El nuevo álbum de Saagara, 3, es la tercera entrega de esta aclamada colaboración entre el productor y multiinstrumentista polaco Wacław Zimpel y cuatro músicos virtuosos de la tradición musical carnática del sur de la India: los percusionistas Giridhar Udupa (ghatam), Aggu Baba (khanjira) y K Raja (thavil) y el violinista Mysore N. Karthik.
Es una vibrante yuxtaposición de densos ritmos indios y patrones electrónicos pulsantes. Un álbum de composiciones profundamente transformadoras que navegan por la tradición y la experimentación a medida que avanzan hacia lo universal.
1.
God of Bangalore 06:39
2.
Sunbeam Spirits 04:55
3.
The Rite of Rain 07:28
4.
Northern Wind Brings Redemption 05:57
5.
Where Is That Blossom 05:09
6.
Earth, Water and The Holy Groove
Singh es un consumado intérprete de tabla, músico electrónico, teórico de la música, productor discográfico y DJ. Como solista, quizás sea mejor conocido como el padre de la música electrónica asiática moderna, aunque también es un célebre ejecutante de tabla, productor discográfico y practicante visual.
Inspirándose en las artes indias clásicas, Singh saltó a la fama por primera vez como percusionista de tabla en la escena musical londinense de la década de 1980. Cuando aún era adolescente, Singh viajó a la India para obtener la pupila de Sangeet Acharya Ustad Lachman Singh Seen , maestro de tabla de la escuela Punjab. Este período dejó una marca indeleble en el joven artista y desde entonces ha seguido practicando e interpretando esta forma de arte a nivel internacional. Las colaboraciones de Singh con músicos clásicos indios incluyen a Ustad Sultan Khan, Rakesh Churasia, Ustad Imrat Khan y Ustad Amjad Ali Khan, entre muchos otros.
Singh también se involucró en colaboraciones de música experimental a partir de fines de la década de 1980, trabajando con Sun Ra y Courtney, lo que ayudó a popularizar el floreciente movimiento de la subcultura asiática underground.
Singh se destaca por reintroducir los conceptos de la música clásica india en los géneros pop, dance y jazz occidentales a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990. Los créditos del álbum en solitario de Singh incluyen éxitos críticos y comerciales Ok (1998), que ganó los dos premios musicales más prestigiosos del Reino Unido, 'The South Bank Prize' y el Premio Mercury en 1999. Ok , su innovador lanzamiento debut de 1998, fue grabado en Mumbai, Madrás, Okinawa, Nueva York y Londres, con contribuciones de Bill Laswell , Ryuichi Sakamoto , Ustad Sultan Khan y la Orquesta Filarmónica de Madrás, entre otros.
1998 OK (1:00:29)
1998 OK (2009 Remaster, Universal 5322514 ) (2:19:55)
1998 Traveller (Single, 24:05)
2001 Back To Mine (1:00:34)
2001 Ha (1:06:12)
2002 Vira (& Rakesh Chaurasia) (1:08:31)
2004 Songs For The Inner World - Live At La Basilique, Saint-Denis (& Sangat) (49:10)
2011 Together (& Niladri Kumar) (54:42)
El álbum de Anoushka Shankar Tierra de Oro se centra en la crisis de refugiados es su respuesta al trauma y la injusticia por la que atraviesan los refugiados y las víctimas de la guerra, se inspira en imágenes de noticias recientes de personas que huyen de la guerra civil, la opresión, la pobreza y las dificultades insoportables. Profundamente preocupada por la difícil situación de los refugiados del mundo, Shankar sentía que necesitaba hacer un soporte artístico y político en contra de la injusticia vergonzosa de las personas pobres que huyen de la violencia y que no encuentran casa. Ella dice, "la semilla de Land Of Gold se originó en el contexto de la difícil situación humanitaria de los refugiados, que coincidió con el momento en el que yo había dado a luz a mi segundo hijo. Yo estaba profundamente preocupada por el intenso contraste entre mi capacidad para mantener a mi bebé, y otros que desesperadamente querían proporcionar la misma seguridad para sus hijos, pero no fueron capaces de hacerlo".
