WADADA se fundó en 1996 en Polonia y crea música inspirada en ritmos tradicionales de África, Cuba y Brasil con una gran mezcla de melodías autóctonas. La banda ha realizado cientos de conciertos en su país y en el extranjero. Desde 2013, el grupo explora nuevas direcciones, combinando sonidos de batería acústica con efectos electrónicos, guitarra eléctrica y teclados.
1.
Salli 06:29
2.
Beautiful Sundays 05:34
3.
Bomba Speed 02:21
4.
Sauna Fińska 06:08
5.
Abondan 07:06
6.
Łado Łado 04:50
7.
Sambasiedem 05:05
8.
Trzy po trzy 02:57
9.
Gue 02:56
10.
Yolla 04:25
Con la serie Expedisound, iniciada en 2004, el sello I.O.T Records tiende puentes entre las culturas de un planeta en perpetua mutación. La música y el vídeo son el hilo conductor de estos viajes. A través de la experimentación sonora y videográfica, Expedisound invita a tomar conciencia de la extraordinaria diversidad cultural de nuestra Tierra y a prestar atención a los grupos étnicos, usos y culturas frágiles que chocan de lleno con la creciente globalización. Formar vínculos artísticos, enriquecerse con las diferencias de cada uno, pero también tomar conciencia de las aspiraciones comunes, tales son los objetivos de cada una de estas aventuras.
Pero aún más, cada nueva inmersión es una intensa experimentación cuya fuerte dimensión emocional alimenta el intercambio y transforma profundamente a los protagonistas. Los documentos sonoros y visuales reunidos en cada Expedisound buscan dar testimonio de esta intensidad.
Expedisound es una aventura iniciada por viajeros del techno, los organizadores nómadas de raves clandestinas de música electrónica. En la Inglaterra de los años 1990 y en la Francia de los años 2000, esta nueva contracultura fue violentamente reprimida debido a las nuevas leyes de orden público. La búsqueda de libertad de estos nuevos viajeros se vio bloqueada por las intervenciones policiales, políticas y mediáticas. Muchos de ellos deseaban continuar el espíritu de este movimiento que se basa en el viaje, la curiosidad y la mezcla de culturas...
Pasaron tres años antes de que partiéramos de nuevo hacia las vastas llanuras de Mongolia, un país atrapado entre Rusia y China. Una nueva caravana compuesta por vehículos pesados partió en 2006-2007. El resultado del viaje, particularmente rico en experiencias humanas e intercambios artísticos, es la creación de MONGOLIA EXPEDISOUND, que vio la luz en 2008. Un documental de viaje por carretera y un folleto que describe los instrumentos utilizados, retratos de las personas encontradas y una presentación de las tierras recorridas completaron la producción musical. La serie Expedisound también ganó en consistencia musical
ya que la primera obra solo tenía una pieza de música tradicional mientras que la segunda tiene 3 piezas de música mongola y la compilación electrónica es mucho más nítida y consistente. Este paso desencadenó la idea de ofrecer una combinación de sonido e imagen más cercana a la aventura excepcional que acabábamos de vivir.
El maestro de la kora aliana Ballaké Sissoko y el compositor británico-italiano Piers Faccini son colaboradores inveterados (y compañeros de sello) que ya han colaborado en los discos del otro. Aquí nos presentan un álbum completo como dúo, tomando la migración de los ruiseñores como inspiración y siguiendo la propia vocación como tema. Es una obra suave y cautivadora, con canciones poéticas empapadas de imágenes de la naturaleza y bellamente casadas con la interpretación intrincada y deslumbrante de Sissoko. También está presente aquí y allá el violonchelista Vincent Ségal, con otros invitados en el ngoni y el guembri que se entrelazan sutilmente con el acompañamiento.
La voz aguda y aflautada de Faccini no es la más sólida, pero aquí está en plena forma. Las canciones están llenas de añoranza, ya sea la atracción de otro país, un regreso a casa o un amor perdido. One Half of a Dream está impaciente por irse, arrastrada por la ráfaga de kora de Sissoko, mientras que Mournful Moon y North and South están impregnadas de blues del desierto. Un estado de ánimo diferente llega con Ninna Nanna, una canción folclórica italiana que es la única pieza que no está en inglés, su letra entrecortada aliviada por el violonchelo de Ségal. Borne on the Wind es una oda al viento bajo el ala de un pájaro que también es un himno al amor perdido: "la luz de su canción se fue hace mucho". Un material magnífico.
