concierto que une la impecable voz de Pilar de la Hoz, considerada la primera dama del jazz peruano y la extraordinaria guitarra de Sergio Valdeos, considerado uno de los mejores guitarristas peruanos en la actualidad.
'Jazz con Sabor Peruano' surgió del sentimiento de entrelazar y fusionar diferentes ritmos internacionales, como los brasileños, el jazz norteamericano con elementos de la música peruana, como la guitarra criolla y el cajón peruano, y los diferentes géneros de la música peruana, como el vals, el landó, la zamacueca, el festejo, y con ese sabor peruano tan singular.
Afro Peruvians are citizens of Peru mostly descended from African slaves who were brought to the Western hemisphere with the arrival of the conquistadors towards the end of the slave trade.Pilar de la Hoz puts paid to the idea that Latin Americans don't sing jazz outside Brazil. This is an stunning musical work, acoustic, with a simple yet effective, first-class instrumentation, filled with taste and expertise. Her vocals and arrangements.She melds an Afro-Peruvian, Afro-American sensibility and clear international vision with the Brazilian bossa-nova jazz styles that captured her imagination when Dora, her pianist mother, played them to her as a child.A member of cutting edge group Bossa 9 since she was sixteen, Pilar de La Hoz belongs to the intimate yet vital Lima jazz scene.
1. Para Cantar
2. Desdén
3. Hay Días Como Hoy
4. Mi Romance
5. Ayer Te Ví
6. Campesina
7. That's All
8. El Mayoral
9. Quiero Que Estés Conmigo
10. Agua De Beber
11. My Favourite Things
Carles Dénia se sumerge de nuevo en el repertorio popular para nutrirse una vez más de la esencia musical valenciana, y se somete voluntariamente a los cánones tradicionales para ofrecer un trabajo que destila libertad por los cuatro costados. Es un obra moderna, de tan radicalmente esencial como es.
Seguidillas, malagueñas, amaneceres, jotas, fandangos cantos de trabajo y canto de estilo ... suenan en la voz y en las cuerdas de Dénia y de su rondalla, La Nueva Rimaire, nuevas y frescas, terriblemente actuales.
CARLES DÉNIA: canto, guitarra y dirección artística VICENT CARRASCO: guitarra y guitarrón CRISTÓBAL RENTERO: guitarrón y guitarra PACO LUCAS: bandurria, laúd CARLOS LUCAS: bandurria
1 La Tradició Mal Entesa 2 Jerigonzas 3 Malaguenya Del Rebolledo 4 Jota Fandango 5 Bolero de L'Home Insomne 6 Fou Gandia El Meu Bressol 7 Albaes Del Maestrat 8 Com Una Llum Matinera 9 Seguidilles de Zarra I Enguera 10 Petenera 11 Fandango de Moixent 12 Com Un Crit Que Arriba Al Cel
KASSAV es un grupo musical originario de las Antillas Francesas, cuyos primeros miembros destacan por ser los creadores del género ‘zouk’, una versión moderna de la música popular del carnaval de las Antillas. Su fundador fue Pierre-Edouard Décimus, que decidió comenzar el proyecto en 1979 junto a Freddy Marshall. Pierre-Edouard decide adaptar la música popular de Guadalupe a la de la época mediante unas técnicas musicales modernas, ya que siempre había estado fascinado por la música del archipiélago. Es por ello que realizó varios trabajos de estudio junto a numerosos músicos, siendo primeramente una prueba experimental. Los ritmos de origen provenientes principalmente de Gwota servirían de base para la música sobre la que soñaban. En general, puede decirse que el concepto de artista de KASSAV va más allá de ser un grupo: es una reflexión, un deseo de progresión y retorno a las raíces.
En 1979, saldría a la luz su primer álbum de estudio “Love and Ka Dance”. Sin embargo, el grupo tuvo distintos integrantes a lo largo de los años hasta 1984, ya que muchos se unían y lo abandonaban posteriormente. Entre 1984 y 1987, el grupo estaba bajo la marca de GD Productions en Martinica, y sus trabajos se distribuyeron por Sonodisc. Para KASSAV esto suponía una mayor comodidad financiera para la realización de álbumes de calidad en los mejores estudios de París. Su estrategia era sacar un álbum anual bajo el nombre del grupo, y otros tres con sus integrantes en solitario. De esta forma, cada individuo desarrollaría su propio estilo, siempre en la línea del trío que conformaba el grupo en sus inicios. Todos los miembros invertirían y trabajarían en el álbum grupal y en el solitario.
