Yael nació en Jerusalén en el seno de una familia con raíces en Argentina, Francia y Argelia. En su búsqueda de sus raíces y las influencias con las que creció, Yael pasó una larga temporada en el sur de España, donde se especializó en canto y desarrolló gradualmente su propio estilo musical.
En su obra, Yael logra crear una combinación original entre la singular poesía sefardí y la música mediterránea de su ciudad natal, Jerusalén. El resultado es una música original e innovadora que refleja el mundo multicultural de Yael y su vida entre países y culturas, envuelta en una rica y envolvente experiencia musical.
Su álbum debut, Latido, fue grabado en España con la participación de destacados músicos del sur de España y artistas israelíes. El disco incluye canciones originales compuestas por Yael, junto con temas flamencos tradicionales, así como versiones originales y sorprendentes de clásicos como "Ne me quitte pas" y "At Li Lila" de Boaz Sharabi.
1.
El tiempo vuela 03:47
2.
Cuando te miro 03:27
3.
Ne Me Quitte Pas 03:38
4.
Latido 03:46
5.
Shejarjoret 04:42
6.
Luna Flamenca 04:06
7.
At li laila 05:51
8.
Un Ramito De Violetas 04:31
9.
Solea de Triana 04:45
10.
Fin De Fiesta Por Bulerías 06:23
11.
Hasta El Final - New Single!!! 03:44
Tomen canciones de la Edad Media y preséntenlas con las voces celestiales de tres cantantes femeninas, junto con dos instrumentistas que fusionan géneros musicales: así nace el grupo Voxfire y su nuevo álbum, FONTIS, una fusión entre lo moderno y lo medieval, publicado por Orenda Records.
FONTIS representa una colaboración innovadora que se remonta a diez siglos atrás para reimaginar palabras y música de las capillas, iglesias, cortes y campos de España y Francia en la Edad Media, destacando las tecnologías e instrumentación actuales. El resultado es un viaje atemporal que permite a los oyentes disfrutar de la esencia de la música apasionada de hace casi un milenio, trasladada a un contexto musical contemporáneo y cercano.
Los miembros de Voxfire son las vocalistas fundadoras Samela Aird Beasom, Christen Herman y Susan Judy, además de los instrumentistas y arreglistas Nick DePinna y Ross Garren. En FONTIS, cada vocalista canta como solista en un par de temas, pero también canta al unísono o en armonía en otras piezas, además de aportar acompañamiento instrumental ocasionalmente (hay una pista instrumental). DePinna toca el trombón, el ukelele, el piano, el sintetizador, la percusión, procesa efectos en vivo y más. Garren toca el piano, la armónica, el piano eléctrico, el órgano, el sintetizador, el acordeón y otros instrumentos. El grupo cuenta con la participación de invitados especiales como Hitomi Oba en el saxofón y la flauta, Jens Kuross en la batería, Noah Meites en la trompeta y el fliscorno, y Mark Beasom en la percusión. FONTIS fue producido por Peter Rutenberg, ganador del premio Grammy®.
1.
Fontis 05:35
2.
Vella e mina 02:46
3.
Ondas 04:57
4.
Sen calar 04:50
5.
A chantar 05:24
6.
Laudemus I 05:34
7.
Esta montaña 04:18
8.
Laudemus II 03:49
9.
Polorum 03:17
10.
Rosa das rosas 04:52
11.
Ya viene 03:51
12.
Tu secreto 03:50
13.
Por deus 06:34
Josemaría Moure presenta el «Desarraigo» de un chileno radicado en Europa
Fusionando estilos, experiencias y la colaboración de destacados invitados, el músico y productor presenta su primer largaduración.
El músico y productor Josemaría Moure, acaba de cumplir 4 años radicado en Barcelona, entre sus estudios y la inserción en una sociedad multicultural nace “Desarraigo», su primer larga duración tras la publicación de sus EPs “La Torre” (2022) y “Asómate” (2014).
“En este disco logré una mayor cohesión sonora de todos los estilos que manejo junto a nuevos instrumentos y ritmos. Es un trabajo menos testimonial, que se aleja de la cantautoría tradicional, por lo que quise convertir cada canción en una historia y yo ser un cuenta cuentos”, comenta el músico.
Historias que surgen del distanciamiento geográfico y emocional, y que se nutren de una experiencia migratoria que lleva a una confluencia de mundos sonoros. Ahí la música de raíz, tanto ibérica como latinoamericana, se funden entre la guitarra, la zampoña, el acordeón, las panderetas, las castañuelas y la gaita gallega.
En “Desarraigo”, que contó con la mezcla y masterización de Claudius Rieth (Inti Illimani Histórico, Chico Trujillo, entre otros), colaboran amigos músicos de Josemaría. Entre ellos los nacionales Diego Lorenzini, I.O., el charanguista Fabián Durán, las percusionistas Magdalena Pacheco y Javiera Paredes. Todos ellos junto a la cantante y chelista austríaca Maggi Rust y el acordeonista catalán Blai Casals.
“Invité a Isidora (I.O.) y Maggi porque las admiro mucho y el chelo era un instrumento que quería incluir. Con respecto a la participación a Blai Casals en “Muiñeiras de Joanic” fue generar un vínculo entre Galicia, Cataluña y la música chilena/andina a cargo del charango de Fabián. Y en el caso de “Como una fogata”, la escribí queriendo hacer algo más fiestero, con menos prejuicio. Y Diego Lorenzini es un referente a la hora de jugar con la libertad al momento de crear”, cuenta Josemaría.
