Burma - Traditional Music

La música tradicional birmana es parte integral de la cultura y el patrimonio del país. Durante siglos, la música ha sido una parte importante de la vida birmana y sigue desempeñando un papel significativo en el país en la actualidad. La música tradicional birmana se caracteriza por su melodía y ritmo únicos y suele ir acompañada de instrumentos tradicionales como el saung-gauk (un tipo de cítara), el hne (un tipo de flauta) y el patwa (un tipo de tambor).

La música tradicional birmana se utiliza para diversos fines, como ceremonias religiosas, bodas y funerales. También se interpreta habitualmente en festivales y otros eventos públicos. En los últimos años, la música tradicional birmana ha comenzado a ganar popularidad fuera de Birmania, ya que cada vez más personas están expuestas a ella a través de Internet y las redes sociales.

Existe una amplia variedad de géneros musicales tradicionales birmanos, cada uno con su propio estilo distintivo. Algunos de los géneros más populares son los siguientes:

1. Pwe: Pwe es un tipo de música folclórica que se interpreta habitualmente en festivales y otras celebraciones públicas. Se caracteriza por su ritmo alegre y su atmósfera animada.
2. Nat: El nat es un tipo de música religiosa que se interpreta tradicionalmente en los templos budistas. Suele tener un tono más lento y solemne que otros géneros de música birmana.
3. Hsaing waing: El hsaing waing es un tipo de música orquestal que se interpreta normalmente en eventos formales como bodas y ceremonias de estado. Se caracteriza por su sonido grandioso y su instrumentación compleja.
4. Saung: Saung es un tipo de música que suelen interpretar cantantes solistas. Se caracteriza por sus hermosas melodías y letras a menudo sentimentales.
5. Pop: La música pop es un género relativamente nuevo en Birmania y está muy influenciada por la música pop occidental. Suele ser más animada y de ritmo más rápido que otros géneros musicales birmanos.

Una grabación excepcional en un país donde el arte es uno de los pocos medios de expresión y libertad para su población. La música birmana, en la que la improvisación juega un papel importante, está estrechamente vinculada a las artes escénicas. Acompaña espectáculos de danza tradicional, representaciones de episodios de la epopeya india Ramayana y cualquier forma de celebración.



1 Amazing Mandalay 4:53
2 Lotus Dance 3:08
3 Burmese Girl 5:41
4 Floating Clouds 3:40
5 Mother River 3:20
6 Back To Bagan 3:25
7 Buddha Nature 7:52
8 Rangoon Nights 3:15
9 The Golden Pagoda 3:56
10 A Place In My Heart 9:25

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Jupiter & Okwess - Ekoya

Las veteranas estrellas de la escena musical callejera de Kinshasa, Jupiter & Okwess, regresan con su cuarto álbum, Ekoya, que representa un nuevo y emocionante capítulo para la banda, que combina su sonido característico de funk, rock y soukous congoleños con nuevas influencias de México y toda América Latina, presentando encuentros interculturales e inspirados por la historia compartida de los pueblos africanos en dos continentes.

Grabado en México y no en la ciudad natal de la banda, Kinshasa en la República Democrática del Congo (RDC), Ekoya ('It Will Come') explora temas de cambio y resiliencia, de los problemas de los pueblos indígenas y las alegrías y luchas de la vida cotidiana. Con invitados como la cantante brasileña Flavia Coelho, la rapera zapoteca mexicana Mare Advertencia y la cantante congoleña Soyi Nsele, y con letras en ocho idiomas en sus 12 temas, Ekoya marca a Jupiter & Okwess como orgullosamente congoleño y profundamente internacional. Camilo Lara del Instituto Mexicano del Sonido grabó el álbum y produjo un puñado de temas.



1. Selele 03:15
2. Les Bons Comptes 02:16
3. Solobombe 02:57
4. Ekoya 03:52
5. Na Bado 03:13
6. Eyabidile 03:01
7. Congo Blinders 02:39
8. Orgullo 03:04
9. Hay Que Escuchar 03:06
10. Nkoyi Niama 03:23
11. Ndanda 02:49
12. Tout Passera 02:52

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Julie Fowlis, Éamon Doorley, Zoë Conway, John Mc Intyre – Allt

'Allt' es una hermosa colección de canciones y melodías recién creadas por Julie Fowlis, Éamon Doorley, Zoë Conway y John Mc Intyre.

