Skyedance está formado por Alasdair Fraser (violín), Eric Rigler (gaita escocesa y uillean), Chris Norman (flauta de madera), Paul Machlis (teclados), Peter Maund (percusión) y Mick Linden (bajo).
En este álbum, la banda contó con invitados españoles entre los que se encontraban la cantante gallega Mercedes Peón (voz), el nominado al Grammy Latino Hevia (gaita midi), José Manuel Tejedor (gaita asturiana), Joxan Goikoetxea (acordeón), el entusiasta acordeonista vasco Kepa Junkera (trikitixa), Mikel Laboa (voz) y Oreka TX (txalaparta) en tres conciertos bastante notables en 2001 ante un público español muy entusiasta.
1.
Harris Dance 04:45
2.
Dizzy 03:44
3.
Marabilla 05:21
4.
Dinky's Medley 03:52
5.
Cries and Shrieks of Woe 04:22
6.
A Stór Mo Chroí 02:37
7.
Stoney Run 05:53
8.
The Spark 05:25
9.
Way Out to Hope Street 02:12
10.
Theme for Scotland 04:30
11.
Donostia 04:27
12.
Txoria Txori 04:04
13.
The Other Side of Sorrow 04:43
14.
Galen's Medley 04:52
15.
Tail Toddle Finale 08:44
Afro fue nuestro primer lanzamiento internacional y nuestro primer intento de actualizar la música afroperuana de la misma manera que Nicomedes Santa Cruz y otros lo hicieron hace décadas cuando la frágil existencia de esta música se estaba desvaneciendo. Estuvimos muy satisfechos con el resultado, que es crudo y acústico pero al mismo tiempo electrónico. Oscuro pero conmovedor. Profundo y, a veces, inquietante.
En este álbum nos acompañan algunos de los mejores músicos afroperuanos en cajón, guitarra y voces, lo que le da a cada canción una sensación de vivo y el álbum incluye producción adicional en todas las pistas por parte de Toni Economides, el mago del estudio de Nitin Sawhney y Da Lata.
El tercer álbum de El Khat, Mute, contradice su título, ya que sale a toda velocidad de los altavoces con una intensidad estridente. Formado en los garajes y almacenes de Jaffa y ahora con sede en Berlín, la visión en constante expansión del grupo se posiciona desafiante contra la complacencia, el conflicto y la división. Tambores y metales estridentes, un órgano irregular, melodías yemeníes hipnóticas e instrumentos de cuerda y percusión DIY únicos, todo se fusiona en un paisaje sonoro contagioso y embriagador.
El disco comenzó con el núcleo de El Khat (el multiinstrumentista el Wahab, el percusionista Lotan Yaish y el organista Yefet Hasan) grabando en un refugio subterráneo de un pueblo aislado. “Mi estado de ánimo en ese momento afectó a las composiciones incluso antes de que escribiera la música”, señala el Wahab, “y la ubicación aislada nos dio la oportunidad de darle sentido”. Tras esas sesiones, en el verano de 2023 el grupo emigró a Berlín, muy lejos de Jaffa, donde habían crecido en gran medida. La mudanza fue una expresión del impulso nómada que ha sido una constante en la vida de el Wahab, que fluye directamente en su obra.
“Estas canciones hablan de emigrar, de dejar a alguien o algún lugar. No creo que haya permanecido en un mismo lugar durante más de un año. Para nosotros, los judíos árabes cuyas familias se vieron obligadas a abandonar Yemen, realmente empezó con esa gran mudanza y la llegada de nuestras familias a Israel, una tierra en la que el ‘otro’ se silencia constantemente”.
Mute, en su opinión, es “un disco grande y significativo”. Es una historia de finales y nuevos comienzos. “Pero eso es cierto en todos nuestros álbumes”, insiste el Wahab. “Tratan sobre las relaciones y la lucha por ver dos lados como un todo y no sobre algo que termina con el silenciamiento y el conflicto. Las canciones aquí tratan sobre viejos amores, el país, la familia. Tratan sobre sentimientos e identidad”. Y todo esto plantea inevitablemente muchas preguntas. Como canta en “La Wala”: “¿Por qué nunca puedes disfrutar del momento en el que estás/ Y siempre dices adiós/ Por qué? ¿Por qué?”
