Østerlide irrumpió en la escena musical folclórica noruega a finales de 2020 y rápidamente recibió reconocimiento internacional por su álbum debut homónimo. Sus inusuales arreglos de melodías folclóricas tradicionales ofrecen nuevas perspectivas y muestran una amplia gama de atmósferas y texturas, desde un simple susurro hasta un estruendo brutal. Ya sea en paisajes musicales abiertos o en espacios musicales estrechos y claustrofóbicos, el oyente se deja llevar por las incansables y atemporales melodías folclóricas que se han ido formando y perfeccionando a lo largo de los siglos.
Liv Ulvik - Voz Andreas Haddeland - Guitarras Ulrik Ibsen Thorsrud - Percusión
1.
Nu rinder solen op av østerlide 06:07
2.
Villemann og Magnill 05:06
3.
Signelita 07:28
4.
Dagen viger og går bort 09:05
5.
Nykkjen 05:48
6.
Varulven 09:07
7.
Litle fuglen 05:54
8.
Inga Litimor 04:33
9.
Farvel min venn 06:40
Remon Nakanishi (中西レモン) es un músico y artista japonés, reconocido por su interpretación de minyo (canciones folclóricas) y música Bon Odori, especialmente el Goshu Ondo. Sus trabajos exploran la transformación y la importación de la cultura, centrándose en el canto, el baile y la iconografía, y ha realizado trabajo de campo y editado entrevistas relacionadas con el Bon dance
A menos de un año de la publicación de "Solpor", el debut de Baiuca, que lo situó como una de las propuestas más vanguardistas y transversales del circuito, conectando la raíz de la música gallega con la electrónica contemporánea más innovadora; regresa ahora con "Misturas", un álbum en el que, a partir de las pistas de grabación originales del debut de Xosé Lois Romero & Aliboria, consigue reconstruir, redimensionar y llevar a un nuevo estadio.
No hablamos ni de versiones ni de remezclas: en "Misturas", Baiuca consigue recomponer parte de aquel repertorio desde otra mirada y desde otra genética a la hora de construir las canciones. Se mantiene la racialidad salvaje de Aliboria, pero, a su vez, se lleva a un nuevo territorio, en el que se coquetea no solo con electrónica, sino con otros ritmos orientales e ibéricos y con estructuras pop adictivas e inmediatas.
Tan solo unos meses después de que publicase 'Solpor', un álbum debut con el que lleva recorriendo todo el país desde el pasado mes de marzo, y que seguirá recorriendo los próximos, BAIUCA comienza a avanzar su nuevo proyecto: un EP en el que funde sus maneras junto a parte del repertorio del álbum debut de Xosé Lois Romero e Aliboria, uno de los álbumes más revolucionarios de la nueva música tradicional gallega.
El álbum, que llevará por título 'Misturas', recupera, resignifica, remezcla y redimensiona el sonido de Aliboria a través de la genética de Baiuca por conectar la música tradicional gallega con la música electrónica más vanguardista. Como primer adelanto, esta alianza entre Baiuca y Aliboria nos presenta 'Olvídame', una pieza en la que, además de esa idea de folktrónica gallega con un pie en el pasado y otro en el futuro, también deja matices propios de la música árabe y oriental y otras incluso del folclor latinoamericano.
La música tradicional birmana es parte integral de la cultura y el patrimonio del país. Durante siglos, la música ha sido una parte importante de la vida birmana y sigue desempeñando un papel significativo en el país en la actualidad. La música tradicional birmana se caracteriza por su melodía y ritmo únicos y suele ir acompañada de instrumentos tradicionales como el saung-gauk (un tipo de cítara), el hne (un tipo de flauta) y el patwa (un tipo de tambor).
La música tradicional birmana se utiliza para diversos fines, como ceremonias religiosas, bodas y funerales. También se interpreta habitualmente en festivales y otros eventos públicos. En los últimos años, la música tradicional birmana ha comenzado a ganar popularidad fuera de Birmania, ya que cada vez más personas están expuestas a ella a través de Internet y las redes sociales.