En el año 1984, los músicos de las Antillas no trabajaban demasiado en el mundo de la música de forma profesional porque, según aseguraban, esta práctica no les permitía subsistir. Ante esto, KASSAV llevó a cabo una serie de conciertos y sacó varios discos, aproximadamente 15 en nombre de todo el grupo, y más de 30 de sus miembros en solitario. Dichos conciertos tuvieron lugar en el Caribe, aunque también llegaron a hacerlos en Francia. Allí, los jóvenes que estaban lejos de su ciudad natal pudieron identificarse por fin con un grupo musical fiel a su cultura. En diciembre de este mismo año tuvieron un gran éxito internacional a raíz del álbum “Zouk-La Sé Sel Médikaman Nou Ni”, producido por Georges Décimus y Jacob Desvarieux, dos artistas aclamados al proyecto grupal desde sus inicios. De acuerdo al nombre del disco, se dio finalmente una denominación al concepto de música que estaban desarrollando: el zouk.
Desde ese primer reconocimiento internacional en 1984, el grupo siguió expandiendo su trayectoria de manera nacional e internacional. En 1985, KASSAV se lanza al continente africano y llena los estadios con 90000 personas en Luanda, y los reciben 250000 fanáticos en el acto de bienvenida al grupo en L’Esplanade de Vincennes en su llegada a Francia. En 1986, Jocelyne registra su primer álbum en solitario, y se convierte en el primer disco de oro concedido a una mujer en las Antillas. KASSAV, en su contrato con CBS, sacan dos álbumes más: "Vini Pou" (1987) y "Majestik Zouk (1989). Ambos fueron discos de platino y todos los que les siguieron se convirtieron en discos de oro. En 1989, además, los artistas hicieron varias actuaciones en las islas del Océano Índico, tres conciertos en Leningrado, uno en Madrid, y varios a lo largo de EEUU y Canadá.
Recibieron, además, distintos premios en distintas categorías a lo largo de los años. En 1988 fueron galardonados por primera vez por mejor grupo en Victoires de la Musique (France), y al año siguiente recibieron el premio en la misma categoría en Francophonie, Quebec (Canadá). En 1997 recibieron también el premio a mejor grupo en African Awards, Libreville (Gabon). En 2001, ganaron el premio SACEM en Guadalupe por mejor zouk. Aparte de todos estos, los integrantes que han estado desde loscomienzos y hasta nuestros días también han recibido numerosos trofeos en calidad de mejor cantante, compositor, autor, arreglista, mejor álbum en solitario, mejor canción en Guadalupe, Martinica, África y en el Caribe.
1. San Ayen
04:57
2. Abò Léwo
03:48
3. Nou Ped Chimen
04:03
4. Lanbi La-Brilé
04:31
5. Léron
04:10
6. Jénérasion
04:13
7. Konsa An Yé
04:11
8. Jump
03:57
9. Kon 2 Timoun
03:07
10. An Sansib
04:34
11. An Tet-Ou
04:35
12. Vlopé'w Adan
04:12
13. Wi
04:07
Yamandu Costa, ganador de varios Grammy Latinos y guitarrista de Rio Grande do Sul, ha grabado De Vida y Vuelta (2023) junto a Domingo Rodríguez Oramas, más conocido como Domingo El Colorao, un músico tradicional de Fuerteventura. Los dos unen sus instrumentos, la guitarra de siete cuerdas y el timple, entregando un sonido único, una clase magistral de simplicidad que reune las brisas de Brasil y de las Islas Canarias.
Yamandu Costa se ha convertido en uno de los músicos más admirados de su país, con una propuesta que cruza la tradición brasileña —choro, bossa nova o samba— con las tradiciones argentinas y uruguayas —tango, milonga o zamba— recreadas a través de su singular guitarra de siete cuerdas.
