Este es un viaje a través de paisajes sonoros, inspirados en diversas tradiciones musicales, que exploran y fusionan combinaciones de sonidos, conectando nuevos patrones de expresión musical. La intención principal de la Trilogía Passage es indagar, interpretar y expandir el concepto de «Música Folclórica Tradicional Nórdica» en improvisaciones contemporáneas. Dicho esto, también tiene un toque de «neofolk», inspirado y reinterpretado a partir de antiguas tradiciones nórdicas. El resultado es una cautivadora mezcla de paisajes sonoros ambientales, influencias medievales, voces míticas, canciones potentes y energía rítmica, que equilibra la sensualidad con el empoderamiento. EyinHelga, término nórdico para la Isla Sagrada, es donde se crea música en medio del impresionante paisaje del lago Mjøsa, el más grande de Noruega.
O Camiño das Mans Valeiras es uno de los discos más celebrados de Sangre de Muérdago, colectivo gallego que ha sabido conjugar el folk tradicional con atmósferas de neofolk y una sensibilidad única. Publicado originalmente en 2015, este álbum se presenta como un viaje acústico cargado de emoción, donde la delicadeza instrumental se mezcla con letras poéticas que evocan bosques, espiritualidad y vínculos con la tierra. La grabación, mezcla y masterización las realiza Tobias Häussler manteniendo la esencia artesanal que caracteriza a la banda, con un despliegue de instrumentos que va desde guitarras acústicas y violines hasta zanfonas, mandolinas y flautas, creando un universo sonoro íntimo y profundo. Cada canción está impregnada de una melancolía luminosa, capaz de conectar lo ancestral con lo contemporáneo, siempre con un fuerte arraigo a Galicia y a la tradición oral europea. Críticos y músicos de la escena han destacado la capacidad de Sangre de Muérdago para transmitir sinceridad y alma en cada nota. Oliver S. Tyr (FAUN) llegó a definirlo como un disco mágico y conmovedor, perfecto para escuchar en un ambiente recogido, mientras que Don Anderson (Agalloch) subrayó la honestidad y la emoción que emergen de sus composiciones. El álbum fue recibido como una pieza de referencia dentro del folk oscuro y del neofolk internacional, consolidando a la banda como uno de los nombres más respetados del género. O Camiño das Mans Valeiras. Todo el artwork de este trabajo es obra de la artista italiana Marina Girardi que ya ha trabajado con el grupo en otros discos suyos.
1.
01-De Terra e Madeira 02:42
2.
02-Xordas 06:43
3.
03-O Camiño das Mans Valeiras 05:05
4.
04-Mensaxeiros do Pasado 07:14
5.
05-De Musgo e Pedra 03:31
6.
06-O Conxuro 06:27
7.
07-Noites de Treboada e Ollos Abertos 05:13
8.
08-Voar máis Aló das Montañas 06:55
Hija de un músico de jazz y de una madre vinculada al teatro, Carola Ortiz (Terrassa, 1986) es una artista egarense que se define como creadora e investigadora multiforme. Formada en clarinete clásico y canto de jazz en la ESMUC, desde 2009 impulsa proyectos musicales que parten siempre de un reto artístico y vital. Su curiosidad inagotable la ha llevado a fusionar con naturalidad y libertad la improvisación que respira desde los clubes de jazz donde creció, la disciplina adquirida en el Conservatorio de Terrassa y la fuerza rítmica y melódica de sus raíces ibéricas. Al mismo tiempo, ha incorporado influencias de las músicas del Oriente Mediterráneo y de la India, fruto de sus numerosos viajes y estancias en esos territorios.
Como compositora y productora, ha publicado cinco álbumes («Sirin», 2016; «Spirala», 2018; «Pecata Beata», 2021; «Cantareras», 2023; y «Enllà», 2025) y ha llevado su música a escenarios de más de veinte países, tanto en clubes como en teatros y festivales internacionales. Su obra ha sido reconocida por la crítica nacional e internacional, incluyendo el Premi Núvol al mejor disco de canción (2021) y menciones en prestigiosas listas anuales como las de Ted Gioia y los World Music Charts Europe.
