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martes, 31 de enero de 2017

Marc-André Hamelin - In a state of jazz (Flac)



Marc-André Hamelin's Hyperion disc in a state of jazz is not an example of a classical pianist letting his hair down, nor attempting to fuse jazz with classical music, or to create something a tad more commercial than, say, an album of Tausig transcriptions. This collection features works by four classical pianist/composers -- Friedrich Gulda, Nikolai Kapustin, Alexis Weissenberg, and George Antheil -- that fashioned piano music "in a state of jazz," though in fully notated form. The one exception to the rule is Alexis Weissenberg's Six arrangements of songs sung by Charles Trenet, which first appeared on a 45rpm record in the 1950s credited to "Mr. Nobody." This was Weissenberg, who was attempting to protect his career as a classical piano virtuoso through hiding under this made-up name; he did not write down these arrangements, and Hamelin has transcribed them from the record himself. Weissenberg's impulses were correct; had he released his jazz music under his own name it very well could have wrecked his career; Viennese composer Friedrich Gulda made major strides toward breaking down such barriers, and his work is represented through three exercises from his pedagogical collection Play Piano Play (1971) and a Prelude and Fugue (1965).

'Played with such astounding agility and aplomb that you end up mesmerised by virtually every bar. Indeed, it is no exaggeration to say that no other pianist could approach Hamelin in such music. Notes pour and cascade like diamonds from his fingers and he has an inborn flair for the music's wild, free-wheeling melodies and rhythms, for its glittering whimsy and caprice … superbly presented and recorded, this is a special addition to Hamelin's towering and unique discography' (Gramophone)

'Although this fine recording is entitled 'In a state of jazz' it includes no true jazz—every note is written down—but for all that it bursts with the daring vitality that is the hallmark of the best improvised music' (The Observer)

'The Canadian pianist Marc-André Hamelin possesses one of those musical brains that spark with maddening brilliance in whatever direction takes his fancy … it's hard to believe Hamelin didn't grow up within earshot of some dubious jazz haunt in New Orleans or Harlem … as Hamelin explains in his enjoyably lucid booklet notes, Gulda's astonishing pianistic pedigree deserves to be seen in a far wider context … Hamelin's evocations of these are wonderfully whimsical yet as crisp as celery. The syncopations 'sit' so comfortably under his fingers—exactly the right balance between ambition and restraint, warmth and edge—a pretty rare commodity in the performance of classical repertoire, let alone jazz-inspired music … this is a lovely, lovely disc; I highly recommend it' (International Record Review)

'Hamelin plays with such dexterous panache that he puts back much of the heat that the formalisation of jazz as 'composition' removes … dazzling and enchanting' (Classic FM Magazine)

'Nikolai Kapustin's remarkable Sonata No 2 is a convincing integration of classical form with jazz. Alexis Weissenberg's Sonate en état de Jazz, which evokes tango, Charleston, blues and samba in its four movements, is more idiosyncratic but no less dazzling' (The Scotsman)

'What an imaginative program Marc-André Hamelin has assembled: jazz-inspired works that are virtuosic like nobody's business and totally fun to listen to … technically, of course, Hamelin is beyond reproach … he's a serious contender for the first word in piano playing' (Classics Today)







1. Exercise No. 1 from Play Piano Play (Freiderich Gulda)
2. Allegro molto (Sonata No. 2, Op. 54 - Nikolai Kapustin)
3. Scherzo: Allegro assai
4. Largo - Allegro
5. Allegro vivace
6. Exercise No. 4 from Play Piano Play -Allegro ma non troppo (Gulda)
7. Evocation d'un tango (Sonata in a state of jazz- Alexis Weissenberg)
8. Remininscence d'un charleston
9. Reflets d'un blues
10. Provocation de samba
11. Exercise No 5 from Play Piano Play- Moderato poco mosso (Gulda)
12. Prelude and Fugue (Gulda)
13. Coin de rue (6 arrangements of songs sung by Charles Trenet - Alexxis Weissenberg)
14. Vous oubliez votre cheval (Trenet and Brachlianoff)
15. En Avril a Paris (Trenet and Eiger)
16. Boum ! (Trenet)
17. Vous qui passez sans me voir (Hess & Misraki)
18. Menilmontant (Trenet)
19. Jazz Sonata - (George Antheil)

viernes, 9 de diciembre de 2016

Kim Kashkashian - Hayren - Music Of Komitas And Tigran Mansurian



Kim Kashkashian: Viola
Robyn Schulkowsky: Percussion
Tigran Mansurian: Piano and Voice

The music of Armenian composer Tigran Mansurian made its first ECM appearance on Alexei Lubimov’s Der Bote. Yet it wasn’t until violist Kim Kashkashian reflected deeply on her own Armenian roots that his sound-world, along with that of the nation’s treasure Komitas (a.k.a. Soghomon Soghomonian, 1869-1935), came into its deserved own. The result is a fortuitous one, not least because of Kashkashian’s unwavering dedication to her instrument and its limitless possibilities. Hayren interlocks Mansurian’s earthen sensitivities with Komitas’s visionary roots for a blend that is at once supra-paradigmatic and forged on a shared oral connection between those who perform and the very earth on which they stand. The program’s title deliberately evokes the poetic style much revered in Armenia, and the implications could hardly be more appropriate, for while Mansurian is like a brittle page, Komitas’s typography is bold and crisp.