1. Boat to Nowhere 2. Secret Heart 3. Jump In (Cross the Line) feat. M.I.A. 4. Dissolving Boundaries 5. Land of Gold feat. Alev Lenz 6. Last Chance 7. Remain the Sea feat. Vanessa Redgrave 8. Crossing the Rubicon 9. Say Your Prayers 10. Reunion
1.Just You & I 2.Indian Ropeman 3.Indian Summer 4.Mother Africa Feeding Sista India 2001 5.Rainbow 6.Success (Thievery Corporation Remix) 7.Emerald Alley (Vinyl Edit) 8.Exploration 9.Janine 10.Mathar (R. Fearless Mix) 11.Traveller (Kid Loco's Once Upon A Time In The East Mix) 12.Missing Persons (From 8 mm. O.S.T.) 13.Do Not Deviate From Your Present Course 14.Emerald Alley (Maharani's Reflection Mix) 15.Emerald Alley (Beats) 16.Emerald Alley (Indian Morning Theme) 17.The Amber Prayer
El sitarista Ananda Shankar fue una figura de culto ilustre en la historia secreta de la cultura pop, pionera del indo-funk de los sesenta. Su última grabación de estudio lo une con el impresionario / DJ / productor asiático radicado en el Reino Unido State of Bengal. Con una infusión de puro entusiasmo, esta es una reunión extraordinaria del pop de los 60 y los 90.
1 Walking On 4:56
2 Tori
8:15
3 Pluck 6:39
4 Alma Ata
4:59
5 Jungle Symphony (Live) 3:38
6 Betelnutters 6:20
7 Tanusree
6:08
8 Throw Down
5:29
9 Love & Passion 6:12
10 Reverse
6:50
11 Streets Of Calcutta (Live) 4:44
Cuando Mukhtiyar Ali se encontró con Mathias Duplessy, Ali no sabía ni una palabra en inglés o francés, y el hindi de Duplessy se limitaba a "chalo". El mundo de Ali es Pugal, un pequeño pueblo fronterizo en Bikaner con un rico legado de música sufí, mientras que Duplessy es un compositor parisino cuya música se extiende desde Mongolia a África. El arte de Ali se remonta a más de 700 años, y el de Duplessy es contemporáneo. Pero si se escucha a Ali cantar cualquier tema de Duplessy, se puede pensar que es un dúo musical hecho el uno para el otro.
Los dos se conocieron hace más de una decada en Bombay, improvisando una canción que combinaba sonidos de África, India y Francia. "Inmediatamente me enamoré de su voz. Sé que hay grandes cantantes rajastaníes, poderosos en técnica, pero la música que emitía Mukhtiyar era tremendamente humana", señalaba Duplessy.
Las colaboraciones entre el este y el oeste, como John McLaughlin, Shankar Mahadevan & Zakir Hussain, o Ravi Shankar y Yehudi Menuhin, han dado como resultado la mejor música de las últimas décadas. Mir Mukhtiar Ali comenzó a trabajar con Mathias Duplessy cuando descubrieron que tenían un idioma común en la música. Desarrollaron un estilo propio, inspirado en la música folk de Rajastán, flamenco, blues, reggae, africana, japonesa y mongol. Fruto de estos encuentros es el disco Jeena Jeena (2012), en el que cuentan con la participación al sarangi del artista hindú Sabir Khan.
Anoushka Shankar es una cantante, intérprete de sitar y
compositora inglesa. Es hija del intérprete de sitar hindú Ravi Shankar,
y Sukanya Rajan, una empleada bancaria y es
media hermana de la cantante Norah Jones.Wikipedia
Sitarist Anoushka Shankar began working on her new EP Love Letters after going through a particularly difficult time in her private life. The songs address the complex reality of dealing with her divorce and its emotional aftermath.
Shankar chose to work mainly with other women on this project, seeking solace from her female friendships. As she explained in a recent interview, “I really got to experience the way women show up for each other when crisis strikes. And, that’s really where this music came from — the shared experience of women, holding my hand and helping me find a safe place to put some of my feelings”. She works with an array of women on the album from guest singers to engineer Heba Kadry and illustrator Azeema Nur.
Love Letters begins with the brutal truth of Bright Eyes, about contemplating your ex-husband’s new young lover. Do you call her bright eyes too? Sings Alev Lenz, her principal vocal collaborator and co-producer on this project. The music is a piercingly powerful mix of her traditional instrument and modern confessional songwriting.