Existe una amplia variedad de géneros musicales tradicionales birmanos, cada uno con su propio estilo distintivo. Algunos de los géneros más populares son los siguientes:
1. Pwe: Pwe es un tipo de música folclórica que se interpreta habitualmente en festivales y otras celebraciones públicas. Se caracteriza por su ritmo alegre y su atmósfera animada.
2. Nat: El nat es un tipo de música religiosa que se interpreta tradicionalmente en los templos budistas. Suele tener un tono más lento y solemne que otros géneros de música birmana.
3. Hsaing waing: El hsaing waing es un tipo de música orquestal que se interpreta normalmente en eventos formales como bodas y ceremonias de estado. Se caracteriza por su sonido grandioso y su instrumentación compleja.
4. Saung: Saung es un tipo de música que suelen interpretar cantantes solistas. Se caracteriza por sus hermosas melodías y letras a menudo sentimentales.
5. Pop: La música pop es un género relativamente nuevo en Birmania y está muy influenciada por la música pop occidental. Suele ser más animada y de ritmo más rápido que otros géneros musicales birmanos.
Una grabación excepcional en un país donde el arte es uno de los pocos medios de expresión y libertad para su población. La música birmana, en la que la improvisación juega un papel importante, está estrechamente vinculada a las artes escénicas. Acompaña espectáculos de danza tradicional, representaciones de episodios de la epopeya india Ramayana y cualquier forma de celebración.
1 Amazing Mandalay 4:53
2 Lotus Dance 3:08
3 Burmese Girl 5:41
4 Floating Clouds 3:40
5 Mother River 3:20
6 Back To Bagan 3:25
7 Buddha Nature 7:52
8 Rangoon Nights 3:15
9 The Golden Pagoda 3:56
10 A Place In My Heart 9:25
Durante la dictadura cívico-militar chilena las peñas folklóricas se transformaron en un verdadero símbolo de la resistencia; un espacio donde artistas y público se reunían para reafirmar que no todo estaba perdido, que era posible sobreponerse a la oscura noche que se cernía sobre el país. Una de las primeras y más emblemáticas fue la peña Doña Javiera, creada por el músico, escritor y gestor cultural Nano Acevedo. Creada en julio de 1975, estuvo ubicada primero en el restaurant Antofagasta de calle Mac Iver al llegar a Monjitas, y luego fue trasladada al interior del restaurant El Mundo, frente al teatro Caupolicán, donde se mantuvo hasta 1980. En este espacio, se dieron cita muchos de los artistas que se quedaron en Chile, resistiendo, manteniendo viva la creación cultural y el espíritu de lucha. Entre ellos estuvieron: Margot Loyola, Gabriela Pizarro, Lázaro Salgado, Illapu, Barroco Andino, Ortiga, Aquelarre, Capri, Pedro Yáñez, Osvaldo Torres, Natacha Jorquera, Isabel Aldunate, Alfredo Labbé, Mario Fontana, Leo Vallejos, Dúo Semilla, Eduardo Peralta, Claudia Céspedes, Carlos Arriagada, Sergio Araya, Grupo “Aymará”, Alejandro Masmar, Checo Catalán, Mario Lanas, Daniel Tillería, Álvaro González, Guillermo Vega, Jorge Cartes, Rolando Escobar, Marcela Morena, Cristian Cáceres, y muchos otros.