Although the album is made up mostly of chamber pieces such as Havik, in which the viola seems on the verge of losing its foothold, surprises await us Mansurian not only takes to the piano but also adds his actual voice into the rippling waters of his surroundings. The polished arrangements encase every raw lullaby in a lantern, such that the quietude of songs like Garun a feels like the shadow of the dying light of Krunk. His is not a voice to be praised for its technical prowess, but one to languish in for its unabashed descriptiveness. Mansurian seems to mimic Kashkashian’s gravelly emotions, if not the other way around. This is music that flirts with pitch as the wind might with a tree branch: no matter how much it bends, its essential form remains intact. One can say the same for Chinar es, which feels on the verge of utter collapse from the weight of its openness. And it is a fine musician indeed who can become even more vocal in her instrumental rendition of Krunk, which while timorous is by virtue of its lilt a caress on whatever part of the brain is activated when we read moving literature. After an alluring piano solo in Oror, sounding for all like a plaintive interlude in an Eleni Karaindrou soundtrack, Kashkashian and percussionist Robyn Schulkowsky untie every subtle knot to be found in Mansurian’s Duet for viola and percussion. What starts as a soulful postlude burrows into an 18-minute cavern of living darkness. The melodies are self-aware, dented by marimbas and gongs, and point like a compass needle to the truest north that is incantation.








1. Tigran Mansurian. Havik (4:50) 
2. Komitas. Garun a (3:22) 
3. Krunk (2:23) 
4. Chinar es (2:20) 
5. Krunk (2) (2:28) 
6. Hov arek (2:41) 
7. Hoy, Nazan (2:29) 
8. Krunk (3) (2:19) 
9. Tsirani tsar (3:08) 
10. Oror (2:33) 
11. Antuni (5:51) 
12. Oror (2) (1:30) 
13. Tigran Mansurian. Duet for Viola and Percussion (18:22)

domingo, 8 de febrero de 2015

Klazz Brothers & Cuba Percussion - Classic Meets Cuba



Since their establishment in the year 1999, the Klazzbrothers have been exploring the borders between classic and jazz, linking tradition and the desire for novelty, as well as the correspondence of music of different cultures. The success of the Klazzbrothers with audiences and critics is undisputed, eliciting "... initial amazement followed by tumultuous applause." (translated from the Rheingau Echo). "... Parody, great music, comedy and superlative interpretation in one - GREAT !..." is the judgement of the Dresdner Neueste Nachrichten and the Süddeutsche Zeitung concludes: "... A cheerful show then, between jazz and classic ... but never without background. Hopefully there'll be more of it soon ...".

Concerts in the Semperoper Dresden, at the Rheingau Music Festival and a record contract with SONY CLASSICAL followed.

Latin, swing, salsa, son, jazz, classic- apparently irreconcilable? The Klazzbrothers navigate around the stylistic border zone - their home ground, with great ease. And yet their jazzy interpretations of classical pieces keep close to the original. Often it is only a matter of small shifts of rhythmic accent and - as if of its own accord - the theme of a sonata is transformed into a bold bossa nova rhythm. Or the original fundamental bass line is retained and expressive rich jazz chords are superimposed. Trademark of their music is however a confrontation of complex forms, structures and harmonies - a further development and creation of new, innovative sounds, preservation of the 'old' within the 'new'.

It is naturally to the credit of the Klazzbrothers that they write their own arrangements for their jazz-hungry interpretations and that they always like to include their own compositions in the programme. After all, complex structures are created in the course of their style of handling musical material, structures which require mastery in the casual, exalted, expressive style of jazz.

The music-making moment is always in the foreground. That is what brings the Klazzbrothers close to other musicians. In joint projects, for example with the Dresden Philharmonic Jazz Orchestra, founded by the Klazz Brother Kilian Forster, where the common features of jazz and classic are extended in symphonic complexity. Or with well-known soloists, such as the Klezmer clarinettist Giora Feidman, King of the Gypsy Violin, Roby Lakatos or the exceptional Czech musician, Iva Bitova.

http://www.sonyclassical.de/klazzbrothers/e_biografie.html



1. Mambozart
2. Kubanischer Tanz
3. Danzon De La Trucha
4. Preludio
5. Afrolise
6. Air
7. Pathétique I
8. Pathétique II
9. Pathétique III
10. Salsa No. V
11. Czardas
12. Etude
13. Carmen Cubana
14. Hummelflug
15. Guten Abend
16. Hymne

sábado, 27 de diciembre de 2014

Lavinia Meijer - Glass - Metamorphosis - The Hours (2012)


Lavinia Meijer hizo furor en 2012 con su álbum Metamorphosis - The Hours en las que realiza con el arpa piezas minimalistas de Philip Glass. El álbum alcanzó el tercer lugar en el Top 100 y recibió un disco de platino.

