Las melodías se asemejan a una caja de música. Sin embargo, lo que escuchamos es inconfundible: puros Beatles. Esta es la propuesta de UAKTI, grupo minero de música instrumental hecha por los músicos Marco Antônio Guimarães, Artur Andrés Ribeiro, Decio Ramos y Paulo Sergio Santos.
Hay 16 canciones con arreglos cuidadosamente preparados por Uakti clásicos como "Lucy in the Sky with Diamonds", "Eleanor Rigby", "With a Little Help from My Friends", "Come Together", "Here Comes the Sun".
"Hemos abierto una nueva ventana, otra forma de ver el repertorio de los Beatles.
01 – Mother Nature’s Son
02 – Get Back
03 – A Day in the Life
04 – With a Little Help From My Friends
05 – Lucy in the Sky with Diamonds
06 – Julia
07 – Come Together
08 – Here Comes the Sun
09 – Dig a Pony
10 – Across the Universe
11 – For No One
12 – She’s Leaving Home
13 – Eleanor Rigby
14 – Golden Slumbers
15 – Ob-La-Di, Ob-La-Da
16 – Something
Marc-André Hamelin's Hyperion disc in a state of jazz is not an example of a classical pianist letting his hair down, nor attempting to fuse jazz with classical music, or to create something a tad more commercial than, say, an album of Tausig transcriptions. This collection features works by four classical pianist/composers -- Friedrich Gulda, Nikolai Kapustin, Alexis Weissenberg, and George Antheil -- that fashioned piano music "in a state of jazz," though in fully notated form. The one exception to the rule is Alexis Weissenberg's Six arrangements of songs sung by Charles Trenet, which first appeared on a 45rpm record in the 1950s credited to "Mr. Nobody." This was Weissenberg, who was attempting to protect his career as a classical piano virtuoso through hiding under this made-up name; he did not write down these arrangements, and Hamelin has transcribed them from the record himself. Weissenberg's impulses were correct; had he released his jazz music under his own name it very well could have wrecked his career; Viennese composer Friedrich Gulda made major strides toward breaking down such barriers, and his work is represented through three exercises from his pedagogical collection Play Piano Play (1971) and a Prelude and Fugue (1965).
'Played with such
astounding agility and aplomb that you end up mesmerised by virtually
every bar. Indeed, it is no exaggeration to say that no other pianist
could approach Hamelin in such music. Notes pour and cascade like
diamonds from his fingers and he has an inborn flair for the music's
wild, free-wheeling melodies and rhythms, for its glittering whimsy and
caprice … superbly presented and recorded, this is a special addition to
Hamelin's towering and unique discography' (Gramophone)
'Although this
fine recording is entitled 'In a state of jazz' it includes no true
jazz—every note is written down—but for all that it bursts with the
daring vitality that is the hallmark of the best improvised music' (The
Observer)
'The Canadian
pianist Marc-André Hamelin possesses one of those musical brains that
spark with maddening brilliance in whatever direction takes his fancy …
it's hard to believe Hamelin didn't grow up within earshot of some
dubious jazz haunt in New Orleans or Harlem … as Hamelin explains in his
enjoyably lucid booklet notes, Gulda's astonishing pianistic pedigree
deserves to be seen in a far wider context … Hamelin's evocations of
these are wonderfully whimsical yet as crisp as celery. The syncopations
'sit' so comfortably under his fingers—exactly the right balance
between ambition and restraint, warmth and edge—a pretty rare commodity
in the performance of classical repertoire, let alone jazz-inspired
music … this is a lovely, lovely disc; I highly recommend it'
(International Record Review)
'Hamelin plays
with such dexterous panache that he puts back much of the heat that the
formalisation of jazz as 'composition' removes … dazzling and
enchanting' (Classic FM Magazine)
'Nikolai Kapustin's remarkable Sonata No 2 is a convincing integration of classical form with jazz. Alexis Weissenberg's Sonate en état de Jazz,