Por su parte, el timplista Domingo Rodríguez Oramas "El Colorao" es un artista sobradamente conocidos en el panorama de la música popular de Canarias. La forma de rasguear y de tocar heredada de la tradición y depurada por sus estudios de guitarra aporta al majorero un estilo propio que patenta en sus numerosos trabajos discográficos y sus frecuentes colaboraciones con artistas y grupos señeros de la tradición popular de las islas.
Grabado en Lisboa (residencia actual de Yamandu), con 13 canciones instrumentales, el álbum cuenta con un repertorio ecléctico, que va desde lo clásico hasta lo popular, en una mezcla de idiomas. La obra es una celebración de la relación entre Canarias y América Latina, que estuvo fuertemente influenciada por el archipiélago y sus elementos musicales y culturales: hay canciones de Venezuela, Paraguay, Brasil y, por supuesto, de la tierra de Domingo El Colorao.
01. Lágrima
02. Boliviana
03. Vals Francés
04. Alma Llanera
05. Mazurca del Zurdo
06. Sons de Carrilhões
07. Natalia
08. Tango en Skï
09. Adiós a Ocumare
10. Pájaro Chogui
11. Mazurca Choro
12. Isa Parrandera
13. Vida y Vuelta (José Marcos Hormiga Santana)
El álbum Les Égarés (2023) es más que un disco. Es un espacio de juego habitado por dos dúos que durante años se han destacado en el arte de cruzar sonidos y trascender géneros. El formado por el icono de la kora Ballaké Sissoko y el chelista francés Vincent Ségal se ha hecho célebre por crear una original música de cámara, con elementos europeos y africanos, plasmada en los celebrados discos Chamber Music (2009) y Musique de Nuit (2015). Por su parte, el francés Émile Parisien se ha convertido, con sus saxos alto y soprano, en un adalid del jazz europeo, sin renunciar a incorporar a su lenguaje la tradición del folclore y el rigor de la música clásica contemporánea. Lo ha demostrado en numerosos discos, algunos de ellos a dúo con su paisano Vincent Peirani (acordeonista, arreglista y compositor) como Belle Époque (2014) o Abrazo (2020), ambos publicados por ACT.
La portada del debut del cuarteto, una acuarela de tintes impresionistas, representa a la perfección el contenido del disco, un sonido que parte del jazz para captar la esencia de varias músicas del mundo en un florido diálogo a cuatro voces instrumentales que se convierte en seductora música de cámara contemporánea.
Ni jazz, ni tradicional, ni de cámara, ni vanguardista, sino un poco de todo a la vez, Les Égarés es el tipo de álbum que hace del oído el rey de todos los instrumentos. Es una magia colectiva que, haciendo otro símil pictórico, permite catalogarlo de jardín musical de las delicias.
01. Ta Nyé
02. Izao
03. Amenhotep
04. Orient Express
05. La chanson des Égarés
06. Esperanza
07. Dou
08. Nomad´s Sky
09. Time Bum
10. Banja
Tina Turner, Regula Curti, Ani Choying Drolma*, Dima Orsho, Sawani Shende, Mor Karbasi – Awakening Beyond
BEYOND are releasing their global message for the fourth time. The new double album “AWAKENING BEYOND” is a musical contribution that aims to reconnect people of different cultures and beliefs. In 2016, BEYOND music was expanded to include six voices from six different cultures and an orchestra. The album «AWAKENING BEYOND» contains prayers, lyrical texts and lullabies sung by Regula Curti (Zurich, Switzerland), Ani Choying (Kathmandu, Nepal), Dima Orsho (Damascus, Syria), Sawani Shende Sathaye (Pune, India) and Mor Karbasi (Jerusalem, Israel). Tina Turner (Switzerland/USA) speaks the spiritual and universal message. Each individual culture is reproduced in its authentic musical tradition and timbre using original instruments. The score on which the work is based comes from the Syrian-American composer and producer Kareem Roustom. The soundtrack was recorded by the world-famous Philharmonia Orchestra London and recorded in the historic Abbey Road Studio. «AWAKENING BEYOND» is a heartfelt gift from various musicians and voices who send their sign of hope into the world. Their music is intended to serve as an inspiration for mutual respect, compassion and dialogue between faiths and cultures and to sensitize more and more people to tolerance and love.