Lavinia Meijer nos cuenta que:
"Mi primer encuentro con Philip Glass en 2011 fue verdaderamente una de esas oportunidades que se me presentaron en mi vida como arpista, siento mucho el privilegio de tener estas nuevas experiencias. No sólo en el escenario, sino también detrás de las escenas en la colaboración con los compositores. es un aspecto importante de esto, las nuevas ideas no se presentan con poca frecuencia a través de encuentros personales y la inspiración mutua. este fue el caso cuando conocí a Philip, que nunca antes había escuchado su metamorfosis en vivo con el arpa. Después de mi nerviosismo inicial, la tensión pronto se derritió cuando toqué los primeros compases y él comentó "que suena muy bien!".




Since their first encounter in May 2011, Lavinia Meijer has worked with some frequency with Philip Glass, even though he has never written solo works specifically for the harp. However, many of his piano works and piano transcriptions, after minor adjustments, prove to be well suited to the modern pedal harp. Initially, Lavinia Meijer added Glass's five movement Metamorphosis to her repertoire, on the instigation of the undersigned, the Amsterdam gallery owner Robert Malasch and the American composer himself. After a first and successful performance (in the composer's presence) in the Amsterdam 'pop temple' The Melkweg, a first official recording was made for Channel Classics in June 2011 in the Dutch town of Schiedam. Since this recording was exclusively intended for a brief national marketing campaign, it has now been followed up by this complete Glass CD for international distribution. Lavinia Meijer is recognized worldwide as one of the most successful rising stars. Besides performing the standard harp repertoire Lavinia Meijer is very keen on playing modern music. She is also interested in experiments with electronic music, theatrical performances and jazz.
http://www.prestoclassical.co.uk/r/Channel/CCSSA33912

viernes, 31 de octubre de 2014

Joe Hisaishi - Works 4 -Dream of W.D.O



Unlike the two previous composers we've profiled, Joe Hisaishi's career was consistently geared towards music, starting from a very young age. He started taking violin lessons when he was five and the passion that he developed for music would eventually propel him to enroll in the Kunitachi College of Music. There, he discovered the joys of composing Minimalist music and pursued that area of interest by majoring in music composition. To gather experience, he worked as a typesetter alongside other composers.

Upon graduation, Hisaishi found himself in a time where a wave of western influence in the form of electronica and new age was shaping the Japanese music scene. Hisaishi wasn't immune to these tides. Though it would not surface in Hisaishi's first commercial success, some of his later works like the appropriately-titled Techno Police would feature this blend of contemporary music.

But we're getting a bit ahead of ourselves here. Hisaishi's first success, Hajime Ningen Giatrus , was an anime set in prehistoric times. This soundtrack, released in 1974, features mostly quiet, mellow cues like “Yatsura no Ashioto no Ballad's,” which features peaceful woodwinds and period vocals. As with most prominent anime composers' first works, the music is enjoyable enough but wasn't outstanding to the point that the signposts towards future greatness were clearly marked.

Mamoru Fujisawa (藤澤守 Fujisawa Mamoru?) mejor conocido como Joe Hisaishi (久石 譲 Hisaishi Jō?) (n. Nagano, Japón, 6 de diciembre de 1950), es un prolífico compositor japonés y director de orquesta, responsable de más de 100 bandas sonoras. Considerado uno de los compositores más importantes de todo oriente.http://es.wikipedia.org/wiki/Joe_Hisaishi








  1. ヴァイオリンとオーケストラのための 私は貝になりたい - 久石 譲
  2. カプローニ(設計家の夢) (バラライカ、バヤン、ギターと小オーケストラの
  3. はじまり~月の不思議 (交響幻想曲 かぐや姫の物語) - 久石 譲
  4. 天人の音楽~別離~月 (交響幻想曲 かぐや姫の物語) - 久石 譲 小さいおうち - 久石 譲
  5. 旅路(夢の王国) (バラライカ、バヤン、ギターと小オーケストラのための
  6. 旅路(夢中飛行)~菜穂子(出会い) (バラライカ、バヤン、ギターと小オー
  7. 旅路(結婚) (バラライカ、バヤン、ギターと小オーケストラのための 風立
  8. 生きる喜び~春のめぐり (交響幻想曲 かぐや姫の物語) - 久石 譲
  9. 絶望 (交響幻想曲 かぐや姫の物語) - 久石 譲
  10. 菜穂子(めぐりあい) (バラライカ、バヤン、ギターと小オーケストラのため
  11. 菜穂子(会いたくて)~カストルプ(魔の山) (バラライカ、バヤン、ギター
  12. 避難 (バラライカ、バヤン、ギターと小オーケストラのための 風立ちぬ 第
  13. 隼班~隼 (バラライカ、バヤン、ギターと小オーケストラのための 風立ちぬ
  14. 飛翔 (交響幻想曲 かぐや姫の物語) - 久石 譲

sábado, 6 de septiembre de 2014

Hugues De Courson - Lambarena, Bach to Africa (1995)