which evokes tango, Charleston, blues and samba in its four movements,
is more idiosyncratic but no less dazzling' (The Scotsman)
'What an
imaginative program Marc-André Hamelin has assembled: jazz-inspired
works that are virtuosic like nobody's business and totally fun to
listen to … technically, of course, Hamelin is beyond reproach … he's a
serious contender for the first word in piano playing' (Classics Today)
1. Exercise No. 1 from Play Piano Play (Freiderich Gulda) 2. Allegro molto (Sonata No. 2, Op. 54 - Nikolai Kapustin) 3. Scherzo: Allegro assai 4. Largo - Allegro 5. Allegro vivace 6. Exercise No. 4 from Play Piano Play -Allegro ma non troppo (Gulda) 7. Evocation d'un tango (Sonata in a state of jazz- Alexis Weissenberg) 8. Remininscence d'un charleston 9. Reflets d'un blues 10. Provocation de samba 11. Exercise No 5 from Play Piano Play- Moderato poco mosso (Gulda) 12. Prelude and Fugue (Gulda) 13. Coin de rue (6 arrangements of songs sung by Charles Trenet - Alexxis Weissenberg) 14. Vous oubliez votre cheval (Trenet and Brachlianoff) 15. En Avril a Paris (Trenet and Eiger) 16. Boum ! (Trenet) 17. Vous qui passez sans me voir (Hess & Misraki) 18. Menilmontant (Trenet) 19. Jazz Sonata - (George Antheil)
Raúl di Blasio (n. 14 de noviembre de 1949) es un pianista argentino, originario de la localidad de Zapala, provincia de Neuquén, Argentina.
Siendo un chico de ocho años se mostró de repente interesado en tocar piano, al grado de cuando sus padres le preguntaron si él quería estudiar música, él no dudó en responder afirmativamente.
Durante un lapso de cuatro años empezó a practicar en los pianos de sus maestros, reconociendo lo difícil que era conseguir un piano decente. Mientras experimentaba y tocaba con los diferentes sonidos en el piano, Raúl silbaba con su padre, lo que le estimulaba a tocar nuevas melodías en el piano.
Ese fue el comienzo del famoso pianista Raúl di Blasio, que aunque él afirma que ha sido formado con la técnica clásica, le gusta de igual manera tocar música popular. Di Blasio admite que a la edad de diecisiete formó parte del movimiento de rock que surgía del fenómeno de Los Beatles, pero sus padres le instaron a ir a la Universidad y hacer una verdadera carrera en su vida.
Pero su siguiente escalón fue salir de su pueblo natal y trasladarse a Buenos Aires, donde a la edad de veinte empezó a practicar el piano por doce horas diarias, a lo que él comenta “Sentía las alas en mis dedos”.
Él se considera a sí mismo una persona que constantemente necesita de cambios en su vida. A la edad de 27, sabiendo que algo pasaba con su personalidad ahora con más energía e hiperactividad, decidió mudarse a Chile, en donde decidió tocar piano con música clásica, tradicional y rock. Para aquel entonces ya componía sus propias melodías y trabajaba como pianista en un bar y aunque confesara que lo hacía para sobrevivir, estaba feliz con lo que hacía. En Viña del Mar llegó a tocar para artistas como Rocío Dúrcal o Julio Iglesias.
Dos años después alguien le sugirió producir un disco, el cual él logró realizar con sus propios recursos. Sin embargo, esta primera producción no tuvo el éxito esperado, a pesar de haber contenido temas de grandes artistas como Roberto Carlos, José Luis Perales, entre otros. Afortunadamente para Di Blasio, un productor de la casa discográfica BCS-S en Chile le sugirió un segundo álbum, en el cual, aparte de música tradicional y clásica, se incluyó música latinoamericana, como la gran melodía Piano de Bebu Silvetti, de quien se declara gran admirador y una de las personas más influyentes en su vida.
En 1984, Raúl di Blasio tomó la decisión de hacer del piano su compañero de vida. Un año más tarde, grabaría la versión instrumental del Himno de la VI Teletón, que interpreta Fernando Ubiergo.
Conocido como "El piano de América" desde 1988, apelativo surgido tras la entrevista realizada por la periodista Mayra Vargas para Prensa Libre de Guatemala de acuerdo a declaraciones del artista a dicho diario y que él usaría como título para un disco dos años después.