Awakening Beyond es el cuarto y último álbum del proyecto Beyond, que incluye a seis cantantes de seis culturas diferentes. Incluye letras, oraciones y canciones de cuna cantadas por Regula Curti de Zurich (Suiza), Ani Choying de Katmandú (Nepal), Dima Orsho de Damasco (Siria), Sawani Shende Sathaye de Pune (India) y Mor Karbasi de Jerusalén (Israel). Tina Turner de Zurich (Suiza) habla el mensaje espiritual y universal. La banda sonora fue interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres y grabada en los históricos estudios de Abbey Road. En noviembre de 2018, el álbum se reeditó junto con todos los demás lanzamientos de Beyond como una caja de edición de coleccionista.
BEYOND está lanzando su mensaje global por cuarta vez. El nuevo álbum doble “AWAKENING BEYOND” es un aporte musical que pretende reconectar a personas de diferentes culturas y creencias. En 2016, BEYOND music se amplió para incluir seis voces de seis culturas diferentes y una orquesta. El álbum «AWAKENING BEYOND» contiene oraciones, textos líricos y canciones de cuna cantadas por Regula Curti (Zúrich, Suiza), Ani Choying (Katmandú, Nepal), Dima Orsho (Damasco, Siria), Sawani Shende Sathaye (Pune, India) y Mor Karbasi. (Jerusalén, Israel). Tina Turner (Suiza/EE.UU.) transmite el mensaje espiritual y universal. Cada cultura individual se reproduce en su auténtica tradición musical y timbre utilizando instrumentos originales. La partitura en la que se basa la obra procede del compositor y productor sirio-estadounidense Kareem Roustom. La banda sonora fue grabada por la mundialmente famosa Orquesta Filarmónica de Londres y grabada en el histórico Abbey Road Studio. «AWAKENING BEYOND» es un regalo sentido de varios músicos y voces que envían su señal de esperanza al mundo. Su música pretende servir de inspiración para el respeto mutuo, la compasión y el diálogo entre religiones y culturas y sensibilizar cada vez a más personas sobre la tolerancia y el amor.
Disc 1 Rain Songs 9:18 Spiritual Message by Tina Turner Composed by Kareem Roustom, Sawani Shende Sathaye Be Now In Your Hands 6:32 Composed by Kareem Roustom, based on traditional Sephardic and Latin melodies Salutations 7:07 Composed by Kareem Roustom, Sawani Shende Sathaye, Ani Choying Partos Trocados 4:52 Arranged by Kareem Roustom, based on a tradtitional Sephardic melody Avalokiteshara 6:16 Composed by Ani Choying, Kareem Roustom Wiegenlied 4:07 Arranged by Kareem Roustom Nini Nini 5:36 Composed by Kareem Roustom based on traditional Syrian lullaby Sojaa Sojaa 4:32 Composed by Sawani Shende Sathaye, Kareem Roustom
Disc 2 Mountain Blessings 8:11 Composed by Kareem Roustom, Sawani Shende Sathaye Lama Chenno 3:50 Composed by Ani Choying, Kareem Roustom One Soul 6:47 Composed by Kareem Roustom Two Loves 6:14 Composed by Kareem Roustom Caritas Abundad 2:01 Arranged by Kareem Roustom / Melody by Hildegard von Bingen Awakening Beyond (Part 1) 7:51 Spiritual Message by Tina Turner Composed by Ani Choying, Kareem Roustom Awakening Beyond (Part 2) 1:58 Awakening Beyond (Part 3) 4:06
"Granada tiene dos ríos, ochenta campanarios, cuatro mil acequias, cincuenta fuentes, mil y un surtidores y cien mil habitantes", contaba Federico García Lorca en 1933 en su conferencia Cómo canta una ciudad de noviembre a noviembre. Sin duda, la ciudad nazarí también puede presumir de haber visto nacer a dos de las grandes figuras del arte español del siglo XX y, por ampliación, de toda su historia: el propio Federico y Enrique Morente.
Enrique Morente interpreta la poesía de Federico García Lorca, continúa profundizando en sus textos convencido de que la escritura de Lorca tiene música propia. Si "Omega" es su lectura de "Poeta en Nueva York" esta vez Morente elige poemas y fragmentos de teatro de distintas obras. "Morente-Lorca" es una visión, un recorrido personal del cantaor por el itinerario vital y creativo del poeta hasta llegar al horror de su asesinato (la portada: un tremendo dibujo de Lorca fusilado de su amigo José Caballero).