Carola Ortiz ha formado parte de la orquesta de percusión ibérica Coetus y ha compartido escenario con artistas de gran renombre como Xabier Díaz, Eliseo Parra, Rocío Márquez, Raül Refree, Rosalía, Sílvia Pérez Cruz, Lluís Vidal, Marco Mezquida, Roger Mas, así como con figuras internacionales de la talla de Debhashish Bhattacharya, The Mingus Orchestra o Maria Schneider.
Con más de treinta colaboraciones discográficas en diversos géneros, también ha aportado su voz y clarinete a obras de teatro, espectáculos musicales y documentales. En el ámbito docente, ha trabajado en el ESEM del Taller de Músics y en la ESMUC, además de impartir talleres y clases particulares.
1.
Amor Prohibido 04:38
2.
Free Bird 05:53
3.
Alma Gemela 04:08
4.
Bailarín Misterioso 05:10
5.
Mariona feat. Jurandir Santana 03:33
6.
Los Árboles 03:50
7.
Mi Mar [spanish milonga] 06:04
8.
Records de l'Havana 05:39
9.
Villanelle [string quartet version] 04:00
Singh es un consumado intérprete de tabla, músico electrónico, teórico de la música, productor discográfico y DJ. Como solista, quizás sea mejor conocido como el padre de la música electrónica asiática moderna, aunque también es un célebre ejecutante de tabla, productor discográfico y practicante visual.
Inspirándose en las artes indias clásicas, Singh saltó a la fama por primera vez como percusionista de tabla en la escena musical londinense de la década de 1980. Cuando aún era adolescente, Singh viajó a la India para obtener la pupila de Sangeet Acharya Ustad Lachman Singh Seen , maestro de tabla de la escuela Punjab. Este período dejó una marca indeleble en el joven artista y desde entonces ha seguido practicando e interpretando esta forma de arte a nivel internacional. Las colaboraciones de Singh con músicos clásicos indios incluyen a Ustad Sultan Khan, Rakesh Churasia, Ustad Imrat Khan y Ustad Amjad Ali Khan, entre muchos otros.
Singh también se involucró en colaboraciones de música experimental a partir de fines de la década de 1980, trabajando con Sun Ra y Courtney, lo que ayudó a popularizar el floreciente movimiento de la subcultura asiática underground.
Singh se destaca por reintroducir los conceptos de la música clásica india en los géneros pop, dance y jazz occidentales a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990. Los créditos del álbum en solitario de Singh incluyen éxitos críticos y comerciales Ok (1998), que ganó los dos premios musicales más prestigiosos del Reino Unido, 'The South Bank Prize' y el Premio Mercury en 1999. Ok , su innovador lanzamiento debut de 1998, fue grabado en Mumbai, Madrás, Okinawa, Nueva York y Londres, con contribuciones de Bill Laswell , Ryuichi Sakamoto , Ustad Sultan Khan y la Orquesta Filarmónica de Madrás, entre otros.
1998 OK (1:00:29)
1998 OK (2009 Remaster, Universal 5322514 ) (2:19:55)
1998 Traveller (Single, 24:05)
2001 Back To Mine (1:00:34)
2001 Ha (1:06:12)
2002 Vira (& Rakesh Chaurasia) (1:08:31)
2004 Songs For The Inner World - Live At La Basilique, Saint-Denis (& Sangat) (49:10)
2011 Together (& Niladri Kumar) (54:42)
Heilung es una banda que fusiona música folk, death metal1 y folk metal experimental. Conformada por Christopher Juul, Kai Uwe Faust y Maria Franz, de Dinamarca, Alemania y Noruega respectivamente, suelen ser englobados bajo la etnia danesa por la prensa. La banda cataloga su trabajo como «historia amplificada», su imagen y sonido toma inspiración de la cultura de la Edad de Hierro y Bronce en Europa del norte; el nombre proviene del alemán y significa «sanación».
su segundo álbum Lifa es una grabación en directo desde el evento de recreacionismo medieval Castlefest, en Holanda. Llevado a cabo el 5 de agosto de 2017 fue también su primera actuación frente a público y contó con una asistencia de 10 000 personas; le tomó un año a la banda organizar y ensayar los aspectos del show, al cual se refirieron como un «ritual». Material audiovisual se subió a la plataforma YouTube, donde el álbum cosechó cinco millones de reproducciones, mientras que el video de la canción «Krigsgaldr» superó las veintitrés millones.