10 canciones que canalizan las vivencias del desarraigo, donde el músico homenajea a la distancia a sus seres queridos en “Álbum de Fotografías”, exorciza crueles recuerdos de infancia a través de “Feo” y rescata historias con tintes de realismo mágico en “La aldea se está quemando” y “Animita trasandina”.
1.
Desarraigo 04:09
2.
Animita Trasandina 03:02
3.
Álbum de Fotografías 03:13
4.
Feo 04:13
5.
Muiñeiras de Joanic (Matí-Tarda-Vespre) 04:29
6.
La aldea se está quemando 02:55
7.
No existe la hoja en blanco 02:49
8.
Como una fogata (feat. Diego Lorenzini) 03:41
9.
Todos tus nombres (Edmundo) (feat. I.O.) 03:11
10.
Diáspora 04:14
Mitsune es una banda japonesa de fusión folk con sede en Berlín, compuesta por miembros de Japón, Australia y Grecia. Su sonido fusiona el folk tradicional japonés con música psicodélica, cinematográfica y ritual, fusionando el folclore moderno con una mentalidad punk.
El alma de Mitsune es el Tsugaru shamisen, un laúd tradicional de tres cuerdas popularizado por músicos ciegos errantes del Japón antiguo. Mitsune honra y moderniza la tradición del shamisen, transmitiendo sus propias historias a través de este antiguo instrumento. Sus actuaciones en directo están llenas de energía pura, visuales decadentes y un toque de humor.
Desde su formación en 2018, Mitsune ha realizado numerosas actuaciones por toda Europa, compartiendo escenario con artistas como Hiatus Kaiyote y sorprendiendo al público en festivales de todo tipo, desde techno hasta folk. Su álbum debut fue elogiado por la revista Songlines como "constantemente excelente. Si necesitas una introducción contemporánea al mundo del Tsugaru shamisen, esta es la tuya". Su segundo álbum, Hazama, recibió elogios en Songlines y Rolling Stone, y fue nominado al premio de la Crítica Discográfica Alemana. Su tercer álbum está previsto para 2025.
Minyo Crusaders, un grupo de diez integrantes con sede en Tokio y apasionados fusionistas de canciones folclóricas japonesas, une fuerzas con Frente Cumbiero, la banda radical de cumbia colombiana, en Minyo Cumbiero, un lanzamiento colaborativo que fusiona antiguas canciones folclóricas japonesas con estilos colombianos de gran peso.
Grabado durante dos días en Bogotá en agosto de 2019, Minyo Cumbiero incluye versiones de una antigua melodía de rap japonés, un estándar de cumbia moderna y la canción principal de un videojuego chino de los años 80, y captura un emocionante intercambio entre dos grupos radicales y triunfantes. Japón y Colombia pueden ser opuestos culturales en diferentes partes del mundo, pero ambos países están repletos de música, y en este EP ambos grupos impulsan con estridencia sus respectivas culturas e historias musicales en nuevas y emocionantes direcciones con potentes secciones de viento, vibrantes líneas de bajo dub y desenfrenados polirritmos afrolatinos que crean ritmos carnavalescos.
1.
Mambonegro Dai Sakusen 03:41
2.
Cumbia del Monte Fuji 04:24
3.
Tora Joe 04:27
4.
Opekepe 03:19
sketchbook es un álbum de música clásica orquestal cinematográfica, third stream, neoclásica, y toques influenciales de un digital fusión ligeramente electrónico, que está tan bien llevado, y tan bien visionado, que no suena artificial, para nada, suena dentro de la misma naturaleza que escuchamos, que vemos en la dulce portada, y también nos transmite las líricas, los invitados, y la composición general de esta increíble unión de géneros
1.
blanket 01:34
2.
Lilypads 03:29
3.
Aethoro & Moon Jelly - Unravelling 05:08
4.
A City, Above the Clouds 05:41
5.
peony 03:19
6.
Pastime 03:11
7.
Windmill Festival 04:30
8.
Tidechase 04:29
9.
Sketchbook (feat. vally.exe) 06:35
Ginger Baker's Air Force fue un supergrupo de fusión de jazz-rock liderado por el baterista Ginger Baker .
La banda se formó a finales de 1969 tras la disolución de Blind Faith . La formación original estaba formada por Ginger Baker en la batería, Steve Winwood en el órgano y la voz, Ric Grech en el violín y el bajo, Jeanette Jacobs en la voz, Denny Laine en la guitarra y la voz, Phil Seamen en la batería, Alan White en la batería, Chris Wood en el saxo tenor y la flauta, Graham Bond en el saxo alto, Harold McNair en el saxo tenor y la flauta, y Remi Kabaka en la percusión. Sus primeros shows en vivo, en el Birmingham Town Hall en 1969 y el Royal Albert Hall , en 1970, también incluyeron a Eleanor Barooshian (tanto Jacobs como Barooshian eran ex miembros del grupo de chicas The Cake ).
Ginger Baker's Air Force 2 fue el segundo y último álbum de Ginger Baker's Air Force , lanzado en 1970. En Alemania , Australia y Nueva Zelanda fue lanzado con una lista de canciones diferente, incluidas canciones inéditas.
Este álbum fue grabado en un estudio, a diferencia del anterior, con una formación diferente de la banda, con Denny Laine , Harold McNair , Aliki Ashman y Ric Grech como "personal adicional". Graham Bond asumió las funciones vocales principales junto con Ginger Baker , Diane Stewart y Catherine James.