Una vez más Morente se acompaña de su gente, a la guitarra un gran Juan Manuel Cañizares y a los coros y percusiones Antonio Carbonell y Enrique Heredia-Negri. El cantaor lleva los textos de Lorca a los diversos palos del flamenco seguro de que les une una sensibilidad común, pero él arriesga como siempre y da rienda suelta al ángel de su voz. Con la colaboración de las Voces Búlgaras, Morente consigue uno de los mejores pasajes del disco: el "Cantar del alma" de San Juan de la Cruz, poesía mística llena de erotismo para evocar a Lorca. Todo termina con un réquiem para el poeta, con las campanas del Albaicín y los coros flamenco y búlgaro. Imprescindible para todo amante de Lorca y del flamenco....Mondosonoro
01. Canciones de la Romería (02:28) 02. Fandangos (04:06) 03. Bamberas (04:07) 04. Fragmentos de la Romería de Yerma (04:54) 05. Final (02:00) 06. Cantar del alma (04:12) 07. Y de pronto (03:06) 08. El Lenguaje de las flores (04:29) 09. Gacela del amor improvistos y otros fandangos (04:02) 10. Poemas de la saeta (01:17) 11. Los saeteros (04:51) 12. Tierra y luna (03:11) 13. La leyenda del tiempo (04:16) 14. Campanas por el poeta (07:41)
Ylana es de la región de Khorqin en el noreste de Mongolia Interior. Nació en la pradera. . Durante su infancia vivió con nómadas en la región de Horchin.Desde los 6 años, estudió con Eldendarai, un maestro del arpa de caballo.Elegí este instrumento a propósito porque casi no había mujeres que lo tocaran. Desde entonces, ha ido en ascenso y ganó el Concurso de Música Juvenil de Lanzhou.
Después de graduarse de la escuela primaria, se mudó solo a Hohhot, la capital de Mongolia Interior, para estudiar más a fondo el qin del caballo y se matriculó en la prestigiosa Escuela Secundaria de la Universidad de Artes de Mongolia Interior. Estudió con Daruma, uno de los maestros del arpa de caballo.
En 2012, se graduó de Shobi Music College, Departamento de Arreglos y Composición, Curso de Música Visual.
Participó en el álbum CD "ASIAN MUSE Asian Goddess" (Toshiba EMI), que fue lanzado en febrero de 2004 y contó con artistas femeninas de Asia. En septiembre del mismo año inició sus actividades radicando en Japón.
Aunque Ilana se especializa en qin de caballos, su talento ha florecido en los últimos años como una genial cantante de Ortindo, una canción tradicional de Mongolia que ha sido reconocida como un bien cultural intangible mundial.Ilana admira el canto del difunto Nolobbanzad, el mejor cantante de Ortindo de Mongolia y artista de fama mundial, y aprendió por sí misma la técnica de canto única de Ortindo. Su talento fue descubierto por el profesor Gellert de la Universidad de Artes de Mongolia Interior, y después de aprender muchos. Con sus conocimientos básicos, fue a estudiar al extranjero en la Universidad Nacional de Arte y Cultura de Mongolia, donde estudió con el Sr. Delgel, quien fue discípulo de su tan esperado Sr. Norobvanzad y actualmente es el mejor maestro de Ortindo en Mongolia. es decir, el mundo, y se destaca entre la multitud. Fue muy elogiado por su talento y talento.
En el verano de 2012, ganó una medalla de bronce en su primera aparición en el Concurso Ortendo celebrado en Mongolia Interior. Está atrayendo la atención como una nueva estrella que apareció de repente en el mundo de Ortindo. Como intérprete profesional de Batoqin, Ilana ha perfeccionado su estilo de canto único y sin precedentes de cantar oltindo mientras toca el Batoqin, y está activa en el escenario mundial como artista de New World Music.
¿Qué es Batokin?
