Sahra Ahmed Mohamoud ( somalí : Sahra Axmed Maxamuud ) es una cantante y activista cultural somalí. También conocida profesionalmente como Sahra Halgan como su nombre artístico.
Sahra llegó a Europa en 1992 como refugiada política de su natal Somalilandia, un territorio en el noreste de Somalia (África Oriental), antigua colonia británica, autoproclamada independiente desde mayo de 1991, pero aún no reconocida por la comunidad internacional. Actualmente, de regreso a Somalilandia, este álbum se grabó justo antes de su regreso.
1.
SHARAF 03:57
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LAGA 04:01
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SOM HANYARI 04:02
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SOMALILAND ANI ADI 03:25
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HIDDO DHAWR 04:24
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LIILALAW 05:14
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DIIYOOHIDII 04:04
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QARAM QALAFE 02:52
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MAGOOL 03:18
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LAMAHURAN 03:36
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HOOYALAY 06:29
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DAREEN 03:04
Daniyal Ahmed es un músico y antropólogo de Pakistán que enseña en la Universidad Habib de Karachi. También dirige el sello discográfico Honiunhoni, a través del cual he podido conocer música realmente hermosa con raíces en las ricas tradiciones musicales de Pakistán. Te insto a que los busques y apoyes sus lanzamientos en su página de Bandcamp .
La última propuesta proviene del Trío Talib con Aap ka number hai?, que se traduce como “¿Es este tu número?”, una frase acuñada por Muhammad Talib, miembro del trío. Daniyal dice: “Es la frase favorita de Talib y, como es típico en los diálogos al estilo de Karachi, te la dirán de manera amistosa o te la lanzarán directamente”.
Originario de Karachi, la biografía de Talib revela cómo reinventó el Tambooro, un instrumento heredado de su padre, añadiéndole trastes para permitir tocar melodías donde antes se utilizaba para crear un zumbido rítmico.
Además de tocar el Tambooro con trastes de su propia invención, Talib también toca el Bulbul eléctrico y lo acompañan Muhammad Khan en el Dholak y Shahid Ali en el Harmonium. No es ajeno a la experimentación, todas las melodías son reinterpretaciones originales que, según explica Ahmed, son “piezas sindhi y baluchi, y dos canciones populares en pastún, todas tocadas desde un corazón que entiende la melancolía de los trabajadores inmigrantes de Karachi y los sentimientos agridulces de sus comunidades caleidoscópicas”.
Descrita por el Wall Street Journal como "una de las vocalistas más cautivadoras de la música moderna", la cantante y multiinstrumentista nacida en Nueva York y criada en Tamil Nadu, ganavya, comparte un ambicioso nuevo álbum, "Daughter of a Temple", a través de LEITER. El álbum sigue su actuación en el aclamado debut en vivo de SAULT en Londres en 2023, donde, según The Guardian, su "voz tenía un delicado peso emotivo que podía convertir a los estoicos en naufragios sollozantes". Su primer sencillo para LEITER, "draw something beautiful", se lanzó a principios de este año en julio.
Para "Daughter of a Temple", ganavya invitó a más de 30 artistas de diversas disciplinas a una reunión ritual en Houston. En consecuencia, el álbum cuenta con numerosos colaboradores, incluidos músicos de renombre como esperanza spalding, Vijay Iyer, Shabaka Hutchings, Immanuel Wilkins y Peter Sellars. Los resultados (una mezcla innovadora y profundamente conmovedora de jazz espiritual y música devocional del sur de Asia) fueron grabados inicialmente por Ryan Renteria y luego editados y mezclados por Nils Frahm en el estudio de LEITER en Berlín en 2024.
1.