1. One Half of a Dream 4’11
2. I Wanted to Belong 3’50
3. If Nothing Is Real 4’05
4. Mournful Moon 3’51
5. Ninna Nanna 5’07
6. Borne on the Wind 4’12
7. Go Where Your Eyes 5’59
8. Shadows Are 4’20
9. North and South 3’18
10. By Your Hand 5’04
Tommy Flanagan era conocido por su forma de tocar el piano de buen gusto, impecable y con ritmo. Aportaba clase a cada sesión en la que participaba y, afortunadamente, esto quedó bien documentado durante la última parte de su carrera. Solo Piano no se publicó inicialmente hasta décadas después de su grabación en 1974. Es importante históricamente porque esta salida fue la primera grabación del pianista como líder en 13 años y, lo más importante, porque es muy buena música.
Hasta el lanzamiento, que se retrasó mucho, de Solo Piano, se creía que el "regreso" de Tommy Flanagan comenzó con The Tokyo Recital de 1975 para el sello Pablo y que su único álbum de larga duración de solos de piano sin acompañamiento fue Alone Too Long de 1977, que fue lanzado por Denon en Japón. Solo Piano obligó a un ligero reajuste de los libros de historia del jazz y, lo más importante, ofrece a los oyentes una música muy agradable del gran pianista. También incluye algunas sorpresas, especialmente para aquellos oyentes que piensan en Flanagan principalmente como un estilista de bop.
Cuando el bop sustituyó al swing como la corriente principal del jazz moderno, la función del piano cambió y pasó de ser un marcador del tiempo a formar parte de la sección rítmica. Mientras que en los estilos de piano de jazz anteriores a 1945, los pianistas marcaban el ritmo con su mano izquierda, normalmente yendo y viniendo entre notas graves y acordes, en el bebop ese papel suele estar a cargo del contrabajista. Los pianistas de bop utilizan la mano izquierda para tocar acordes de forma más impredecible, acentuando los ritmos como un baterista que “tira bombas”, mientras que con la derecha toca líneas que parecen de trompeta.
Ese enfoque funciona perfectamente en tríos, pero puede hacer que algunos pianistas suenen incompletos cuando tocan solos sin acompañamiento. Bud Powell, el líder en este campo, fue capaz de dar a entender el ritmo y ajustar ligeramente su estilo al tocar solos. En el caso de Tommy Flanagan, su capacidad para tocar swing fue una gran ventaja y, en un solo, a menudo añadía un paso modificado, como se puede escuchar en su versión de “Sleeping Bee”.
En temas orientados al swing como “Isn’t It Romantic”, “Sleeping Bee” y “Yesterdays”, Flanagan siempre mantuvo la melodía cerca incluso mientras creaba variaciones improvisadas. Uno nunca tiene problemas para saber dónde está el pianista porque construye sus improvisaciones a partir de la melodía en lugar de simplemente descartar el tema a favor de improvisar sobre sus cambios de acordes. A continuación de esas canciones clásicas, Flanagan interpreta una versión contagiosa de “Stompin’ At The Savoy” que logra sonar a la vez vintage y moderna.
Para concluir el agradable programa, Flanagan interpreta una canción cada uno de tres grandes compositores de la era del bebop (“Con Alma” de Dizzy Gillespie, “If You Could See Me Now” de Tadd Dameron y “Ruby, My Dear” de Thelonious Monk) antes de terminar el set con una alegre interpretación de “Lover”.
Cuando Tommy Flanagan dejó la banda de acompañamiento de Ella Fitzgerald en 1978, su serie de grabaciones en trío le había recordado al mundo del jazz que era un pianista brillante y muy musical. Trabajó de manera constante durante los siguientes 23 años, haciendo giras por Europa y Japón mientras residía en Nueva York y siguió siendo uno de los pianistas de jazz más satisfactorios de todos. Flanagan falleció el 16 de noviembre de 2001 a la edad de 71 años, pero nunca fue olvidado. Tommy Flanagan es recordado con amor, respeto y admiración por su forma de tocar y su naturaleza elegante. El piano solo se suma a su impresionante legado musical
1.