El impulso detrás de este álbum, desarrollado por Mariella Berthéas, era crear un homenaje a Albert Schweitzer al reunir a las dos tradiciones musicales que son fundamentales para su vida: las obras de JS Bach y las músicas de Gabón, donde dedicó su vida al servicio como misionero médico en la ciudad de Lambaréné. Llamar a esto un álbum crossover, sin embargo, sería tergiversar ella; esto no es una síntesis inteligente de dos tradiciones dispares. Es difícil de caracterizar la relación entre las dos culturas musicales. Decir que las músicas se "coordinan" no alcanza la sorprendente espontaneidad de las yuxtaposiciones, pero decir que son "lanzados juntos" sugiere una aleatoriedad que subestima la habilidad y el arte de los arreglistas, Hughes de Courson y Pierre Akendengué. La música de Bach y las tradiciones musicales de Gabón coexisten sin renunciar a su propia integridad, e interactuar con diversos grados de conexión obvia. El CD incluye formación clásica músicos europeos, 10 conjuntos de Gabón, y varios músicos argentinos, quienes trabajaron juntos en el estudio de muchos meses para crear el álbum. Las canciones más exitosas misteriosamente capturar el impulso musical subyacente común a las dos tradiciones, y el resultado abre nuevas significaciones, y los sonidos naturales y orgánicos. Por ejemplo, es asombroso, en la pista 2, qué bien una canción tradicional de Gabón encaja y se superpone con "Lasset uns nicht den Zerteilen," de la Pasión según San Juan, y la forma en que se complementan entre sí en su afirmación exuberante de la vida. En la pista 6, la realización simultánea de un ritual que incluye un patrón de palmas y vocalizaciones ululantes y un coro de la Pasión según San Juan es impresionante. No todos los esfuerzos tienen el mismo éxito; el canto al final del Agnus Dei de la Misa en si menor, simplemente suena tachuelas en. Pero cuando la mezcla funciona, como lo hace normalmente, el efecto es reveladora y transformadora. El sonido es intensamente limpio y muy bien diferenciada, destacando la maravillosa extrañeza de la mezcla de tradiciones.




1 Cantate 147 0:13
2 Sankanda (traditionnel arr. P Akendengué) 5:70
3 Mayingo (traditionnel arr. P. Akendengue): Fugue sur Mayingo (T. Gubitsch) 2:12
4 Herr, Unser Herrscher 4:36
5 Mabo Maboe (traditionnel arr. P. Akendengué): Gigue de la Quatrième Suite en mi bémol majeur pour violoncelle 3:38
6 Bombé/Ruht Wohl Ihr Heiligen Gebeine 3:46
7 Pepa Nzac Gnon Ma (traditionnel arr. P. Akendengué): Prélude de la Partitia pour violon no3 4:23
8 Mamoudo Na Sakka Baya Boudouma Ngombi (traditionnel arr. P. Akendengué): Prélude No.14 BWV 883 4:28
9 Agnus Dei (Messe en si BWV 232 — arr. P. Akendengué) 5:60
10 Ikokou (traditionnel arr. P. Akendengué) 2:11
11 Inongo (traditionnel arr. P. Akendengué et H. de Courson): Invention à trois voix No3 en ré majeur BWV 789 5:40
12 Okoukoué (traditionnel arr. P. Akendengué et H. de Courson): Cantate 147 1:54
13 Was Mir Behagt, Ist Nur Die Muntre Jagd (Chorus "La Chasse" — J.S.Bach arr. P. Akendengué et H. de Courson) 3:30
14 Cantate 147 "Jesus que ma joie demeure" (J.S.Bach arr. P. Akendengué et H. Courson) 2:14

flac + covers

viernes, 4 de octubre de 2013

Nathalie Manser - Les Anges



Nathalie Manser, es una violonchelista virtuosa, ha sido criada desde su infancia en el mundo de la música clásica. Después de obtener el "1er Prix de Virtuosité con las felicitaciones del jurado y el más alto diploma de la Academia Estatal de Música de Lausana, "Licencia Concert", estudiando con Philippe Mermoud, tuvo la oportunidad de tocar con varias orquestas en la parte francesa de Suiza y ha continuado su educación musical con clases magistrales en Alemania (Freiburg).
Según parece, la rigidez de la música clásica casi no podía ofrecer ningun espacio para su creación personal o interpretación. Por esta razón, Nathalie Manser se aleja de la música clásica para crear sus propias adaptaciones y composiciones musicales con el violonchelo.
Gracias a su conocimiento y dominio del instrumento, ha sido capaz de producir su propia música, personal y sensual.
http://www.myspace.com/nathaliemanser



Les Anges es su primer album, este que os presento es una edicion Turca con un bonus track el nº15 este no aparece en el que se publicó en Europa