A Love Chant (feat. esperanza spalding) 00:42
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Om Supreme (feat. Vijay Iyer & Immanuel Wilkins) 10:15
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Prema Muditha (feat. Shabaka Hutchings) 04:53
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Elders Wayne and Carolina 02:16
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Om Namah Sivaya (feat. Charles Overton & Ganesan Doraiswamy) 05:18
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Journey in Satchidananda / Ghana Nila 06:37
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A Love Supreme, Part 1: Ishmael Wadada Leo Smith 01:00
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A Love Supreme, Part 2: Peter Sellars (feat. Peter Sellars) 07:21
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A Love Supreme, Part 3: Alice Coltrane 05:49
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A Love Supreme, Part 4: IONE (feat. IONE) 03:57
Two musicians, two different folk music traditions, two soundscapes hundreds of miles apart and one nightingale song. Nightingale melodies inspired this intoxicating folk album by Slovakian flautist Michaela Antalová and Norwegian double bassist Adrian Myhr. The Oslo-based duo’s album follows their meditative 2021 debut Zvony (Bells), which featured harmonium, field recordings of crickets and a Slovak male choir.
Sing Nightingale is a translation of ‘Zaspievaj Slavicku’, a traditional Slovakian song. The duo experiments with this theme of the songbird; exploring instrumentation from around the world and its rich tonal textures. On ‘Night Singing’, Michaela plays a Slovakian fujara, a tall, upright wooden bass flute originally played by shepherds. The fujara’s smooth, deep tones are laid over a recording of a nightingale by musicologist Tomáš Šenkyřík, with Michaela’s flute mimicking the bird’s nocturnal chirps and warbles to attract a mate. Michaela is carefully imitating the bird, who is in turn improvising his melody. In ‘Worm Moon’, named after the springtime full moon in March, when nightingales return from Africa where they have spent the cold winter, Adrian’s slow and resonant double bass is brightened by the sweet trills of a real nightingale and Michaela’s fujara.
The Norwegian Hardanger fiddle or hardingfele, features on two specially written songs; ‘Lament’ and ‘Rosenhave’ (rose garden) which bring together the nightingale’s symbolic associations with undying love, sacrifice, deep sorrow and loss. Celebrated Hardanger fiddle player Helga Myhr plays alongside Adrian’s double bass and Michaela’s seljefløyte or willow flute. Helga also plays on ‘Flagre’ (Flutter) and ‘Dance Nightingale’. The seljefløyte is very similar to the Slovak overtone flute koncovka. By using this Norwegian instrument, Adrian and Michaela’s new compositions are reminiscent of both countries’ folk traditions. Folk music often comes from unknown sources; the original writer may not be known and the melodies are typically passed down orally. Michaela and Adrian’s project merges the different folk musics from their respective countries, finding common ground in the sonic qualities of instruments and evolving a new hybrid folk style, authentic in its own right.
For the stunning adaptation of the traditional Slovakian fujara song ‘Dolu Ovce Dolinami’ (‘Sheep down the valleys’), Adrian’s friend Javid Afsari Rad plays the Iranian santur, similar to the traditional Slovak string instrument cimbalom. By coincidence, Iran’s national bird is the nightingale, making another unexpected connection to the symbolic bird. These 11 tracks are a beguiling fusion of traditional folk styles, approached by musicians from an avant-garde, improv and jazz background. The album pays tribute to a hugely expressive bird and finds a strange, soothing universality in the folk sounds of different countries.
1.
Flagre 00:57
2.
Dance Nightingale 01:33
3.
Kalino 02:35
4.
Worm Moon 07:33
5.
K tým dvom stromom 03:24
6.
Night Singing 01:48
7.
Lament 02:13
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Rosenhave 02:12
9.
Dolu Ovce Dolinami 04:02
10.
Hory Hory 06:22
11.