En 1997 participa en el tema "después de ti... qué?", a dúo con el famoso cantante mexicano Cristian Castro, unos años después se filmó el videoclip, en que se apreciaba a Raúl tocando el piano.
Ha tocado a lado de artistas como Rocío Dúrcal, José José, Julio Iglesias, Juan Gabriel, Marco Antonio Solís, Armando Manzanero, Carlos Cuevas, Richard Clayderman, Luis Jara entre otros. En 2001, El Consorcio le acompañó en cinco temas del material titulado Di Blasio–Gardel https://es.wikipedia.org/wiki/Ra%C3%BAl_di_Blasio
1. Volviendo a casa (4:30)
2. Piano Caribe (4:50)
3. Melissa (4:33)
4. El retrato de Silvia (6:38)
5. Gitano (3:46)
6. Corazón de niño (3:42)
7. Rosalinda (5:44)
8. Maria (3:52)
9. Medley: En tiempo de amor (10:11)
Taksim Trío es un sublime ejemplo de lo que sucede cuando la idea de tres almas afines se mezclan y se funden en uno. Con tres de los maestros instrumentistas mas admirados de Turkia. Taksim Trío está formado por Husnu Senlendirici en el clarinete, Ismail Tunçbilek sobre la baglama y Aytaç Dogan sobre la quanun.
Danzan entre los diferentes estilos musicales como el tradicional, arabescos, jazz y vanguardia es cuando los músicos emerge con su propio sonido.
Algunas de las obras en el álbum incluyen fraseos de la música que suena familiar y, sin embargo, diferente, como la actualización de melodías de los músicos que han recogido en sus viajes a fin de reflejar su propia identidad musical.
Tal vez la razón por la cual Taksim Trío es el vehículo perfecto para estos virtuosos para mostrar su carácter se debe a que los músicos tienen una comprensión innata de sus instrumentos, que sale a la luz a través de sus inventivas improvisaciones, o "taksims".
Este honesto y convincente álbum transmite el hecho innegable de que para estos músicos la música es sagrada. Taksim Trío es un album destinado a filtrarse en la mente del oyente a lo largo del tiempo.
Tracks
1. Biçare.
2. Gözüm.
3. Baglama solo.
4. Derdin ne.
5. Güle yel degdi.
6. Klarnet solo.
7. Gitti de gitti.
8. Kanum solo.
9. Beladiim.
10. Usak oyun havasi.
11. Muhayyer kürdi saz semaisi.
De Bach a Bowie, desde la costa este a la costa oeste, los teclados de piano a los teclados de ordenador, Mike Garson ha trabajado para hacer del mundo un lugar más creativo, compasivo y convincente. Él sigue siendo un hombre de muchos talentos y de inspiración sin límites. Ningún medio artístico esta fuera del alcance de esta vanguardista persona a la que la palabra "no" se transforma rápidamente en la palabra "ahora".
Mejor conocido por sus impresionantes habilidades como pianista, es un respetado compositor y un artista en evolución. Abrazando la idea del "hombre del Renacimiento," Mike continuamente experimenta con nuevas formas a través del cual se puede comunicar sus ideales humanistas y esperanzas para el mundo en el que vive.
En su juventud, Mike estudió composición clásica con Leonard Eisner de Juilliard y obtuvo títulos en Música y Educación de la Universidad de Brooklyn. También estudió con Bill Evans, Herbie Hancock, Hal Overton, Robert Starer y Lennie Tristano. Ha tocado con Stanley Clarke, Elvin Jones, Lee Konitz, Stan Getz y Freddie Hubbard.
Jim Walker, profesor de instrumentos de viento y percusión, se graduó con honores en la Universidad de Louisville y pasó a tocar en la banda de la Academia Militar de West Point. Posteriormente estudió con Harold Bennett y finalmente ganó la posición de flautista principal con la Sinfónica de Pittsburgh en 1969. Ocho años más tarde se convirtió en flautista con la Filarmónica de Los Ángeles y comenzó a trabajar simultáneamente en los estudios de grabación para las sesiones de jazz / pop, la televisión y el movimiento fotos y se pueden escuchar en más de 600 pistas de sonido. En 2002 trabajó con Paul McCartney en los premios de la Academia. En 1980, el Sr. Walker formó vuelo libre, un clásico cuarteto de jazz, lo que resultó en cuatro apariciones en Tonight Show, 16 grabaciones y visitas anuales.