Parisian Thoroughfare 03:36
2.
Wail 02:38
3.
Isn't It Romantic 03:37
4.
Sleepin' Bee 04:46
5.
Yesterdays 03:29
6.
Stompin' At The Savoy 04:42
7.
Strayhorn Medley 11:50
8.
Con Alma 03:07
9.
If You Could See Me Now 03:26
10.
Ruby My Dear 03:02
11.
Lover 02:43
Zoe Mazah presenta su quinto álbum de estudio, Till Then. Incluye diez canciones y dos versiones dub con todos los matices de la vida y el amor como temática central. Un reggae relajado que enfatiza su admiración por la vieja escuela mientras abraza influencias modernas.
Desde el himno one drop A Better Place, que expresa el sentimiento de la artista liberiana/alemana hacia la postura política de la gente en nuestra sociedad, hasta la efervescente Ska So Alive, que invita a bailar toda la noche, las canciones de Zoe Mazah son auténticas.
El disco contiene destacadas colaboraciones, como la de la estrella internacional Randy Valentine en Tonight o la del dos veces nominado al Grammy y ex cantante de The Wailers Josh David en Te Quiero, Te Amo, con el sabor especial de un piano cubano y una guitarra española. También el joven jamaicano Quan Nelson canta en la intensa Dear Almighty y la melódica solista del japonés Itak Tojo destaca en Watch Your Steps.
En palabras de la propia Zoe,“Seis de las diez canciones del álbum son sobre el amor, por no decir todas. Porque el amor es lo que mueve el mundo. Es la fuerza vital de la que provengo. No tengo que estar realmente enamorada para conectarme con la vibración superior del amor y escribir sobre ello. Tampoco dedico necesariamente una canción de amor a una persona. El acto de crear en sí mismo es amor. La música es amor”
1.
A Better Place 03:12
2.
Till Then 03:10
3.
Dear Almighty Ft. Quan Nelson 03:26
4.
Te Quiero, Te Amo Ft. Josh David 03:25
5.
Tonight Ft. Randy Valentine 02:54
6.
So Alive 03:09
7.
Under Water 03:13
8.
Echo Of Life 04:26
9.
Heaven In Your Eyes 02:40
10.
Watch Your Steps 03:02
11.
Te Quiero, Te Amo Ft Josh David ( Dub) 03:35
12.
So Alive ( Dub ) 03:12
Incapaz de realizar giras durante la pandemia, Goran aprovechó la oportunidad para grabar un álbum de cinco obras, escritas para tres violines solistas, una orquesta sinfónica, un sexteto de voces masculinas y, por supuesto, su banda Wedding and Funeral.
Para su último álbum, 'The Belly Button Of The World', Goran ha creado tres cuentos líricos basados en liturgias cristianas, judías y musulmanas, interpretadas por los solistas Mirjana Nesković (Serbia), Gershon Leiserson (Israel) y Zied Zouari (Túnez).
Con este álbum, Goran Bregović fusiona el núcleo de su creatividad con su viaje musical hasta el momento : clásico, salvaje, único, ecléctico y siempre inesperado...
1
The Belly Button Of The World
08:46
2
A Moment Of Melancholy
04:52
3
A Christian Tale
13:14
4
A Jewish Tale
11:49
5
A Muslim Tale
13:19
La música tradicional birmana es parte integral de la cultura y el patrimonio del país. Durante siglos, la música ha sido una parte importante de la vida birmana y sigue desempeñando un papel significativo en el país en la actualidad. La música tradicional birmana se caracteriza por su melodía y ritmo únicos y suele ir acompañada de instrumentos tradicionales como el saung-gauk (un tipo de cítara), el hne (un tipo de flauta) y el patwa (un tipo de tambor).
La música tradicional birmana se utiliza para diversos fines, como ceremonias religiosas, bodas y funerales. También se interpreta habitualmente en festivales y otros eventos públicos. En los últimos años, la música tradicional birmana ha comenzado a ganar popularidad fuera de Birmania, ya que cada vez más personas están expuestas a ella a través de Internet y las redes sociales.