On Those Words she’s joined by Indian singer Shilpa Rao and cellist Ayanna Witter-Johnson. It’s the only song not in English, and yet even without knowing the words you understand the emotional truths in every note of this lament.
Working with other singers underlines the universal relevance of her experiences. Shankur does actually sing on the EP, on Lovable with twin sisters Ibeyi helping her to express the personal uncertainty that comes after such a break up. The song incorporates some modern, computerised sounds to echo the sitar. Maybe the combination might sound strange at first but this fusion gives the project its depth and should elevate it beyond just the ‘world music’ category. Wallet too uses these electronic sounds to add something unique to a song about the reality of being left only with money after a divorce.
Space is angry, realising what she’s had to sacrifice for her husband. By the end of the song she has found her self again, now there’s space for me / no more space for you. It’s a quietly powerful moment. The final song In This Mouth, again sung by Alev Lenz, is a haunting ballad. These are intimate moments, expressed in a way that all women can empathise with.
Through her playing and songwriting Shankar expresses the sorrow, confusion and hope that comes with a broken heart. Love Letters is a bruise that blossoms into something musically beautiful.
1
Bright Eyes
Alev Lenz
6:25 2
Those Words
Shilpa Rao, Ayanna Witter-Johnson
4:11 3
Lovable
Ibeyi
3:21 4
Space
Alev Lenz
2:23 5
Wallet
Alev Lenz, Nina Harries
3:30 6
In This Mouth
Alev Lenz
4:32
God Is A Drummer es el nuevo álbum de estudio del maestro baterista Trilok Gurtu .A
lo largo de su ilustre carrera, el baterista maestro y pionero de la
música mundial Gurtu se ha mantenido en la confluencia de la música
clásica india, el jazz occidental y el funk, la música africana y la
música brasileña.Ha sido parte de su modus operandi durante cinco décadas, creando música que desafía la categorización fácil.En God Is A Drummer
, su vigésima grabación como líder, el músico de mente abierta y poco
común rinde homenaje a algunos colegas caídos y modelos a seguir que lo
han guiado e inspirado en el camino.Liderando su dinámico grupo de trompetistas con sede en Hamburgo Frederik Köster , el trombonista Christophe Schweizer , el tecladista de origen turco Sabri Tulug Tirpan y el bajista eléctrico Jonathan Cuniado , Gurtu reconoce el impacto que leyendas como el tecladista y cofundador de Weather ReportJoe Zawinul , percusionista brasileño Nana Vasconcelos , el gran batería de jazz Tony Williams , y su madre, la estrella de canto clásica india Shobha Gurtu , han hecho su vida musical.Dedicado a su propio gurú, Ranjit Maharaj , God Is A Drummer
es una impresionante muestra de precisión incomparable, solos
deslumbrantes, voces apasionadas, ritmos penetrantes y ritmos
arraigados.
1
Josef Erich
5:41 2
Connect
0:19 3
Obrigado
6:41 4
Connecting
0:41 5
Holy Mess
6:19 6
Still Connecting
0:25 7
Madre
6:51 8
Connected
0:57 9
Samadhan
7:04 10
Indranella
2:46 11
Try This
4:39
01. Arani - White Flower
02. Ayyal - Friend
03. Beenti - The Lost Ring
04. Ghorebund - Mehndi - Celebrations
05. Jalaalo-Bilalo - The Bride Awaits
06. O Jallo! - Travelogue
07. Kaasbo - The Maverick
08. Sasveer - Of Love That Was A Legend
La era de los Maharajas fue una época de reyes enjoyados, palacios
opulentos llenos del mejor arte y una rica tradición cultural de
Rajasthan, la tierra de los reyes. Los gitanos DHOAD de Rajasthan nos
remontan a estos tiempos, recreando las experiencias del espectáculo
público de la vida palaciega.
Estas son melodías antiguas que fueron transmitidas al director musical
de DHOAD, Rahis Bharti, a lo largo de varias generaciones de sus
antepasados músicos cortesanos, que cantarían en presencia de
Maharajas en eventos públicos como nacimientos, matrimonios y ceremonias
religiosas, o simplemente por entretenimiento. . Sona ra button Banna
celebra el nacimiento de un príncipe; Dhanra Saheba ji la llegada de la
fiesta de bodas, y Janwariyo (Peacock romántico) anuncia la llegada de
la temporada de lluvias, un símbolo de la riqueza y el regreso de un
amante.