Grabado en directo en un escenario circular, 'Allt' es la culminación de un proyecto de composición inspirado en la poesía gaélica antigua y moderna de Escocia e Irlanda. Melodías emotivas y poderosas acompañadas de un acompañamiento reflexivo y comprensivo, este álbum captura el espíritu y la energía de una actuación en directo.

'Allt' es un proyecto verdaderamente colaborativo que combina con arte y sensibilidad palabras y música de sus países de origen y reafirma la antigua conexión musical entre Irlanda y Escocia.





1. Port Dannsaidh Hiortach / Deóra Dé 04:16
2. Faoiseamh a Gheobhadsa 05:31
3. An Ghaeilge 03:30
4. An Assembly of Munster Men / Is Treise Fonn Ar Théada / An tSlí Chun An Tobair 05:06
5. Piuthrag Nam Piuth’r 04:05
6. Dúirt Bean Liom / Ríl Eóin 04:36
7. An Chruit 04:30
8. Allt na Ceardaich / Fiona Rosie's 02:53
9. Air an Somme 04:36
10. Na Hù Bhithinn / Hò Rò Na Priobaidean 04:28
11. An tEarrach Thiar 02:27

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Thandiswa - Sankofa

Thandiswa ha sido una de las cantantes post-apartheid más influyentes de Sudáfrica. Comenzó su carrera en 1996 con los grupos musicales Jack Knife y Bongo Maffin, una de las bandas pioneras del género musical de baile post-apartheid Kwaito. Después de seis álbumes premiados con Bongo Maffin, se aventuró en una carrera en solitario.

Su primer proyecto, 'Zabalaza' (2004), alcanzó el estatus de doble platino y ganó numerosos premios, incluido un premio Kora a la Mejor Artista Femenina Africana y cuatro Premios de Música Sudafricana. También fue nominado a los Premios Planet de la BBC Radio 3. Su segundo álbum, 'Ibokwe' (2009), aclamado por la crítica, alcanzó el estatus de oro en las primeras semanas de su lanzamiento y su DVD en vivo 'Dance of the Forgotten Free' (2010) ganó los Premios de Música Sudafricanos a la Mejor Artista Femenina y al Mejor DVD en Vivo en 2011. El tercer álbum de Thandiswa, Belede (2016), una reinterpretación de jazz de clásicos sudafricanos, alcanzó el estatus de oro a las pocas semanas de su lanzamiento.

El último álbum de Thandiswa, Sankofa (2024), incluye canciones producidas por Meshell Ndegeocello y Nduduzo Makhatini, y colaboraciones con Thandi Ntuli y Tendai Shoko. Sankofa es una palabra twi ghanesa que significa "volver y buscar lo que se ha dejado atrás", y la creación de Sankofa encarna esa idea. Grabado en Johannesburgo, Dakar y Nueva York, el álbum combina grabaciones de campo de música xhosa de archivo, jazz y música de África occidental.





1 Sabela
2 Biko habla
3 Emini
4 Kunzima: El lado oscuro del arcoíris
5 Interludio
6 Dogón
7 Kulungile
8 Con amor para Makeba
9 Hijos de la tierra
10 Xandibona wena
11 Fela Khona

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Tunng-Love You All Over Again

La llegada de Tunng hace 20 años supuso un punto de inflexión para el folk británico, ya que unió sus temas pastorales con una electrónica suave y un sentido del humor a menudo surrealista. A veces se trataba de horror folk en la calle, en la que la gente se transformaba en liebres; en otras, se trataba de una domesticidad alucinante. El grupo sigue en activo: un grupo de seis miembros reunido en torno al dúo central formado por Mike Lindsay y Sam Genders.

De hecho, este octavo álbum de estudio, el primero en cinco años, los devuelve conscientemente a sus inicios, convirtiéndose en una especie de homenaje a ellos mismos; incluso hay un regreso de un personaje favorito, Jenny, todavía impaciente por el cambio. Su configuración predeterminada sigue siendo unas guitarras acústicas que caen lideradas por la voz suave de Genders, pero los acompañamientos siguen siendo tan inventivos como siempre. Sixes llega en una maraña de percusión deformada y campanas que retumban, mientras que Levitate a Little se basa en drones de instrumentos de viento de madera y Yeekays vuela con un riff funk africano. Las canciones son astutas y alusivas.