El Wahab sigue reinventándose: incluso su carrera ha sido una invención propia. Incapaz de leer música, se las arregló para entrar en la Orquesta Andaluza, tocando el violonchelo de oído hasta que aprendió teoría musical. Y los instrumentos que utiliza en sus álbumes, como el galón azul (en realidad una jarra) o el kubana (que recibe su nombre de un tipo de pan yemení), también son de su propia invención. Estos instrumentos únicos y hechos a mano son la base de Mute. Siempre ha hecho música a partir de objetos que otros desechan. Todo reciclado y reutilizado, nada desperdiciado.
The making of Congo Funk!, our long-awaited journey to the musical heart of the African continent, took the Analog Africa Team on two journeys to Kinshasa and one to Brazzaville. Selected meticulously from around 2000 songs and boiled down to 14, this compilation aims to showcase the many facets of the funky, hypnotic and schizophrenic tunes emanating from the two Congolese capitals nestled on the banks of the Congo River.
On its south shore, the city of Kinshasa – capital of Democratic Republic of the Congo, the country formerly known as Zaïre – is often seen as Africa’s musical Mecca, the city that spawned such immortal bands as African Jazz, O.K. Jazz and African Fiesta, and the place to which aspiring musicians from throughout the continent would go to make a name for themselves.
But the city of Brazzaville on the north shore of the river – capital of the Congo Republic – played an equally important role in spreading Congolese sounds continentally. In addition to producing legendary bands such as Les Bantous de la Capital, it was the powerful transmitters of Radio Brazzaville that allowed the unmistakable groove of Congolese Rumba to be heard as far away as Nairobi, Yaoundé, Luanda and Lusaka thus turning the electric guitar into the continent’s most important instrument!
Although the musical landscape of these cities had been defined by a core group of bands in the late 1950s, the modernisation of Congolese music has been steadily evolving until the events surrounding the Muhammad Ali vs George Foreman boxing match marked a turning point. The promoter of that event known as “Rumble In The Jungle” was none other than the notorious Don King who needed 10 millions dollars to get Ali and Foreman into a boxing ring. The only candidate willing to put this kind of cash on the table was Mobutu Sese Seko, President of the Democratic Republic of the Congo.
Mobutu - the megalomaniac dictator who got to power with the support of the United States and Belgium in exchange for unlimited and affordable access to the riches of the country - had a soft spot for music and it doesn’t come as a surprise that he agreed to a three-day live music festival being organised prior to the “Rumble”. Zaïre 74 - as the festival was dubbed - was meant to hype the boxing match and many stars were invited.
Although a myriads of artists flocked in for the occasion, it was the performance of James Brown on Zairian soil that caused havoc among the younger generation, inspiring hundreds of would-be musicians to take up their electric guitars and reverbs cranked to the max in search of a new sound in which hyperactive Rumba was blended with elements of psych and funk. While the results were very different from the popular music of the three Musketeers - as Tabu Ley, Franco and Verckys were known - they weren’t a complete break with tradition.
These new sounds emerged at a time when the Congolese record industry – previously dominated by European major labels – was experiencing a period of decline due to rising production costs and needed a radical change. The void was filled by dozens of entrepreneurs willing to take chances on smaller scale releases. It was the beginning of a golden age for Congolese independent record labels, and the best of them – Cover N°1, Mondenge, Editions Moninga, Super Contact – preserved the work of some of the region’s finest artists, while launching a generation of younger musicians into the spotlight.
The movement was greatly helped by legendary radio shows but it was the dynamic productions of Télé-Zaïre that set the dynamite on fire. Legend has it that TV shows were so huge that president Mobutu himself ordered RTV du Zaïre to put on daily concerts since it halted criminal activities for the duration of the evening.
Congo Funk! is the story of these sounds and labels, but most of all it is the story of two cities, separated by water but united by an indestructible groove. The fourteen songs on this double LP showcase the many facets of the Congolese capitals, and highlight the bands and artists, famous and obscure, who pushed Rumba to new heights and ultimately influenced the musical landscape of the entire continent and beyond.
1.
Petelo Vicka et Son Nzazi - Sungu Lubuka 07:49
2.
Groupe Minzoto Ya Zaïre - Mfuur Ma 05:00
3.
M.B.T's - M.B.T's Sound 03:48
4.
Abeti et les Redoutables - Musique Tshiluba 03:14
5.
Trio Bydoli - Lalia 04:59
6.
Tabu Ley et L'Orchestre Afrisa - Adeito 06:42 video
7.