En el espíritu de sus antepasados, DHOAD honra a la rica y viajante
tradición musical de Khan Saheb, una casta musical y el título otorgado
por los maharajás a los músicos de su corte, en un verdadero homenaje a
la población rom que abandonó la India hace más de mil años.
Rahis Bharti fue cautivado a temprana edad por la música y el baile
tradicionales, que se convirtieron en el trabajo y la alegría de su
vida. Ha sido el guardián de la música y la danza tradicional auténtica
de Rajasthan durante muchos años. Impulsado por un famoso legado y fuego
creativo, el trabajo de Rahis mantiene vivo el importante patrimonio de
Rajasthan al llevarlo a audiencias de todo el mundo.
Rahis y sus tres hermanos menores, Teepu Khan, un gran y virtuoso
jugador de tabla y vocalista; Sanjay Khan, el destacado vocalista y
músico de harmonium; y Amrat Hussain, un fenomenal jugador de tabla, es
el corazón del grupo DHOAD. Son el producto de más de siete generaciones
de músicos talentosos, habiendo sido enseñados la música de Rajasthan
de su padre, Ustad Rafeek, y de su bisabuelo, Ustad Rasool Buxkhan.
La música de Rajastán es respetada por virtuosos en todo el mundo por su
emoción y velocidad y complejidad rítmicas sin paralelo. Times of
Maharajas es un sueño vibrante que atormenta los sentidos y transporta a
las audiencias al país de los Maharajas, devolviéndolos a una época en
que los antepasados jugaban ante reyes y reinas.
Los gitanos DHOAD de Rajasthan han realizado más de mil doscientos
conciertos en más de cien países, deleitando al público durante los
últimos diecisiete años. Por lo tanto, DHOAD se conoce hoy como "los
embajadores culturales de Rajasthan".
1. Sona ra button banna (The Prince is Born) - 5:42
2. Breathing Under the Water - 2:33
3. Janwariyo (Romantic Peacock) - 4:51
4. Dhanra Saheba ji (Dream Wedding) - 6:13
5. Lullaby - 3:25
6. Nagar bêle (Never Let You Go) - 6:14
7. Royal Dance of Rajasthan Ghoomar - 6:04
8. Badila leta (Bring My Love) - 3:16
9. Tabla Solo - 4:32
10. Begha ghara ayo (Maharani Longing for Maharaja) - 5:03
El indio Trilok Gurtu, considerado uno de los mejores percusionistas del mundo, siempre se ha caracterizado por su mentalidad abierta hacia nuevas formas de fusionar diferentes estilos musicales, partiendo de su tradición y formación como músico clásico hindú. Empezó con John McLaughlin en cuyo trío fue solista durante cuatro años, luego colaboró con otros grandes como Joe Zawinul, Bill Evans, Pharaoh Sanders y Dave Holland, todos ellos atraídos por su excelente sentido del ritmo. Con formación en música clásica de la India, sus colaboraciones también incluyen a grandes maestros de la tradición india como Shobha Gurtu, Zakir Hussain, L. Shankar, Shankar Mahadevan, Hariprasad Chaurasia, The Misra Brothers y el Sultan Khan. Dentro de las denominadas “músicas del mundo”, Trilok ha desarrollado su propio estilo y con gran éxito, colaborando y actuando con Salif Keita, Angelique Kidjo, Neneh Cherry, Omara Portuondo, entre otros. https://www.trilokgurtu.com/
1
21 Spices
9:33 2
Bad Boys
8:38 3
Returning Home
12:50 4
Siddhi
11:15 5
Watapa
7:48 6
Bad Habits Die Hard
10:06 7
Carlinhos
13:35
Ghazalaw (2015) celebra la afinidad entre el género lírico ghazal de India y la tradición popular de Gales. El cantante y compositor de Bombay Tauseef Akhtar y la cantautora galesa Gwyneth Glyn entretejen la poesía de amor de sus dos tradiciones culturales junto con el acompañamiento de arpa, tabla, guitarra y armonio. Aparentemente dispares pero con resultados deliciosos.
