Estuaire, ese lugar donde el agua dulce se encuentra con el agua salada, evoca tránsito, renovación y fertilidad. Un espacio de transición y transformación, donde surgen posibilidades inesperadas, muy parecidas a los encuentros musicales que Constantinopla vislumbraba.
En esta nueva colaboración, Ablaye Cissoko, maestro de la kora, y Kiya Tabassian, virtuoso del setar persa, vuelven a unirse, fusionando las influencias de sus recuerdos musicales. Junto a ellos, su colaborador habitual, el percusionista Patrick Graham, aporta ritmo y matices a esta conversación sonora.
Con el paso de los años, su diálogo se ha profundizado, convirtiéndose en una conversación musical profunda e inspiradora. Y cuando las estrellas se alinean, durante un concierto, la kora y el setar entrelazan sus voces para crear un universo mágico que detiene el tiempo y calma el alma.
Subido por Marhali. The Sky Is the Same Colour Everywhere (2023) es una meditación espiritual llevada a cabo por dos grandes maestros y portadores de tradiciones musicales, que comparten su virtuosismo basándose en repertorios tradicionales persas y malienses para kamanché y kora: Kayhan Kalhor y Toumani Diabaté.
Kayhan Kalhor y Toumani Diabaté son solistas bien conocidos por derecho propio, pero esta grabación a dúo es algo especial que nos lleva a un viaje musical hacia nuevos paisajes. "Es como si esta música ya estuviera allí esperándonos", dice Toumani. "Y es como si los dos nos hubiéramos conocido antes, en otra vida".
Kayhan Kalhor, de Irán, es el principal intérprete del kamanché, instrumento de cuatro cuerdas tocadas con un arco corto, para lo que se tiene que apoyar entre las rodillas, "como montar un caballo salvaje" señala Kayhan. Su trayectoria incluye colaboraciones con Yo-Yo Ma’s Silk Road Ensemble, Kronos Quartet, Shujaat Khan, Erdal Erzincan, Rembrandt Trio y muchos otros.
Toumani Diabaté es uno de los mejores virtuosos de la kora, esa creación prodigiosa de calabaza, piel de vaca y sedal. Ha ganado tres premios Grammy y ha grabado con Ali Farka Touré, Ballaké Sissoko, Taj Mahal, Arnaldo Antunes y Edgard Scandurra, y The London Symphony Orchestra. Esta es la primera colaboración de Kayhan con un músico africano.
La idea del dúo provino de Michael Dreyer, director del Festival Morgenland en Osnabrück, Alemania, donde Kayhan había tocado en varias otras colaboraciones. La preparación fue mínima, ni siquiera una discusión sobre escalas o estructura, sino solo una prueba de sonido y, luego, simplemente tocaron unos 90 minutos de música. Esa actuación fue en septiembre de 2016 y la siguieron con una breve gira europea, aunque Kayhan dice que la forma de la pieza realmente no cambió. Lo grabaron en París después del concierto final en Bruselas.
Porque en un mundo diverso, la música es el lugar común. Sublime.
01. Wayfarers of the Legends
02. The Path of No Return
03. Stay Here
04. Joyful Sun
05. I'm Speaking to You
06. Whereto
07. Anywhere That Is Not Here
08. Is Anyone There?
09. The Sky Is the Same Colour Everywhere
En los cimientos de Our Garden Is Alone se encuentra una brecha entre el cuerpo y el alma. Aunque Marjan Vahdat vive en California, su corazón está en su Irán natal; cada vez que una parte de ella está a la luz del día, la otra parte solo ve el cielo nocturno. Sus canciones transmiten un dolor feroz y destellos de esperanza, suspendidas entre la claridad y la ambigüedad: ¿Las expresiones de amor están dirigidas a una persona o un país? ¿La raya recurrente de azul se refiere al cielo o al estado de ánimo? Si su mensaje es desafiante, su voz es conmovedora e impresionante. Nacida en Teherán, Marjan creció en ambos lados de una línea rígida: estudió con maestros de la música clásica y tradicional persa en un país con severas restricciones para que las mujeres canten ante audiencias públicas; profundas raíces culturales dictaron el exilio físico. Además de cuatro álbumes con su hermana Mahsa Vahdat, Our Garden Is Alone es la tercera grabación en solitario de Marjan; trascendiendo la división entre lo clásico y lo contemporáneo, compuso música para ocho de las 10 pistas del álbum y letras para cuatro. En el tema Leyli’s Garden, Marjan une lo personal y lo nacional, evocando las plantas y palomas