La portada del álbum fue diseñada para zurdos, es decir, con la portada delantera impresa en lo que tradicionalmente se consideraría la parte trasera y viceversa.
01. Let Me Ride (4:24)
02. Sweet Wine (3:37)
03. Do U No Hu Yor Phrenz R? (5:31)
04. We Free Kings (4:27)
05. I Don't Wan't To Go On Without You (3:56)
06. Toady (8:22)
07. Gates Of The City (8:15)
Toumani Diabaté (10 de agosto de 1965) es un músico maliense, intérprete de kora, cuya música ha logrado reconocimiento internacional. Como instrumentista es muy versátil, y no solo ejecuta piezas de música tradicional maliense, sino que ha participado en proyectos interculturales con músicos de flamenco, blues, jazz y otros estilos internacionales. Procede de una antigua familia de instrumentistas de kora. Su padre, Sidiki Diabaté, grabó el primer disco de kora de la historia en 1970.
Ha colaborado en proyectos con el grupo español de nuevo flamenco Ketama (Songhai I y Songhai II), con el bluesman Taj Mahal, la artista islandesa Björk, con el trombonista de jazz Roswell Rudd y con el guitarrista maliense Ali Farka Touré. https://es.wikipedia.org/wiki/Toumani_Diabat%C3%A9
Albums:
1987 Kaira
1988 Songhai (& Ketama, Danny Thompson)
1994 Songhai 2 (Ketama, Jose Soto)
1995 Djelika
1997 New Ancient Strings (with Ballake Sissoko)
1999 Kulanjan (& Taj Mahal)
1999 Live at Bremen (& Ballake Sissoko) Bootleg
2002 Mali Music (& Damon Albarn, Afel Bocoum And Friends)
2002 MALIcool (& Roswell Rudd)
2005 In the Heart of the Moon (& Ali Farka Toure)
2006 Boulevard de l'Independance (Toumani Diabate's Symmetric Orchestra)
2008 The Mande Variations
2009 Ali and Toumani (& Ali Farka Touré) (2010 Vinyl-rip)
2009 Ali and Toumani (& Ali Farka Touré)
2009 King of the Kora. An introduction
2012 A Curva Da Cintura (& Arnaldo Antunes, Egdard Scandurra)
2013 L'âme du Mali (Live au Festival de Liège, Belgique)
2014 Live at Bremen (& Sidiki Diabaté)
2014 Toumani & Sidiki (EP) (& Sidiki Diabate)
2014 Toumani & Sidiki (& Sidiki Diabaté)
2015 Live at WOMADelaide (& Sidiki Diabate)
2017 Lamomali (& Sidiki Diabate, Mathieu Chedid)
The Cat Empire es una banda australiana de jazz/funk, formada en Melbourne, Victoria , en 1999. Durante la mayor parte de la duración de la banda, los miembros principales fueron Felix Riebl (voz principal, percusión), Harry James Angus (trompeta, voz), Will Hull-Brown (batería), Jamshid "Jumps" Khadiwhala (giradiscos, percusión), Ollie McGill (teclados, coros) y Ryan Monro (bajo, coros). Monro se retiró de la banda en marzo de 2021, mientras que Angus, Hull-Brown y Khadiwhala se fueron en abril de 2022. A menudo se complementan con The Empire Horns, un dúo de metales compuesto por Ross Irwin (trompeta) y Kieran Conrau (trombón), entre otros. otros. Su sonido es una fusión de jazz, ska, funky rock con fuertes influencias latinas .
Steal The Light was our first fully independent worldwide release. It comes after more than ten years together, which saw us traverse the musical landscape to forge a signature sound that is all our own.
In many ways, this record is a return to our original aesthetic, a straightforward thing; that the music is for dancing and feeling good; and that the beat of the record belongs to all nations. It should make people smile, make people dance. That's all we want.
01. Brighter Than Gold
02. Prophets In The Sky
03. Steal The Light
04. Am I Wrong
05. Wild Animals
06. Still Young
07. Like A Drum
08. Open Up Your Face
09. Go
10. Sleep Won't Sleep
11. Don't Throw Your Hands Up
12. All Night Loud
A passion for exploration comes naturally to Xylouris White, the ruggedly visionary duo formed of Cretan lute player George Xylouris and Australian drummer Jim White. For their debut album, 2014’s Goats,
Xylouris White compared themselves to the titular animals, wandering
fearlessly through rough-hewn terrain. Two years later, they showed how
far their horizons could reach on 2016’s majestically expansive Black Peak, named after a mountain top in Crete.
Just 15 well-toured months later, the duo’s exploratory instincts drive them further onwards still on their third album, Mother, released 19th January on Bella Union, and named to denote “new life”. As Xylouris puts it, “Mother is the extension of Goats and Black Peak.
Three things, all part of a whole. Goats are mothers, Zeus was raised
on Amaltheia’s milk, Black Peak is Mother Earth… Mother Earth is the
mother of everything.” The duo have shared a first track from the album
titled “Only Love”, which is steaming HERE, while the album is available to preorder here.
Across Mother’s nine tracks, Xylouris White nurture
fecund growths from the spaces between their instruments. Sometimes the
songs drive with an invigorating urgency; sometimes they brood, plead,
yearn and lull. The duo seem to discover each other anew at every turn,
teasing the songs out from their fluid chemistry with the kind of
virtuosity that knows when to listen, accommodate and learn afresh. “A
theme of the album is the significance of simplicity and a child-like
approach,” Xylouris explains. “So, we connect mother and child and play
instruments as toys. Xylouris White is still gestating.”