En Ghazalaw los tonos sonoros de Akhtar se adaptan perfectamente para transmitir "birha", el dolor del amor inalcanzable tan popular en la poesía Ghazal del norte de India. Por su parte, la voz de Glyn aporta, desde las letras del folk galés, el concepto de "hiraeth" (un intenso deseo por una persona o lugar) de la belleza de la vida.
Mientras que los poemas de cada pista trabajan bien temáticamente, es la profundidad de la emoción con la que Akhtar y Glyn recitan que hace que la transición del urdú al galés apenas sea perceptible. El arpa de Georgia Ruth, la adición de un violín (que difumina los estilos galeses e hindúes) y el ritmo crujiente de la tabla proporcionan una experiencia de sonido hipnótico y envolvente. En definitiva, Ghazalaw es un proyecto fascinante y un recordatorio oportuno de que la humanidad es global y que tenemos en común grandes confluencias dignas de celebración.
01. Tum nazar se - Cyfri’r sêr
02. Teri aankhon mein - Seren syw
03. Apni Ruswaayee - Sefyll yn stond
04. Hosh apne - Y botwm du
05. Hud se - Cainc yr aradwr
06. Moliannwn - Ishq karo
07. Khoobsorat koi sazaa - Cosb mor dlos
08. Lusa lân
09. Guzur jaayenge jab din – Hiraeth
10. Jugnu ke sitara tha - Hen ferchetan
Khiyo es una banda, establecida en Londres, que interpreta el patrimonio musical bengalí, formada en 2007 como una colaboración entre la cantante británica-bangladeshí Sohini Alam y el multiinstrumentista y compositor Oliver Weeks (a quienes se unió el bajo y las guitarras de Ben Heartland) para explorar nuevas formas de presentar la música tradicional bengalí, pero preservando su esencia.
Las canciones de este disco debut (2015) representan una mezcla ecléctica de clásicos bengalíes de Bangladesh e India, basándose en lo popular, películas, canciones protesta conmemorativas de la independencia bangladeshí y otros géneros tradicionales como las Rabindra Sangeet (canciones de Rabindranath Tagore) y las Nazrul Sangeet (canciones de poeta nacional bengalí Kazi Nazrul Islam). La potente y expresiva voz de Sohini Salam se acompaña a la perfección con arreglos dinámicos y originales que se alimentan de los sonidos del sur de Asia y de la tradición clásica, del rock y del jazz. El resultado es un sutil equilibrio entre las culturas y tradiciones de Oriente y Occidente.
01. Akashta Kanpchhilo Kyan?
02. Doyal Tomaro Lagiya
03. Rum Jhum Rumu Jhumu
04. Nishi Raat
05. Amar Protibaader Bhasha
06. Murshidi (Kachhe Nao Na, Dekha Dao Na)
07. Koi Jao Rey
08. O Ke Udashi Benu Bajayey
09. Purbo Digontey
10. Hai Rey Amar Mon Matano Desh
11. Amaro Deshero Matiro Gondhe
12. Ek Shagori Rokter Binimoyey
13. Kotobaaro Bhebechhinu
14. Bareer Kachhe Arshinogor
Home (2015) es el último disco de Anoushka Shankar, editado por el prestigioso sello de música clásica Deutsche Grammophon, una vuelta a las raíces de la música clásica hindú y, a la vez, un homenaje a su padre, el gran Ravi Shankar, que fue el primer músico hindú que abrió la música de su país al mundo. En definitiva, Home es una vuelta a casa y puede considerarse como una antología pura, donde despliega su virtuosismo al sitar y se muestran las cualidades meditativas y virtuosas del raga.
El proyecto, dirigido por ella misma, viene acompañado por unas largas e interesantes notas en las que explica qué es y cómo funciona la música india, su profundidad espiritual y sus formas melódicas y rítmicas, todo en aras de lograr un mayor acercamiento a esta música por parte de las y los oyentes occidentales. Con Home, Anoushka Shankar continúa su viaje explorando formas modernas y frescas de reinterpretar y mantener vivas las hermosas tradiciones musicales de India.
Guru: Raga Jogeshwari
01. Alaap
02. Jod, Jhala
03. Gat in Rupaktaal
Celebration: Raga Manj Khamaj
04. Aochar, Dadra, Teentaal, Coda
Sanata: Stillness (2015) es el nuevo trabajo de Kiran Ahluwalia, creando al frente de su sólida banda un sonido transcultural e innovador a la vez que contemplativo y seductor para el baile. Grooves paquistaníes se aunan con ritmos de raga hindú y se fusionan de manera natural con los hipnóticos blues saharianos y el concepto improvisatorio del jazz occidental.