Les Bantous De La Capitale - Ngantsie Soul 08:28 video
8.
Les Frères Soki et L'Orchestre Bella-Bella - Nganga 08:39 video
9.
Orchestre Celi Bitshou - Tembe Na Tembe Ya Nini 07:18 video
10.
Lolo et L'Orchestre O.K. Jazz - Lolo Soulfire 03:35 video
11.
Zaiko Langa Langa - Femme Ne Pleure Pas 06:01
12.
Orchestre O.K. Jazz - Kiwita Kumunani 03:49
13.
G.O. Malebo - Fiancée Laya 05:05
14.
Orchestre National Du Congo - Ah! Congo 03:17
Ginger Baker's Air Force fue un supergrupo de fusión de jazz-rock liderado por el baterista Ginger Baker .
La banda se formó a finales de 1969 tras la disolución de Blind Faith . La formación original estaba formada por Ginger Baker en la batería, Steve Winwood en el órgano y la voz, Ric Grech en el violín y el bajo, Jeanette Jacobs en la voz, Denny Laine en la guitarra y la voz, Phil Seamen en la batería, Alan White en la batería, Chris Wood en el saxo tenor y la flauta, Graham Bond en el saxo alto, Harold McNair en el saxo tenor y la flauta, y Remi Kabaka en la percusión. Sus primeros shows en vivo, en el Birmingham Town Hall en 1969 y el Royal Albert Hall , en 1970, también incluyeron a Eleanor Barooshian (tanto Jacobs como Barooshian eran ex miembros del grupo de chicas The Cake ).
Ginger Baker's Air Force 2 fue el segundo y último álbum de Ginger Baker's Air Force , lanzado en 1970. En Alemania , Australia y Nueva Zelanda fue lanzado con una lista de canciones diferente, incluidas canciones inéditas.
Este álbum fue grabado en un estudio, a diferencia del anterior, con una formación diferente de la banda, con Denny Laine , Harold McNair , Aliki Ashman y Ric Grech como "personal adicional". Graham Bond asumió las funciones vocales principales junto con Ginger Baker , Diane Stewart y Catherine James.
La portada del álbum fue diseñada para zurdos, es decir, con la portada delantera impresa en lo que tradicionalmente se consideraría la parte trasera y viceversa.
01. Let Me Ride (4:24)
02. Sweet Wine (3:37)
03. Do U No Hu Yor Phrenz R? (5:31)
04. We Free Kings (4:27)
05. I Don't Wan't To Go On Without You (3:56)
06. Toady (8:22)
07. Gates Of The City (8:15)
¿Qué más se podía esperar de una colaboración entre dos compositores de renombre internacional: la reconocida flautista y expresidenta de la AACM, Nicole Mitchell, y el innovador intérprete de kora, embajador musical de Bamako, Ballaké Sissoko? Ambos han desafiado las convenciones en sus respectivos géneros: el sonido afrofuturista y la ética cósmica de Mitchell y la integración de progresiones de guitarra en composiciones de kora de Sissoko. Ambos llevan las formas tradicionales a nuevos espacios. Ambos aportan una rica historia de colaboración en varios géneros.
El álbum completo encarna las tradiciones africanas de griot de llamada y respuesta, arraigadas en el linaje del blues/jazz de los negros estadounidenses. Algunas canciones despiertan la sensación de Bamako dando serenatas a Chicago a través de las calles de Mali y las historias locales, como se ve en "Tara". La exuberante voz de Kouyate, acompañada por las suculentas cuerdas de Sissoko, crean una experiencia sensorial tradicional pero poderosa, que refleja una rica cultura antigua.
1.
Bamako Chicago 08:21
2.
Doname 04:44
3.
Kanu 04:48
4.
Tolotai 04:37
5.
Spicy Jambalaya 07:28
6.
Tara 04:01
7.
This Moment 14:47
8.
Se Wa Kole 04:20
9.
Vulnerable 09:21
Los hermanos MacNeil son de la isla de Cape Breton y comenzaron a actuar juntos en 1980 cuando todavía eran adolescentes (Lucy MacNeil tenía solo 10 años). En consecuencia, solo podían actuar los fines de semana y hacían giras durante las vacaciones escolares. Los hermanos son músicos de formación clásica y ex alumnos de la Universidad Mount Allison (Sheumas '84, Kyle '85, Stewart '87 y Lucy '91).