Es miembro de la Junta de Asesores SmartMusic, un artista de ejecución Burkart y un gran maestro de la Sinfoníca del Nuevo Mundo. Sus conjuntos de flauta y cuartetos se publican y venden a través de la Flute World y él es el escritor / creador de la serie del artista joven para flauta (Alfred Music Publishing). Sr. Walker fundó la anual Beyond the Masterclass en 2007 y sus estudiantes sostienen numerosas posiciones en orquestas de todo el mundo. Además de ser el coordinador de la flauta en la Escuela Thornton, el Sr. Walker viaja extensamente dando clases magistrales en todo el mundo.
Jim Walker: flute Mike Garson: piano Jim Lacefield: cello (4, 11)
01. Portrait of a Friend 6:18
02. Love 3:22
03. First Song 3:00
04. Waltz Of The Arts 2:00
05. Ethereal 1:36
06. Yearnings 2:22
07. Syrinx-Solo Flute 2:25
08. Pied Piper 4:01
09. The Park 3:06
10. Magic Spell 2:00
11. Homecoming 1:51
12. You're One of a Kind 2:16
13. Reflections 2:36
14. Reason 4:08
15. Admiration 6:51
Posiblemente el contrabajista más asombroso en el mundo, Renaud García-Fons es conocido por su virtuosismo apabullante, su sentido melódico mediterráneo y su sonido con arco parecido a una viola. Antiguo estudiante particular del legendario bajista sirio François Rabbath, García-Fons no sólo se encuentra bajo la inflluencia del jazz y la música clásica, sino también del flamenco, del nuevo musette, del tango, de las tradicionales celtas, Andaluzas, africanas, latinoamericanas, árabes e indias. Su arte único condujo a muchas excitantes y acertadas colaboraciones con otros músicos de mente abierta como Rabih Abou-Khalil, Michael Riessler, Dhafer Youssef, Nguyên Lê, Gérard Marais, Pedro Soler, Cheb Mami y Michel Godard.
García-Fons nació en la región parisina en 1962 en una casa artística. Siendo de origen catalán, la afinidad de García-Fons por la cultura española y oriental es comprensible. A principios de los años 80 se matriculó en el Conservatoire de la Ville de Paris, donde estudió con Jean-Pierre Logerrot. A partir de 1987 y hasta 1993 fue parte del único conjunto de bajistas francés L’Orchestre de Contrebasses antes del comienzo de su tour como un solista que condujo a la emancipación plena de su instrumento. “He desarrollado una nueva lengua para él”, dice Garcia-Fons, “parece ser en algún momento, una guitarra española por el tipo de rasgueo, luego sonando como un guembri, el bajo de los beréberes, o de nuevo puede sonar como una viola o un violín persa”.
1. Sueño Vivo
2. Crístobal
3. Entremundo
4. Mahoor
5. 40 Días
6. Entre Continentes
7. Mursiya
8. Rosario
9. Doust
10. Sareban
11. Aqâ Jân
El último álbum hecho antes de la muerte de Chuck Greenberg en 1995, "Live" de muchas formas es el "mejor de Shadowfax", con su material más popular. "Live" demuestra lo diferente que sonaba la banda en concierto (electrónico y en voz alta), en oposición a su trabajo en el estudio, que fue más relajado y acústico. También contiene mi pista personal favorita, "A Pause In The Rain", otra composición de Chuck por excelencia con su Lyricon etéreo y saxo soprano soulful. Al igual que con todas las grabaciones Shadowfax producidos por Chuck, éste es de audicion impecable - un verdadero "eargasm" para amantes de la música y Shadowfans igual.
Fuente: Amazon
1. Another Country
2. Streetnoise
3. Rainforests
4. Ariki
5. Include Me Out
6. A Pause In The Rain
7. Foundwind
8. How Much Does Zimbabwe?
9. Shaman Song
10. Shadowdance
11. Imaginary Islands
12. Castenada's Boogie
13. Neither Here Nor There
14. Brown Rice/Karmapa Chenno
15. Northern Lights
Músico experimentado, visionario inspirado de un sonido moderno que se apoya firmemente en la tradición y mira hacia el este y el oeste. Empezó a tocar la guitarra eléctrica a la edad de 14 años.
