrupación que a partir de su ingreso experimentaría una nueva etapa de desarrollo, iniciando una exitosa carrera de presentaciones internacionales y de producciones discográficas.
En 1997 fue uno de los participantes en el proyecto Buena Vista Social Club, que reunió a grandes figuras de la música cubana, logrando alcanzar el premio Grammy, lo cual contribuyó a la promoción internacional de su obra, de la cual aparece recogida en el presente álbum una muestra representativa. Fuente
Temas del Disco:
01. El cuarto de Tula
02. Estoy hecho tierra
03. En casa de Pedro el Coj
04. Allí donde tú sabes
05. La culebra
06. Rita la Caimana
07. Que lío Compay Andrés
08. Alma de mujer
09. Mujer perjura
10. Qué te parece Cholito
12. La venganza del Perico
13. Entre flores
14. Beso discreto
Título: Rubén González
Artista(s): Rubén González
Género: Tradicional
Año de producción: 2005
Rubén González se mantuvo durante más de sesenta años vinculado profesionalmente con la élite de nuestra música popular, hasta llegar a consagrarse junto al grupo de veteranos que protagonizaron a finales del siglo pasado la aventura del Buena Vista Social Club.
Su vida profesional comenzó en la región central del país como músico de diferentes orquestas hasta que en 1941 toma la decisión de pasar a radicar en la capital, logrando rápidamente establecerse entre los pianistas más demandados de aquella época.
Fue integrante de los conjuntos de Arsenio Rodríguez y Kubavana de Alberto Ruiz, del grupo de Senén Suárez y la orquesta Riverside, hasta que ingresa en la orquesta de Enrique Jorrín, en la cual se mantuvo aportando su característico “tumbao” por espacio de más de veinticinco años. De forma simultánea formó parte del Noneto Cubano de Jazz organizado por el trombonista Pucho Escalante, con lo cual pudo dar rienda suelta a su pasión como jazzista.
Su primer disco como solista lo graba en 1975 y lleva como título Indestructible, un álbum en el que si bien incluye ricas descargas soneras que muestran sus dotes interpretativas, pone mayor énfasis en hacer un derroche de expresividad a partir de su versión de títulos claves dentro del repertorio del filin.
En 1996 le invitan a formar parte del elenco del Afrocuban All Stars para la grabación de su disco A toda Cuba le gusta, que resultó nominado para los Premios Grammy, seguido por el clásico Buenavista Social Club, con el que llegó la oportunidad de presentarse en los escenarios internacionales más importantes, abriéndole además las puertas para la aparición de sus álbumes Introducing Rubén González y Chanchullo, editado en el 2003 pocos meses antes de su muerte.
El presente disco nos muestra una compilación de algunas de sus principales grabaciones a través de las cuales podremos acercarnos al quehacer de una de las grandes leyendas de la cultura cubana. Fuente
Temas del Disco:
01.Yo te enseño Lola
02. Soplete
03. Préstame la bicicleta
04. Date una vueltecita
05. Ambrosio
06. La gloria eres tú
07. Noneto
08. Nuestra canción
09. Moby Dick
10. Todo aquel ayer
11. ¿De qué te quejas?
12. Mil congojas
13. Sancho
14. Ciudad oscura
15. Qué infelicidad
Nacido en el barrio habanero de Jesús María, en 1917, el percusionista y congero, Ramón Santamaría, abandonó muy joven los estudios para dedicarse a los timbales. Pero sus triunfos musicales comenzarían a materializarse en 1948, cuando viaja a México y se enrola con la orquesta de Dámaso Pérez Prado, con quien viaja a los Estados Unidos un año después. Fue en Nueva York donde Mongo Santamaría - el nombre con el que se le conocería artísticamente para siempre -, vivió y ejerció su carrera durante cuatro décadas.
En 1951, Mongo se integra en la orquesta de Tito Puente, con quien graba dos discos clásicos de la percusión afrocubana: "Puente in Percusión" (1955) y "Top Percusión" (1957). Sin embargo, su fama internacional se produciría tras abandonar la orquesta de Puente, y asociarse con el vibrafonista Cal Tjader, a partir de 1958.
Junto a Tjader y el bongosero Willie Bobo, Mongo Santamaría, hace historia en San Francisco durante cuatro años, pero a la vez no descuida las grabaciones en solitario de la música que le interesa. Después de "Tambores y Cantos" (1955), graba "Mongo" (1959), disco que contiene el tema "Afro Blue", acaso su más memorable composición. En 1960 viaja a Cuba y graba dos verdaderas joyas discográficas: "Mongo en La Habana", con Carlos Embale y Merceditas Valdés, y "Sabroso", con el tresero y compositor Andrés Echeverría, apodado "El Niño Rivera".
Justamente a su regreso a Estados Unidos, en 1962, la heterodoxa charanga de Mongo comienza a transitar de manera natural hacia el jazz. Entre los músicos que contrata por entonces para sus incursiones jazzísticas están figuras de la talla del pianista, Chick Corea, el flautista Hubert Laws y el trompetista Marty Séller, quien se convertirá en estrecho colaborador de Santamaría y en arreglista de la banda.