El año 1979, Nano Acevedo produjo este disco, grabado en los estudios Sonotec, que reunió a algunos de los artistas que se presentaban en La Javiera, el cual fue publicado por el sello Alerce con el número de serie ALP 243. La dirección artística estuvo a cargo de Carlos Necochea, y el diseño gráfico pertenece a P. Andrades, O. Rojas y V. Larrea.+INFO AQUI
1 Mi país [Leo Vallejos] (3:36)
3 Marcha Huayño [Del folklore] (2:10)
3 Tango [Astor Piazzola] (4:57)
4 Hombre de arcilla [Eduardo Díaz – Jorge Venegas – Donald Silva] (4:05)
5 En casa de una mujer llamada María [Nano Acevedo] (3:15)
6 Estudiando el invierrno [Nano Acevedo] (3:18)
7 Tu nombre me hará llorar [Freddy Albarracín] (3:01)
8 Desplazados [Juan Bustamante] (2:16)
9 América nuestra [Carlos Roa] (4:05)
10 Romance del otro Santiago [Nano Acevedo] (5:33)
Durante la dictadura cívico-militar chilena las peñas folklóricas se transformaron en un verdadero símbolo de la resistencia; un espacio donde artistas y público se reunían para reafirmar que no todo estaba perdido, que era posible sobreponerse a la oscura noche que se cernía sobre el país. Una de las primeras y más emblemáticas fue la peña Doña Javiera, creada por el músico, escritor y gestor cultural Nano Acevedo. Creada en julio de 1975, estuvo ubicada primero en el restaurant Antofagasta de calle Mac Iver al llegar a Monjitas, y luego fue trasladada al interior del restaurant El Mundo, frente al teatro Caupolicán, donde se mantuvo hasta 1980. En este espacio, se dieron cita muchos de los artistas que se quedaron en Chile, resistiendo, manteniendo viva la creación cultural y el espíritu de lucha. Entre ellos estuvieron: Margot Loyola, Gabriela Pizarro, Lázaro Salgado, Illapu, Barroco Andino, Ortiga, Aquelarre, Capri, Pedro Yáñez, Osvaldo Torres, Natacha Jorquera, Isabel Aldunate, Alfredo Labbé, Mario Fontana, Leo Vallejos, Dúo Semilla, Eduardo Peralta, Claudia Céspedes, Carlos Arriagada, Sergio Araya, Grupo “Aymará”, Alejandro Masmar, Checo Catalán, Mario Lanas, Daniel Tillería, Álvaro González, Guillermo Vega, Jorge Cartes, Rolando Escobar, Marcela Morena, Cristian Cáceres, y muchos otros.
El año 1979, Nano Acevedo produjo este disco, grabado en los estudios Sonotec, que reunió a algunos de los artistas que se presentaban en La Javiera, el cual fue publicado por el sello Alerce con el número de serie ALP 243. La dirección artística estuvo a cargo de Carlos Necochea, y el diseño gráfico pertenece a P. Andrades, O. Rojas y V. Larrea.
01. Mi país [Leo Vallejos] (3:36)
02. Marcha Huayño [Del folklore] (2:10)
03. Tango [Astor Piazzola] (4:57)
04. Hombre de arcilla [Eduardo Díaz – Jorge Venegas – Donald Silva] (4:05)
05. En casa de una mujer llamada María [Nano Acevedo] (3:15)
06. Estudiando el invierrno [Nano Acevedo] (3:18)
07. Tu nombre me hará llorar [Freddy Albarracín] (3:01)
08. Desplazados [Juan Bustamante] (2:16)
09. América nuestra [Carlos Roa] (4:05)
10. Romance del otro Santiago [Nano Acevedo] (5:33)
"El señor Cruz era totalmente ciego; contrajo matrimonio en la primavera de 1957 y su esposa Lucila a veces cantaba con él. Cruz solia cantar en varios cafés situados en los paseos de Oaxaca y ocasionalmente era contratado por familias para celebrar alguna feliz ocasión. Dentro de la comunidad se le conocia afectuosamente como Alfonsito o Pancho...
1
Cariñito Azucarado
2:40
2
Merecumbe
2:54
3
Tehuantepec
3:45
4
La Zandunga
4:01
5
Suriana
3:10
6
Cucurucucu, Paloma
4:19
7
La Molienda y la Culebra
2:49
8
Cachito
3:01
9
El Yerbero
3:01
10
Babalu
3:57
11
Rogociano, El Guapangero
4:00
12
Echame a Mi la Culpa
3:34
13
Le Falta un Clavo a Mi Cruz
3:11
14
Deja Que Salga la Luna
3:54
15
La Tortolita
2:09
16
Ya Tu Veras
2:33
En 1972, Erie Cortes (Hery Cortés) llegó a Europa por primera vez como miembro del grupo Los Rupay. En 1978, fundó su propio equipo, Ukamau. Los miembros de la banda son el propio Eri Cortes, su esposa Isabel y sus hijos José Domingo y Juan Manuel. Con su trabajo, Erie Cortes quiere expresar que "la música india es la voz de las personas humilladas, ansiosas por su completa liberación".
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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