En 1986, lanzaron su primer álbum homónimo en su propio sello independiente. The Barra MacNeils ganaron su primer premio East Coast Music Award en 1991, y han ganado cuatro más desde entonces, incluido un premio Juno al Álbum del año por TimeFrame en 1992 y un premio al Grupo del año en 2001. Firmaron con PolyGram y sus dos primeros álbumes fueron reeditados, mientras que su álbum de 1993 Closer To Paradise obtuvo un disco de oro . Han sido teloneros de Céline Dion y han realizado giras regularmente por América del Norte y Europa .
1. God Rest Ye Merry Gentlemen 2. Children's Winter 3. Carol of the Bells 4. Ann am Baile Ri'oghail Dhaibhidh (Once in Royal David's City) 5. Singing in the Streets 6. Christmas Comes But Once a Year 7. Christmas in Killarney 8. Snowplow Set 9. O Holy Night 10. Galician Carol 11. O Come Divine Messiah 12. Taladh Chriosda (Christ Chile Lullaby) 13. Party in Washabuckt 14. Auld Lang Syne
Ian Carter y Nicola Kearey, de Stick in the Wheel , hacen música folk de un modo un poco diferente al resto. Si bien en el pasado se han discutido los méritos relativos de conservar las tradiciones folklóricas y modernizar el género, el dúo va mucho más allá de ese debate. Reconocen que el acto de hacer música folk tiene connotaciones éticas y políticas y que recopilar y conservar canciones a menudo refuerza estereotipos y fortalece estructuras sociales desiguales. Como resultado, su música siempre se ha inclinado hacia un modernismo contundente y emocionante, algo arraigado en su propia localidad de Londres pero cuyo mensaje es completamente universal. Sus canciones resuenan con la alegría de la especificidad y el detalle, la alegría feroz de las voces marginadas que se hacen oír, la alegría furiosa de la gente que reclama su herencia.
A Thousand Pokes es la expresión más potente de esa ira y alegría hasta el momento. La canción principal avanza a paso rápido sobre un elegante motivo circular de guitarra eléctrica, mientras la batería golpea incesantemente y Kearey oscila entre el habla y la canción. Por un momento, justo antes de llegar a un final abrupto, la guitarra levanta la cabeza por encima del agua, se distorsiona como un fragmento perdido de una canción de Velvet Underground. Y luego se acaba, dejando un extraño y cargado escalofrío en su ausencia. Entre sus muchos talentos, Stick in the Wheel realmente sabe cómo terminar una canción. Te dejan con ganas de más, y luego instantáneamente te dan algo completamente diferente, algo que no sabías que necesitabas, como Burnt Walk , que se jacta de ser una de las canciones más sutiles y melódicas de su catálogo. Aquí, Kearey demuestra que puede trabajar en varios registros emocionales sin sacrificar el carácter esencial de su voz. La sutileza persiste en una interpretación de la vieja canción de los vendedores ambulantes, Lavender . Aquí, la banda está en su momento más delicado, solo el canto de Kearey y una guitarra acústica desarmantemente hermosa.
Londres, como siempre, es el centro del álbum. Stick in the Wheel tiene una relación amorosa pero nada sentimental con su ciudad natal, y canciones como Cracks presentan un retrato con todos sus defectos de la metrópolis como un lugar de grandes oportunidades y niveles de criminalidad aún mayores. What Can the Matter Be une una popular canción infantil con la historia de un asesino a sueldo del East End, presentada de manera sencilla y efectiva como una balada y aumentada por una enérgica guitarra española. Can't Stop es una concisa melodía inspirada en los años 60 basada en la versión de la Famous Jug Band de una composición de Wizz Jones. Una canción sobre un accidente de coche, tocada para reír. El resultado es perfecto, incluso si el humor es muy oscuro.
1.
Crystal Tears 04:54
2.
Back Of The Hatch 01:32
3.
A Thousand Pokes 03:27
4.
Burnt Walk 02:45
5.
Lavender 02:08
6.
The Cramp 01:46
7.
Cracks 03:47
8.
Can't Stop 02:03
9.
What Can The Matter Be? 04:12
10.
Watercress-o 04:01
11.
Brisk Lad 01:54
12.
Hush 01:38
13.
