Ballaké Sissoko (nacido en 1968) es un intérprete maliense de kora. Ha colaborado con Toumani Diabaté y Taj Mahal, y es miembro del grupo 3MA junto a Driss El Maloumi y Rajery.
El padre de Ballaké, Djelimady Sissoko, fue un destacado músico de Gambia[1] que se trasladó a Malí y recibió financiación del gobierno para formar parte de la orquesta nacional.[2] Sissoko comenzó a tocar música a temprana edad, como la mayoría de los nacidos en la casta jeli o griot.[3] En 1981, a los 13 años, falleció su padre, y él ocupó su lugar en el Ensemble Instrumental National du Mali.[2] También actuó con varias cantantes prominentes antes de alcanzar la fama con su dúo con Toumani Diabaté en 1999.[4] En 2000, formó el trío Mande Tabolo con un intérprete de n'goni y un intérprete de balafón.
Su álbum de 2005, Tomora, cuenta con la participación de Toumani Diabaté en la kora, los cantantes Alboulkadri Barry y Rokia Traoré, y Fanga Diawara, violinista solista del Conjunto Instrumental Nacional de Malí.
Su disco Chamber Music, publicado en octubre de 2009, fue fruto de una colaboración con Vincent Ségal, violonchelista clásico conocido por su trabajo con Bumcello, y fue editado por el sello francés No Format! y el sello estadounidense Six Degrees Records.
En 2013, lanzó un álbum en solitario, At Peace. El violonchelista Vincent Ségal produjo el álbum y participa en varios temas.
En 2023, Sissoko estrenó un Concierto para Kora del compositor libanés Zad Moultaka en la sala de conciertos de Radio France en París.
Desde 2022, Sissoko ha colaborado en conciertos a dúo con el guitarrista sudafricano Derek Gripper, quien ha transcrito música de kora para su interpretación en guitarra clásica. En 2024, el dúo lanzó el álbum Ballaké Sissoko & Derek Gripper con Matsuli Music.
Albums:
1997- Jeli Moussa Sissoko - Ballaké. Kora Music from Mali
1997- New Ancient Strings (& Toumani Diabate)
1998- Mali Kora (Djéli Moussa Ballaké Sissoko - Djelimoussa Sissoko)
1999- Live at Bremen (& Toumani Diabate) Bootleg
2000- Déli
2003- Diario Mali (& Ludovico Einaudi)
2005- Tomora
2006- Mauritanie Conversation (Bootleg) (& Ensamble Diddal Jaalal)
2008- 3 MA (& Rajery, Driss El Maloumi)
2008- Thee, Stranded Horse And Ballake Sissoko (& Thee Stranded Horse)
2009- Chamber Music (& Vincent Segal)
2012- At Peace
2015- Musique de Nuit (& Vincent Segal)
2017- Anarouz (3MA, & Driss El Maloumi, Rajery feat. Khalid Khouhen)
2018- Live in Cologne (New Direction Cello Festival) (& Vincent Segal)
2019- Sissoko & Sissoko (& Baba Sissoko)
2021- A Touma
2021- Djourou
2021- Nocturne (& David Walters, Vincent Segal, Roger Raspail)
2023- Les Égarés (& Vincent Segal, Emile Parisien, Vincent Peirani)
2024- Ballaké Sissoko & Derek Gripper (& Derek Gripper)
2024- Bamako Chicago Sound System (& Nicole Mitchell)
2024- Radicants (& Lorenzo Bianchi Hoesch, ft Emile Parisien)
2025- Our Calling (& Piers Faccini)
2025- Sou Kora (& Vincent Segal, Emile Parisie, Vincent Peirani)
EP, Singles:
2022- The Fire Inside (& Piers Faccini) (Single)
2023- Banja (& Vincent Segal, Emile Parisien, Vincent Peirani) (EP)
2024- Kanakasi (Radio Edit) (& Lorenzo Bianchi Hoesch) (Single)
2024- Prelude to River of Paradise (L’Amour- When Paths Meet) (& Sami Yusuf) (Single)
Salif Keïta (Malí, 12 de agosto de 1949) es un reconocido cantante y compositor de pop conocido como «La Voz de Oro africana». Es descendiente directo del rey Sundiata Keita (1190-1255), quien fue fundador del Imperio de Malí. Es albino porque alguna mutación en los genes no le permite a su cuerpo generar la melanina necesaria para dar color a su piel, cabello y ojos.