That ongoing gestation is a remarkable extension of
already remarkable back-stories. Xylouris is a scion of one of Greece’s
most revered musical families. His father is legendary singer and lyra
player Psarantonis. Jim White, meanwhile, has commanded international
attention for more than two decades as part of Australia’s Dirty Three.
Now New York-based, White has often been called on to collaborate with
numerous alt-A-listers (including: Bonnie ‘Prince’ Billy, PJ Harvey, Cat
Power and Smog), where he redeploys the rolling momentum of free-jazz
to variously supple, sensitive and seismic ends. Most recently he
performed with Kurt Vile and Courtney Barnett on their acclaimed album
“Lotta Sea Lice”.
Album opener “In Medias Res” finds the duo already in
motion, feeling their way around one another, seeking out ways to bring a
song to full bloom. Proving they can also be thrillingly direct when
the mood takes them, “Only Love” follows with a brilliantly barrelling
sense of momentum, White’s powerhouse percussion urging Xylouris’s
liquid-fingered lute-playing and impassioned baritone on to increasing
heights of urgency.
From here, Xylouris White proceed as if by intuition,
feeling their way around new terrain. “Motorcycle Kondilies” is muscular
and epic, White’s rimshots providing on-alert accompaniment as
Xylouris’s reaching vocal and dancing lute lines build in intensity. If
the marching rhythm and pretty lute melody of “Spud’s Garden” highlights
the duo’s occasional elegant side, “Daphne” and “Achilles Heel”
showcase Xylouris White’s at their most hypnotic and brooding. “Woman
from Anogeia” hosts a particularly emotive vocal from Xylouris; “Call
and Response” is the duo at their freeform finest, circling each other
querulously, again teasing at possibility. Finally, resolution is
embraced openly on the tactile and reverberant “Lullaby”, as lovely a
track as any Xylouris White have birthed.
As on Black Peak, Mother’s labours benefited
from the midwifery of choice collaborators. Fugazi’s Guy Picciotto
produced once again. Also on hand this time was Anna Roberts-Gevalt of
old-time folk duo Anna & Elizabeth, whose earthy violin/viola lines
and exquisitely sighing vocals can be heard on the track “Lullaby”.
The result is an album of extraordinary accomplishment
from two supremely seasoned players who’ve kept a close kinship with the
richly, rewardingly inquisitive instincts of their youth. In Xylouris’s
words, “It’s the natural maturity of fruits as they ripen. As fruit
matures by the rhythm of nature, so the music grows at its own pace. So,
here are two maturing fruits giving the taste of their present maturity
– and they’re still children.”
1
In Medias Res
3:26 2
Only Love
3:30 3
Motorcycle Kondilies
7:15 4
Spud's Garden
3:53 5
Daphne
5:07 6
Achilles Heel
3:07 7
Woman From Anogeia
2:17 8
Call and Response
3:24 9
Lullaby
4:12
SUSSAN DEYHIM es una compositora, vocalista, artista de performance y activista iraní-estadounidense. Es conocida internacionalmente por crear un lenguaje sonoro y vocal único imbuido de un sentido de ritual y lo desconocido. Formó parte de la compañía nacional de ballet de Irán desde los trece años y viajó por todo Irán estudiando con maestros músicos y bailarines folclóricos. En 1976 se unió al Bejart Ballet en Europa después de recibir una beca para asistir a la escuela de artes escénicas Mudra de Bejarts, donde se formó en muchas de las grandes tradiciones del mundo, la danza, la música y el teatro, así como en el ballet clásico. Su música se mantiene fiel al espíritu de su antigua herencia mientras apunta hacia el futuro con una sensibilidad dramática muy personal y poética. En 1980, se mudó a Nueva York y se embarcó en una carrera polifacética que abarca música, teatro, danza, medios y cine. Creó/protagonizó innovadoras óperas mediáticas en La Mama en los años 80, incluidas Azax/Attra y The Ghost of Ibn Sabah.
1 City of Leaves 6:29
2 Tender Gaze 2:50
3 Glyphs on the Horizon 4:21
4 Dukebox 5:10
5 Searching for You 7:00
6 Fire Within 6:13
7 Autumn 1:02
8 Beshno Az Ney/Windfall 5:38
9 Secret Garden 4:48
Natacha Atlas nació en Bélgica, aunque sus antepasados provienen del oriente medio (Egipto, Palestina y Marruecos). Atlas se ha pasado la mitad de su vida viajando alrededor del mundo, viviendo en Bruselas, Egipto, Grecia e Inglaterra, lo que ha influido claramente su música. La primera noticia de Atlas en el mundo de la música fue como cantante de un club llamado !Loca¡, donde se introdujo en el círculo Jah Wobble, cantando y co-escribiendo para sus recién formados Invaders of the Heart. También conoció a Transglobal Underground, el colectivo multicultural londinense que se han convertido a la larga en visionarios del fenómeno \"world dance\" mezclando electronica, dub, hip-hop y funk con formas musicales provenientes de India, Africa y Oriente Medio. Natasha se convirtió en miembro de este cuarteto vocal, al pricipio como invitada en 1991, más tarde como cantante principal y bailarina del vientre (el verdadero raq sharki).