Zaspievaj Slávičku 01:35
Loraine James , (nacida el 18 de diciembre de 1995), también conocida como Whatever the Weather , es una productora y músico electrónica británica.https://en.wikipedia.org/wiki/Loraine_James
With Gentle Confrontation, Loraine's third album for Hyperdub, she lets us into a new chapter of her real and sonic life in which she examines her past and present. She says this is the record a teenage Loraine would like to have made, with musical tendencies that reflect that time, too. It's a positively languid, enjoyably disjointed set made while listening to her teenage favorites: math rock and emo-electronic such as DNTEL, Lusine, and Telefon Tel Aviv, which drew her back to her adolescence. Featuring an ever more diverse set of peers, the album places them into Loraine’s unusual musical settings and draws out sensitive and reflexive performances. At other times the album stretches out into a drifting ambience as if trying to find a sense of bliss in the everyday.
1.
Gentle Confrontation 04:20
2.
2003 02:39
3.
Let U Go ft. keiyaA 04:23
4.
Déjà Vu ft. RiTchie 02:51
5.
Prelude of Tired of Me 02:02
6.
Glitch The System (Glitch Bitch 2) 03:34
7.
I DM U 04:23
8.
One Way Ticket To The Midwest (Emo) ft. Corey Mastrangelo 02:25
9.
Cards With The Grandparents 03:21
10.
While They Were Singing ft. Marina Herlop 04:22
11.
Try For Me ft. Eden Samara 04:04
12.
Tired Of Me 02:19
13.
Speechless ft. George Riley 04:57
14.
Disjointed (Feeling Like A Kid Again) 04:05
15.
I'm Trying To Love Myself 03:22
16.
Saying Goodbye ft. Contour 03:31
El nuevo álbum de Saagara, 3, es la tercera entrega de esta aclamada colaboración entre el productor y multiinstrumentista polaco Wacław Zimpel y cuatro músicos virtuosos de la tradición musical carnática del sur de la India: los percusionistas Giridhar Udupa (ghatam), Aggu Baba (khanjira) y K Raja (thavil) y el violinista Mysore N. Karthik.
Es una vibrante yuxtaposición de densos ritmos indios y patrones electrónicos pulsantes. Un álbum de composiciones profundamente transformadoras que navegan por la tradición y la experimentación a medida que avanzan hacia lo universal.
1.
God of Bangalore 06:39
2.
Sunbeam Spirits 04:55
3.
The Rite of Rain 07:28
4.
Northern Wind Brings Redemption 05:57
5.
Where Is That Blossom 05:09
6.
Earth, Water and The Holy Groove
El Monte Athos, conocido como la «Montaña Sagrada», es una península monástica en el noreste de Grecia, central para el monacato ortodoxo oriental durante más de un milenio. Sus veinte monasterios albergan a unos 2.000 monjes dedicados a la oración y el culto, cuyas canciones han resonado a través del mar Egeo durante siglos, escuchadas solo por peregrinos visitantes, aislados del tiempo convencional y los eventos globales.
Después de varios años de investigación y varias visitas a la comunidad de jubilados, estamos felices de presentar nuestro nuevo proyecto «ATHOS : ECHOES FROM THE HOLY MOUNTAIN» dedicado a esta música litúrgica y repertorio que parece estar evolucionando fuera de los límites habituales del tiempo y el espacio. Arraigada en el canto bizantino, esta tradición a capela esencial para la vida monástica presenta melodías intrincadas pero serenas diseñadas para facilitar la oración y la contemplación, utilizando un sistema de modos y escalas para crear una atmósfera meditativa.
Este esfuerzo de documentación, de carácter transdisciplinario, también comprende un aspecto de reinterpretación artística que invita a los artistas contemporáneos griegos y extranjeros a reflexionar sobre el tema.
Una recopilación musical que recoge grabaciones de campo originales de los años 60 y de la actualidad que captan la esencia de la música litúrgica en el Monte Athos, pero también nuevas composiciones inspiradas en ellas de artistas como Holy Tongue (Reino Unido), Jay Glass Dubs (Gran Bretaña), Prins Emanuel & Inre Kresten Grupp (Suecia), Jimi Tenor (Filipinas), Gilb'r (Francia), Daniel Paleodimos (Gran Bretaña), Esma & Murat Ertel (Turquía) y Organza Ray (Gran Bretaña/Estados Unidos).