Salif Keïta nació en una aldea llamada Djoliba (pronunciado [yolíba]), en el centro-suroeste del Sudán francés (colonia del Imperio francés entre 1879 y 1960), a 40 km al sudoeste de Bamako (capital de Malí), en el seno de una familia de descendientes del rey Sundiata Keïta, por lo que eran considerados nobles. Keita fue marginado por su familia y apartado de su sociedad por ser albino, signo de mala suerte en la cultura mandinga.
En 1984 Keita se trasladó a París para alcanzar una mayor audiencia. Su música combina ritmos tradicionales de África Occidental e influencias de Europa y América, a la vez que mantiene un estilo general de música islámica. A nivel instrumental también se ve reflejada esta combinación, con la inclusión de balafonos, yembés, koras, órganos, saxofones y sintetizadores.
Tener la piel blanca, sin el pigmento de protección, fue una condición que le incapacitó para trabajar en el campo, o en la pesca, tareas muy comunes en su tierra natal donde su mismo padre era agricultor. Por esta misma razón muchos albinos son marginados por su cultura e incluso por la propia familia. Entienden que tener un hijo albino es un signo de mala suerte y no comprenden cómo siendo el padre y la madre negros, su hijo nace con la piel blanca.
El propio Salif Keita recuerda que él también fue un marginado cuando era joven. Pese a todo, asistió a la escuela primaria y fue un alumno aventajado. Después empezó los estudios de Magisterio pero los tuvo que abandonar debido a otra de las consecuencias del albinismo: su reducida capacidad visual. Fue entonces cuando decidió dar los primeros pasos en la música que era, también, su gran vocación.
Pero ser griot (personaje cuya misión es cantar y contar la historia a través de la música), era una profesión reservada a otra casta, que no era la suya, pues él era un noble, al ser descendencia directa del emperador Sundiata Keita. Su padre no aprobó que se iniciara en la música y las desavenencias culminaron con el abandono del domicilio familiar, su marcha a Bamako y el inicio de una dura lucha por sobrevivir al mismo tiempo que daba los primeros pasos en la carrera musical. Por otro lado, el hecho de ser el primer negro albino que se convertía en músico y cantante, le ocasionó otro sinfín de contratiempos en su juventud e incluso más tarde.
Fruto del primer amor de juventud nació Sokhona, su hija mayor, negra no albina, que él llamaba Mama. Sus suegros se interpusieron y le rechazaron por ser albino y un músico incipiente con pocos recursos económicos. Le prohibieron todo contacto con su hija. Años más tarde, cuando Sokhona creció, inducida por su amor filial, buscó, encontró y reanudó la relación familiar con su padre. Salif Keita compuso y dedicó la canción «Mama» para Sokhona, en el día de la boda de esta.
Con Madina, su segunda pareja y primera esposa, tuvo a su hija Nantenin Keïta. También es albina y es una conocida atleta. Como tiene reducida su capacidad visual participa en paralímpicos. Es doble medalla de bronce en los Juegos Paralímpicos de Pekín 2008 y de Londres 2012. Salif y Madina tienen otros dos hijos en común: Sriman (hombre) y Assa (mujer) ambos negros, pero no albinos. De su segunda esposa, Maffi, tiene una hija, Nassira, que es negra no albina.
Ha triunfado en Europa como uno de los grandes cantantes africanos, aunque su obra haya sido criticada por su "tendencia al caos" y la improvisación musical. En la vida de Salif Keita, su carrera musical y sus actividades, están muy relacionadas con el albinismo y con su labor de concienciación social acerca de las dificultades y necesidades que tienen los albinos. Actualmente vive en Bamako, la capital de la República de Malí. Su casa está construida en Djataland, una pequeña isla de 6 hectáreas, de su propiedad, en el río Níger.