Mounqaliba es un álbum de 2010 de la cantante belga Natacha Atlas. Coproducido por Samy Bishai, se inspiró en los poemas del poeta indio Rabindranath Tagore. Además de las obras originales, también contiene versiones de las canciones de Françoise Hardy y Nick Drake.
1
Intro
0:56
2
Makaan
4:28
3
Matrah Interlude
1:01
4
Bada Al Fajr
2:01
5
Muwashah Ozkourini
3:44
6
River Man
5:40
7
Batkallim
5:58
8
Mounqaliba
3:40
9
Le cor, le vent
3:43
10
Direct Solutions Interlude
1:39
11
Lahazat Nashwa
3:05
12
La nuit est sur la ville
3:35
13
Fresco's Interlude
2:09
14
Ghoroub
2:25
15
Evening Interlude
1:09
16
Taalet
3:11
17
Egypt Interlude
2:13
18
Nafourat El Anwar
2:58
Yungchen Lhamo nació y creció en Lhasa, Tíbet. Su nombre, que se traduce como "Diosa de la melodía y la canción", le fue dado por un hombre santo al nacer. Cruzó las montañas del Himalaya hacia Dharamshala, India, para continuar su práctica espiritual budista. Yungchen se mudó a Australia donde comenzó a cantar oraciones de meditación que la inspiraron a crear su primer CD, Tibetan Prayer, que ganó el Premio de la Industria de la Grabación de Australia (ARIA) al mejor álbum de músicas del mundo en 1995.
Anton Batagov es un pianista y compositor posminimalista ruso. "Una de las figuras más significativas e inusuales de la música contemporánea rusa", según la edición rusa de 'Newsweek en 1997, Batagov es un influyente compositor.
"Tayatha" (una palabra sánscrita que significa literalmente "es así") es un diálogo impactante y meditativo entre la voz de Lhamo y las melodías de piano espaciosas y bien elegidas de Batagov. Haciendo referencia a su práctica compartida del budismo y su creencia compartida en el poder de la música para cambiar el mundo, Batagov y Lhamo crean música posminimalista que tiene un sentido de oferta.
1
Good Times Will Come
2
Medicine Buddha
3
Flying Dakini
4
Ungrateful Child
5
Your Kindness
6
White Palace
7
My Mother’s Words
Senyawa es una banda musical de género hardcore metal de Indonesia, formada en la isla de Java en el 2010. La banda está influenciada con la música folclórica de su país. El sonido neo-tribal de la banda ha sido descrito por mezclar una "actitud punk" con una "estética de vanguardia". Según los críticos, Senyawa ha logrado encarnar los sonidos de la música javanesa mientras exploraban el marco experimental de la práctica de la música, empujando los límites de ambas tradiciones, esto para crear un sonido completamente fuera de este mundo.
La banda ofrece sus técnicas vocales extendidas. Las líricas de la banda están interpretan en diversas lenguas de Indonesia, incluyendo como el sulawesian, el javanés y bahasa indonesio. La música de Senyawa está proporcionada por los instrumentos musicales de Suryadi, sobre la construcción propia hechas de bambú y herramientas agrícolas tradicionales de las áreas rurales.
Senyawa ha estado llevando a cabo ampliamente su música por el resto de Asia, Australia y Europa. Ellos han colaborado con músicos reconocidos como Lucas Abela, Yasuke Akai, Jon Sass, Damo Suzuki, Jerome Cooper, Keiji Haino, Melt Banana, Tatsuya Yoshida, Charles Cohen, David Shea y Kazu Ushihashi.
Senyawa - Brønshøj
"Brønshøj (Puncak)" se grabó en el almacén de Cejero en Brønshøj, Dinamarca, en 2015. Se lanza en una edición de 300 copias en vinilo negro en cubiertas de cartón invertidas con impresiones serigrafiadas a mano por el artista visual danés Kasper Lynge Jensen. Toda la música fue grabada y mezclado por Thomas Buhl-Wiggers, y masterizado por Rinus Hooning en Record Industry, Haarlem, Países Bajos 2015.
Alkisah Versi Hitam es una deconstrucción radical y una reimaginación del álbum más reciente del dúo indonesio Senyawa , Alkisah , del hamburgués Marc Richter , también conocido como Black To Comm . El álbum original fue lanzado con gran éxito de crítica como un lanzamiento descentralizado en una multitud de sellos discográficos de todos los rincones del mundo, siendo Dekorder de Alemania uno de ellos. Richter ahora está reinventando completamente el álbum original desde cero al hacer aquí un trabajo de producción casi al nivel de Teo Macero , cortando los originales y (re)construyendo material nuevo desde cero.
1.
Alkisah Suatu Negeri 01:43
2.
Kiamat Wahyu 04:45
3.
Anak-anak Darah 05:13
4.
Gendang Kiamat 02:15
5.
Bergegaslah 02:31
6.
Istana Cair 03:55
7.
Kekuatan Mengambang 04:29
8.
Suara Terasing 02:42
9.
Wahyu Suara Kekalahan 01:56
10.
Irama Cair 01:59
11.
Suara Yang Hancur 00:52
12.
Istana Suara 06:03
"John Berberian" es un virtuoso de Oud nacido en los Estados Unidos de padres inmigrantes armenios .
Su padre era un consumado intérprete de oud, así como fabricante de instrumentos, y los maestros de oud de herencia armenia , turca , árabe y griega frecuentaban la casa de su familia. John Berberian (sentado) y Souren Baronian alrededor de 1965.