01. Les Anges (5:16)
02. A New Life (Cherokee Mix) (3:42)
03. Aquarium (6:48)
04. Revolution (Intro Hasta Siemre) (0:25)
05. Hasta Siempre (4:11)
06. Arpeggione (8:56)
07. A New Life (7:20)
08. Adagio (4:38)
09. Where Is Bach? (5:13)
10. Tsuglag Khang (5:56)
11. Kikuyu (6:16)
12. Discovery (5:03)
13. Adagio (Rap Mix) (4:46)
14. More To Life (Tribute To Freddie Mercury) (3:01)
15. Nathalie Manser feat. Erdal Kizilcay - Oghuz (5:24)

sábado, 28 de septiembre de 2013

Christina Pluhar & L'Arpeggiata - Los Pajaros Perdidos - The South American Project (2012)


ACTUALIZADO!!
Christina Pluhar nació en Austria donde aprendió a tocar la guitarra. Luego, en Holanda se especializó en música antigua y dominó otros instrumentos como el laúd, el arpa o la tiorba. En año 2000 formó el L'arpegiatta, un conjunto instrumental y vocal "de geometría variable" con el que llevan 12 años explorando repertorio poco conocido de compositores italianos, franceses o españoles del primer barroco. Un conjunto que se reconoce centrado en personalidad musical de su directora y dispuesto a realizar incursiones en otros terrenos, como el de la música tradicional (folklore) o el jazz.



Christina y su conjunto ya exploraron el territorio musical de las Américas en su álbum Los impossibles (2006) donde interpretaban manuscritos españoles y mexicanos con la ayuda inestimable del grupo británico The King's Singers.

Ahora, en Los pájaros perdidos, van más allá porque exploran distintas formas musicales de la música tradicional de Hispanoamérica como el pajarillo -una de las formas más refinadas del folklore de Colombia y Venezuela- representada por 'Pajarillo verde', el polo venezolano (se incluye un 'Polo margariteño). Pero también el tango o el bolero cuya historia nos lleva de Haití a Cuba y de Cuba a Mexico, y que aquí está representado por el mil veces versionado 'Bésame mucho', interpretado en el disco con gran naturalidad por la soprano española Raquel Andueza. Dicen que recuerda a Peggy Lee intepretando esta melodia que Consuelo Velázque compuso con tan sólo 16 años, y sin haber aún conocido plena y físicamente el amor. Una interpretación que cierra el disco y que es como dice Pluhar, casi un "bonus track".
http://www.rtve.es/noticias/20120311/christina-pluhar-propone-viaje-musica-latinoamericana-su-disco-pajaros-perdidos/506098.shtml
  

lunes, 1 de octubre de 2012

Raúl Mercado - LA MAGIA DE LA QUENA [Argentina]


subido por maria antonieta

LA MAGIA DE LA QUENA
Polydor 4547
Músico, autor, compositor e intérprete, nacido en La Rioja, Argentina.

Presentar un nuevo trabajo de después realizada la primera experiencia exige superar los errores, si los hay, y mejorar el camino trazado. En este segundo LP insistimos en la temática de transitar por el serio pentagrama musical, desde la esencia misma indoamericana, hasta J. S. Bach..

Nada quisimos dejar liberado a la mera intuición, pero tampoco nos gobierna la exagerada técnica. Se quiere lograr el nexo fundamental para acercarse al arte verdadero, ni el llamado "culto" ni menos aún el populista. Música popular, si, por ascendencia y por proyección.
Raúl Mercado marcó un camino diferente, no solo en la simple ejecución de ese peculiar instrumento, aparentemente limitado en la gran escala musical (por su origen autóctono), sino que además es un gran compositor y fue de los pioneros, quizás el primero, en atreverse a darle más desarrollo a ese instrumento "simple" que es la quena, comenzando a hacer transportaciones de la música barroca con aspectos de la música popular de Argentina y de la zona andina.

El resultado es más que evidente, algo para mi magnífico; aspecto éste, que le ha afamado mucho hasta nuestros días y más entre la gente que hemos seguido su trayectoria. No fue fácil enfrentarse a las críticas, pues él sabía de los riesgos que se podrían ocasionar al tener la osadía de interpretar a los grandes barrocos con un instrumento hecho de una simple caña de bambù, y que además según puedo recordar, su quena no era así nada más a la usanza de lo tradicional, sino que tenía una construcción de su invención de forma cromática con semitonos .
De alguna manera podía alargar la quena para darle otra tonalidad más grave o algo así; el caso es que este gran músico nos entregó un gran talento y un trabajo bello que ahora podemos admirar; lástima que su material (que desgraciadamente no fue mucho) es dificilísimo de conseguir y posiblemente muy deteriorado; en este caso se trata de un LP aceptablemente conservado ..