1. Everything Else 05:15
2. Didn't Know Why 04:06
3. Sixes 02:44
4. Snails 05:10
5. Laundry 04:41
6. Drifting Memory Station 04:14
7. Deep Underneath 05:29
8. Levitate a Little 03:23
9. Yeekeys 03:25
10. Coat Hangers 05:15

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Víík - Sagt

El conjunto pan-escandinavo Víík, cuyos miembros proceden de Noruega, Suecia y Dinamarca, opera en la intersección de la tradición folclórica nórdica, el jazz progresivo y el rock alternativo. Al frente de Víík se encuentra la carismática cantante y compositora noruega Elisabeth Vik, que lleva al público a un viaje mágico a través de baladas medievales y cuentos de hadas mientras redefine los límites musicales del folk nórdico. La revista musical Gaffa escribe: "Fuerza nórdica primigenia. Nuevo folk nórdico en su máxima expresión. Si 'Juego de Tronos' fuera una serie de mitología nórdica, Víík ofrecería la banda sonora adecuada. Víík también impresiona como una fantástica banda en vivo y ha actuado con éxito en el legendario Festival de Roskilde en Dinamarca. Además de Elisabeth Vik, Víík cuenta con Annelene Toft (violín), Villads Hoffmann (cister), Morten Alkjær Lassen (armónica) y Jakob Kragesand (contrabajo) de Dinamarca, así como con Mårten Hillbom (percusión) de Suecia.





1. HUGINN
2. FJELLVETT
3. JEG HAR FÅTT DEN
4. MERE TID
5. FANTEGUTEN
6. HEIEMO OG NYKKJEN
7. MARGIT HJUKSE
8. VON OG MINNE
9. GJENDINES BÅNSULL
10. HJEMME

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Mokoomba - Tusona Tracings in the Sand

Cinco años después del lanzamiento de “Luyando”, el artista de exportación musical más célebre de Zimbabwe regresa con su esperado álbum siguiente “Tusona: Tracings in the Sand”. Los seis músicos de Victoria Falls están refinando su sonido único: ritmos afro contagiosos profundamente conectados con el ADN cultural de Zimbabwe. “Tusana” es su álbum más bailable hasta la fecha, una producción DIY grabada en Zimbabwe. Cuenta con trompetas del grupo de highlife ghanés Santrofi.

Todos los domingos, hay una reunión bajo un calor sofocante en los terrenos de una antigua cervecería local en el municipio de Chinotimba en Mosi-o-Tunya (Victoria Falls). El entretenimiento está a cargo de varios grupos tradicionales, incluido el baile de máscaras Luvale Makisi. Es un día lleno de canto, tambores, baile y narración de historias. El vocalista principal de Mokoomba, Mathias Muzaza, a menudo se puede encontrar aquí cantando con una voz al mismo tiempo alta y vulnerable. Durante la tarde, los demás miembros de la banda (el guitarrista Trustworth Samende, el bajista Abundance Mutori, el teclista Phathisani Moyo, el percusionista Miti Mugande y el baterista Ndaba Coster Moyo) suelen sumarse a la canción para cantar. La canción impulsada por la batería “Bakalubale” incluida en su nuevo álbum te invita a esta reunión.

Mokoomba grabó “Tusona: Tracings in the Sand”, el álbum que sigue a “Luyando” (2017, Outhere), en Zimbabue durante la pandemia. En lugar de trabajar con productores externos como Manou Gallo o Steve Dyer como lo han hecho en el pasado, este álbum fue grabado íntegramente de manera artesanal por Mokoomba. El colectivo de Zimbabue puso en práctica todas las experiencias adquiridas durante los años anteriores y ha forjado su música en un sonido zimbabuense único. A petición popular de sus fans en Zimbabue, incluso han vuelto a grabar tres canciones de su último álbum más acústico “Luyando” convirtiéndolas en éxitos de dancehall (incluidos en el CD y las versiones digitales del álbum). En resumen, este álbum es más Mokoomba que cualquiera de los anteriores.