abandonadas de su madre y también el aislamiento de Irán; mientras que en Deylaman sugiere la simbiosis de campos que suspiran por la canción del artista tanto como el artista añora los campos. Dados sus límites, su uso del simbolismo aviar no es sorprendente: en el inquietante Heart of Darkness, un pájaro vuela a través de una noche aparentemente interminable hasta que se rinde con un suspiro. Hay una ligereza conmovedora en In Love, que describe el sentimiento más básico del corazón como una evolución inevitable de la cura al sufrimiento. Y en Homeland, “alma libre” se vuelve sinónimo de “sin lugar”. Canalizar la desesperación en la música es una poderosa forma de resiliencia. El contraste entre las hermosas canciones tristes de Marjan Vahdat y la capitulación es como el día y la noche. (Kirkelig Kulturverksted)
Marjan Vahdat: Our Garden Is Alone / مرجان وحدت: باغ ما تنهاست Marjan Vahdat: Vocals Bugge Wesseltoft, Piano, keyboards, accordion Jo Berger Myhre: Double bass, electric bass Kenneth Ekornes: Drums, percussion Pasha Hanjani: Ney flute Shervin Mohajer: Kamancheh
• 01. Leyli's Garden • 02. Sunrise • 03. Deylaman • 04. Heart of Darkness • 05. Homeland • 06. Love Resonates • 07. Tantanan • 08. Singing Pigeon • 09. Night Demon • 10. In Love
Azam Ali es uno de esos artistas que trasciende el título de cantante al de una auténtica diosa vocal. Su trasfondo culturalmente rico sirve como la columna vertebral sobre la que se construye su sonido único e hipnotizador. Nacida en Irán, criada en India y mudada a Estados Unidos en su adolescencia, la música de Ali es un reflejo del viaje de su vida. Su voz altamente adaptable ha aparecido en innumerables colaboraciones en la escena musical alternativa y new age, así como en películas, videojuegos y televisión. Más conocido por ser la mitad de Niyaz, la carrera en solitario de Ali ciertamente se sostiene sobre sus propios pies. Su último lanzamiento, Phantomses una colección de canciones atmosféricas llenas de nostalgia y hermosa melancolía. Tardó cuatro años en completarse debido a su apretada agenda de giras con Niyaz, pero su deseo de crear y el amor por el oficio la hicieron persistir. Como era de esperar, el instrumento central en este álbum es la voz de Ali: la respiración entrecortada de sus melodías crea un paisaje sonoro muy cinematográfico, y cada sonido en este álbum tiene un propósito. Es minimalista y sobrio, pero no le falta profundidad. El tema de apertura, “Hope”, está impregnado de la influencia de la nueva era de los 90 sin sonar reciclado ni anticuado en absoluto. La combinación de los sintetizadores discretos y el ritmo suave y constante sirve como una plataforma sólida que muestra la hermosa comprensión de la melodía y la armonía de Ali. Empapado en reverberación pero no embarrado, la mezcla suena extremadamente limpia y atractiva. Las cuerdas de “Tender Violet” se suman al tono melancólico general del álbum, ya que la canción usa pistas tradicionales y las combina con elementos modernos, haciéndolo sentir como un sueño. “Shallow Then Halo” se vuelve creativo con el diseño de sonido, creando un elemento de oscuridad sombría mientras mantiene una sensación de rico minimalismo. En general, la música de Azam Ali es atmosférica y melancólica, cinematográfica y emotiva, pero aun así puede atraer a una gran audiencia. Su voz cautivadora y su capacidad para crear un mundo propio seguramente conquistarán los corazones de una amplia gama de amantes de la música. creando un elemento de oscuridad sombría mientras mantiene una sensación de rico minimalismo. En general, la música de Azam Ali es atmosférica y melancólica, cinematográfica y emotiva, pero aun así puede atraer a una gran audiencia. Su voz cautivadora y su capacidad para crear un mundo propio seguramente conquistarán los corazones de una amplia gama de amantes de la música. creando un elemento de oscuridad sombría mientras mantiene una sensación de rico minimalismo. En general, la música de Azam Ali es atmosférica y melancólica, cinematográfica y emotiva, pero aun así puede atraer a una gran audiencia. Su voz cautivadora y su capacidad para crear un mundo propio seguramente conquistarán los corazones de una amplia gama de amantes de la música.