https://es.wikipedia.org/wiki/Salif_Ke%C3%AFta
1987 Soro (38:13)
1989 Ko-Yan (42:10)
1991 Amen (44:05)
1993 L'enfant Lion (& Steve Hillage) (50:28)
1994 69.80 (1:07:42)
1994 The Mansa Of Mali... A Retrospective (1:05:28)
1995 Folon ... The Past (56:21)
1996 Sosie (40:22)
1997 Seydou Bathili (49:31)
1999 Papa (51:42)
2001 Sosie (40:20)
2002 Moffou (59:21)
2004 The Best of Salif Keita - The Golden Voice (2:13:57)
2002 The Best Of The Early Years (1:16:03)
2004 Remixes from Moffou (1:16:30)
2005 M'Bemba (1:00:45)
2005 The Lost Album (& Kante Manfila) (53:34)
2010 La Difference (49:49)
2011 Anthology (1:11:50)
2012 Tale (50:26) 2018 Un autre blanc (54:36)
Jean-Michel André Jarre Pejot, más conocido como Jean-Michel Jarre (Lyon, Francia, 24 de agosto de 1948), es un compositor e intérprete francés de música electrónica. Posee relevancia internacional por sus conciertos multitudinarios celebrados al aire libre. Desde su debut en 1971 ha tocado diversos estilos musicales como, entre otros, el electro-rock y el ambient.1 Es hijo del destacado compositor francés de bandas sonoras Maurice Jarre.
Nace el 24 de agosto de 1948 en Lyon, Francia. Es hijo de la enfermera France Pejot y, del por entonces desconocido compositor de bandas sonoras, Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y Dead Poets Society, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influenciado por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de Jazz más popular de París, "Le Chat qui Pêche" donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.
Más adelante se integró al "Grupo de buscadores musicales de Goldeun", (Groupe de Recherches Musicales), liderado por el maestro Pierre Schaeffer, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier objeto, fuera o no un instrumento musical. Así experimentó en diversos frentes: su primera banda de rock, The Dustbins, donde era vocalista y guitarrista principal y con la cual logró cierta repercusión al aparecer en la película francesa Des garçons et des filles (1967). Sus inicios en la música electrónica se remontan a la etapa donde termina su instrucción en el GRM, tiempo en que compone y produce sus primeros singles: «La Cage / Erosmachine» «Hypnose» y «Happiness is a Sad Song»; posteriormente colaborando con otros artistas para variados proyectos musicales, como la creación de la Pop Corn Orchestra (1971), para interpretar el famoso tema «Popcorn» (cuya composición original de Gershon Kingsley sirvió de base para la creación de «Oxygene (Part 4)»); produciendo música para comerciales de televisión y películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo AOR.
https://es.wikipedia.org/wiki/Jean-Michel_Jarre
Albums
1976 - Oxygene
1978 - Equinoxe
1981 - Les Chants Magnetiques
1984 - Zoolook
1986 - Rendez-Vous
1988 - Revolutions
1990 - Waiting For Cousteau (En Attendant Cousteau)
1993 - Chronologie
1997 - Oxygene 7-13
1998 - Odyssey Through O2 (Revisited)
2000 - Metamorphoses
2002 - Sessions 2000
2003 - Geometry Of Love
2004 - Aero
2007 - Oxygene (Re-rec. & re-mix, New Master Recording)
2007 - Teo & Tea
2015 - Electronica 1 - The Time Machine
2016 - Electronica 2 - The Heart Of Noise
2016 - Oxygene 3
2018 - Equinoxe Infinity
2019 - Equinoxe Infinity Remix
2019 - Snapshots From EON
2021 - Amazonia
Remasters Masterdisk 1997
1976 - Oxygene
1978 - Equinoxe
1981 - Magnetic Fields
1982 - The Concerts In China
1984 - Zoolook
1986 - Rendez-Vous
1987 - Cities In Concert Houston-Lyon
1988 - Revolutions
1989 - Destination Docklands
1990 - En Attendant Cousteau
1991 - Images (The Best Of)
1993 - Chronologie
1994 - Hong Kong
Boxes
2016 - Oxygene Trilogy (40th Anniversary Edition, 3CD Box Set)
2017 - Original Album Classics (RM 5CD Box Set)
2018 - Original Album Classics (RM 5CD Box Set)
1982 - The Concerts In China (2014 New Mastering)
1987 - In Concert Lyon-Houston
1989 - Destination Docklands - The London Concert (Remastered)
1994 - Hong Kong - 2CD
2004 - Jarre In China
2005 - Solidarnosc Live (Live From Gdansk 2005)
2020 - Welcome To The Other Side (Concert From Virtual Notre-Dame)
Compilations
1983 - Musik Aus Zeit Und Raum (Digital Mastering)
1991 - Images (The Best Of) (Remastered)
1994 - Rarities
1995 - Jarremix (Digital Mastering)
1995 - Rarities 2
1997 - Rarities 3
2004 - The Essential
2011 - Essentials & Rarities (Ltd. Edition)
2015 - Essential Recollection (New Mastering)
2018 - Planet Jarre (50 Years Of Music)
Evángelos Odysséas Papathanassíou /eˈvaɲɟelos oðiˈseas papaθanaˈsi.u/, más conocido como Vangelis /vaɲˈɟelis/ (Volos, 29 de marzo de 1943), es un teclista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient, new age y rock progresivo.
Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982) y 1492: La conquista del paraíso (1992)
Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas o, más ampliamente, como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica que aconteció a mediados de los años 1970.
Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002). También ha compuesto para ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985) y The Beauty and the Beast (1986).
Ha desarrollado una carrera paralela como pintor, y ha realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático especialmente en su Grecia natal.
En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: el (6354) Vangelis.9
Albums
1972 - Fais Que Ton Reve Soit Plus Long Que La Nuit
1973 - Earth
1975 - Heaven And Hell
1976 - Albedo 0.39
1977 - Spiral
1978 - Beaubourg
1978 - Hypothesis
1978 - The Dragon
1979 - China
1980 - See You Later
1984 - Silent Portraits
1984 - Soil Festivities
1985 - Invisible Connections
1985 - Mask
1988 - Direct
1990 - The City
1995 - Voices
1996 - Oceanic
1998 - El Greco - A Tribute To El Greco
2001 - Mythodea
2002 - FIFA World Cup Official Anthem
2008 - Paris May 1968
2012 - Chariots Of Fire
2016 - Rosetta
2019 - Nocturne
2021 - Juno To Jupiter
Remasters
1975 - Vangelis - Heaven And Hell
1976 - Vangelis - Albedo 0.39
1977 - Vangelis - Spiral
1978 - Vangelis - Beaubourg
1988 - Vangelis - Direct
1991 - Jon & Vangelis - Page Of Life
Collaborations
1979 - Irene Papas & Vangelis - Odes
1986 - Irene Papas & Vangelis - Rapsodies
1996 - Neuronium & Vangelis - A Separate Affair
1996 - Vangelis With Stina Nordenstam - Ask The Mountains
Jon & Vangelis
1980 - Short Stories
1981 - The Friends Of Mr Cairo
1983 - Private Collection
1984 - The Best Of
1991 - Page Of Life
1991 - Wisdom Chain
1994 - Chronicles
OSTs
1973 - L'Apocalypse Des Animaux
1976 - La Fete Sauvage
1977 - Ignacio
1979 - Opera Sauvage
1981 - Chariots Of Fire
1982 - Missing (unofficial)
1983 - Antarctica
1992 - 1492 Conquest Of Paradise
1994 - Blade Runner
1995 - The Bounty
2002 - 1492 Conquest Of Paradise
2004 - Alexander
2007 - Blade Runner Trilogy, 25 Anniversary
2007 - El Greco
Compilations
1978 - The Best Of Vangelis
1989 - Themes
1991 - Greatest Hits 1975-1981
1992 - The Best Of Vangelis
1994 - Best In Space
1996 - Gift
1996 - Portraits
1996 - Sauvage Et Beau
1997 - Platinum
1997 - Themes 2
1999 - Reprise 1990-1999
2001 - Cosmos
2002 - The Best Of Vangelis
2003 - Odyssey
2006 - Sex Power + Poem Symphonique
Grabó cuatro discos con el sello Six Degrees Records, en los que Issa presta su voz y toca el kamele n´goni (un instrumento de seis cuerdas de África Occidental parecido al banjo) mientras Yves Wernert es el productor y teclista. Bagayogo mezcla la tradición de Malí con música pop occidental.