Steals The Thief 07:24
« Este conjunto debería deleitar a todos aquellos que buscan aventura, con sonidos antiguos y nuevos, y donde la tradición está actualizada » Notas de Jazz
«… ¡Concebir la zanfona como instrumento polifónico en el corazón de este cuarteto de jazz-rock! Isabelle Pignol aporta una dimensión visual a su música. «¿Quieres bailar?», ¡qué magnífica ejecución!» (Rémy Abiven, Trad Magazine)
Músicos:
Isabelle Pignol (zanfona),
Jean-Pierre Sarzier (clarinete, clarinete bajo),
Claude Schirrer (bajo),
Lionel Lanoue (batería).
Realizado, mezclado y masterizado por Pascal Cacouault.
1. Vent de sable | 2. Le litanique (part i et il) | 3. Le petit chaperon rouge | 4. Le phénomène du ressort | 5. Vous dansez? | 6. Roue libre | 7. Au chat et à la souris
La música es fascinante, mágica; no se parece a ninguna otra. De principio a fin, este álbum es continua y profundamente inmersivo; una especie de meditación viajera y psicodélica sobre la esclavitud y la resistencia cultural, la identidad y la mezcla, los lugares y los espacios, los futuros y los pasados. Es inescrutable para la navegación en Internet, los algoritmos, Shuffle. Pero para probar, pruebe la insurgente marimba Agua Largo , impulsada por la arrebatadora mezcla de espiritualismo africano y canto cristiano de Rosa Huila . "Música curativa", la llamó Zakia en el programa de la BBC de Gilles Peterson recientemente. Y el deslumbrante pasillo Kasilla Shungulla ("calma tu corazón" en el idioma quichua), un dueto entre el maestro guitarrista peruano Raúl García Zárate y la viola da gamba de Juan Luis Restrepo de Medellín, grabado en una iglesia barroca en Buzbanza, Colombia.
1.
Kofán - El Bejuco Umbilical 03:20
2.
Ensamble Juyungo - Chimborazo 02:57
3.
Llaquiclla - Agua Larga 06:31
4.
Asunción Quiñonez - Bambuco La Katanga 06:40
5.
Juan Luis Restrepo - A Saravino 03:45
6.
Juan Cayambe - Negra Muele Caña 01:23
7.
Rosa Huila - Andarele 04:41
8.
Ensamble Juyungo - Amanece 01:42
9.
Caynamanda Cunangaman - Candela y Ron 04:02
10.
Llaquiclla - Ceremonia Matrimonial 03:13
11.
Ensamble Juyungo - Patagoré 00:46
12.
Papá Roncón - Sanjuanito Chachi 05:15
13.
Ensamble Juyungo - Llacta Pura 03:01
14.
Llaquiclla - Ritual Emberá 02:46
15.
Osvaldo Lindberg Valencia - Torbellino 05:30
16.
Raúl García Zárate - Kasilla Shungulla 02:26
17.
Ensamble Juyungo - Tren Con Ritmo De Caramba 03:38
18.
Ensamble Juyungo - Caramba Con Ritmo De Tren 03:43
19.
Llaquiclla - El Viaje Del Yagé 02:46
20.
Ensamble Juyungo - Toquesito 02:29
21.
Llaquiclla - Galapago 01:29
22.
Llaquiclla - Carambalante 04:14
Las últimas décadas han mostrado un resurgimiento y una celebración de las tradiciones de la música folclórica en todo el mundo, tanto que incluso se abrió camino en el Festival de la Canción de Eurovisión en 2021 con "Shum", la interpretación de Go_A de una danza ritual de la lluvia ucraniana que combina el psytrance y el folk. La escena folclórica moderna es tan rica y abundante que efectivamente cae en tus manos con la más superficial de las búsquedas: por ejemplo, un vistazo rápido a los lanzamientos de folk oscuro más recientes en RateYourMusic me llevó a la última colaboración de Sangre de Muérdago y Judasz & Nahimana , A Ilusão da Quietude (La ilusión de la quietud). ¿ Ilusão asombra al oyente hasta dejarlo en silencio como se indica, o la quietud es simplemente una ilusión?