Grabó por primera vez música tradicional oud con el violinista "Reuben Sarkisian" , cuando era estudiante en la Universidad de Columbia a mediados de la década de 1950.
"John Berberian" posteriormente grabó para una variedad de sellos como MGM , RCA , Roulette , Verve y Mainstream Records .
Se expandió más allá del mercado de la música étnica a mediados y finales de la década de 1960, décadas antes de que World Music se pusiera de moda, con una serie de LP que exploraban las fusiones entre la música tradicional del Medio Oriente , el Rock psicodélico y el Jazz .
Estos incluyeron "Expressions East" (1964), "Music of the Middle East" (1966) y "Middle Eastern Rock" (1969) con el guitarrista "Joe Beck" .
"John Berberian" se ha ganado el respeto de músicos de todo el mundo. Ha aparecido en numerosos conciertos y bailes en los EE . UU. , Canadá y América del Sur , y es uno de los pocos músicos en todo el mundo que reciben el título de Udi (maestro de Oud).
Ahora vive en Massachusetts y mantiene un calendario de actuaciones activo.
"Middle Eastern Rock" ( Verve FTS 3073 ) es uno de los álbumes "clásicos" que unen la música árabe clásica el laúd con música Rock , y más allá, es éste, en parte debido a la participación de "Joe Beck" y su guitarra ultra Fuzz .
"Joe Beck" hizo lo mismo por el flamenco con Sabicas alrededor de 1966, agregando habilidades de guitarra eléctrica, basadas en Blues y R&B , tratando de abrir un mundo y tender un puente con el otro.
john_berberian_middle_eastern_rock_oud_psychedelic_rocknroll_1969_armenian_Otros miembros fueron "Bill LaVorgna" en la batería, "Souren Baronian" en el gran saxo tenor, "Chet Amsterdam" en la guitarra "Fender Bass" , "Ed Brandon" en la guitarra rítmica y "Steve Pumilian" en dumbeg.
Pero además del excelente abridor Oud / Fuzz, la mayoría de las pistas, con algunos momentos más tranquilos y tranquilos, construyen rápidamente su ritmo a través de impulsos rítmicos (de 4/4 a 6/8 en las primeras pistas). Foto de prensa de John Berberian de la década de 1970 De las notas originales, tengo la siguiente información esencial: "The Oud and The Fuzz"es un sonido original que deriva de la tribu drusa del norte de África
-"Chem-O-Chem" es una canción armenia popular .
-6/8 es el ritmo tradicional de los bailes armenios .
-Esto cuenta con el vocalista principal "Bob Tashjian" .
-"Flying Hye" (con 'hye' refiriéndose a (volar) armenio ) comienza en 9/8 que cambia a 6/8, y tiene una melodía tomada de la forma de danza griega de Tsamiko .
-También "3/8 + 5/8 = 8/8" se refiere a cómo se pueden construir complejas melodías de Oriente Medio , basadas en la música clásica turca . Porque aquí, el 8/8 está roto le da a la pieza un impulso especial y también típico turco.
-"The magic ground" está basado en La menor (o Kurdi para la música árabe ), que despega en 2/4, luego se rompe en un swing.
RIPEADO DE VINILO A1 The Oud & The Fuzz (4/4)
6:25
A2 Tranquility (6/8)
6:25
A3 Chem-OO-Chem (6/8)
5:58
B1 Iron Maiden (2/4)
3:49
B2 Flying Hye (9/8)
6:02
B3 3/8+5/8=8/8
5:12
B4 The Magic Ground (2/4)
4:25
Grace Yoon
Nacida en Pusan / Corea, llegó a los Estados Unidos en 1966, estudió en la London Art Academy de 1969 a 1974 y ha estado trabajando en Alemania como artista de performance, actriz y directora desde 1975. Desde 1991 audio art, autor y director de obras de teatro y reportajes radiofónicos. Desde 2015 profesor en el departamento de medios de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Düsseldorf.
Iris Disse
Disse nació en Lüneburg en 1956 como hija de un consejero y un maestro y creció en Lüdenscheid en Sauerland. Estudió filosofía, política e historia del arte en la Universidad Ludwig Maximilians de Munich y luego se formó como actriz y directora. En Munich fundó la Disse-Gries Companie DGC con Gero Gries y representó diversas obras de teatro en Munich, Berlín, Hamburgo y Viena, entre otros. Las piezas escenificadas incluyeron el estreno alemán de Pier Paolo Pasolini Orgia para el teatro de verano de Kampnagel. Además de los teatros, representó repetidamente sus obras en fábricas.
Además, Disse trabajó como actriz en varias películas de cine y televisión, entre ellas Tatort: Moltke , dirigida por Hajo Gies . A principios de la década de 1990, Disse trabajó como directora artística de Werkheater Wedding y, junto a su socio David Höner, desarrollaron un concepto de performance multimedia en 1993, Pirates of the Voice , con el que recorrieron varios países en los años siguientes, cada uno tiempo junto con artistas y músicos de los respectivos países trabajaron juntos.
En 1991 Iris Disse comenzó a trabajar intensamente con el arte de escuchar. En 1993 recibió el Premio BBC del Prix Futura junto con Sainkho Namtchylak y Grace Yoon por la obra de radio Tunguska-Guska , una producción de la Radio Bávara .