1.
Inre Kretsen Grupp & Prins Emanuel - Volta Semantron 04:05
2.
Holy Tongue - Athos Dub 06:33
3.
Murat & Esma Ertel - Garden of Kibele 03:39
4.
Daniel Paleodimos - Doxology 02:44
5.
Jimi Tenor - Idan Kuoromiehet 03:57
6.
Jay Glass Dubs - Synaptic Riddles 06:01
7.
Gilb'r - L'île météore 03:18
8.
Organza Ray - I Swim in your Dreams 08:40
9.
Vatopedi Semantron Vespers 00:21
10.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Axion Estin 03:53
11.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Christos Anesti 02:48
12.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Theoteke Parthene 05:39
13.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Doxologia Chourmouzioy 04:16
14.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Osoi Eis Christon 02:54
15.
Daniilaioi Brotherhood Choir - Tas Esperinas Manouel Chrysafis 03:42
16.
Father Lazaros of Grigoriou Monastery - Doxastikon Idiomelon, Mode Plagal A 04:02
17.
Father Germanos of Vatopedi Monastery - Anoixantos Sou, Koukouzelis, Mode Plagal D 03:29
18.
Iviron Monastery - Cherouvical Hymn, Third Mode 05:22
19.
Father Antypas - Axion Estin, Seventh Mode 03:54
20.
Simonopetra Monastery - Koinonikon, Mode Plagal A 03:54
Senyawa es una banda musical de género hardcore metal de Indonesia, formada en la isla de Java en el 2010. La banda está influenciada con la música folclórica de su país. El sonido neo-tribal de la banda ha sido descrito por mezclar una "actitud punk" con una "estética de vanguardia"
01 - Tanggalkan Di Dunia (Undo the World)
02 - Sujud (Prostration)
03 - Terbertaktilah Tanah Ini (Blessed Is This Land)
04 - Penjuru Menyatu (Unified Counters)
05 - Kehendak (Will)
06 - Kebaikan Tumbuh Dari Tanah (Goodness Grows Off Soil)
07 - Kembali Ke Dunia (Return to the World)
ilkae is a catch-all term for a variety of music written by either Aaron Munson (Canada) or Krystian Lubiszewski (Poland) (or both!) since 1999. Munson has been the sole active member of the group since 2004. Following the closure of Merck records in 2007, Munson's work has largely been published by Eerik Inpuj Sound. Continuing to release as ilkae, Munson has made physical media releases on The Irrational Media Society, Field Hymns and Onibaba Records.
Grace Yoon
Nacida en Pusan / Corea, llegó a los Estados Unidos en 1966, estudió en la London Art Academy de 1969 a 1974 y ha estado trabajando en Alemania como artista de performance, actriz y directora desde 1975. Desde 1991 audio art, autor y director de obras de teatro y reportajes radiofónicos. Desde 2015 profesor en el departamento de medios de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Düsseldorf.
Iris Disse
Disse nació en Lüneburg en 1956 como hija de un consejero y un maestro y creció en Lüdenscheid en Sauerland. Estudió filosofía, política e historia del arte en la Universidad Ludwig Maximilians de Munich y luego se formó como actriz y directora. En Munich fundó la Disse-Gries Companie DGC con Gero Gries y representó diversas obras de teatro en Munich, Berlín, Hamburgo y Viena, entre otros. Las piezas escenificadas incluyeron el estreno alemán de Pier Paolo Pasolini Orgia para el teatro de verano de Kampnagel. Además de los teatros, representó repetidamente sus obras en fábricas.