Heilung is sounds from the northern european iron age and viking period. We used everything from running water, human bones, reconstructed swords and shields up to ancient frame drums and bronze rings in the songs.
The lyrics contain original texts from rune stones and preserved spear shafts, amulets and other artifacts. Furthermore poems, which either deal with historical events or are translations/ interpretations of the originals.
Every attempt to link the music to modern political or religious points are pointless, since Heilung tries to connect the listener to the time before Christianity and its political offsprings raped and burned itself into the northern european mentality.
Heilung means healing in german and describes the core of the sound. It is supposed to leave the listener eased and relaxed after a sometimes turbulent musical journey.
La nueva obra maestra de la música acústica de naturaleza romántica
Vàli es uno de los secretos mejor guardados entre los amantes de la música acústica relacionada con la naturaleza. El álbum debut del proyecto noruego de un solo hombre, "Forlatt", ya se lanzó en 2004 en una edición limitada que se agotó rápidamente. Los entendidos del género corrieron rápidamente la voz de que este era un álbum que combinaba con clásicos del género como "Kveldssanger" de Ulver o "Where At Night The Wood Grouse Plays" de Empyrium. Pasaron seis años hasta su próxima señal de vida: dos canciones en la compilación de 2010 "Whom The Moon A Nightsong Sings". Ahora, finalmente, su estudiante de segundo año "Skogslandskap" (inglés: "Paisaje boscoso") está listo para su lanzamiento. En el mundo de Vàli, el tiempo parece pasar mucho más lento que en el nuestro.
Esta impresión se confirma al escuchar "Skogslandskap", que continúa sin interrupciones donde "Forlatt" se quedó, encantando con su atemporal simplicidad y elegancia. Las composiciones frágiles para guitarras acústicas todavía están en el centro de la música de Vàli. Estos se ven aumentados por anhelos de cuerdas, melodías de flauta pastoral y sonidos de piano acentuados. Cada uno de estos colores de tono se usa de manera puntiaguda y apropiada para tener en cuenta la idea básica del álbum: "Skogslandskap" se concibe como un viaje a través de un bosque noruego en otoño, comenzando al anochecer y terminando al amanecer, un viaje que revela el paz y belleza de la naturaleza virgen.
1.
Nordavindens Klagesang 02:57 2.
I Skumringstimen 03:30 3.
Gjemt Under Grener 02:30 4.
Langt I Det Fjerne 03:21 5.
Mellom Grantraer 02:07 6.
Himmelens Groenne Arr 03:29 7.
Et Teppe Av Mose 02:58 8.
Sevjedraaper 01:22 9.
Dystre Naturbilder 03:45 10.
Flytende Vann 01:02 11.
Stein Og Bark 03:07 12.
Lokkende Lyder 03:26 13.
Skyggespill 02:20 14.
Roede Blader 03:25 15.
Morgengry 04:08
SKÁLD
es un proyecto vocal llevado a cabo por tres cantantes, que se
especializan en un amplio registro de voces, tanto guturales como
limpias, llenas de florituras, juegos vocales llenos de fuerza y
solemnidad. Todo ello acompañado con un apartado instrumental fuerte, en
el que nos podemos encontrar una amplia paleta de instrumentos elegidos
especialmente para la ocasión. La percusión tribal, con tambores
chamánicos de diferentes tamaños, se utiliza para evocar la fuerza
marcial y la victoria. Otras percusiones más pequeñas, como huesos
tomados de animales o astas de ciervo, tienen una inspiración
particularmente pagana, mientras que la musicalidad de los instrumentos
de cuerda como la lira, el talharpa, la citole tocaba con un arco, el
jouhikko y el nyckelharpa o arpa con llave, revela La riqueza de la
cultura escandinava. En cuanto a la canción omnipresente, lleva todos
estos aspectos dentro de ella al mismo tiempo.