Sainkho Namtchylak
es una cantante experimental, nacida en 1957 en un pueblo aislado en el sur de Tuvá. Experta en canto de armónicos, su música abarca avant-jazz, electrónica, composición moderna e influencias propias de su lugar de origen. En Tuvá chocan numerosas influencias culturales: las raíces turcas que comparte con Mongolia, los uigures de Xinjiang y los estados de Asia Central, diversos grupos étnicos nómadas de Siberia, principalmente influencias del grupo de Tunguska-Manchu, los viejos creyentes rusos, las poblaciones migrantes de Ucrania, Tatarstán y otros grupos minoritarios del oeste de los Urales. Todos estos grupos, influencian en Sainkho, aunque mayormente dominan las de Siberia: su tesis producida durante sus estudios vocales, primero en la Universidad de Kyzyl, y luego en el Instituto Gnesins en Moscú durante la década de 1980, la cual se centró en el estudio de música lamaísta y de culto de grupos minoritarios de Siberia, y su música con frecuencia muestra una tendencia a imitar el estilo de canto Tungus.
1 Siiibiiiriiien 4:43
2 Aidys 4:42
3 Ivengi 6:44
4 Agu Kara Khan 3:39
5 Ra-Re-Ra-Hu 2:55
6 Countdown 6:43
7 Rabenbrot 9:42
8 Boa-Boa 6:02
9 Radio im Radio 4:57
10 Sehnsucht 2:53
Klazz Brothers es un grupo musical formado en 1999 por dos hermanos (Brothers en inglés) músicos alemanes, Tobias Forster (piano) y Kilian Forster (contrabajo en la Orquesta Estatal Sajona de Dresde y la Orquesta Filarmónica de Jazz de Dresde), con Tim Hahn (batería). La palabra Klazz es una mezcla de las palabras Klassik (del alemán 'clásico') y jazz.
Durante un viaje a Cuba, se enamoraron de la música cubana. De su encuentro con músicos de Compay Segundo, tuvieron la idea de combinar su música con ritmos cubanos, y grabaron con dos músicos de estudio, Alexis Herrera Estévez (timbales) y Elio Rodríguez Luis (congas), bajo el nombre Klazz Brothers & Cuba Percussion. https://es.wikipedia.org/wiki/Klazz_Brothers_%26_Cuba_Percussion
01. Mambozart (Mozart, Symphony No. 40) (5:03) 02. Cuban Dance (Brahms, Hungarian Dance) (5:24) 03. Danzon De La Trucha (Schubert, Trout Quintet) (3:54) 04. Preludio (Bach, Cello Suite No. 1) (1:59) 05. Afrolise (Beethoven, 'Für Elise') (4:54) 06. Air (Bach, Air) (5:48) 07. Pathétique I (Beethoven, Piano Sonata No. 8 'Pathéthique') (3:21) 08. Pathétique II (Beethoven, Piano Sonata No. 8 'Pathéthique') (5:06) 09. Pathétique III (Beethoven, Piano Sonata No. 8 'Pathéthique') (3:39) 10. Salsa No. V (Beethoven, Symphony No. 5) (5:11) 11. Czardas (Monti, Czàrdás) (6:52) 12. Étude (Chopin, Etude Op. 10, No. 3) (4:59) 13. Carmen Cubana (Bizet, Carmen Suite) (3:34) 14. Flight of the Bumble Bee (Rimsky-Korsakov, Flight of the Bumble Bee) (1:50) 15. Guten Abend (Brahms, Guten Abend-Gute Nacht) (3:52) 16. Anthem (Haydn, 'Emperor'Kaiser-Quartet) (5:09)
Wimme Saari (also known as just Wimme, b. 1959, Kelottijärvi, Enontekiö) is a Finnish Sami yoiker.[1] Wimme Saari combines traditional Sami singing with his own improvisations, usually to a techno-ambient accompaniment by members of Finnish electronic group RinneRadio. Wimme has also appeared on the albums of other bands or musicians, for instance Hedningarna, Nits or Hector Zazou.
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Wimme - Wimme
Esta es la grabación de debut de Wimme Saari, un jojkker sami. Estos indígenas finlandeses son conocidos por su canto distintivo. RinneRadio de Finlandia se une a Saari y teje sonidos ambientales y ambientales alrededor de sus jojks. El resultado es hermoso, extraño e inolvidable. Wimme raspa cánticos antiguos e imita sonidos de animales para crear un atlas e historia de paisajes sonoros escandinavos.
1. Duoldi ája / Boiling Spring
2. Alit guoldu / Blue Drift
3. Bájan riegáda / Thunder Is Born
4. Lodderáidaras / Milky Way
5. Jusse-vilba / Cousin Jusse
6. Boaimmás / Rough-legged Buzzard
7. Dievas mánnu / Full Moon
8. Domná
9. Bieggajorri / Weathervane
10. Mierká / Fog
11. Iditidja / 5 am
12. Álmái / Strong
Si bien parte del material aquí, como "Texas", tiene un toque más tecno, mucho lleva el estilo de Wimme al límite. "Eallima Bárut", por ejemplo, es verdaderamente una cosa de jirones y parches, pero absolutamente fascinante, como los tonos inquietantes del joikflotar sobre los bocetos de la música. Es mágico y místico, y va más allá de lo que puede hacer, nada malo. Aquí también hay belleza, especialmente en el inquietante corte final, "Agálas Johtin". Pero con su implacable experimentalismo, Cugu ofrece el trabajo más satisfactorio y realizado de Wimme hasta la fecha.