Formado a partir de una serie de colaboraciones entre Sangre de Muérdago y Judasz & Nahimana a partir de 2021, Ilusão es en esencia un lanzamiento de folk gallego compuesto por múltiples instrumentos de cuerda como zanfona, viola y nyckelharpa junto a sonidos electrónicos e industriales creados por cajas de música, teléfonos acuáticos y sintetizadores. Ilusão es imponente en sus estructuras de canciones y atrevido en su implementación de elementos electrónicos a medida que fluye de una pieza extendida a un limpiador de paladar, con los temas "Lars Persson" y "Murmurios a Correr" que ofrecen la oportunidad de meditar y recuperarse después de los cortes extendidos "Cantiga da Rainha das Aguas" y "Cantiga de Folhas e Agulhas", respectivamente. El neofolk y el dark folk no son ajenos a los elementos electrónicos e industriales, como se puede ver en el paisaje sonoro etéreo "Hollow Stone" de The White de Agalloch , pero mientras que los intensos pasajes sintéticos de "Hollow Stone" se oponen rotundamente a los momentos folk más tranquilos de The White , Ilusão muestra una feroz integración de lo musgoso y lo mecánico, fundiéndose de sección en sección y fusionándose en grandes clímax, sin perder nunca su filo primigenio en el proceso.
1.
Cantiga da Rainha das Aguas 16:00
2.
Lars Persson 03:55
3.
Cantiga de Folhas e Agulhas 15:57
4.
Murmurios a Correr 05:29
concierto que une la impecable voz de Pilar de la Hoz, considerada la primera dama del jazz peruano y la extraordinaria guitarra de Sergio Valdeos, considerado uno de los mejores guitarristas peruanos en la actualidad.
'Jazz con Sabor Peruano' surgió del sentimiento de entrelazar y fusionar diferentes ritmos internacionales, como los brasileños, el jazz norteamericano con elementos de la música peruana, como la guitarra criolla y el cajón peruano, y los diferentes géneros de la música peruana, como el vals, el landó, la zamacueca, el festejo, y con ese sabor peruano tan singular.
Afro Peruvians are citizens of Peru mostly descended from African slaves who were brought to the Western hemisphere with the arrival of the conquistadors towards the end of the slave trade.Pilar de la Hoz puts paid to the idea that Latin Americans don't sing jazz outside Brazil. This is an stunning musical work, acoustic, with a simple yet effective, first-class instrumentation, filled with taste and expertise. Her vocals and arrangements.She melds an Afro-Peruvian, Afro-American sensibility and clear international vision with the Brazilian bossa-nova jazz styles that captured her imagination when Dora, her pianist mother, played them to her as a child.A member of cutting edge group Bossa 9 since she was sixteen, Pilar de La Hoz belongs to the intimate yet vital Lima jazz scene.
1. Para Cantar
2. Desdén
3. Hay Días Como Hoy
4. Mi Romance
5. Ayer Te Ví
6. Campesina
7. That's All
8. El Mayoral
9. Quiero Que Estés Conmigo
10. Agua De Beber
11. My Favourite Things
Carles Dénia se sumerge de nuevo en el repertorio popular para nutrirse una vez más de la esencia musical valenciana, y se somete voluntariamente a los cánones tradicionales para ofrecer un trabajo que destila libertad por los cuatro costados. Es un obra moderna, de tan radicalmente esencial como es.
Seguidillas, malagueñas, amaneceres, jotas, fandangos cantos de trabajo y canto de estilo ... suenan en la voz y en las cuerdas de Dénia y de su rondalla, La Nueva Rimaire, nuevas y frescas, terriblemente actuales.
CARLES DÉNIA: canto, guitarra y dirección artística VICENT CARRASCO: guitarra y guitarrón CRISTÓBAL RENTERO: guitarrón y guitarra PACO LUCAS: bandurria, laúd CARLOS LUCAS: bandurria
1 La Tradició Mal Entesa 2 Jerigonzas 3 Malaguenya Del Rebolledo 4 Jota Fandango 5 Bolero de L'Home Insomne 6 Fou Gandia El Meu Bressol 7 Albaes Del Maestrat 8 Com Una Llum Matinera 9 Seguidilles de Zarra I Enguera 10 Petenera 11 Fandango de Moixent 12 Com Un Crit Que Arriba Al Cel
KASSAV es un grupo musical originario de las Antillas Francesas, cuyos primeros miembros destacan por ser los creadores del género ‘zouk’, una versión moderna de la música popular del carnaval de las Antillas. Su fundador fue Pierre-Edouard Décimus, que decidió comenzar el proyecto en 1979 junto a Freddy Marshall. Pierre-Edouard decide adaptar la música popular de Guadalupe a la de la época mediante unas técnicas musicales modernas, ya que siempre había estado fascinado por la música del archipiélago. Es por ello que realizó varios trabajos de estudio junto a numerosos músicos, siendo primeramente una prueba experimental. Los ritmos de origen provenientes principalmente de Gwota servirían de base para la música sobre la que soñaban. En general, puede decirse que el concepto de artista de KASSAV va más allá de ser un grupo: es una reflexión, un deseo de progresión y retorno a las raíces.