Las 13
canciones que componen este fabuloso “Viking Chant”, están inspiradas en
La Völuspá y Gylfaginning, ambos contenidos en la Edda poética. Estos
textos, tratan sobre la cosmogonía escandinava y los episodios
mitológicos de los dioses Æsir. Pero ahí no queda la cosa, SKÁLD
va un paso más allá y también da vida en sus temas al alfabeto rúnico,
arrojando luz sobre los lugares simbólicos del universo de los vikingos,
como Valhalla o los nueve reinos de Yggdrasill, y pintando retratos de
enfrentamientos titánicos entre Æsir y gigantes.
Theodor Bastard es una banda musical rusa de San Petersburgo.
La banda fundada en 1996 por Fyodor Svoloch pero se llama «Theodor Bastard» y se usa su estilo actual desde 1999
Su música difícil de clasificar, pero destilan un sentimiento extremo sin duda alguna, y es que la angustia se desliza entre armonías orientales copándolo todo, rotos quejidos de máquinas de un futuro alienante que marcan el inexorable ritmo de las composiciones, y la voz serena y diáfana de Yana, aligerando una carga de dolor que en ocasiones parece inalterable, hipnótica, lisérgica. Su estilo se clasifica como trip-hop, darkwave, neofolk, ambient. https://es.wikipedia.org/wiki/Theodor_Bastard
01. Takaya Mija [5:36]
02. Farias [5:26]
03. Gerda [5:59]
04. Benga [4:44]
05. Sagrabat [Diumgo] [Ft. Julien Jacob] [3:34]
06. Oikoumene [7:41]
07. Tapachula [7:09]
08. Intifadah [5:13]
09. Clean Kron [3:25]
10. Sol De Morte [3:44]
11. Anubis [4:57]
12. Benga [Fun-Da-Mental Version] [Rmx By Aki Nawaz] [6:42]
SKUGGSJÁ es un proyecto especial de Ivar Bjørnson de Enslaved y Kvitrafn de Wardruna. Fue escrito para el 200 aniversario de la Constitución de Noruega y narra la historia de Noruega. Este es un álbum de proporciones épicas como se puede imaginar.
Musicalmente es una combinación única de instrumentos de metal con algunos de los instrumentos más antiguos de Escandinavia. La letra es básicamente poesía en "Proto-escandinava, nórdica y noruego." La idea es que combina los sonidos del día de hoy con los de la rica historia de la región.
1. Intro: Ull Kjem 2. Skuggsjá 3. Makta Og Vanæra, For All Tid 4. Tore Hund 5. Rop Frå Røynda - Mælt Frå Minne 6. Skuggeslåtten (Instrumental) 7. Kvervandi 8. Vitkispá 9. Bøn Om Ending, Bøn Om Byrjing 10. Ull Gjekk
Acabo de descubrir este fantástico grupo vizcaíno de neofolk y darkwave,
más concretamente de Gallarta. Es un dúo formado en 2004 por Igor
Sánchez Alejandre (Mesmer) y la pianista de formación clásica, Romina
Pérez. El nombre del grupo viene de los circunceliones, movimiento
religioso antirromano y anticatólico que nació hacia finales del siglo
III.
Los comienzos de Igor se basan principalmente en grupos de death metal y
doom: Self Phagocity, Mindborer y Addiction, este último con toques
góticos. Romina también colaboraba en esta banda como bajista.
Citando
al propio Igor Mesmer, la esencia de este segundo trabajo es conceptual
pero al mismo tiempo cada tema por separado tiene vida propia. Hermosas
melodías y mágicos aires románticos decimonónicos aunque también
dramáticos y medievales. La voz de Mesmer os puede recordar a Brendan
Perry y la estética del grupo al mítico sello 4AD (Dead Can Dance).
Tracklist 01 The Beginning 02 Song Of Ophelia 03 Sontay 04 Retrospective Room Part 1 05 Dei Sospiri 06 Tishtrya 07 Retrospective Room Part 2 08 A Dream Within A Dream 09 To Never Come Back Again 10 Tuol Sleng 11 Ondorio
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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