1 Hope
2 Phantoms
3 The Blue
4 Tender Violet
5 Twilight Sheds
6 Ode to Melancholy
7 Shallow Then Halo
8 Scattered Stars
9 Love is a Labyrinth
SUSSAN DEYHIM es una compositora, vocalista, artista de performance y activista iraní-estadounidense. Es conocida internacionalmente por crear un lenguaje sonoro y vocal único imbuido de un sentido de ritual y lo desconocido. Formó parte de la compañía nacional de ballet de Irán desde los trece años y viajó por todo Irán estudiando con maestros músicos y bailarines folclóricos. En 1976 se unió al Bejart Ballet en Europa después de recibir una beca para asistir a la escuela de artes escénicas Mudra de Bejarts, donde se formó en muchas de las grandes tradiciones del mundo, la danza, la música y el teatro, así como en el ballet clásico. Su música se mantiene fiel al espíritu de su antigua herencia mientras apunta hacia el futuro con una sensibilidad dramática muy personal y poética. En 1980, se mudó a Nueva York y se embarcó en una carrera polifacética que abarca música, teatro, danza, medios y cine. Creó/protagonizó innovadoras óperas mediáticas en La Mama en los años 80, incluidas Azax/Attra y The Ghost of Ibn Sabah.
1 City of Leaves 6:29
2 Tender Gaze 2:50
3 Glyphs on the Horizon 4:21
4 Dukebox 5:10
5 Searching for You 7:00
6 Fire Within 6:13
7 Autumn 1:02
8 Beshno Az Ney/Windfall 5:38
9 Secret Garden 4:48
Este álbum es un encuentro extraordinariamente hermoso y poderoso entre las canciones tradicionales persas y la música religiosa y el jazz noruegos. Es perfecto para meditar y comprender que el corazón humano es el mismo, sea cual sea la época, sea cual sea la cultura.
Hafez y Rumi vivían en Irán y escribían en persa: Rumi en el siglo XIII y Hafez un siglo después. Fueron místicos que dentro del mundo del Islam escribieron poemas que se inspiraron en el Islam, el cristianismo y la religión zoroástrica. Mahsa Vahdat y Erik Hillestad han cooperado en la traducción de algunos de sus versos al noruego. Las melodías son en parte tradicionales persas, mientras que algunas están escritas por Mahsa Vahdat y Tord Gustavsen, quien también es responsable de los arreglos.
El director de SKRUK es, como siempre, Per Oddvar Hildre. El coro y Mahsa Vahdat están acompañados por Tord Gustavsen al piano, Mads Eilertsen al bajo y Kenneth Ekornes a la percusión.
Parte de la filosofía de los místicos era que cada uno de nosotros tiene acceso directo a la misericordia de Dios, independientemente de las estructuras religiosas. Los místicos se encuentran en todas las religiones, pero los grandes poetas persas han expresado sus pensamientos e ideas en poemas que se encuentran entre los aspectos más destacados del canon de la literatura mundial. La popularidad y la importancia de los poemas en el mundo musulmán, y su contenido sensual y mensajes existenciales, se suman a su gran atractivo y proporcionan una excelente plataforma para el diálogo entre cristianos y musulmanes.
El coro Skruk de Noruega y Mahsa Vahdat de Irán crean canciones sinfónicas de poesía de los poetas sufíes Rumi y Hafez. Las canciones se presentan en persa y noruego. Los poetas sufíes a menudo combinaban elementos del Islam, el cristianismo y el zoroastrismo en sus obras poéticas. I vinens speil se basa en las mismas influencias religiosas mencionadas anteriormente y también se registró en una iglesia noruega. La mezcla de percusión ligera, bajo y piano es un compañero perfecto para las hermosas melodías corales y la voz de Mahsa. La angelical voz de Mahsa en la pista de apertura, "Gleden Ved Ditt Kyss", prepara el escenario para el resto del álbum. El piano nunca es abiertamente intrusivo. Cualquiera que esté interesado en melodías de iglesia inquietantemente hermosas, música clásica y jazz mundial encontrará la mayor satisfacción con Skruk & Mahsa Vahdat.
1 Gleden ved ditt kyss 04:35 2 Dialog med den elskede 05:13 3 Som et brennende lys 07:16 4 I vinens speil 08:55 5 Den tapte Josef 05:40 6 Med blomster i fang 03:38 7 Jeg er den som er berømt 05:39 8 Hyll kjærligheten 06:41 9 Brevet til vinbæreren 06:22 10 Lytt til fløytens fortelling 06:28
Mamak Khadem es una impresionante cantante y compositora de formación clásica persa, perteneciente a esa nueva generación surgida de la diáspora iraní de los años 80 del siglo XX que difunde, a lo largo del mundo, su exquisita cultura originaria a través de nuevos talentos musicales que combinan tradición e innovación al mismo tiempo. Mamak interpreta una mezcla impresionante de estilos vocales persas clásicos y diversas influencias musicales contemporáneas. Fue fundadora de Axiom of Choice, la banda innovadora de fusión iraní que influyó y abrió las puertas a otras y otros músicos del género.