"Sya", grabado originalmente en 1998, es el primer disco con el sello Six Degrees Records. Fue todo un éxito en la música maliense y llegó a ser comparado con algunos de los grandes músicos de Malí, como Ali Farka Touré y Toumani Diabaté. El sonido nativo maliense es muy evidente pero las técnicas de producción electrónica también lo son. Hay un evidente temblor de danzas en esta colección de canciones. La fusión entre estilos musicales fue un enorme paso para Bagayogo porque le proporcionó un gran reconocimiento también en Europa. Durante la época de este disco, a Bagayogo se le dio el nombre de "Techno Issa", que es como ahora le llama la mayoría de malienses.
En 2002 aparece el segundo disco, titulado "Timbuktu" como la antigua ciudad de Malí. Bagayogo mantiene la tradición griot de cantar sobre temas como la tolerancia racial, el orgullo regional y el abuso de drogas entre la juventud. Continúa con su fusión de música africana con beats electrónicos.
En 2004, Bagayogo grabó su disco titulado "Tassoumakan", que significa "voz de fuego". También obtuvo un enorme éxito y las canciones están más estructuradas y son también más optimistas. También se pone especial atención en las voces femeninas de acompañamiento. Definitivamente, es el disco más sofisticado.
En 2008 aparece "Mali Koura", donde Issa Bagayogo incorpora trompas con inflexiones jazzísticas. Como músicos invitados, destacan el flautista Ba Diallo (músico del National Ensemble of Mali), el guitarrista francés Pascale Hubert (de Double Nelson), Adama Diarra al djembé y el guitarrista Mama Sissoko, con quien Issa trabajó .
Percusionista y cantante Arto Tunçboyaciyan nació el 4 de agosto de 1957 en Galateria, cerca de Estambul, hijo de un zapatero descendiente de una familia de origen de Armenia-Anatolia. La mayor y más hermosa influencia musical de su vida fue su hermano Onno Ohannes Tunçboyaciyan, famoso músico y compositor. Onno no fue únicamente su hermano sino su maestro, su amigo, su apoyo y el que animó a Arto a desarrollar su personalidad. A la edad de 11 años, comenzó su carrera interpretando y grabando música tradicional con su hermano estableciéndose como músico profesional a lo largo de Turquía y Europa. En 1981 Arto se trasladó a Estados Unidos para explorar nuevas influencias creativas y añadir una nueva dimensión a su propia visión de la vida. Aquí toco y grabó con muchos grandes músicos.
Comenzó una significativa cooperación con el laudista armenio Ara Dinkjian. En 1985 se fundó el cuarteto Night Arkliderado por Ara Dinkjian. Arto grabó el proyecto en dúo con él “Tears of Dignity” (1994) y “Onno” (1996), un homenaje a su hermano Onno que murió trágicamente en un accidente de aviación en 1996. Estas composiciones son una clara expresión de los sentimientos de Arto hacia su hermano. En 1988 se publicaron sus albúmenes en solitario “Virginland” y “Main Root”.
En 1997 “Aile Muhabbeti” se publicó en Turquía como la banda sonora de la película. Arto compuso los temas de este álbum con varios músicos turcos y armenios.
En 1998 fundó la Armenian Navy Band y creó una nueva expresión “The Avant-Garde Folk Music” que significa que sin perder las raíces de nuestra identidad, podemos enriquecer nuestra imaginación con nuestras propias experiencias.
En el 2000 se publicó “Every Day is a New Life”.
En el invierno de 2001 salió “Türke sözlü hafif anadolu müzigi” (música de Anatolia con palabras en turco), que Arto dedicó a sus amigos y fans de Anatolia. Junto con el pianista de la ANB Vahagn Hayrapetan sacó en el 2003 su primer trabajo en dúo “Love is not in your mind”, una muy personal declaración de amor dedicada a su madre. En febrero de 2005 Arto grabó su nuevo proyecto en solo “Artostan”, un viaje diario de través de sus muchas formas de su mundo de sonidos y todavía continúa su viaje musical con el mismo entusiasmo e ilusión defendiendo que si una persona es capaz de ilusionarse, siempre se mantendrá joven y en conexión con la realidad de la vida.