Con toda mi admiración...yo desconocía esta particularidad de dicha modificación en el instrumento.
Por lo tanto recurrí a las fuentes;y que mejor que la explicación del Maestro Mercado en persona (nunca va a dejarme de asombrar su infinita humildad y su paciencia para conmigo )
Supermercado : _ " La cuestion de la modificacion que yo hice con mis quenas (siempre fui yo quien las construye) , era simplemente una artimaña para poder modificar brevemente la afinacion de la
quena (como en las flautas profesionales). En aquella época , me solicitaban mucho para acompañar grabaciones y la constitucion de la quena tradicional, que es de afinacion fija, me causaba problemas. "

En mi humilde opinión...solo su parentesco con el viento es el responsable de que una quena ...
suene así... maria antonieta

http://www.losandariegos.110mb.com/
http://www.raulmercado.110mb.com/







TEMAS:

01. ESTADO DE SITIO (tema de la película homónima)-Mikis Theodorakis

02. CHEZORCICO-Raúl Mercado-canción

03. INVENCIÓN PARA QUINA Y GUITARRA (EN LA en MENOR)-(adaptación de la invención número 7 de J. S. Bach)

04. VIDALA EN SOL MENOR-(adaptación del adagio en sol menor de T. Albinoni)

05. SAN SANTIAGUITO-A. Pantoja-danza

06. GAVOTA Y RONDO-(adaptación de la obra homónima de J. S. Bach)

07.BALDERRAMA-G. Leguizamón, M. J. Castilla-zamba

08.TAKIRARI Y RONDO-A. Ritro, Raúl Mercado

09. FANTASÍA SOBRE DOS TEMAS PUNEÑOS-motivo popular, arreglo Raúl Mercado

10. ARIA EN SI MENOR-adaptación del Aria homónima de la cantata No. 212 de J. S. Bach

11. LA ULTIMA VICUÑA-A. Ritro-danza

12. CAMINO DE SANAGASTA-Raúl Mercado-cueca


DESCARGAR La Magia

viernes, 28 de septiembre de 2012

Raúl Mercado - BACH Y FOLKLORE EN QUENA INDIA [Argentina]


subido por maria antonieta

Raúl Mercado
BACH Y FOLKLORE EN QUENA INDIA
Polydor 4504


Johann Sebastian Bach en folklore
Bach en quena India? Menudo riesgo, me dije y me dijeron. Pero un impulso insostenible me llevó a la "Irreverente respetuosidad" de aportar a un instrumento tan rústico y antiguo, de sólo dos octavas en escala natural (a los semitonos cromáticos hay que "fabricarlos"), los requerimientos de las inefables partituras del maestro de Santo Tomás.

Menudo riesgo, me dije y me dijeron. Así y todo, fueron surgiendo el "ARIA CELEBRE",o Aria para la cuerda Sol, con acompañamiento de Charango, Guitarras, Bajo y Percusión ambientada en ritmo de Vidala. La "INVENCION A DOS QUENAS EN LA MENOR", es la adaptación de la Invención Nº 4 en Re Menor, tratada con doblaje de quena y el mismo acompañamiento anterior con ritmo de Bailecito.

El "PRELUDIO N9 1 EN DO MAYOR", transportado a Sol, con la quena solista contestando al bajo y a las voces, sobre una ambientación de carácter navideño. La "INVENCION A DOS QUENAS EN LA BEMOL MAYOR" es la adaptación del original, Invención Nº 10 en Sol Mayor, llevada al ritmo de carnaval norteño. En el "LARGO DEL CONCIERTO PARA PIANO Nº 5 EN FA MENOR", acompañan a la quena solista el charango, guitarras. y quena en doblaje, bajo y percusión. La "FUGA Nº 2 EN DO MENOR", la interpreto en triplaje de quena, acompañado de bajo y percusión, sobre ritmo de carnavalito.
Completan este, L. P. cinco temas, de origen y proyección folklórico. Son ellos: "ALBOROZO COYA" y "ROMANCE DE LA QUENA", motivos netamente altiplánicos, sobre ritmos y cadencias propias del espíritu místico y ritual del coya, "JUANA AZURDUY", la relevante cueca del maestro Ariel Ramírez, presta a la quena solista su rico material melódico. Dos temas especialmente creados para la oportunidad, "INTI PAPAI" (Sol, Padre Nuestro) y "TODAVIA NO", carnavalilo y bailecito, respectivamente, permiten dar realce al dOblaje de quena en su trabajo contrapuntístico, como a su vez el lucimiento del conjunto que me acompaña, artistas todos de primera magnitud.

América está en movimiento. 