Remembrance (2022), su cuarto álbum en solitario, es un profundo y amoroso tributo a su difunto padre, Mohsen Khadem, y fue creado en el aislamiento de su casa de Santa Mónica durante la pandemia de Covid mientras él vivía sus últimos días en Irán. Debido a las restricciones de viaje, no pudo estar con él por última vez. Con ocho canciones originales elegantes y conmovedoras, Khadem captura un sentido universal de la belleza, el amor, la separación y la pérdida. Para Remembrance vuelve a utilizar bellísimos poemas de autores persas clásicos del siglo XIII (Saadi Shirazi y Jalāl al-Dīn Muḥammad Rūmī) para trazar su propio camino en cada canción, viajando a través de su sentido del dolor y buscando sabiduría en la memoria.
A diferencia de sus trabajos anteriores (enfáticamente acústicos y teñidos con el sonido de la tradición), Remembrance es apropiadamente contemporáneo, con mucho sintetizador, solo puntuado por instrumentos de oriente, creando el efecto de otro mundo tan necesario para este viaje. Para ello, utiliza su voz apasionada y conmovedora y su fantástico estilo ululante combinado sobre grabaciones vocales exquisitamente construidas. Co-escrito y co-producido por la propia Mamak Khadem, el gran Jamshied Sharifi, el guitarrista Marc Copely y el cellista Chris Votek, el disco incorpora una amplia gama de influencias musicales. A sus raíces persas en forma de voces e instrumentos musicales, Mamak y Jamshied añaden con elegancia otros elementos musicales como el blues, la música de cámara y la música celta, así como las fascinantes atmósferas electrónicas características de Sharifi. Un álbum memorable.
01. Remembrance
02. Mina
03. Entangled
04. Across The Oceans (feat. Chris Martin)
05. Dead and Alive
06. Face To Face
07. Messenger
08. Don´t Go Without Me
Subido por Marhali. Liraz Charhi es una cantante, compositora, actriz y activista cultural persa-israelí que, con su música, ha hecho lo que parecía imposible: reunir a artistas de países en conflicto (Israel e Irán, con músicas/os bajo un temible escrutinio por parte de la policía secreta) para trabajar en un álbum clandestino y lanzarlo en medio de una pandemia global. Zan (2020), que significa "mujeres" en farsi, es un trabajo en el que fusiona sus raíces iraníes y su educación israelí para homenajear a las mujeres de Irán, alentándolas a trabajar por un cambio positivo y la libertad femenina en el Medio Oriente y en todo el mundo. Un proyecto asombroso y vital, que sirve para recordarnos lo verdaderamente valientes que pueden ser muchas y muchos artistas, y la fortuna que tenemos de poder disfrutar de las libertades que demasiado fácilmente damos por sentadas.
La música de Liraz se podría etiquetar como electro-pop, como ya empezara a perfilar en su álbum debut Naz (2018). En Zan, la cantante entrega una nueva colección de piezas donde hay momentos para el baile junto a otros pasajes que describe como "persiansonics retro" en los que recupera la música pop iraní anterior a la revolución. Canciones para danzar, sonreír y pensar, afirma.
Las historias que cuentan las canciones la llevan al alma de su país, historias que le transmitieron en su familia cuando aún era una niña, porque recuerda que su madre y su abuela fueron mujeres valientes capaces de derribar muros. "Canto por estas mujeres, para ellas" explica la artista. Y así lo ha hecho con una producción que califica de "música underground" en el mejor sentido, verdadero pop político con nombres retenidos por seguridad. Colaboraciones clandestinas que comenzaron en las sombras de internet pero que surgieron de los altavoces en una mezcla de instrumentos persas tradicionales junto con ritmos de club y melodías de llamada a la acción.
Zan, editado por el sello Glitterbeat, es un logro digno y grande, emprendido por artistas en riesgo. La honestidad, la pasión, el compromiso y la esperanza brillan en cada nota y matiz, lo que le ha valido el "Best Artist Award Winner" de la Revista Songlines para 2021.
La voz suave y los sonidos fluidos de la kora del griot senegalés Ablaye Cissoko, combinados con el setar, la percusión y la viola da gamba de Constantinople, nos sumerjen en un maravilloso viaje interior, pintando un fresco contemporáneo en la encrucijada de las tradiciones musicales persas y mandinga.
Después de 20 años en el camino y casi tantos álbumes, el grupo Constantinople, formado en 1998, continúa sus exploraciones musicales. El fundador, de origen iraní, Kiya Tabassian se acompaña con el setar persa. Su voz se mezcla elegantemente con las percusiones de su hermano, Ziya Tabassian (reemplazado más recientemente por el percusionista de Montreal Patrick Graham) y la viola da gamba de Pierre-Yves Martel. Su fraseo oriental se entrelaza con la kora de Ablaye Cissoko, con quien han participado en más de 100 conciertos y grabado dos álbumes, Jardins Migrateurs (2015) y Traversées (2019).