Además, Disse trabajó como actriz en varias películas de cine y televisión, entre ellas Tatort: Moltke , dirigida por Hajo Gies . A principios de la década de 1990, Disse trabajó como directora artística de Werkheater Wedding y, junto a su socio David Höner, desarrollaron un concepto de performance multimedia en 1993, Pirates of the Voice , con el que recorrieron varios países en los años siguientes, cada uno tiempo junto con artistas y músicos de los respectivos países trabajaron juntos.
En 1991 Iris Disse comenzó a trabajar intensamente con el arte de escuchar. En 1993 recibió el Premio BBC del Prix Futura junto con Sainkho Namtchylak y Grace Yoon por la obra de radio Tunguska-Guska , una producción de la Radio Bávara .
Sainkho Namtchylak
es una cantante experimental, nacida en 1957 en un pueblo aislado en el sur de Tuvá. Experta en canto de armónicos, su música abarca avant-jazz, electrónica, composición moderna e influencias propias de su lugar de origen. En Tuvá chocan numerosas influencias culturales: las raíces turcas que comparte con Mongolia, los uigures de Xinjiang y los estados de Asia Central, diversos grupos étnicos nómadas de Siberia, principalmente influencias del grupo de Tunguska-Manchu, los viejos creyentes rusos, las poblaciones migrantes de Ucrania, Tatarstán y otros grupos minoritarios del oeste de los Urales. Todos estos grupos, influencian en Sainkho, aunque mayormente dominan las de Siberia: su tesis producida durante sus estudios vocales, primero en la Universidad de Kyzyl, y luego en el Instituto Gnesins en Moscú durante la década de 1980, la cual se centró en el estudio de música lamaísta y de culto de grupos minoritarios de Siberia, y su música con frecuencia muestra una tendencia a imitar el estilo de canto Tungus.
1 Siiibiiiriiien 4:43
2 Aidys 4:42
3 Ivengi 6:44
4 Agu Kara Khan 3:39
5 Ra-Re-Ra-Hu 2:55
6 Countdown 6:43
7 Rabenbrot 9:42
8 Boa-Boa 6:02
9 Radio im Radio 4:57
10 Sehnsucht 2:53
Motion Trio, el formidable trío de acordeones polacos, crea una música impactante que combina el fuego de la música de raíces de Europa del Este con la precisión helada de los grandes compositores clásicos. Llamado 'Trio Infernal' por los fanáticos de su sonido intenso y apasionado, Motion Trio ha sido elogiado por maestros modernos como Michael Nyman y Joe Zawinul. Dirigido por Janusz Wojtarowicz, Motion Trio es un conjunto único que reproduce las composiciones originales de Janusz que se basan tanto en su formación clásica en los famosos observatorios de Cracovia como en la música tradicional de Europa Central y Oriental. Formado en 1996, Motion Trio se ha convertido de músicos callejeros en las calles de Polonia en un equipo de renombre mundial. The Trio ha realizado numerosas giras y, al hacerlo, ha aportado tonos dinámicos del rock y el techno para que su sonido sea aún más feroz. Escuchar Motion Trio en concierto es similar a experimentar un recital de Paganini o un concierto de Metallica, tan poderoso y emocionante es su sonido. Sin embargo, logran actuaciones tan intensas sin emplear nada más que sus acordeones: sin guitarras, sin batería, sin samplers, sin bucles o trucos. Motion Trio son músicos que han perfeccionado sus habilidades al más alto grado y confían solo en el talento y la imaginación para garantizar que sean una de las bandas en vivo más emocionantes que trabajan en la actualidad.
Motion Trio - Pictures From The Street
1.
Train to heaven 04:27
2.
Café Paris 03:27
3.
Balkan dance 04:32
4.
Little story 04:22
5.
Tango 02:21
6.
It's O.K. 04:13
7.
Scotsman 04:08
8.
Pageant 03:36
9.
Asfalt Tango 04:21
10.