Gracias a un encuentro casual con los legendarios Tinariwen, Kiran quedó fascinada por las guitarras tuareg del desierto del Sahara. Después de estudiar estas y otras músicas de África Occidental, quedó convencida de que tenía que añadir a sus ideas compositoras sus ritmos adictivos, hipnóticos y cíclicos. El resultado fue el extraordinario Aam Zameen: Common Ground (2011), con la participación de los malienses Tinariwen y Terafakt.
En Sanata: Stillness esta influencia se sigue dejando sentir, encontrándonos un buen híbrido de la música indo-sahariana, una especie de síntesis de música de India, jazz y los sonidos subsaharianos, todos aderezados con un estilo únicamente suyo. El resultado carece de temporalidad y fronteras, entrando en un contexto global y moderno que abarca el futuro pero se mantiene con sólidas raíces en la tradición.
01. Hayat
02. Jaane Na
03. Sanata
04. Tamana
05. Hum Dono
06. Jhoom
07. Taskeen
08. Qaza
09. Lament
Raghu Dixit combina blues-rock de finales de los años 60, folk-rock impulsado por violín y sonidos tradicionales (aderezado con su enorme sonrisa) desarrollando un nuevo sonido hindú tremendamente accesible al público general. La fuerza de Dixit reside en saber fusionar, como nadie, dos mundos musicales con muy poco esfuerzo y con mucha alegría. Jag Changa (2013), al igual que The Raghu Dixit Project´s, es ambicioso: el alcance del álbum se extiende desde temas que suenan cinematográficos (al más puro estilo bollywood) a baladas ghazal con sabor a rock nostálgico. Los ocho temas del disco sugieren que la banda es capaz de mucho más que el folk rock boyante que definió su debut en 2008, Antaragni. Se refleja en las y los artistas invitados, que incluyen al joven virtuoso del sarod Soumik Datta, al flautista Navin Iyer, a los miembros del grupo de folk británico Bellowhead (Andy Mellon y Brendan Kelly), y a la intérprete de banjo clawhammer Abigail Washburn.
Las letras, una vez más, son una mezcla de la poesía kannada del poeta místico Santa Shishunala Shariff y material de autores contemporáneos como Madan Karky, Ankur Tewari y Niraj Singh Rajawat. Y todo envuelto en un libreto que cuenta con una cuidada edición a cargo del ilustrador Manek D'Silva, una portada colorida, vibrante y global como el estilo del disco.
Jag Changa establece un punto de referencia estratosférico para artistas que quieren crear desde las variadas influencias del folk, y el mayor logro de Dixit ha sido el de dar cohesión a todo el sonido del álbum. Lo ha vuelto a hacer. Un trabajo delicioso, como Raghu.
01. Parasiva
02. Rain Song
03. Jag Changa
04. Yaadon Ki Kyari
05. Amma
06. Lokada Kalaji
07. Sajna
08. Kodagana Koli Nungita
Queen Between (2014) es el sexto álbum de Susheela Raman, su mejor disco hasta la fecha, el más ambicioso y emocionante para una artista acostumbrada a romper fronteras musicales, un trabajo que apunta a la música qawwali pero que, con la visión moderna que tiene la música de Susheela, escapa a los límites tradicionales.
En este disco, después del magnífico Vel (2011), donde se adentró por completo en la cultura familiar consiguiendo una auténtica reinterpretación contemporánea de las músicas tradicionales del sur de la India, acompañada de su inseparable compañero, guitarrista y productor Sam Mills, añaden a sus influencias tamiles las del trance qawwali. Queen Between es grande, también, por el elenco de artistas que interviene. Además de su cómplice Aref Durvesh, maestro de la tabla, hay que añadir a los músicos de Rajastán: Kutle Khan que le apoya vocalmente y también toca el arpa de boca y las percusiones, Nathoo Solanki con los tambores y Rana Ram Bhil con las flautas narth. También participan en tres de sus canciones un antiguo colaborador y amigo, Vincent Segal, con su brillante cello. Y, para destacar, Rizwan-Muazzan Qawwals, los dos sobrinos del legendario Nusrat Fateh Ali Khan (Muazzam y Rizwan) y su grupo, que tienen una capacidad asombrosa para crear unos sonidos vocales que favorecen que la voz de Susheela crezca de manera sublime.