La fusión entre el misticismo del desierto africano y los poetas de los antiguos imperios persas resulta casi natural. Con sede en Saint-Louis, una bonita ciudad colonial ubicada a orillas del río Senegal, Ablaye Cissoko es heredero directo de los griots Mandinga. Desde 1986 ha sido un buscador en el mundo experimentando en diversas colaboraciones y, en particular, con el trompetista alemán afincado en Nueva York Volker Goetze, creando su propia escuela de kora, "Kordaba".
Desde "Rêveries" hasta "Traversées", Ablaye Cissoko y Kiya Tabassian señalan todos los movimientos, todas las salidas ("Départs") hacia Isfahán, Irán ("Vers Isfahan"). En ese viaje, visitan la poesía del místico sufí Amir Khusrau, pasando por perlas de la España renacentista en "Recercada Quinta", una pieza majestuosa decorada con acentos barrocos donde la viola da gamba marca el adorno más encantador.
La suavidad de su timbre, la delicadeza de sus líneas melódicas y la fluidez de su digitación son la base del virtuosismo de Cissoko. El simple encuentro de cuerdas y voces entre Constantinople y Ablaye recuerdan a las fuentes de la belleza del ser. A continuación, el cruce conjunto de los lugares comunes de la imaginación suenan como un largo suspiro frente a la marcha inexorable de la vida y del tiempo. Sublimes.
Melodic Circles (2018) es el nuevo álbum escrito y producido por dos músicos iraníes de formación clásica, los primos Mehdi Rostami y Adib Rostami. Ambos son maestros de sus instrumentos: Mehdi es un experto del setār (variación persa del laúd), mientras que Adib acompaña con el tombak (tambor de copa). Melodic Circles tiene sus raíces en la música tradicional kurda de la provincia de Fars, considerada la capital cultural de Irán.
El proyecto está construido alrededor de dos dastgāh musicales urbanos, el primero es "Bayāt-e Tork" que comprende 3 piezas: "Nostalgia", "Journey" y "Delight". El segundo "Bayāt-e Esfahān" incluye "Lonely", "Life", "Past" y "Mystic Dance". Un trabajo que nos viene a mostrar la fuerza técnica y creativa de dos jóvenes músicos que han alcanzado un alto nivel de virtuosismo, quienes son capaces de convertir cada actuación en un nuevo descubrimiento musical. Como describe Adib en una entrevista en la Asia House de Londres, "La improvisación es la esencia central de la música iraní. Se llama improvisación porque el día de la actuación siempre hay nuevas adiciones que vienen a la mente. Es un proceso muy largo para ser un improvisador; tienes que practicar en casa e interpretar materiales tradicionales, así como crear tus propias piezas. Cuando se trata del concierto, el 70 por ciento de lo que toca un improvisador es lo que ya ha practicado en casa, pero según el día y la atmósfera, cambiará... La improvisación es el núcleo de la música persa y del jazz".
Melodic Circles es el lanzamiento, a nivel internacional, de Mehdi y Adib Rostami bajo la producción de ARC Music. Enraizadas en la antigua tradición musical iraní, sus temas presentan una perspectiva fresca y contemporánea de esta música que nos sumergen en una atemporalidad evocadora y exótica.
Circle One: Bayāt-e Tork:
01. Nostalgia
02. Journey
03. Delight
Circle Two: Bayāt-e Esfahān:
04. Lonely
05. Life
06. Past
07. Mystic Dance
Il est bon pour une fois d'entendre le mot Kurdistan prononcé dans le
cadre d'un évènement culturel et non dans celui d'actualités
internationales souvent tragiques. Le peuple kurde n'a pas de pays où
faire flotter son drapeau et reste éclaté entre Syrie, Turquie, Irak et
Iran. Souvent intégré de force à ses pays, la nation kurde à forcément
toutes les difficultés à faire rayonner sa culture.
L'oeuvre de
Sohrab Pournazeri se situe dans ce contexte et a pour but d'unifier à
travers des compositions de son cru les musiques kurdes turques,
irakiennes et iraniennes. Lui-même virtuose du tambûr (luth à long
manche) et du kâmanche (vièle à pique traditionnelle), Sohrab Pournazeri
s'est entouré pour ce projet de musiciens issus des trois pays.Ertan
Tekin aux hautbois traditionnels est turc, Hussein Zahawy (percussions)
et Goran Kamil (oud) sont irakiens et la chanteuse Maryam Ebrahimpour
est iranienne. Les Français Leïla Renault (contrebasse) et Robin Vassy
(percussions africaines) apportent leur écot au disque.