El Batoqin, también conocido como "Caballo Blanco de Suho", es un instrumento popular que representa a Mongolia. En mongol se llama "Morin Khor". El Batokin se toca con un arco, al igual que instrumentos como el violín, el violonchelo o el kokyu. Por esta razón, a veces se describe al Batokin como un "violonchelo de la pradera".
[Características del arpa con cabeza de caballo]Hay una talla de la cabeza de un caballo.
El material de la cuerda es cola de caballo. Hay alrededor de 100 cuerdas exteriores y alrededor de 90 cuerdas interiores. (Actualmente, en la Región Autónoma de Mongolia Interior de China, se utilizan cuerdas de nailon).
- Normalmente, desde la perspectiva del jugador, la cuerda derecha toca el tono bajo y la cuerda izquierda toca el tono alto, pero la cabeza de caballo qin está a la izquierda y a la derecha. las cuerdas están invertidas. Es decir, las cuerdas exteriores son las notas graves y las interiores son las notas agudas.
La forma en que los dedos índice y medio de la mano izquierda sujetan las cuerdas es distintiva. En lugar de presionar los hilos con las yemas de los dedos, presione los hilos desde el exterior (lateral) alrededor de la línea del cabello de las uñas. Para el dedo anular y el meñique, presione las cuerdas con las yemas de los dedos. Hay aproximadamente dos tipos de qin de caballo: el estilo mongol y el estilo de la Región Autónoma de Mongolia Interior de China. Creo que el qin del caballo de Mongolia fue influenciado por la ex Unión Soviética, y el qin del caballo de la Región Autónoma de Mongolia Interior de China fue influenciado por China (el pueblo Han), los cuales se desarrollaron como resultado de sus respectivos desarrollos.
Material de las cuerdas
Estilo mongol: pelo de cola de caballo
Estilo China de Mongolia Interior: Nylon
*Sin embargo, incluso si el estilo mongol se toca en un país extranjero, se pueden usar cuerdas de nailon. Esto se debe a que la alta humedad hace que las cuerdas sean más propensas a romperse.
Dunkelbunt es un experimentado músico y productor austriaco con un innovador enfoque de la música electrónica y los sonidos del mundo. Con una fusión única de géneros como el balkan, el electro swing y la música tradicional de Europa del Este, Dunkelbunt crea una fiesta musical única y encantadora. Su música es una mezcla de ritmos vibrantes, melodías pegadizas y sampleos eclécticos que te transportan a un viaje sonoro lleno de energía y exotismo.
Con una visión artística excepcional, Dunkelbunt combina elementos electrónicos modernos con influencias culturales de todo el mundo. Sus actuaciones en vivo son una explosión de energía, donde el público se ve inmerso en una mezcla de sonidos que invitan a la fiesta y al baile. Dunkelbunt ha logrado trascender fronteras musicales y geográficas, creando un sonido fresco y original que ha conquistado a oyentes de todo el mundo. Su música es una celebración de la diversidad y una invitación a explorar nuevos horizontes musicales.
1 Cinnamon Girl (Radio Edit)
Featuring – Boban I Marko Marković Orkestar
4:03
2 Cinnamon Girl (Club Edit)
Featuring – Boban I Marko Marković Orkestar
6:15
3 White Chocolate Butterfly (S. Miele Rmx) 5:27
4 The Chocolate Butterfly (Solo Moderna Rmx) 6:24
5 The Chocolate Butterfly (Vono Box Djs Rmx) 4:04
6 Cinnamon Girl (Instrumental Edit)
Featuring – Boban I Marko Marković Orkestar
6:15
7 Chocolate Butterfly Piano Improvisations (Chapter One) 10:10
Funeral For Justice es el nuevo álbum de Mdou Moctar. Grabado al final de dos años de gira por el mundo tras el lanzamiento de 'Afrique Victime' de 2021, captura al cuarteto nigerino en su forma feroz. La música es más fuerte, más rápida y más salvaje. Los solos de guitarra están llenos de retroalimentación y las letras son apasionadamente políticas. Nada se reprime ni se suaviza. Funeral para la Justicia es extraordinario. Es ardiente en la música y las letras, con mensajes que son esenciales en un mundo en llamas y cuyos sonidos pueden llevar esos mensajes por todas partes.