En el álbum, Mokoomba canta sobre el amor, la pérdida y el coraje en una sociedad cambiante. El primer sencillo, “Nzara Hapana”, significa “sin dinero” en shona. La canción habla de un hombre que quiere asegurar el futuro de su esposa y su familia y está tratando de protegerlos contra la avaricia de sus parientes. La canción bailable y animada “Nyansola” alaba a la diosa de la cosecha y le pide lluvia. “Makisi” se canta en luvale. Celebra la belleza de la ceremonia de iniciación para la que se reúne toda la comunidad. “Manina” es una canción sobre la pérdida de un ser querido. Fue escrita durante la pandemia y cuenta con la participación del joven cantante Ulethu de Harare. Mokoomba canta en muchos idiomas locales diferentes. Sus canciones están en tonga, luvale, shona, nyanja e incluso en lingala, que se utiliza en “Makolo”, cuando colaboran con el cantante congoleño Desolo B. (El álbum también incluye trompetas de Nobert Wonkyi Arthur (trompeta), Bernard Gyamfi (trombón) y Emmanuel Arthur (saxo) del grupo de highlife ghanés Santrofi).

El título del álbum es un guiño a su inmenso respeto por la tradición. “Tusona” se refiere a un antiguo sistema de signos y símbolos, dibujados en la arena y utilizados para la instrucción durante las ceremonias de iniciación de los luvale en el sur de África. Otra parte importante de la ceremonia de iniciación de Mukanda es la increíble mascarada de Makisi. Desde 2008, las danzas Makisi están en la lista de patrimonio inmaterial de la UNESCO. Los Makisi son personajes enmascarados que representan el espíritu de los antepasados ​​fallecidos. Durante la ceremonia de iniciación anual, los Makisi regresan al mundo de los vivos para enseñar a los niños pequeños a convertirse en adultos responsables entre el pueblo lubale del sur de África. En la última década, el interés, especialmente entre los jóvenes, ha disminuido y las danzas Makisi casi han desaparecido.





1. Tamvela Mama 04:17
2. Nyansola 04:46
3. Ndipe 03:37
4. Manina 04:52
5. Munaye 04:44
6. Makisi 03:59
7. Bakalubale 04:20
8. Kandonga 02:42
9. Nzara Hapana 04:14
10. Makolo 04:31
11. Kulindiswe (Remix) 04:31
12. Njawane (Remix) 04:52
13. Kumukanda (Remix) 05:16

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Doña Javiera - Peña Folklórica - Obra Colectiva (1979)

Durante la dictadura cívico-militar chilena las peñas folklóricas se transformaron en un verdadero símbolo de la resistencia; un espacio donde artistas y público se reunían para reafirmar que no todo estaba perdido, que era posible sobreponerse a la oscura noche que se cernía sobre el país. Una de las primeras y más emblemáticas fue la peña Doña Javiera, creada por el músico, escritor y gestor cultural Nano Acevedo. Creada en julio de 1975, estuvo ubicada primero en el restaurant Antofagasta de calle Mac Iver al llegar a Monjitas, y luego fue trasladada al interior del restaurant El Mundo, frente al teatro Caupolicán, donde se mantuvo hasta 1980. En este espacio, se dieron cita muchos de los artistas que se quedaron en Chile, resistiendo, manteniendo viva la creación cultural y el espíritu de lucha. Entre ellos estuvieron: Margot Loyola, Gabriela Pizarro, Lázaro Salgado, Illapu, Barroco Andino, Ortiga, Aquelarre, Capri, Pedro Yáñez, Osvaldo Torres, Natacha Jorquera, Isabel Aldunate, Alfredo Labbé, Mario Fontana, Leo Vallejos, Dúo Semilla, Eduardo Peralta, Claudia Céspedes, Carlos Arriagada, Sergio Araya, Grupo “Aymará”, Alejandro Masmar, Checo Catalán, Mario Lanas, Daniel Tillería, Álvaro González, Guillermo Vega, Jorge Cartes, Rolando Escobar, Marcela Morena, Cristian Cáceres, y muchos otros.