Spectacle
devenu disque, Nishtiman, Kurdistan s'appuie sur des mélodies
traditionnelles que le fin musicologue qu'est Sohrab Pournazeri a pris
soin de retravailler pour en faire ressortir l'unicité kurde. C'est un
voyage au coeur d'une tradition à la fois millénaire et sans existence
reconnue que nous entraîne ce disque. Inspiré par les danses
villageoises, l'ensemble bât le rappel sur « Nishtiman ». Du creux des
vallées inaccessibles de cette frontière entre Moyen-Orient et Asie,
surgit le son envoûtant du kamânche de Sohrab Pournazeri sorti de «
Sahari ». Goran Kamil fait admirer la subtilité de l'oud à travers «
Lawek ». a chaque fois on est confronté à la découverte d'une musique
qui a forcément intégré les influences des pays où elle s'est développé.
Nishtiman,
Kurdistan est un acte politique autant que culturel. La musique est un
lien essentiel pour des populations qui aspirent à devenir une nation,
elle leur permet de partager des émotions communes et de s'inventer un
imaginaire propre. Espérons qu'un jour ce soit l'admirable Sohrab
Pournazeri qui doive composer l'hymne d'un Kurdistan enfin réuni.
François Alvarez - Copyright 2014 Music Story
Rumi Ensemble, compuesto por 10 músicos de diferentes nacionalidades y tradiciones culturales (Irán, India y Noruega), junto a la extraordinaria voz de Salar Aghili, interpretan musicalmente palabras y versos del gran maestro y poeta sufí Jalaluddin Rumi, autor del siglo XIII, en In the footprints of Rumi (2011). La orquesta, formada en 2007 con motivo del 800 aniversario del nacimiento del poeta sufí Rumi, plantea una senda que discurre siglos de historia y encuentros, tendiendo un puente entre Occidente y Oriente a través de la poesía y la música. Representa, también, la nueva escena clásica en la música tradicional iraní, combinando con significativa capacidad la innovación musical, con un gran sentido del clasicismo y de la interpretación.
Javi Afsari Rad (Esfahan, Irán) encabeza la formación, y musicaliza a Rumi inspirado por el misticismo de su poesía, centrándose en el ritmo como elemento vital que refleje el éxtasis filosófico, la sensualidad y el misterio de sus poemas.
Con esta edición de estudio, realizada en Oslo bajo el auspicio del Arts Council Norway y el Akershus Fylkeskommune, tenemos la oportunidad de disfrutar de la singular belleza con la que instrumentos orientales tradicionales (santur, ney, oud, tombak, daf, dayereh) se mezclan con la instrumentación clásica (violín, viola, cello y contrabajo), y con la imponente voz de Salar Aghili (uno de los más destacados vocalistas de la tradición musical persa de su generación, y cantante solista de la Orquesta Nacional de Irán) de cuya unión resulta una peculiar visión de la música como lenguaje común que une culturas más allá de las fronteras.
01. Masnavi
02. Rumi
03. Eshtiagh
04. Ey Asheghan
05. Jané Ashegh
06. Avaz
07. Roz o Shab
08. Bayate Rajé
09. Deldare Man
10. Lezgi
Niyaz’ six song acoustic EP features three acoustic performances of songs from the band’s 2012 electronic album SUMUD, as well as three brand new songs. Although Niyaz is dedicated to creating music which is a true hybrid of electronic and acoustic music, with roots in ancient cultures as well as the modern world, the acoustic performances and recordings play a crucial role in the process of reaching this goal. The emphasis on song structure and performance is the driving force behind the band’s music, which is why Niyaz have remained committed to presenting audiences with acoustic versions of songs from their albums.
The three new songs featured on the acoustic release are original songs composed by Niyaz. The instrumental track “Sahar”, is a piece written for Santour(Persian Hammered Dulcimer) and the Turkish Djumbush. It features a fiery duet performance between Azam and Loga on these instruments. “Naseem” features a duet between Azam’s voice and Niyaz percussionist and Flute player Habib Meftah Boucheri on his self-made flute playing a haunting melody. “Nalona” is a ambient journey through sonic landscapes created by Loga on Guitar Viol and Azam singing in a language of her own design.
For most of us in the West classical music calls up visions of men in tuxedos and women in long gowns playing highly formalized and rigidly controlled music. This is the last type of music we'd ever associate with any sort of improvisation as the musicians are there to serve the wishes of the composer as interpreted by the conductor. Unless they're soloists of very high standing they have little or no say in how the music sounds and what it expresses.