América comienza a descubrirse y a medida que se descubre es descubierta. Y América se encuentra
a si misma atravesando su corazón musical, su corteza y su savia; este viaje que hace sobre ella misma es el retorno de la verdadera conquista; la Era Espacial Americana ha comenzado, su filosofla ha tomado contacto directo con sus raíces, su tierra es ahora su vérdadera tierra, América ya no escapa ni mira asombrada collares de vidrio, América tomó conciencia de su mineral. Y el hombre tomó conciencia de América. El humanismo que recibió por herencia el hombre americano no tiene nada de excluyente, por el contrario, el humanismo americano hace de la humildad un culto, de la sabiduria una etapa, de la amistad una religión. Todo es posible cuando estamos dispuestos a escuchar, todo es posible cuando logramos el silencio para que se nos escuche.
La palabra, como una forma de divinidad, tiene sus matices, su naturaleza múltiple. Raúl Mercado convierte la palabra en música, y con esa palabra se conocerá el verbo de un pueblo; situado entre los elegidos, su captación humana y su permeabilidad artística lo han convertido en el máximo virtuoso de uno de los instrumentos americanos más simbólicos: la quena. Los orígenes de la quena se pierden en el halo de la imaginación y en el posible de todas las conjeturas. Pero de una cosa estamos absolutamente seguros: la quena es el vehiculo musical americano por antonomasia, no puede ser comparado, no admite comparación, su escala pentatónica -ofrenda a la naturaleza por sus padres Incaicos- resuelve la nostalgia y el llanto, la resignación y la lucha, el amor y la tristeza.
Juan Sebastián Bach tal vez no pensó que un día la belleza de su pentagrama fuera recogida por un latinoamericano en un instrumento tan extraño y fascinante. Es una forma de inmortalidad. Inmortalidad conjunta, inmortalidad para un músico, inmortalidad para un coya que en el sinfín del espacio transfiguró un trozo de madera en un misticismo de entrega, recogimiento y sonido. Raúl Mercado es el responsable directo de fundir dos estilos de vida, dos continentes, dos historias, dos mundos, en esta dificultad y riesgo que implica adaptar a instrumento tan complejo por la exigencia y tan rudimentario por su estructura, una obra clásica de transparencia universal.
Raúl Mercado inaugura un tiempo, una quena que hasta ahora se mantuvo en la profundidad de la montaña, esta quena pasa a ser
por su sortilegio, figura solista, peso decisivo, signo de primera magnitud.
Raúl Mercado es el Prometeo de esta gran apertura que vive nuestro planeta, a través del aire los hombres nos estamos uniendo.
El aire es música.
Es un desafio, es nuestra hora, seguimos embelesados frente al murmullo del rio. Y ese mismo río, esa misma agua, es al mismo tiempo canto y energía.
Nos estamos conociendo y nos están conociendo. Pronto hablaremos un solo idioma. América se contempla y se brinda. El paso está dado, esta rueda musicada arrollará las fronteras, que todos protejan su movimiento porque se encamina hacia el centro de su dinamica: el amor.

ROBERTO MARGARIDO 




TEMAS:

1. ARIA CELEBRE - J. S. Bach - Arr. R. Mercado

2. INVENCION A DOS QUENAS EN LA MENOR - Adapt. de la Invención Nº 4 en Re Menor de J. S. Bach - Arr. R. Mercado

3. PRELUDIO Nº 1 EN DO MAYOR - J. S. Bach - Arr. R. Mercado

4. INVENCION A DOS QUENAS EN LA BEMOL MAYOR - Adapt. de la Invención Nº 10 en Sol Mayor de J. S. Bach - Arr. R. Mercado

5. LARGO DE CONCIERTO PARA PIANO Nº 5 en FA MENOR - J. S. Bach - Arr. R. Mercado

6. FUGANº 2 EN DO MENOR - J. S. Bach - Arr. R. Mercado

7. ALBOROZO COYA - Recop. A. Pantoja - danza

8. ROMANCE DE LA QUENA - R. Mercado, A. Ritro, R. Margarido - canción

9. JUANA AZURDUY - A. Ramírez, F. Luna - cueca

10. INTI PAPAI (Sol, Padre Nuestro) - R. Mercado - carnavalito

11. ALEGRIA QUEBRADEÑA - R. Mercado, M. A. Reyes - bailecito

Mas de este autor y compositor:

http://www.raulmercado.110mb.com/

http://www.losandariegos.110mb.com/

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martes, 1 de mayo de 2012

Joaquín Orellana - HOJAS DE ÁLBUM [Guatemala]

Subido por Guayacas

Joaquín Orellana Mejía (Guatemala, 1937) es un compositor y músico guatemalteco. En 1949 inició su educación musical en el Conservatorio Nacional de Música, situado en la capital guatemalteca.

En 1967 obtuvo una beca en el Instituto de Altos Estudios Musicales Torcuato di Tella de Buenos Aires (Argentina), donde se familiarizó con la música contemporánea de vanguardia y aprendió diversas técnicas de música electroacústica (composición y montaje). Recibió cursos de lingüística estructural, análisis poético, técnicas audiovisuales y filosofía del arte. Algunos de sus profesores eran notables maestros, como Alberto Ginastera, Gerardo Gandini y Francisco Kröpfl.

Durante el período 1956-1974 desempeñó el cargo de violinista en la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala, al tiempo que dirigió el Grupo de Experimentación Musical, que él mismo había fundado. En 1969 obtuvo el primer premio en el Certamen Centroamericano 15 de Septiembre, por su obra Multífona. Trabajó en la Dirección General de Bellas Artes de Guatemala y como maestro en el Conservatorio Nacional.

Desde 1977 hasta 1982 integró un equipo de trabajo con los hermanos David e Igor de Gandarias, impartiendo talleres de sensibilización al fenómeno acústico y cursillos de introducción a la música contemporánea, en diversas entidades de la capital. También ejerció la docencia en el Octavo Curso Latinoamericano de Música Contemporánea, realizado en São João del Rei, estado de Minas Gerais (Brasil).

En 1982 su obra Poema Coral Declamatorio fue seleccionada para formar parte del archivo venezolano en homenaje a Simón Bolívar. Entre los años 1981 y 1984 dirigió el cuarteto Remembranza fundado por él; y en 1985 fundó y dirigió el Quinteto Municipal de Arcos.