El año 1979, Nano Acevedo produjo este disco, grabado en los estudios Sonotec, que reunió a algunos de los artistas que se presentaban en La Javiera, el cual fue publicado por el sello Alerce con el número de serie ALP 243. La dirección artística estuvo a cargo de Carlos Necochea, y el diseño gráfico pertenece a P. Andrades, O. Rojas y V. Larrea.+INFO AQUI



1 Mi país [Leo Vallejos] (3:36)
3 Marcha Huayño [Del folklore] (2:10)
3 Tango [Astor Piazzola] (4:57)
4 Hombre de arcilla [Eduardo Díaz – Jorge Venegas – Donald Silva] (4:05)
5 En casa de una mujer llamada María [Nano Acevedo] (3:15)
6 Estudiando el invierrno [Nano Acevedo] (3:18)
7 Tu nombre me hará llorar [Freddy Albarracín] (3:01)
8 Desplazados [Juan Bustamante] (2:16)
9 América nuestra [Carlos Roa] (4:05)
10 Romance del otro Santiago [Nano Acevedo] (5:33)

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Talib Trio - Aap ka number hai?

Daniyal Ahmed es un músico y antropólogo de Pakistán que enseña en la Universidad Habib de Karachi. También dirige el sello discográfico Honiunhoni, a través del cual he podido conocer música realmente hermosa con raíces en las ricas tradiciones musicales de Pakistán. Te insto a que los busques y apoyes sus lanzamientos en su página de Bandcamp .

La última propuesta proviene del Trío Talib con Aap ka number hai?, que se traduce como “¿Es este tu número?”, una frase acuñada por Muhammad Talib, miembro del trío. Daniyal dice: “Es la frase favorita de Talib y, como es típico en los diálogos al estilo de Karachi, te la dirán de manera amistosa o te la lanzarán directamente”.

Originario de Karachi, la biografía de Talib revela cómo reinventó el Tambooro, un instrumento heredado de su padre, añadiéndole trastes para permitir tocar melodías donde antes se utilizaba para crear un zumbido rítmico.

Además de tocar el Tambooro con trastes de su propia invención, Talib también toca el Bulbul eléctrico y lo acompañan Muhammad Khan en el Dholak y Shahid Ali en el Harmonium. No es ajeno a la experimentación, todas las melodías son reinterpretaciones originales que, según explica Ahmed, son “piezas sindhi y baluchi, y dos canciones populares en pastún, todas tocadas desde un corazón que entiende la melancolía de los trabajadores inmigrantes de Karachi y los sentimientos agridulces de sus comunidades caleidoscópicas”.





1. Akhiyan Thakhiyan 04:13
2. Bibi Sheerini 04:34
3. Gunkali 04:32
4. Jharh 04:32 video
5. Karoo'n 04:36
6. Oondho Lehro 03:55
7. Petti Jo Purh 04:57
8. Roohdari 04:38
9. Shinwari Lawangeena 03:29
10. Yaar Dadhi 05:16

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Kyshona - Legacy (2024)

Kyshona Comenzó su carrera como musicoterapeuta, escribiendo sus primeras canciones con pacientes, estudiantes y reclusos bajo su cuidado. Se sintió obligada a escribir de forma independiente y encontrar su propia voz, un esfuerzo que la llevó a la comunidad creativa de Nashville y a la cultura de la composición de canciones. Desde entonces, equilibra su carrera musical con su pasión por sanar en comunidad a través de su organización Your Song .

El nuevo proyecto de Kyshona, LEGACY, se centra en la familia. A través de historias, fotografías, películas, investigación de ascendencia y genealogía, y viajes en el poder del lugar, Kyshona comparte su historia mientras invita a los oyentes y asistentes a los conciertos a unirse a ella en la exploración de sí misma, la curación y el crecimiento. El álbum LEGACY se lanzó en abril de 2024, y Kyshona ha estado en una extensa gira por los EE. UU. ofreciendo varios tipos de experiencias, incluidos conciertos, eventos de conferencias, talleres y reuniones virtuales.