So it might come as a bit of shock to find out that the traditions surrounding classical music in other cultures actually encourage improvisation. For, while in countries like India there are certain formal patterns of structure adhered to, within the form there is plenty of room for the musician to interpret the music. The performances of music is considered a personal and spiritual journey, a means of expressing a connection to the gods, so it can't help but change from individual to individual. India is not unique in having this kind of musical tradition, and considering the cross-pollination of culture between the two countries down through history, it's not surprising to find a similar tradition has existed in Iran since the Persian classical music, like many others where there was originally nothing committed to paper, involves a long and involved training period for anybody wishing to perform it. First of all a student has to memorize a canonic repertoire known as radif (literally translated as "order") comprised of over 200 modal pieces of music known as gushehs. These gushehs are grouped together as progressions of modally related pieces into twelve distinct dastgah (systems). Once a musician has memorized all the gushehs individually and collectively in their respective dastgah, they are ready to begin creating. Unlike in the West where we have specific pieces of music to perform, the radif is not something that is actually performed as an individual piece of music, but instead serves as the starting point for creative improvisation.
Of course in listening to music the theory behind it usually flies out the window as you get swept up in the sounds and emotions being generated by the artist in question. Such is the case with I Will Not Stand Alone the latest release from Kayhan Kalhor on World Village Music. The recording features Kalhor playing a variation on the traditional Middle Eastern four-stringed bowed instrument, the kamancheh (called a shah kaman) accompanied by Ali Bahrami Fard on a hammered, dulcimer-type instrument known as a bass santor. If you have any thoughts that the conditions described above for the creation and playing of music were restrictive they will be quickly dispelled as you listen to what these two men are able to generate between them.
Looking at a picture of a kamancheh—the shah kaman has a slightly deeper tone then the original—you'll be amazed at the quality of sound Kalhor is able to create with what looks like a very simple instrument. With only four strings and a resonating chamber made out of a gourd covered by an animal skin, you'd assume its sound would be limited or at least thin. I don't know whether it's the virtuosity of the player or a matter of appearances being deceiving, but on this recording it seems to have the ability to sound like most of the bowed four-stringed instruments in an orchestra. From the heart-stopping emotional clarity of a violin to the rich texture of the cello to the mid tones of the viola, Kalhor not only covers almost the entire musical scale as we know it but its emotional equivalent as well.
Serving as a combination percussion and bass Fard's bass santor not only offers a rich counterpoint and underpinning to Kalhor's playing, he also adds the additional element of being able to emphasize the rhythm through his use of the hammers required to play his instrument. Any expectations we might have as to its limitations based on our experiences of bass instruments in other compositions are quickly dispelled. For Fard does far more than merely play a simple bass line; instead he plays a melodic accompaniment in the lower In the liner notes accompanying the recording Kalhor describes the eight pieces of music as having their origins during a period of unrest in Iran. He's unclear as to whether he's talking about the revolution which saw the overthrow of the Shah back in the 1970s or the more recent period of turbulence and its unsuccessful attempt to push for reforms. Whenever the period, he describes it as one of the most difficult periods in his life, "where darkness and violence seemed to be taking over". Out of this period came the realization that music has the capability to open what he refers to as doors of hope and he made the choice to play his music for the people for this reason. The actual playing and recording of the music was a way for him to break out of the isolation he felt because of the unrest and to connect with those around him—hence the title I Will Not Stand Alone.
Listening to the music after reading these notes one can't help but be struck by how well they capture the journey he took from darkness to light. The titles of individual pieces aren't what you'd call an accurate indication of their musical content; you'd think tunes called "The Laziest Summer Afternoon" or "Dancing Under The Walnut Tree" would be lighthearted and carefree when the former sounds nothing at all like any idle summer day I've ever had and the latter bears no relation whatsoever to dancing. Perhaps something was lost in their translation from the original Farsi, but I think he's commenting on the sense of disconnect he must have felt witnessing scenes of violence and trouble on beautiful summer days. Idyllic conditions have no bearing on how humans behave. It can be a beautiful day and people can still commit atrocities just as easily as if a horrible storm were taking place. The distance between the meaning conveyed by the title of the song and the story the music tells us captures that horrible irony better than anything I've heard before.