Existe una amplia variedad de géneros musicales tradicionales birmanos, cada uno con su propio estilo distintivo. Algunos de los géneros más populares son los siguientes:
1. Pwe: Pwe es un tipo de música folclórica que se interpreta habitualmente en festivales y otras celebraciones públicas. Se caracteriza por su ritmo alegre y su atmósfera animada.
2. Nat: El nat es un tipo de música religiosa que se interpreta tradicionalmente en los templos budistas. Suele tener un tono más lento y solemne que otros géneros de música birmana.
3. Hsaing waing: El hsaing waing es un tipo de música orquestal que se interpreta normalmente en eventos formales como bodas y ceremonias de estado. Se caracteriza por su sonido grandioso y su instrumentación compleja.
4. Saung: Saung es un tipo de música que suelen interpretar cantantes solistas. Se caracteriza por sus hermosas melodías y letras a menudo sentimentales.
5. Pop: La música pop es un género relativamente nuevo en Birmania y está muy influenciada por la música pop occidental. Suele ser más animada y de ritmo más rápido que otros géneros musicales birmanos.
Una grabación excepcional en un país donde el arte es uno de los pocos medios de expresión y libertad para su población. La música birmana, en la que la improvisación juega un papel importante, está estrechamente vinculada a las artes escénicas. Acompaña espectáculos de danza tradicional, representaciones de episodios de la epopeya india Ramayana y cualquier forma de celebración.
1 Amazing Mandalay 4:53
2 Lotus Dance 3:08
3 Burmese Girl 5:41
4 Floating Clouds 3:40
5 Mother River 3:20
6 Back To Bagan 3:25
7 Buddha Nature 7:52
8 Rangoon Nights 3:15
9 The Golden Pagoda 3:56
10 A Place In My Heart 9:25
Las veteranas estrellas de la escena musical callejera de Kinshasa, Jupiter & Okwess, regresan con su cuarto álbum, Ekoya, que representa un nuevo y emocionante capítulo para la banda, que combina su sonido característico de funk, rock y soukous congoleños con nuevas influencias de México y toda América Latina, presentando encuentros interculturales e inspirados por la historia compartida de los pueblos africanos en dos continentes.
Grabado en México y no en la ciudad natal de la banda, Kinshasa en la República Democrática del Congo (RDC), Ekoya ('It Will Come') explora temas de cambio y resiliencia, de los problemas de los pueblos indígenas y las alegrías y luchas de la vida cotidiana. Con invitados como la cantante brasileña Flavia Coelho, la rapera zapoteca mexicana Mare Advertencia y la cantante congoleña Soyi Nsele, y con letras en ocho idiomas en sus 12 temas, Ekoya marca a Jupiter & Okwess como orgullosamente congoleño y profundamente internacional. Camilo Lara del Instituto Mexicano del Sonido grabó el álbum y produjo un puñado de temas.
1.
Selele 03:15
2.
Les Bons Comptes 02:16
3.
Solobombe 02:57
4.
Ekoya 03:52
5.
Na Bado 03:13
6.
Eyabidile 03:01
7.
Congo Blinders 02:39
8.
Orgullo 03:04
9.
Hay Que Escuchar 03:06
10.
Nkoyi Niama 03:23
11.
Ndanda 02:49
12.
Tout Passera 02:52
'Allt' es una hermosa colección de canciones y melodías recién creadas por Julie Fowlis, Éamon Doorley, Zoë Conway y John Mc Intyre.
Grabado en directo en un escenario circular, 'Allt' es la culminación de un proyecto de composición inspirado en la poesía gaélica antigua y moderna de Escocia e Irlanda. Melodías emotivas y poderosas acompañadas de un acompañamiento reflexivo y comprensivo, este álbum captura el espíritu y la energía de una actuación en directo.
'Allt' es un proyecto verdaderamente colaborativo que combina con arte y sensibilidad palabras y música de sus países de origen y reafirma la antigua conexión musical entre Irlanda y Escocia.
1.
Port Dannsaidh Hiortach / Deóra Dé 04:16
2.
Faoiseamh a Gheobhadsa 05:31
3.