El tema "Watermelon Man", de 1962, supone para Mongo Santamaría los primeros éxitos de popularidad, con seis semanas en la lista de los diez números más escuchados en Estados Unidos. En 1963, Mongo está ya a la cabeza de lo que será el conjunto de jazz latino del futuro, con piano, bajo, percusión y una línea de metales. Graba con la "Fania All Stars", en 1977, y un año después gana el Grammy con su disco "Amanecer".
Poco después, en el Festival de Montreux, en 1980, colabora por primera vez en una grabación histórica con Dizzy Gillespie, con quien viajaría luego a La Habana. La discografía de Mongo incluye más de cuarenta títulos, como solista o en agrupaciones. Entre sus mas recientes grabaciones figuran "Mambo Mongo" (1993), "Mongo Returns" (1995), "Conga Blue" (1995) y "Come on Home" (1997).
Mongo Santamaría, falleció en la madrugada del 1 de febrero de 2003 en su residencia de Miami, víctima de un paro cardíaco, a los 86 años. Con su muerte desapareció una de las celebridades de la música cubana del siglo XX y el conguero que más influencia tuvo en el desarrollo del jazz latino. Fuentes: Wikipedia, Herencia Latina
01. Feelin' alright 02. Fever 03. Hip-hug-her 04. Hold on, i'm comin' 05. I can't get next to you 06. Sunshine of your love 07. Heighty-hi 08. In-a-gadda-da-vida 09. On Brodway 10. Track of my tears 11. By the time i get to Phoenix
Enrique Jorrín Oleaga, compositor musical, creador del Cha Cha Chá, un mulato de sonrisa bonachona, hablador pausado y siempre dispuesto a la conversación. Considerado como de gran aporte a la Historia musical de Cuba, con más de cuarenta años de vida, su ritmo y sonido se mantienen llenos de vida y energía.Maestro, fundador, director, orquestador y violinista de la Orquesta “Enrique Jorrín”.
Desafortunadamente el creador del chachachá ya no está con nosotros, muere en La Habana en 1987, pero nos ha dejado como legado su música y el recuerdo de su amplia sonrisa que iluminaba con su alegría el mundo
01 La muerte llegó 02 Una cierta sonrisa 03 Dios me libre 04 Ritmo pa´tí 05 El escapulario 06 La vida tiene su cosa 07 Fruto amargo 08 Central Constancia 09 No me pidas 10 El madrugador 11 William Morgan 12 Recordando la niñez
Cubanos descendientes de esclavos, que arribaron desde Haití hace más de doscientos años, conforman las y los diez integrantes del coro The Creole Choir of Cuba, creado en 1994. En sus cantos transmiten la historia de su criollización realizada desde las luchas contra la esclavitud y las dictaduras. La coral canta en creole, la lengua de un pueblo condenado al exilio en diversas ocasiones: primero, de África a Haití a través del comercio de esclavos; después, de Haití a Cuba reducidos una vez más a la esclavitud por sus amos franceses después de la revolución haitiana de 1790, y por último, parte de la inmigración llegada a Cuba en el siglo XX, escapando de la agitación política, la pobreza y la opresión del bárbaro régimen que impusiera Papa Doc Duvallier.
The Creole Choir of Cuba publica Tande-La (2010), un sensacional homenaje a sus ancestros haitianos. Procedentes de la ciudad y provincia azucarera de Camagüey, en el centro del país, estos cuatro hombres y seis mujeres surgieron del corazón de esta ciudad, la tercera del país, reconocida por la UNESCO por la arquitectura de su centro histórico, edificado por los colonos españoles en el siglo XVI.
El nombre original del Creole Choir, Desandann, significa literalmente "descendiente". Las canciones de su último álbum Tande-La (que se traduce como "escuchen") cuentan las historias de sus ancestros haitianos que fueron llevados a Cuba para trabajar en las plantaciones de azúcar y café. De melodías auténticas seguidas por ricas armonías y ritmos caribeños se compone el canto pasional de un grupo único que celebra sus raíces, la resistencia y los irresistibles ritmos de la vida.
A cargo de la directora coral Emilia Díaz Chávez, los cantos se ofrecen en creole, también segunda lengua de Cuba, este creole que los esclavos africanos modificaron a través de los siglos, mezclando los dialectos amerindios, el castellano, el inglés y el francés.
Son estos momentos, estas historias, estas vidas, este desarraigo que el Creole Choir of Cuba nos propone compartir aquí, con este homenaje vibrante a través de voces profundas, emocionantes y carismáticas. Voces únicamente acompañadas por sutiles percusiones que se ponen a disposición de un repertorio de canciones tradicionales haitianas, canciones más actuales, y canciones de inspiración cubana, son, guaguancó, cha cha chá… Unas polifonías y unas prestaciones escénicas aclamadas por el público y la prensa de los lugares en que se han presentado.
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
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Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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Subido por Guayacas