Everyone of these pieces has an emotional depth that far outstrips most music we're used to hearing, whether popular or classical. Kalhor has taken the basic skill set required to play Persian classical music to build a collection of pieces that explore both the depths the human spirit can sink to and the heights to which it can ascend. You may have trouble believing this is the work of only two men playing given the multitude of sounds, tones, and emotions they express, but it is indeed only Kalhor and Fard and their two instruments on each track. If you've never experienced non-European classical music this recording will be an eye opener, dispelling any doubts you've ever had of music's capacity to cross cultural and linguistic boundaries. The gulf between the Iranian and Western governments is huge these days. Yet listening to recordings like this one help to remind us that the divide between the people of our respective cultures is far smaller than some would have us think. Richard Marcus - Fuente)
Tracks:
01. Between the heavens and me 14:20
02. Where are you? 11:55
03. The laziest summer afternoon 6:44
04. Dancing under the walnut tree 7:46
05. Hear me cry 3:31
06. Pluck a star from the sky 1:41
07. Here I am alone again 7:15
08. I will not stand alone 5:36
The Trio Chemirani lo componen, desde 1988, tres miembros de la familia iraní Chemirani (originariamente Chemirani Ensemble), intérpretes de música tradicional persa. Formado por Djamchid, Keyvan y Bijan (padre e hijos), han conseguido gracias a su virtuosismo inigualable instaurar el zarb como uno de los grandes instrumentos de percusión en todo el mundo.
Establecidos en Francia, para este álbum Invite (2011) han invitado a participar a seis grandes músicos internacionales y el resultado es un estupendo trabajo de interculturalidad. Los artistas son el maliense Ballaké Sissoko a la kora, el pianista cubano Omar Sosa, Ross Daly con la lyra cretense y el rebab afgano y, de Francia, el estupendo Titi Robin al bouzouki, Sylvain Luc con la guitarra acústica y Renaud Garcia-Fons al contrabajo. El resultado: piezas, bajo la copa de la hospitalidad, con sonoridades del Mediterráneo, Oriente Medio, África y el jazz. Una idea simple brillantemente lograda gracias a la habilidad y la sensibilidad de los músicos que participan.
Tercer disco en solitario de Azam Ali, su disco más personal e íntimo en el que recopila una serie de nanas y canciones de cuna de Oriente Medio (algunas escritas por ella misma y su hijo) en un álbum delicado y cálido, melancólico y sereno, centrado principalmente en la armoniosa voz de Ali, y en el que colaboran sus compañeros de Niyaz, Loga Ramin Torkian y Carmen Rizzo.
El nacimiento de su primer hijo es lo que ha inspirado a la canadiense de origen iraní Azam Ali a grabar un álbum de nanas y canciones de cuna, From Night To the Edge of Day (2011). Un álbum que recoge su memoria sentimental, canciones de ensueño, de sonidos ricos y exhuberantes, suaves y de texturas melancólicas, contemplativas, en los que se sustenta la voz evocadora de Ali arropada por las sonoridades del tradicional oud y de las cuerdas.
Aunque el disco tuvo su origen en las nanas que cantaba Ali a su hijo, el proyecto creció rápidamente, revisando canciones de cuna de todo Oriente Medio, muchas de ellas pertenecientes a comunidades minoritarias como la kurda iraquí y la azerbaiyana iraní. Otras proceden de Turquía y Palestina. Temas que remodela y que se convierten en algo más que simples nanas: un mensaje personal para todas aquellas generaciones futuras para poner fin a las luchas y conflictos inter-étnicos que arruinan la región. Y aunque el trasfondo es la opresión, la guerra y el exilio, la voz de Ali conlleva en sí el cálido sonido de la esperanza de que una generación futura tenga una visión más iluminada que les permita vivir en una coexistencia pacífica.
Hermosos temas que incluyen canciones del folklore turco, como "Dandini" y "Neni Desem"; "Lai Lai", una bella melodía kurda en dialecto soranî; la nana tradicional de Azerbaiyán "Shirin"; "Tenderness" (composición propia de Ali), temas que musicaliza ("Nami Nami" y "Mehman", de Irán), y una preciosa canción compuesta, especialmente para Azam y su hijo, por el cantante e intérprete de oud palestino Naser Musa, "Faith".
Disco dedicado a su hijo Imán, "Estas canciones, que canté para ti durante los primeros años de tu vida, son mi pequeño regalo para ti, para que siempre recuerdes estas melodías y lo que representan para tu madre. Somos gente de Oriente, y aunque nuestros caminos nos han llevado lejos de la tierra a la que pertenecemos, nuestro legado es profundo como el más antiguo de los árboles, y nuestras canciones cuentan historias que nunca deben ser olvidadas. Mi gran esperanza es que siempre permanezcas conectado a estas raíces y que encuentres tu propio camino donde ellas perduren".
01. Noor (The Light In My Eyes) 02. Dandini 03. Nami Nami 04. Neni Desem 05. Shrin 06. Mehman (The Guest) 07. Faith 08. Tenderness 09. Lai Lai 10. Faith (Reprise)
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
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Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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