An Ghaeilge 03:30
4.
An Assembly of Munster Men / Is Treise Fonn Ar Théada / An tSlí Chun An Tobair 05:06
5.
Piuthrag Nam Piuth’r 04:05
6.
Dúirt Bean Liom / Ríl Eóin 04:36
7.
An Chruit 04:30
8.
Allt na Ceardaich / Fiona Rosie's 02:53
9.
Air an Somme 04:36
10.
Na Hù Bhithinn / Hò Rò Na Priobaidean 04:28
11.
An tEarrach Thiar 02:27
Thandiswa ha sido una de las cantantes post-apartheid más influyentes de Sudáfrica. Comenzó su carrera en 1996 con los grupos musicales Jack Knife y Bongo Maffin, una de las bandas pioneras del género musical de baile post-apartheid Kwaito. Después de seis álbumes premiados con Bongo Maffin, se aventuró en una carrera en solitario.
Su primer proyecto, 'Zabalaza' (2004), alcanzó el estatus de doble platino y ganó numerosos premios, incluido un premio Kora a la Mejor Artista Femenina Africana y cuatro Premios de Música Sudafricana. También fue nominado a los Premios Planet de la BBC Radio 3. Su segundo álbum, 'Ibokwe' (2009), aclamado por la crítica, alcanzó el estatus de oro en las primeras semanas de su lanzamiento y su DVD en vivo 'Dance of the Forgotten Free' (2010) ganó los Premios de Música Sudafricanos a la Mejor Artista Femenina y al Mejor DVD en Vivo en 2011. El tercer álbum de Thandiswa, Belede (2016), una reinterpretación de jazz de clásicos sudafricanos, alcanzó el estatus de oro a las pocas semanas de su lanzamiento.
El último álbum de Thandiswa, Sankofa (2024), incluye canciones producidas por Meshell Ndegeocello y Nduduzo Makhatini, y colaboraciones con Thandi Ntuli y Tendai Shoko. Sankofa es una palabra twi ghanesa que significa "volver y buscar lo que se ha dejado atrás", y la creación de Sankofa encarna esa idea. Grabado en Johannesburgo, Dakar y Nueva York, el álbum combina grabaciones de campo de música xhosa de archivo, jazz y música de África occidental.
1 Sabela
2 Biko habla
3 Emini
4 Kunzima: El lado oscuro del arcoíris
5 Interludio
6 Dogón
7 Kulungile
8 Con amor para Makeba
9 Hijos de la tierra
10 Xandibona wena
11 Fela Khona
La llegada de Tunng hace 20 años supuso un punto de inflexión para el folk británico, ya que unió sus temas pastorales con una electrónica suave y un sentido del humor a menudo surrealista. A veces se trataba de horror folk en la calle, en la que la gente se transformaba en liebres; en otras, se trataba de una domesticidad alucinante. El grupo sigue en activo: un grupo de seis miembros reunido en torno al dúo central formado por Mike Lindsay y Sam Genders.
De hecho, este octavo álbum de estudio, el primero en cinco años, los devuelve conscientemente a sus inicios, convirtiéndose en una especie de homenaje a ellos mismos; incluso hay un regreso de un personaje favorito, Jenny, todavía impaciente por el cambio. Su configuración predeterminada sigue siendo unas guitarras acústicas que caen lideradas por la voz suave de Genders, pero los acompañamientos siguen siendo tan inventivos como siempre. Sixes llega en una maraña de percusión deformada y campanas que retumban, mientras que Levitate a Little se basa en drones de instrumentos de viento de madera y Yeekays vuela con un riff funk africano. Las canciones son astutas y alusivas.
1.
Everything Else 05:15
2.
Didn't Know Why 04:06
3.
Sixes 02:44
4.
Snails 05:10
5.
Laundry 04:41
6.
Drifting Memory Station 04:14
7.
Deep Underneath 05:29
8.
Levitate a Little 03:23
9.
Yeekeys 03:25
10.