Aide Jano 08:00
Motion Trio-live in vienna Sacrum & Profanum
1. heart 6.27
2. sounds of war 7.42
3. first day of spring 4.37
4. psalm 6.15
5. stars 6.18
6. ufo 5.29
7. silence 10.01
8. game VI 5.00
Motion Trio - Accordion Stories
1 Quetschkommoden Overture (00:03:53)
2 Tibuchs and Dogs (To My Daughters) (00:04:58)
3 Siberian Waltz (00:03:53)
4 Lighthouse (00:04:16)
5 The Rose - Happiness of the World (To My Wife Ania) (00:04:31)
6 The Heart (00:06:05)
7 I Wanna Go Home (00:04:35)
8 Grandi Scratchi Virtuosi (00:02:35)
9 Lullaby (Two Man and a Wardrobe) (00:04:18)
10 Long, Long Time Ago (00:03:29)
11 Happy Band (00:04:12)
DakhaBrakha es un cuarteto ucraniano que combina los estilos musicales de varios grupos étnicos.Fue ganador del Premio Sergey Kuryokhin en 2009. DakhaBrakha es un proyecto del Centro DAKh de Arte Contemporáneo, dirigido por Vladyslav Troitskyi y nacido como un grupo de música de teatro en vivo.
01. На добраніч (04:47)
02. За дуби (02:52)
03. У Києві (06:25)
04. Русалочки (02:05)
05. Івана Купала (05:41)
06. Пані (02:31)
07. П'яний Арт (05:16)
08. Свашеньки (04:15)
09. Африка (04:39)
10. Козак (04:09)
11. Вдова (08:12)
12. Дощ (03:46)
13. Веснянки Чілаут (08:16)
14. Конопля (02:22)
15. Татарин-братко (03:13)
16. До ста літ (02:09)
17. Реп (04:17)
18. Єлена (03:03)
DakhaBrakha es un cuarteto ucraniano que combina los estilos musicales de varios grupos étnicos.Fue ganador del Premio Sergey Kuryokhin en 2009. DakhaBrakha es un proyecto del Centro DAKh de Arte Contemporáneo, dirigido por Vladyslav Troitskyi y nacido como un grupo de música de teatro en vivo.
DakhaBrakha es un cuarteto ucraniano que combina los estilos musicales de varios grupos étnicos.Fue ganador del Premio Sergey Kuryokhin en 2009. DakhaBrakha es un proyecto del Centro DAKh de Arte Contemporáneo, dirigido por Vladyslav Troitskyi y nacido como un grupo de música de teatro en vivo.
1
Oy Za Lisochkom
2
Nad Dunaem
3
Vesna
4
Vals
5
Vanyusha
6
Zainka
7
Divka Marusechka
"Khmeleva Project" was created in 2011 by the Belarusian instrumental trio Port Mone (portmonetrio.com) and the Ukrainian ethno band DakhaBrakha (dakhabrakha.com.ua). Solo works by both bands are well known and popular both in Europe and beyond it.
In 2012 the joint project released the album "Khmeleva Project". The
Ukrainian event agency ArtPole played the key role in organization of
the whole process having taken every effort to release the album. The
album was recorded at Toyastudios in Poland with the support of the
Polish independent label Hermetic Garage.
Con su mezcla embriagadora de música electrónica occidental y sonidos y voces orientales, el equipo parisino ha prendido fuego a clubes y festivales de todo el mundo, tocando más de 260 espectáculos en cuatro continentes desde el lanzamiento de su álbum debut Musique de France a finales de 2016 .
Jdid (que significa nuevo en árabe) ve a la banda dando un paso gigante en su camino y profundizando el diálogo entre las costas norte, sur y este del Mediterráneo (la costa norte se extiende, en este caso particular, a las orillas del río). ríos Sena, Támesis, Spree y Hudson!)