El álbum colaborativo de Ballake Sissoko y Derek Gripper es una exploración mágica de la sinergia musical y el virtuosismo. Grabado en sólo tres horas, el álbum captura la magia espontánea que surge cuando dos maestros de su oficio se unen. El dominio de la kora de Sissoko, arraigado en las tradiciones de África occidental, se combina a la perfección con la experiencia en la guitarra clásica de Gripper, creando una cautivadora fusión de sonido. Su diálogo musical trasciende fronteras, y cada artista empuja al otro a nuevas alturas de creatividad y expresión. La reverencia de Gripper por la habilidad de Sissoko como intérprete del timbre es palpable, mientras que Sissoko reconoce la curiosidad y apertura de Gripper como esenciales para su colaboración. Este álbum es un viaje a través de reinos antiguos y contemporáneos, donde las resonancias del imperio Manding se mezclan con las texturas de la guitarra para crear algo verdaderamente único y especial.
1.Ninkoy 07:02 2.Koortjie 08:00 3.Koyé Yè Yan 04:36 4.Maimouna 07:20 5.Moss on the Mountain 05:29 6.Daraka 02:53 7.Basle 04:51
Jamshied Sharifi (nacido el 17 de octubre de 1960) es un compositor, director, músico y productor discográfico estadounidense. Nacido en Topeka , Kansas , de padre iraní y madre estadounidense, Sharifi estuvo expuesto a la música a una edad temprana, aprendiendo jazz y música del Medio Oriente a través de su padre y música clásica europea y religiosa a través de su madre. Comenzó a estudiar piano clásico a los cinco años y rápidamente desarrolló una sed de instrucción musical y un deseo de improvisar. A los nueve años comenzó a estudiar guitarra y batería, y a los diez años añadió flauta.
En "One", colabora con seis cantantes virtuosos de todo el mundo: Hassan Hakmoun (Marruecos), Yungchen Lhamo (Tíbet), Vishal Vaid (India), Sussan Deyhim (Irán), Abdoulaye Diabaté (Malí) y Paula Cole ( Estados Unidos). También se incluye un elenco internacional de instrumentistas, entre ellos Ole Mathisen (clarinete), Eyvind Kang (viola), Séamus Egan (silbato), Brahim Fribgane y Stéphane René (oud), Michiyo Yagi (koto), Mamadou Diabaté (kora), Skúli. Sverrisson (bajo), Benjamin Wittman y Simone Haggiag (percusión)
1 One
2 Setaa
3 The Ship Sails; the Ocean Is Gone
4 A Charlotte Sky
5 Fereshteh
6 Darfur Is Burning
7 Ghanima
8 My Grandfather, the Tree
9 Di'vaneh
10 As Mosst, Keh Bar Mosst
11 Requiem
Dos chilenos, un boliviano y una estadounidense forman este cuarteto de musica andina, con dilatada carrera musical y muchos exitos a sus espaldas. Toda la instrumentacion es tradicional andina, la zampoña o la quena en la seccion de viento; guitarras, harpa y violin en la de cuerda y una percusion muy variada. Las voces son escasas, en este disco solo en un tema y estan relativamente logradas. Y no solo las voces estan relativamente logradas, todo en el disco es relativo, pues la ejecucion es de alto nivel, sin embargo el sonido andino es bastante artificial, tiene muchos modos occidentales y, por momentos sonoridades New Age, y no es porque la mayoria de temas sean composiciones del grupo, mas bien es que se les haya ido la mano en produccion y hayan pensado en un publico occidental, publico que empieza a tener cada vez tendencias mas puristas.
Pachakuti que en lengua Quechua significa ?Retorno a un tiempo y un espacio?,
Los pueblos aymaras y quechuas celebran cada año el regreso del sol o Wilkakuti. Un dia antes, el 20 por la noche, comienzan las rituales cuando las autoridades de las comunidades en horas de la noche preparan las ofrendas para ser entregadas a la Pachamama, los Apus y los Achachilas.
Cuando el Qhantati Ururi aparece antes del alba, se queman o entierran las ofrendas, luego se reciben los primeros rayos del sol, y al mediodia se efectua el pago a la Pachamama en medio de musica y danza original, culminada la celebracion compartiendo el quqawi.