Coat Hangers 05:15
El conjunto pan-escandinavo Víík, cuyos miembros proceden de Noruega, Suecia y Dinamarca, opera en la intersección de la tradición folclórica nórdica, el jazz progresivo y el rock alternativo. Al frente de Víík se encuentra la carismática cantante y compositora noruega Elisabeth Vik, que lleva al público a un viaje mágico a través de baladas medievales y cuentos de hadas mientras redefine los límites musicales del folk nórdico. La revista musical Gaffa escribe: "Fuerza nórdica primigenia. Nuevo folk nórdico en su máxima expresión. Si 'Juego de Tronos' fuera una serie de mitología nórdica, Víík ofrecería la banda sonora adecuada. Víík también impresiona como una fantástica banda en vivo y ha actuado con éxito en el legendario Festival de Roskilde en Dinamarca. Además de Elisabeth Vik, Víík cuenta con Annelene Toft (violín), Villads Hoffmann (cister), Morten Alkjær Lassen (armónica) y Jakob Kragesand (contrabajo) de Dinamarca, así como con Mårten Hillbom (percusión) de Suecia.
1. HUGINN
2. FJELLVETT
3. JEG HAR FÅTT DEN
4. MERE TID
5. FANTEGUTEN
6. HEIEMO OG NYKKJEN
7. MARGIT HJUKSE
8. VON OG MINNE
9. GJENDINES BÅNSULL
10. HJEMME
Cinco años después del lanzamiento de “Luyando”, el artista de exportación musical más célebre de Zimbabwe regresa con su esperado álbum siguiente “Tusona: Tracings in the Sand”. Los seis músicos de Victoria Falls están refinando su sonido único: ritmos afro contagiosos profundamente conectados con el ADN cultural de Zimbabwe. “Tusana” es su álbum más bailable hasta la fecha, una producción DIY grabada en Zimbabwe. Cuenta con trompetas del grupo de highlife ghanés Santrofi.
Todos los domingos, hay una reunión bajo un calor sofocante en los terrenos de una antigua cervecería local en el municipio de Chinotimba en Mosi-o-Tunya (Victoria Falls). El entretenimiento está a cargo de varios grupos tradicionales, incluido el baile de máscaras Luvale Makisi. Es un día lleno de canto, tambores, baile y narración de historias. El vocalista principal de Mokoomba, Mathias Muzaza, a menudo se puede encontrar aquí cantando con una voz al mismo tiempo alta y vulnerable. Durante la tarde, los demás miembros de la banda (el guitarrista Trustworth Samende, el bajista Abundance Mutori, el teclista Phathisani Moyo, el percusionista Miti Mugande y el baterista Ndaba Coster Moyo) suelen sumarse a la canción para cantar. La canción impulsada por la batería “Bakalubale” incluida en su nuevo álbum te invita a esta reunión.
Mokoomba grabó “Tusona: Tracings in the Sand”, el álbum que sigue a “Luyando” (2017, Outhere), en Zimbabue durante la pandemia. En lugar de trabajar con productores externos como Manou Gallo o Steve Dyer como lo han hecho en el pasado, este álbum fue grabado íntegramente de manera artesanal por Mokoomba. El colectivo de Zimbabue puso en práctica todas las experiencias adquiridas durante los años anteriores y ha forjado su música en un sonido zimbabuense único. A petición popular de sus fans en Zimbabue, incluso han vuelto a grabar tres canciones de su último álbum más acústico “Luyando” convirtiéndolas en éxitos de dancehall (incluidos en el CD y las versiones digitales del álbum). En resumen, este álbum es más Mokoomba que cualquiera de los anteriores.
En el álbum, Mokoomba canta sobre el amor, la pérdida y el coraje en una sociedad cambiante. El primer sencillo, “Nzara Hapana”, significa “sin dinero” en shona. La canción habla de un hombre que quiere asegurar el futuro de su esposa y su familia y está tratando de protegerlos contra la avaricia de sus parientes. La canción bailable y animada “Nyansola” alaba a la diosa de la cosecha y le pide lluvia. “Makisi” se canta en luvale. Celebra la belleza de la ceremonia de iniciación para la que se reúne toda la comunidad. “Manina” es una canción sobre la pérdida de un ser querido. Fue escrita durante la pandemia y cuenta con la participación del joven cantante Ulethu de Harare. Mokoomba canta en muchos idiomas locales diferentes. Sus canciones están en tonga, luvale, shona, nyanja e incluso en lingala, que se utiliza en “Makolo”, cuando colaboran con el cantante congoleño Desolo B. (El álbum también incluye trompetas de Nobert Wonkyi Arthur (trompeta), Bernard Gyamfi (trombón) y Emmanuel Arthur (saxo) del grupo de highlife ghanés Santrofi).