En 1999 lanzó el álbum titulado 1922 De Asia a Europa, que tuvo como tema central el factor humano, la aventura de la fuga y la reintegración en nuevos países.
01 Orient express
02 Aegean
03 East
04 Hidjaz
05 Rodopi
06 Cappadocia
07 From Asia to Europe
08 The dreamer
09 Memory
10 Odyssey fate
11 Carte postale
12 Canzone di brama
13 1922
Chamras Saewataporn nació en Bangkok, el 9 de diciembre de 1955, es un consumado cantante, músico y compositor tailandés, fue el primero en convertirse en artista profesional a la edad de 18 años. Comenzó su carrera musical cuando trabajaba en clubes nocturnos y más adelante se unió a una de las bandas de Tailandia de aquella época, "Grand X" entre (1976-1980). En 1981, comenzó a componer música con su propia banda, "La Radio". Su álbum debut fue en 1982, Nok Yao Bin Pho (alza de las Aves). Entre 1986 y 1997, compuso canciones para más de 100 películas tailandesas. Él se inspira en sus creencias del budismo, y comenzó a componer música para la relajación, sanación y meditación en 1993. Ha ganado numerosos premios como el mejor interprete y músico del momento.
Wikipedia..
Tracklist:
01 Be Lively Blissful Day 04:38
02 Your First Day In School 02:16
03 Country Road 03:07
04 Daddy Comes Home 02:02
05 Sky Train 02:40
06 Subway 02:49
07 Diary 04:07
08 The Bulbul 03:05
09 In The Morning 04:17
10 Harvest 05:06
11 Sunshine Day & Golden Sand 03:06
12 Dragonfly 03:41
Tee Musik Vol.1 Entspannende Teemusik Aus China & Indien
Este CD no es sólo para tomar el té, es en un verdadero placer escucharlo. Es perfecto para relajarse o para tus practicas de yoga y Qigong. Un paseo agradable en el Pabellón de la relajación, en el jardín del silencio, la danza del dragón, las campanas de la tarde, Harmonia Zen, En el jardín de la alegría, Si te gusta los sonidos chinos deberias escucharlo....
01. First Flush
02. Mountains Of Assam
03. Darjeeling
04. Camellia Sinensis
05. Ceylon Afternoon
06. Silver Dragon
07. Tee Garden
08. Broken Orange Pekoe
09. Lapsang Souchong
10. Chinese Olong
Tee Musik Vol.2 Entspannen im duftenden Teegarten
01. In the Teagarden
02. Assam Afternoon
03. Silent Morning
04. Darjeeling Garden
05. Golden Dragon
06. First Harvest
07. Lapsang Olong
08. African Tea
09. Mountains of Ceylon
10. Tea Party
New World se me acercó en 1998 y me pidió grabar un nuevo álbum de melodías puras irlandesas tradicionales. Junto con Skaila Kanga en el arpa céltica y Eddie Hession en el acordeón, entramos en el Studio S16 en Kent, Inglaterra, y grabé mi siguiente disco "A Night in Ireland" ("Una noche en Irlanda"). Mi idea era crear un álbum de melodías interpretadas de tal manera que el oyente se sentiera en el estudio con los músicos - el resultado fue un álbum muy íntimo y auténtico con un "en vivo" que casi se siente."
Helen O'Hara. http://es.wikipedia.org/wiki/Helen_O%27Hara
1. The Dawning Of The Day
2. Mountains Of Mourne
3. O'Carolans Farewell
4. Women Of Ireland
5. The Curragh Of Kildaire
6. Hills Of Calheiros
7. The Masons Apron
8. Danny Boy
9. Carrickfergus
10. Hills Of Calheiros (Reprise)
11. Captain O'Kane
12. An Irish Lullaby
13. Three Captains
Helen O'Hara comenzó su carrera musical en su ciudad natal de Bristol uniéndose a Gunner Kade, un grupo liderado por Ken Pustelnik, batería de The Groundhogs. A continuación, se unió a una banda llamada Wisper y combinó su carrera en solitario con el respaldo de varios artistas. Wisper cambió su nombre por el de Uncle Po, banda que ganó el concurso de grupos musicales 'Quiz Kid' de la BBC en 1977, y que posteriormente lanzaría un single bajo la etiqueta BEEB de título Use My Friends (tan raro que se vendió una copia en Ebay en el 2006 por más de 80£). Uncle Po incluía a Rob Williams a la guitarra (The Fans) y a Gavin King como vocalista (Private Dicks).