Sus obras musicales ocupan un lugar relevante en la historia de la música contemporánea latinoamericana. Algunas de ellas son Cantata dialéctica (1974); Rupestre en el futuro (1979); Imposible a la X (Imágenes de una Historia en Redondo), compuesta en 1980 y premiada en Bourges, Francia; Piezas características para Cuarteto de Cuerdas (1983) y El violín valsante de Huisderio Armadel, ciclo para violín y orquesta compuesto entre 1986 y 1990.

Pistas:
1.
Cajita de alegres penas
2. Balada de junio (atmósfera de un enigma)
3. Romance de papel (dialo – guiños)
4. La vanidosa
5. Violín sideral (dos poemas)


José Santos Paniagua: violín (1, 2, 5)
Néstor Arévalo Almorza: violín (3, 4)
Alma Rosa Gaitán: piano


 


HOJAS DE ÁLBUM
Contraseña (pass): musicmund

mp3 a 315 kbps

miércoles, 25 de enero de 2012

V. A. - Genuinamente Brasileiro [Brasil - 1999]

[NOVA POSTAGEM - 2012]
Esta foi a primeira obra a gravar música brasileira para audiófilos, em equipamentos de "super alta fidelidade", os chamados: "high-ends".

Participaram artistas do primeiro time dos instrumentistas brasileiros. A gravação foi feita no Teatro Alfa, em São Paulo; em tempo real, sem edições, compressões, ou equalizações.

Os artistas foram dispostos como em uma sala de audição, tendo como referencial o ouvinte (vejam os esquemas de gravação de cada faixa nos encartes).

Temos aqui execuções primorosas e com uma qualidade sonora invejável. O produtor do disco foi pretensioso ao afirmar que era "o melhor som do mundo", mas realmente o som é muito bom, no nível das grandes produções Européias e Estadunidenses.

A ideia original era de realizarem-se dez volumes, mas infelizmente o projeto parou no volume 2, com obras de Tom Jobim.

O principal é que há música instrumental brasileira, da boa! Experimentem.

Mais informações: SELO INDEPENDENTE

MÚSICAS


1. BOM PARTIDO – Paulo Belinatti, Camilo Carrara: violões; Guelo: pandeiro

2. MARIMBAU – Ulisses Rocha: violão; José A. Carvalho: contrabaixo; Renato Coelho: vaso

3. LINDA FLOR YAYA – Virginia Rosa: voz; João Mourão, João Erbetta: violões; Arildo Colares: Pandeiro

4. UMA VALSA E DOIS AMORES – Camilo Carrara: violão; Luiz Amato: violino

5. TRISTEZA DO JECA – Quarteto Camerata de São Paulo

6. PRA DIZER ADEUS – Amilson Godoy: piano

7. TARDE – Renato Consorte: guitarra; Evaldo Guedes: contrabaixo; José Saavedra: bateria

8. JAZZ FROM SONATA – Amilson Godoy: piano; Gabriel Bahlis: contrabaixo

9. JONGO – Paulo Belinatti, Camilo Carrara: violões

10. BACHIANINHA Nº1 – Amilson Godoy; piano; Julio Ortiz: cello

Vídeo:





GENUINAMENTE BRASILEIRO

miércoles, 28 de diciembre de 2011

Orquesta Informal de Rosario - O.I.R. (2010) [Argentina]





La Orquesta Informal de Rosario (O.I.R.) es una novedosa orquesta de World Music que fusiona ritmos de todo género. Con una especial formación de 10 músicos, y mezclando lo clásico con lo popular, lo eléctronico con lo acústico, lo melódico con lo virtuosístico; la propuesta de la O.I.R. es única y ofrece una experiencia distinta.
El repertorio se basa en originales composiciones propias y también arreglos propios de obras de otros autores con un sello particular; teniendo siempre como premisa el diálogo entre los instrumentos; la improvisación solística y la mixtura de géneros variados: clásico, rock, tango, jazz/swing, latin, gitano, circense, cine (BSO), y todo lo que se pueda imaginar.

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Lista de Temas:
01. El Viejo Continente
02. Libertango
03. La Valse D'Amélie
04. Playtime
05. Intre Re Modal
06. Allegria
07. Fiesta de notas azules!
08. En Cello
09. Comptine D'Un Autre Eté
10. The Storm
11. Tanguito para Astor
12. Asturias
13. Fantasma De Steohen Foster
14. World Dance
15. La despedida





Alineación:
- Sergio Provenzano / Coordinación, Arreglos, Guitarras, Melódica, Voz
- Paula Aguilera Baglietto / Voz, Accesorios
- Briseida Alejo Ortega / Violín
- Nahuel Ovelar / Violoncello
- Marcos Ortiz / Bajo Fretless
- Emiliano Baselli / Clarinete
- David Gonzáles / Trompeta
- Hernán Biancardi / Trombón, Piano, Teclados y FXs
- José Matteucci / Batería, "il Concertino"

Orquesta Informal de Rosario - O.I.R.
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