A lo largo del álbum, los ritmos orientados a clubes se llevan a dar un paseo, desde almacenes suburbanos hasta sótanos humeantes de Orán y Estambul, desde amplias extensiones de dunas del desierto hasta paisajes de concreto y metal, y se regeneran con la brisa fresca y los músicos inspiradores que se encuentran por el camino.
Jdid presenta contribuciones de los vocalistas argelinos Radia Menel, Sofiane Saidi, Amel Wahby y Cheikha Hadjla, del artista turco Cem Yildiz y el tecladista sirio Rizan Said, así como pistas escritas en colaboración con el productor tunecino / belga Ammar 808 y con Les Filles d'Illighadad de Níger
El tecladista Kenzi Bourras se unió originalmente a Acid Arab para tocar en sus shows en vivo, pero ahora se ha convertido en un miembro de pleno derecho de la banda, y sus raíces argelinas jugaron un papel crucial en el desarrollo de las nuevas pistas, algunas de las cuales se pueden describir como retrofuturistas. adquiere música raï (el género influyente que floreció en Argelia desde la década de 1920 y se hizo internacionalmente popular en los años 80 y 90).
01. Staifia (feat. Radia Menel) 02. Électrique Yarghol (feat. Hasan Minawi) 03. Nassibi (feat. Amel Wahby) 04. Club DZ 05. Rimitti Dor (feat. Sofiane Saidi) 06. Rajel (feat. Ammar 808) 07. Soulan (feat. Les Filles de Illighadad) 08. Was Was 09. Ejma (feat. Cem Yildiz) 10. Ras El Ain (feat. Rizan Said) 11. Malek Ya Zahri (feat. Cheikha Hadjla)
Two CD set. 2019 release from film composer and multi-instrumentalist William Ryan Fritch. Most of those familiar with Fritch, know only of his albums as a singer songwriter or genre-elusive multi-instrumentalist, which truly represent a small fraction of the depth and range of his work. Deceptive Cadence... gathers the most remarkable and memorable pieces from Fritch's vast catalog of film compositions. Rather than filling up two volumes with half assembled film cues and fragmented themes, Fritch has gone to great lengths with Deceptive Cadence... to make sure both volumes tell a story, build theme, and create a satisfying full album experience as good as any movie they may have come from. While this music once graced a particular film, show, or commercial, it has all been reimagined, reworked and made whole in post-production to complete the epic narrative of Deceptive Cadence
"Over the past decade, Fritch has carved his own sonic Wakanda: an awe-inspiring, inclusive kingdom that could be real. Leave aside the title; these are the diamonds in the mine." - (Richard Allen) A CLOSER LISTEN
"There's almost something a bit punk in the attitude of the music, the way street folk music around the globe can feel more authentically punk-as-fuck than snarling in a faux-British accent and only playing shitty bar chords ever could." - (Scott A. Gray) EXCLAIM!
"Rescued from dusty hard drive obscurity by Lost Tribe Sound check out this cohesive collection of disjointed, listenably experimental, global folk abstractions and de/reconstructions" - THE SLOW MUSIC MOVEMENT
1.
Fronting 01:59 2.
Cobble Together 04:01 video 3.
Picked Down to Its Bones 02:53 4.
The Dregs 01:49 5.
Tinkerer 02:43 6.
Unravel Together 02:39 7.
No Diamonds in These Mines 04:20 8.
A Branch Gave Way 02:44 9.
What the Rain Restores 02:56 10.
Takamba II 02:57 11.
Heaving Chest, Shallow Breaths 02:01 12.
Swagger 03:36 13.
Short Sell 03:51 14.
Trembled at Its Feet 03:24
Tallawit Timbouctou are champions of takamba, a hypnotic traditional
music from Northern Mali. Built around the tehardent, the four-stringed
lute and pre-cursor to the American banjo, takamba’s droning distortion
comes from signature handmade mics and blown out amplifiers. Accompanied
by percussion pounded out onto an overturned calabash with mind
boggling time signatures, the combined effect is trance inducing.