"En 1990 decidí escribir y grabar un álbum en solitario de música instrumental celta. Tuve mucha suerte de tener unos músicos excepcionales que me ofrecieron ayuda con el proyecto. Nicky Hopkins, B.J. Cole y Woody Woodmansey se unieron a mí en el estudio y el resultado fue "Southern Hearts" ("Corazones del Sur"), mi primer álbum en New World Music. Fue maravilloso trabajar con músicos tan talentosos y huelga decir que el álbum fue un gran éxito.
Helen O'Hara. http://es.wikipedia.org/wiki/Helen_O%27Hara
Vladiswar Nadishana is a multi-instrumentalist, composer and producer from Siberia, who creates his own unique and innovative approach to world fusion music - the creative synthesis of different musical traditions of the world on the basis of contemporary technologies. He plays on more than 200 instruments of the world, including self-created ones.
He elaborated the unique playing technique on each of his instruments and his own approach to advanced digital audio editing called "sound microsurgery". http://nadishana.com/index.php/en/bio
Vladiswar Nadishana and David Kuckhermann have been fellow musical travelers for many years. In their new Duo project they combine a creative approach to hang and handpan playing with musical influences from ancient Kuzhebar. The result is a journey to a place far away from musical chliches and conventions, strange and beautiful. http://hangduo.bandcamp.com/
1. Inflected Inception 8:58
2. Halo - Duclar duo 7:38
3. Koh Kin Solo 5:35
4. Sound of Viborg 7:19
5. Khubananukh 8:56
6. SpB Handpan solo 5:39
7. Riq Solo 4:36
8. Jumping in Cycles 5:38
9. BONUS: Voise of the Fallen Angels 9:10
Sacred Places es un exquisito tapiz de melodías, ritmos y sonidos que
visitan ocho sitios sagrados alrededor del mundo, el ultimo tema Gaia
diosa de la Tierra en la mitología griega, es un homenaje a nuestra madre Tierra
Great Spirit Makes the Mountain (6:44)
Giant's Dance (5:47)
Dreamtime (7:19)
City of Temples (6:17)
Under the Bodhi Tree (7:27)
Heaven Within the Earth (6:03)
Jerusalem Trinity (10:32)
Secret Kingdom (4:33)
Gaia (7:12)
Kodo, es un grupo de percusion japonés de renombre mundial, también conocido como Heartbeat Drummers of Japan, ha colaborado con Tomita y el grupo Kusillaqta de América del Sur en este álbum que contiene piezas de Zaldívar y Villa-Lobos, junto con música original de Tomita inspirado en el misterioso sitio Andino de Nazca.
Isao Tomita nos cuenta:
Kodo me invitó a quedarme en Kodo Village en la isla de Sado. Me alojé allí por una semana en Izumi Guest House trabajando en la música para el nuevo álbum. Lo que he intentado primero fue mantener la mente totalmente abierta para alinearme con las intenciones de Kodo. Sin embargo, pronto, las ideas empezaron a surgir de mi mente cuando pasé algún tiempo con Kodo, yo estaba totalmente encantado por el mundo fascinante del ritmo que crea Kodo. Los Tambores tradicionales japoneses, "wa-daiko," se han utilizado en rituales sintoístas desde tiempos antiguos, y su sonido evoca el sonido de la tierra, y en un grado más amplio, el sonido del universo.
La música de Kodo está generalmente compuesta por el ritmo de los tambores y por lo general la armonía no existe en su música. El estilo musical de Kodo es exótico en la forma en que excluye la armonía europea. Yo estaba un poco nervioso de como mi música saldría con Kodo, mis imágenes musicales estan siempre acompañados por una cierta armonía. Todos estábamos contentos con el resultado, siento que mis armonías en el sintetizador con la música de Kodo han conseguido captar el universo.