Uno de sus últimos proyectos es “Human Element”. En la tradición de Weather Report y el Syndicate de Joe Zawinul, grupos míticos que han influido en generaciones de músicos de todo el mundo, Human Element está compuesto por el teclista Scott Kinsey (Tribal Teeh), por Matheew Garrison al contrabajo eléctrico (Zawinul Syndicate, John Mclaughlins’s Heart of Things, Herbi Hancock), el percusionista y vocalista Arto Tunçboyaciyan (Al Di Meola’s World Sinfonia, Joe Zawinul, Marc Johnson’s Right Brain Patrol) y el bateria Gary Novak (Chick Corea’s Elektric Band), Human Element incorpora elementos de fusión, funk y melodías de folk armenio en una potente mezcla del siglo XXI de difícil catalogación.
La persistencia y dedicación a su trabajo le ha dotado de admiradores por todo el mundo. Su leyenda sigue creciendo sin conocer fronteras, color o religión. Recientemente ganó un premio Grammy por su contribución a las composiciones de “Miho: Journey to the Mountain “ interpretada por el Paul Winter Consort.
“La música es el mejor momento de mi vida. Yo no doy la dirección que debe tonar nadie. Te dejo imaginar por ti mismo, pero lo que trato de dar es Amor, Respeto, Verdad. Creo que esta es la forma más simple de la riqueza en este mundo por el camino de la confianza y esto es lo que necesitamos”.
The Armenian Navy Band
Ganadores del premio de la BBC de World Music “Planet Audience Award” en el 2006, la Armenian Navy Band fue fundada en 1998 por Arto Tunçboyaciyan, un compositor carismático, multi-instrumentista y cantante, también creador de la Avant-garde folk music.
Desde su infancia, la música ha sido el elemento fundamental en su vida. Como músico profesional empezó a tocar en 1968, desde entonces, ha intentado transmitir sus proclamados valores: Amor, Respeto y Confianza.
Su música ha recibido influencias lo suficientemente dispares como para resumir su sonido en un aglutinante término, avantgarde folk.
Con el propósito de hacer sus “sonidos del mundo” audibles de la forma que deseaba, Arto visitó Armenia. Allí encontró músicos entusiastas y abiertos de mente que pronto configuraron la Armenian Navy Band y difundieron la ideología de Amor, Respeto y Confianza en el mundo de la música.
En 1998 grabaron su primer álbum “Bzdik Zinvor”, es un grito sincero a la vida, a la naturaleza y al amor. Desde 1999 están regularmente girando en Europa. También en el 99 la Armenian Navy Band graba su segundo álbum “New Apricot”. En el 2001 en Estambul sacan otro de titulo “Light Anatolian Music with Turkish Words”, con letras en turco, que significa una hermosa y expresión única de experiencia de vida.
A finales de 2003, en el estudio de Yerevan, se crea la primera parte de un ambicioso proyecto musical llamado “Sound of Our Life – Part One: Natural Seeds”. Arto considera este álbum como su diario musical. Es una composición de una hora de duración para la Armenian Navy Band, coro y orquesta de cuerda, seguida de una segunda y tercera parte y probablemente de una cuarta.
En el 2004 grabaron un nuevo CD “How much is yours” que fue su primer álbum en Armenia. A principios del 2005 grabaron la banda sonora para la película de Robert Guédiguian “Le voyage en Armenie”. Armenian Navy Band colabora con el grupo de rap Paper Boys Intl., la banda del hijo de Arto Seto Setrack Tunçboyaciyan, y actualmente están en el estudio de grabación preparando el nuevo CD. Simultaneamente Armenian Navy Band está trabajando en “Sound of our life – part two (Ethnodispanser) y tambien sobre los nuevos CDs “Under your thoughts” y “Simple like Water Deep like Water”.
La música de la Armenian Navy Band son composiciones originales de Arto Tunçboyaciyan, que expresan el sonido de las pasadas generaciones junto con la vida contemporánea y la imaginación del futuro. Esto es lo que Arto define como “Avant-Garde Folk”. La Armenian Navy Band representa la síntesis de 38 años de viaje musical de Arto, su vida, experiencias y filosofía.
Subido por Marhali . Con dos álbumes ( Imarhan , en 2016, y Temet , en 2018) Imarhan (que en tamasheq significa "aquellos que se am...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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