This is the music that long ruled the North of Mali, performed at
festivities, blasting out of dusty boomboxes, and beaming out from
village radio stations. Its origin is shrouded in mystery, and though
purportedly dating back to the Songhai Empire of the 15th century,
takamba’s heyday was in the 1980s, with the introduction of
amplification. Musicians found a lucrative circuit, performing in
elegant weddings, creating cassettes on demand, and writing songs for
their wealthy patrons. Today takamba has fallen out of popular fashion
with the youth but continues to thrive in a small network of die-hard
traditionalists.
Band leader Aghaly Ag Amoumine is one of the remaining renowned takamba
musicians. Descended from a long line of praise singers, he spent
decades traveling across the Sahel, performing
in remote nomad camps and crowded West African capitals. His
compositions continue to circulate today and have become part of the
folk repertoire. His group Tallawit Timbouctou, based in the city of the
same name, continues in the family tradition and has featured both his
brother and nephew as accompanying members.
Recorded at home in Timbouctou, “Hali Diallo” is a relentless and
non-stop recording, true to the form of takamba. Tracks blend seamlessly
into one another, instruments are tuned mid-song, and Aghaly only
pauses singing long enough for the occasional shout-out or dedication.
Unfiltered and direct, as it's meant to be heard, Tallawit Timbouctou is
a shining example of one of the last great takamba bands. https://tallawit.bandcamp.com/
1.
Intro 07:18
2.
Hali Diallo 06:47
3.
Super Continue 01:27
4.
Adernibah 06:54
5.
Khoumeissa 03:22
6.
Ami Cisse 03:19
7.
Kanji 02:07
8.
Kalitay 05:23
9.
Abacabok 04:32
10.
Chebiba 04:10
Nawa Recordings present Ahwar, the debut album by Nadah El Shazly. Starting out singing Misfits covers in a local punk band, then moving on to producing her own electronic tracks and making a name for herself in Cairo's underground scene, Nadah El Shazly's backstory is not that unusual. Her debut album on the other hand, is an entirely unexpected story. Two years in the making, Ahwar (Arabic for "marshlands") is an otherworldly record, not unlike an abstract mythological story-tale.
Opening with the mangled and filtered vocals of "Afqid Adh-Dhakira (I Lose Memory)", like an alien dream, the drones of a bowed double bass lead the listener into a drum groove that lays the groundwork for El Shazly's sultry and captivating presence. The Arabic prose lingers over interjections of slap-back delayed guitar twangs and an avant-garde arrangement of dissonant winds, horns, and seemingly random drum fills, ending with an eerie soundscape that wouldn't feel out of place in a giallo classic. Composed, written, and produced by El Shazly herself in collaboration with The Dwarfs Of East Agouza's Maurice Louca and Sam Shalabi on co-composition and arrangement duties, the album was crafted across two continents, between Canada and Egypt, and features the crème of Montreal's contemporary-classical and improvised music scene, most of whom are members of Shalabi's own Land Of Kush ensemble.
In between El Shazly's five original tracks, the listener is treated to an abstract conversion of Sayyid Darwish's classic "Ana 'Ishiqt (I Once Loved)". El Shazly's haunting vocal floats over broken kalimba and harp arpeggios which slowly intertwine with a free, bowed double bass improv to nestle within the breaks between Younes Al-Qadhi's early 20th century verses of love and betrayal. More than that, it is difficult to really describe, but imagine the worlds of Nico, Björk, and Annette Peacock with the Arabic language as their mother tongue, re-approached through acoustic avant-jazz harmony and re-constructed with a dash of Kamilya Jubran's modern styling of Arabic maqam and you may be somewhere close. Recorded and delicately mixed through miles of analog cabling by Thierry Amar and mastered by Harris Newman, the album is adorned with the surrealist artwork of Egyptian artist Marwan El-Gamal and designed with custom typography by Egyptian designer Valerie Arif.
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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