En las ocho canciones editadas se aprecian los resultados del viaje que hicieron cantante y productor a la región del Rajastán para complementar su cultura y prendarse de sonoridades inspiradoras, cuyo resultado es una especie de misticismo musical que se adapta muy bien a los ámbitos urbanos, un armazón en el que lo ancestral se teje a la perfección con la actualidad más vibrante. Un disco aderezado principalmente de instrumentos acústicos y orgánicos, grabado casi todo como si fuera un concierto en vivo (con algunos retoques finales) y con cierto aire psicodélico, y con letras, casi todas en inglés, personales y profundas. Excepcional.
01. Sharabi
02. Corn Maiden
03. Riverside
04. Sajana
05. North Star
06. Queen Between
07. Karunei
08. Taboo
GS Sachdev comenzó a tocar el bansuri cuando tenía 14 años, y ha creado una forma rara de comunicación instantánea con el público a través de su música. A diferencia de muchos músicos, ha renunciado a la fusión, encontrando gran placer y una sensación de inmensa satisfacción con los rigores de la exploración infinita dentro de la música clásica de la India tradicional. Más allá de sus actuaciones en directo en todo el mundo, la música de Sachdev es disfrutada en estudios de yoga, ashrams de meditación, salas de masajes, centros espirituales y hogares de todo el mundo. Su música se considera un antídoto contra el estrés, la fatiga y el cinismo. Las giras mundiales frecuentes de Sachdev y grabaciones le han ganado muchos laureles y és una leyenda de renombre internacional respetado por los músicos y el público en todos los ámbitos de la música del mundo hoy en día. http://www.shakuhachi.com/R-Bansuri.html
Descendiente de una cultura con una tradición musical dos mil años, Sachdev realiza la música clásica de la India. La complejidad se encuentran en las sutiles variaciones sobre el tema, la ornamentación de las notas, coloración modal, y en la interacción entre la flauta y la tabla. Dado que cada nota está solo, se presta especial atención a la pureza de entonación. La base de la música clásica de la India es raga - la forma melódica, y tala - la medida del tiempo. Más allá de la forma melódica, cada raga abarca un estado de ánimo particular, y síntesis de emoción, que un músico hábil como Sachdev evoca. La música clásica de la India tiene sus raíces en la tradición vocal y la flauta se considera especialmente cerca de la voz, capaz de muchos matices sutiles del estilo vocal.
Full Moon presents ragas of deepening night, played with passionate detachment by the Indian bamboo flute master, G.S. Sachdev. Each raga on Full Moon contains the essence of the moment. Evening Prayer, traditionally performed at sunset, expresses peace and devotion. Introspection is a serious and inward piece played at mid-evening. Full Moon, traditionally performed at midnight, greets the risen moon with a renewed vigor reflecting a mood of romance, fulfillment, and joy. Accompanied only by the sound of the tanpura and swarpeti, Sachdev improvises fluently within the classical form of the ragas.
Amazon...
Bansuri – G. S. Sachdev
Sruti Box [Swar-peti] – Elb Souders
Tambura [Tanpura] – Gay Kagy
With a Grammy nomination and BBC World Music Award under his belt, Indian slide guitarist Pandit (master) Debashish Bhattacharya’s remarkable virtuosity is winning international critical acclaim. O Shakuntala! is a sublime interpretation of the immortal Indian masterpiece of eternal love and features the chaturangui, the first slide guitar designed and developed by Debashish himself. A musical adventure fusing two great Indian musical traditions – Karnatic music from the south and Hindustani music from the north – it celebrates love in all its many wonderful rasas (emotions).
1. Improvisation Live 2. Manteca 3. Jack Johnson / Black Satin 4. Cuckoo 5. Berchidda 6. Like Popcorn 7. Haunting 8. Universal Mother 9. Spellbound 10. All Blues 11. Cosmic Roundabout / Brown Rice 12. Thank You
Jean-Michel André Jarre Pejot, más conocido como Jean-Michel Jarre (Lyon, Francia, 24 de agosto de 1948), es un compositor e intérprete f...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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