Kusillaqta del Perú se unierón a nosotros con la quena y la zampona para este álbum. Cuando viajé por todo el Perú, Lima, Nazca, Cusco y Machupicchu, me subí en un carro en la montaña y escuché al Indio-haciéndose eco con la flauta a través de los Andes. La flauta hizo eco de una manera mística que muestra un patrón lineal que llega al espacio exterior....Isao Tomita http://www.isaotomita.net/recordings/nasca.html
La idea de este proyecto surgió de la simple curiosidad. En México, existe un manuscrito, compuesto por el guitarrista barroco español Santiago de Murcia en el siglo 18, que contiene un artículo titulado Los Imposibles. Esta pieza es una romanesca del tipo que se encuentra en Italia, España y Portugal a partir del siglo XVI. El mismo tema es todavía común hoy en la música tradicional de México.
Mi curiosidad y la fascinación se suscitaron en primer lugar por el hecho de que una melodía que encontró su camino en la música tradicional de la época en el arte musical y viajó a lo largo de un siglo de Italia, a través de España y Portugal, para México-sigue vivo hoy en la música tradicional de transmisión oral de América Latina.
Esto me impulsó a explorar la música antigua y tradicional de España, Portugal y América Latina en busca de un hilo común que vincule los diferentes estilos y épocas diferentes. Ese hilo es que se encuentran en las características rítmicas y armónicas, en presencia de los instrumentos que se originaron en la época barroca, y en el hecho de que, tanto en la música artística temprana y la música tradicional de la época y la nuestra, hay una mezcla de diversos influencias y culturas. La búsqueda de características y orígenes comunes y la fascinación de las mezclas y conexiones multiculturales, nos llevó a través de todo el proyecto: un emocionante viaje a través de continentes y siglos. http://www.carnegiehall.org/Calendar/2012/3/17/0730/PM/LArpeggiata/
En mayo de 2000 Evanthia lanzó el album que lleva el título "Mikres Istories", otro disco instrumental, una magnífica pieza de música pura, donde el lirismo se hace realidad. Eleftheria Arvanitaki canta dos de las canciones, con letras de Lina Nikolakopoulou y Elena Zioga, mientras que la soprano Mariana Rigaki canta un aria.
01. Kalokerini Vrohi 3:24
02. Ehe Gia 4:00
03. Giati Giati 4:08
04. Proini Prosefhi 3:15
05. To Taxidi Tis Epistrofis 3:01
06. Me Tin Plati (Orchestral) 3:20
07. O Kathreptis Tou Ouranou 2:37
08. Mikres Istories 2:40
09. Kokkini Klosti Demeni 3:23
10. Aroma Vanilias 4:16
11. Me Tin Plati (Orchestral) 3:2
Pianista / compositor / multi -instrumentista André Mehmari tiene la rara distinción de ser uno de los músicos más consistentes en inventiva y absorción, pero no reconocido en la vanguardia del arte instrumental brasileño.
Convincentemente a gusto en casi todos los contextos posibles, desde Mozart a Monk, Mehmari posee una impresionante técnica clásica que nunca se acaba de perfilar, no hay convicción en todo lo que toca. Su imaginación improvisación es formidable y un lirismo sin inhibiciones han hecho su presencia en cualquier grabación una fuerte afirmación de su alta calidad.
El ultimo CD de Mehmari, Lachrimae, lo presenta como escritor y pianista en un programa temático unificado de buen humor, valses y baladas atmosféricas que reflejan su carácter introspectivo.
Dophin Smiles is what all "New Age" artists strive for. A rare blend of
mysticism and jazz, the music flows like dophins swimming in the sea.
Steve Kindler's violin and Teja Bell's guitar work are first rate and
the execution of the compositions never fails to impress and surprise.
Kim Atkinson, on a variety of percussion instruments, completes the team
of talented and visionary musicians who produced this ablum in the late
1980"s, and yet it still sounds completely contemporay.
Fuente: Amazon
TOR, nuevo cuarteto de referencia en el folk céltico atlántico gallego, creado en 2018 y compuesto por cuatro músicos de diversas influen...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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