1 Eallima Bárut -Waves Of Life
2 Silbabiedju - Silver Cave
3 Cugu - Puppy
4 Nággu - Argument
5 Mii Leat - We Are
6 Texas
7 Dierpmesbákti - The Rock Of The Thunder God
8 Bambumiehta - Bamboo Honey
9 Baksamat - Lips
10 Suoldni - Dew
11 Rehálaš - Honest
12 Agálaš Johtin - The Eternal Journey
HYPNOPHONIC es el tercer álbum de estudio de Al Jawala. Contra la corriente predominante, Al Jawala se ha mantenido fiel a su amor por los sonidos orientales y brilla aún más intensamente que nunca. El viaje se está volviendo más interesante que nunca. No es un secreto que puedes tener una gran fiesta en Balkan Beats. Pero lo que Al Jawala está elaborando en HYPNOPHONIC empuja los límites en una dirección completamente nueva. Puede resumirse mejor con el término "profundidad". La bailabilidad todavía se mantiene alta, pero en una nueva dimensión, algo relajada, oscura, hipnótica y anclada unos niveles más profundos.
Los músicos se hicieron cargo de la producción ellos mismos esta vez. Relajados y con mucho tiempo, la banda grabó en su propia sala de ensayo con suficiente espacio para aventuras y suficiente paz para resistir las innecesarias tentaciones del estudio. Así, han logrado capturar una especie de magia musical que normalmente solo se puede invocar en directo en el escenario.
El álbum fue mezclado y masterizado por Vicente Celi en Phlexton Studios Berlin. Con él, Äl Jawala encontró un cómplice perfecto para realizar sus visiones sonoras. El espectro en HYPNOPHONIC es enorme: desde terroso y pesado en "¿Qué te importa?" al delirante torbellino de alta velocidad "Dancefloor Dervish". Lo que conecta las canciones en toda su amplia gama es el flujo de conducción, similar al trance, que se puede rastrear como un hilo dorado a lo largo del álbum.
A diferencia de los álbumes anteriores que se han mantenido principalmente instrumentales, Al Jawala presenta ahora un buen número de cantantes invitados: Flo Mega (Bremen, Alemania), Bayan Faroun (Jerusalén / Palestina), Mamoudou Doumbouya (Conakry, Guinea) y el misterioso Rukie. . Otra sorpresa también está reservada para el oyente: ¡la saxofonista de Al Jawala, Steffi Schimmer, también aparece como cantante! Además, un punto culminante experimental es la canción "Be Anybody", con doce vocalistas entrelazados y cantando por turnos.
1 Wake up
2 Al Bint El Chalabia
3 Road to Eldorado
4 Voodoo Rag
5 Heart Overload
6 Satellite
7 Dancefloor Dervish
8 What do you care?
9 Intergalactic Medusa
10 Djanto
11 Be Anybody
12 Circles
Un cóctel explosivo con groove llega directamente de Freiburg (Alemania)
haciendo caer y eclipsar las barreras culturales. Los integrantes de Äl Jawala
elaboran minuciosamente una mezcla musical efervescente, burbujeante y cobriza
de origen balcánica.
Äl Jawala transfiere los sonidos del « brass Balcánico » y de la música de los «
Roms » a los ritmos de la cultura club urbana. La música oriental se fusiona con
una buena bocanada de funk y las melodías tradicionales se combinan con ritmos
festivos y breakbeats.
"Agradable, fogoso, fascinante, abierto para el mundo, técnicamente apasionante
y sin embargo acesible a todos! Un grupo que dejará sin duda a cualquier sala en
ebullición" escribe Drums & Percussions
Durante el « Créole » Awards Alemán que recompensa las musicas étnicas, el
primer premio del público y el primer premio del jurado internacional les fueron
concedidos en 2007.
Äl Jawala es tambien desde muchos años un invitado frecuente de las famosas
fiestas «Bucovina Club» animadas por Dj Shantel.
El término Äl Jawala, en árabe, hace referencia a los viajeros y Gitanos. Con su
música esta banda atraviesa el espacio y el tiempo, trasladando el alma de la
fanfarria zíngara a la pista de baile.
Es en Europa del Este, concretamente en Rumania, donde se encuentran las raíces
más antiguas de este sonido tan específico. Äl Jawala fue reconocido como el
grupo renovador y reformador de la música « Rom » y del estilo « Manele» tan
apreciado y al mismo tiempo controvertido. Es de aquí que viene el título del
penúltimo disco « Lost in Manele », editado en julio del 2007.
1 Cezar's 4:14
2 Asphalt Pirates 4:17
3 Asphalt Radio 0:31
4 Better Go Run 4:07
5 Borderbounce 4:06
6 Asphalt Radio 0:24
7 Most Wanted 4:08
8 Ich Liebe Didge 5:36
9 Poznash 4:05
10 Asphalt Radio 0:35
11 Another Dance 4:35
12 Heymischer Bulgar 3:49
13 Play It Right Gangzta! 3:52
14 Toulouse Groove 4:40
15 Asphalt Radio 0:51
16 Black Sea Jam 6:07
Nêgah Santos is a Brazilian-American percussionist, singer, and composer based in New York City whose work bridges Brazilian and Latin t...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
Si alguna vez no puedes entrar en el blog GPS-SONORO ,apuntate el siguiente blog para no despistarte.(SOLO SE ABRIRA EL BLOG SI CIERRAN GPS)
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