El título del álbum es un guiño a su inmenso respeto por la tradición. “Tusona” se refiere a un antiguo sistema de signos y símbolos, dibujados en la arena y utilizados para la instrucción durante las ceremonias de iniciación de los luvale en el sur de África. Otra parte importante de la ceremonia de iniciación de Mukanda es la increíble mascarada de Makisi. Desde 2008, las danzas Makisi están en la lista de patrimonio inmaterial de la UNESCO. Los Makisi son personajes enmascarados que representan el espíritu de los antepasados fallecidos. Durante la ceremonia de iniciación anual, los Makisi regresan al mundo de los vivos para enseñar a los niños pequeños a convertirse en adultos responsables entre el pueblo lubale del sur de África. En la última década, el interés, especialmente entre los jóvenes, ha disminuido y las danzas Makisi casi han desaparecido.
Durante la dictadura cívico-militar chilena las peñas folklóricas se transformaron en un verdadero símbolo de la resistencia; un espacio donde artistas y público se reunían para reafirmar que no todo estaba perdido, que era posible sobreponerse a la oscura noche que se cernía sobre el país. Una de las primeras y más emblemáticas fue la peña Doña Javiera, creada por el músico, escritor y gestor cultural Nano Acevedo. Creada en julio de 1975, estuvo ubicada primero en el restaurant Antofagasta de calle Mac Iver al llegar a Monjitas, y luego fue trasladada al interior del restaurant El Mundo, frente al teatro Caupolicán, donde se mantuvo hasta 1980. En este espacio, se dieron cita muchos de los artistas que se quedaron en Chile, resistiendo, manteniendo viva la creación cultural y el espíritu de lucha. Entre ellos estuvieron: Margot Loyola, Gabriela Pizarro, Lázaro Salgado, Illapu, Barroco Andino, Ortiga, Aquelarre, Capri, Pedro Yáñez, Osvaldo Torres, Natacha Jorquera, Isabel Aldunate, Alfredo Labbé, Mario Fontana, Leo Vallejos, Dúo Semilla, Eduardo Peralta, Claudia Céspedes, Carlos Arriagada, Sergio Araya, Grupo “Aymará”, Alejandro Masmar, Checo Catalán, Mario Lanas, Daniel Tillería, Álvaro González, Guillermo Vega, Jorge Cartes, Rolando Escobar, Marcela Morena, Cristian Cáceres, y muchos otros.
El año 1979, Nano Acevedo produjo este disco, grabado en los estudios Sonotec, que reunió a algunos de los artistas que se presentaban en La Javiera, el cual fue publicado por el sello Alerce con el número de serie ALP 243. La dirección artística estuvo a cargo de Carlos Necochea, y el diseño gráfico pertenece a P. Andrades, O. Rojas y V. Larrea.+INFO AQUI
1 Mi país [Leo Vallejos] (3:36)
3 Marcha Huayño [Del folklore] (2:10)
3 Tango [Astor Piazzola] (4:57)
4 Hombre de arcilla [Eduardo Díaz – Jorge Venegas – Donald Silva] (4:05)
5 En casa de una mujer llamada María [Nano Acevedo] (3:15)
6 Estudiando el invierrno [Nano Acevedo] (3:18)
7 Tu nombre me hará llorar [Freddy Albarracín] (3:01)
8 Desplazados [Juan Bustamante] (2:16)
9 América nuestra [Carlos Roa] (4:05)
10 Romance del otro Santiago [Nano Acevedo] (5:33)
El conjunto pan-escandinavo Víík, cuyos miembros proceden de Noruega, Suecia y Dinamarca, opera en la intersección de la tradición folcló...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
Si alguna vez no puedes entrar en el blog GPS-SONORO ,apuntate el siguiente blog para no despistarte.(SOLO SE ABRIRA EL BLOG SI CIERRAN GPS)
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