La Pachamama para los quechuas y el mundo andino es mas que la madre tierra,es universo, mundo, tiempo, lugar, es el planeta tierra. Una palabra que unifica no solo la naturaleza como sinonimo, sino tambien los seres humanos que vivimos en ella. En esta idea de madre-planeta tierra no existe division entre la sociedad, la cultura, que necesita dominar y explotar su entorno y la naturaleza, que imaginamos vegetal, animal y mineral, ya que nosotros y el planeta somos una sola vida palpitante dentro de esta figura llamada Pachamama. No somos parte de la Pachamama somos Pachamama
Musicos
Gonzalo Vargas Pamela Darington Jorge Tapia Omar Sepulveda WIPALA G.Vargas Tracks 01 - Wipala 02 - Camino A Inkuyo 03 - Uña 04 - A La Virgen De Las Penas 05 - Tierra Callawaya 06 - Amanece En Visviri 07 - Khusillo 08 - Jach'a Marka 09 - Samay 10 - Flor De Mamina 11 - Cultura Andina 12 - Apu 13 - Selection Of Tinkus 14 - Ponchos Rojos / Mi Mala Suerte 15 - Surco 16 - Peshte Longuita 17 - El Carnaval 18 - Silencio 19 - Carnaval Cruceño
Lancy Falta aprendió a tocar la guitarra a la edad de 10 años de su padre Bobby Falta, con quien más tarde fundó el Falta Duo. Lancy es ahora uno de los guitarristas de jazz gitano más consumados y virtuosos de Alemania. Su alto nivel interpretativo y su sofisticada técnica ya han sido apreciados por músicos como Joe Pass, Chaka Khan, Wolfgang Lackerschmid, Carlos Benavente, Joe Zawinul, Kitty Winter, entre otros, con quienes ya ha trabajado. Actualmente se encuentra de gira con su primo Dotschy Reinhardt y también grabó su primer álbum en solitario “In the Fields”.
Lancy Falta grabó su música a pequeña escala. Con sólo guitarra, violín, contrabajo y percusión, él y su banda dejaron que Gypsy Jazz siguiera su curso. “In the Fields” es una expresión de verdadera alegría al tocar y libertad en la expresión musical de principio a fin. Como en campo abierto, Lancy a veces avanza hacia sus propias composiciones como “Bobby's Rumba”, “In the Fields” o “Gypsy Waltz” o interpreta clásicos como “Sweet Georgia Brown” y “Down Here on” por su cuenta. Unique way the Ground” o el clásico de Charlie Parker “Donna Lee”, cuya dinámica melodía toca furiosamente al unísono con Ulli Bartel al violín.
El proyecto comenzó con una improvisación relajada entre Lancy, Bobby Falta y Uli Bartel en un pub. El ingeniero de sonido Markus Hummel se acercó a los tres músicos después de la sesión y al día siguiente se grabaron “Sweet Georgia Brown” y “Alright With Me” con guitarra y violín. El resultado fue motivación suficiente para grabar las pistas restantes de un álbum completo con Peter Bockius (contrabajo), “JoJo” Schick (percusión), Bobby Falta (guitarra) e Isis Köhler (voz).
Con su tono cálido y jazzístico, Lancy dibuja solos melódicos maravillosos y cuenta con el apoyo virtuoso de su padre Bobby en “Bobby's Rumba” y “Down Here on the Ground”. La letra cantada por Isis Köhler en lengua sinti romaní encaja maravillosamente en “Tschawo”, “Du Djial Mugal Man Gogares”, “Du Djaijal” y “O Letschdo Gurgo”.
“In the Fields” es un álbum de jazz gitano maravillosamente vibrante y edificante que presenta a Lancy Falta, uno de los guitarristas más destacados de la escena local.
1.Bobby `s Rumba 02:43
2.Tschawo 03:55
3.Dona Lee 03:02
4.Du Djial Mugal Man Gogares 03:26
5.Down Here On The Ground 06:01
6.Sweet Georgia Brown 05:38
7.Du Djaijal 02:39
8.In The Fields 03:40
9.Teen Town 04:01
10.O Letschdo Gurgo 05:24
11.Gypsy Waltz 03:37
concierto que une la impecable voz de Pilar de la Hoz, considerada la primera dama del jazz peruano y la extraordinaria guitarra de S...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
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Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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