En 1979, saldría a la luz su primer álbum de estudio “Love and Ka Dance”. Sin embargo, el grupo tuvo distintos integrantes a lo largo de los años hasta 1984, ya que muchos se unían y lo abandonaban posteriormente. Entre 1984 y 1987, el grupo estaba bajo la marca de GD Productions en Martinica, y sus trabajos se distribuyeron por Sonodisc. Para KASSAV esto suponía una mayor comodidad financiera para la realización de álbumes de calidad en los mejores estudios de París. Su estrategia era sacar un álbum anual bajo el nombre del grupo, y otros tres con sus integrantes en solitario. De esta forma, cada individuo desarrollaría su propio estilo, siempre en la línea del trío que conformaba el grupo en sus inicios. Todos los miembros invertirían y trabajarían en el álbum grupal y en el solitario.
En el año 1984, los músicos de las Antillas no trabajaban demasiado en el mundo de la música de forma profesional porque, según aseguraban, esta práctica no les permitía subsistir. Ante esto, KASSAV llevó a cabo una serie de conciertos y sacó varios discos, aproximadamente 15 en nombre de todo el grupo, y más de 30 de sus miembros en solitario. Dichos conciertos tuvieron lugar en el Caribe, aunque también llegaron a hacerlos en Francia. Allí, los jóvenes que estaban lejos de su ciudad natal pudieron identificarse por fin con un grupo musical fiel a su cultura. En diciembre de este mismo año tuvieron un gran éxito internacional a raíz del álbum “Zouk-La Sé Sel Médikaman Nou Ni”, producido por Georges Décimus y Jacob Desvarieux, dos artistas aclamados al proyecto grupal desde sus inicios. De acuerdo al nombre del disco, se dio finalmente una denominación al concepto de música que estaban desarrollando: el zouk.
Desde ese primer reconocimiento internacional en 1984, el grupo siguió expandiendo su trayectoria de manera nacional e internacional. En 1985, KASSAV se lanza al continente africano y llena los estadios con 90000 personas en Luanda, y los reciben 250000 fanáticos en el acto de bienvenida al grupo en L’Esplanade de Vincennes en su llegada a Francia. En 1986, Jocelyne registra su primer álbum en solitario, y se convierte en el primer disco de oro concedido a una mujer en las Antillas. KASSAV, en su contrato con CBS, sacan dos álbumes más: "Vini Pou" (1987) y "Majestik Zouk (1989). Ambos fueron discos de platino y todos los que les siguieron se convirtieron en discos de oro. En 1989, además, los artistas hicieron varias actuaciones en las islas del Océano Índico, tres conciertos en Leningrado, uno en Madrid, y varios a lo largo de EEUU y Canadá.
Recibieron, además, distintos premios en distintas categorías a lo largo de los años. En 1988 fueron galardonados por primera vez por mejor grupo en Victoires de la Musique (France), y al año siguiente recibieron el premio en la misma categoría en Francophonie, Quebec (Canadá). En 1997 recibieron también el premio a mejor grupo en African Awards, Libreville (Gabon). En 2001, ganaron el premio SACEM en Guadalupe por mejor zouk. Aparte de todos estos, los integrantes que han estado desde loscomienzos y hasta nuestros días también han recibido numerosos trofeos en calidad de mejor cantante, compositor, autor, arreglista, mejor álbum en solitario, mejor canción en Guadalupe, Martinica, África y en el Caribe.
1. San Ayen
04:57
2. Abò Léwo
03:48
3. Nou Ped Chimen
04:03
4. Lanbi La-Brilé
04:31
5. Léron
04:10
6. Jénérasion
04:13
7. Konsa An Yé
04:11
8. Jump
03:57
9. Kon 2 Timoun
03:07
10. An Sansib
04:34
11. An Tet-Ou
04:35
12. Vlopé'w Adan
04:12
13. Wi
04:07
La música es fascinante, mágica; no se parece a ninguna otra. De principio a fin, este álbum es continua y profundamente inmersivo; una e...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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