1. Elephants 02:51
2. The Echo 04:15
3. Waitin' on the Lawd (feat. Ruthie Foster, Odessa Settles and Chris Pierce) 03:30
4. Whispers in the Walls (feat. Ellen Angelico) 03:36
5. Alma Ree (feat. Nickie Conley) 04:39
6. Interlude Grandpa H.T. and The Church Elders 00:38
7. Heaven is a Beautiful Place (feat. Maureen Murphy, Nickie Conley) 05:30
8. Always a Daughter 02:41
9. Interlude From Grandpa's Tapes 00:57
10. What's in a Name 02:53
11. Where My Mind Goes 02:52
12. Comin' Out Swingin' (feat. Kelvin Armstrong) 03:22
13. Carolina (feat. Keb' Mo') 03:55
14. Where I Started From 02:45
15. Interlude: A Word 00:46
16. Covered 04:43

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David Arkenstone - Quest For The Runestone (2024)

David Arkenstone , cinco veces nominado al Grammy , que lleva haciendo música instrumental desde 1987 tras su lanzamiento debut Valley in the Clouds . Muchos de sus álbumes tratan temas de fantasía y mitología. Su último álbum Quest for the Runestone está inspirado en las tradiciones musicales celtas, nórdicas y cinematográficas que hablan de sus anteriores álbumes conceptuales de fantasía, a los que David viajó a los rincones de la Tierra Media.

Basado en la historia de su hijo Dashiell Han Arkenstone, Quest for the Runestone es todo un viaje cinematográfico que David emprende hasta el frente. David no solo ha sido nominado a un Grammy, sino que es conocido por sus bandas sonoras para videojuegos como World of Warcraft, Shadowbane, Earth & Beyond, Space Siege y Lands of Lore III , por nombrar algunos.

Arkenstone también es multiinstrumentista y toca el bouzouki, la mandolina, la batería, la percusión, la guitarra, el piano, los teclados electrónicos, el flautín, el saz turco, la melódica y la flauta de pan. Hay 12 composiciones que narran la historia en su totalidad con su sentido mítico del personaje principal, R​é​ann.

Al escuchar este álbum, te adentrarás en esos mundos que Peter Jackson imaginó con la trilogía de El Señor de los Anillos de Tolkien. Y también los mundos de los videojuegos de la franquicia Warcraft, Destiny 1 y 2 y Halo 3. David sabe que es un cineasta innovador en su sano juicio cuando se trata de componer música. Tiene un toque acústico, celta. Pero con Runestone, vuelve a su lado fantástico, que no ha olvidado.

La historia en la que se embarca R​é​ann, es esta tarea en la que se enfrenta a Arbos, un gigante de la montaña, que sacude las montañas haciendo avalanchas que destruyen la aldea. Para la Piedra Rúnica , le ayudará a dormir. La propia guerrera se embarca en este viaje espiritual no solo para detener al gigante, sino para encontrarse a sí misma y demostrar cuánto defiende no solo a ella misma, sino también a su familia.

Y si crees que se trata de una historia relacionada con Disney, piénsalo de nuevo. David se toma muy en serio la historia de Dashiell a medida que las imágenes cobran vida con sus estructuras contundentes, parecidas a las de un vals, su intenso trabajo de percusión, sus arreglos celtas, sus vocalizaciones angelicales... todo está ahí. La mayor parte del tiempo me recordó a las sesiones de la Faerie Symphony de Tom Newman , en las que fue la mano derecha de Mike Oldfield en lo que respecta a su exitoso debut, Tubular Bells.

Un álbum para la mente cinematográfica que valdrá la pena escuchar varias veces para ver y escuchar lo que te has estado perdiendo de la historia de R​é​ann. Si eres muy nuevo en el mundo de la música de David Arkenstone, este álbum es un comienzo para ser parte de la mitología que te espera.





1. Prophecy 05:24
2. The Soothsayer Speaks 05:24
3. Ancient Magic Awakens 04:53
4. Réann 04:03
5. Eyes Of Skata 04:44
6. Oceans Of Ice 04:20
7. Path Of The Mountain's Bones 04:32
8. Stars Without Light 04:12
9. The Arbos Stirs 04:33
10. Inscriptions 04:30
11. Secrets Of The Runestone 04:05
12. Keeper Of The Flame 05:39
13. Réann Reawakened 04:02

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Greg Foat & Ayo Salawu- Interstellar Fantasy (2023)

Lo que Foat y Salawu hacen en ‘Interstellar Fantasy’ es recuperar parte del catálogo del sello alemán Sonoton, fundado en el año 1965 y que durante las décadas de los setenta y los ochenta del siglo pasado se especializó en la llamada Library Music (en español Müsica de Librería).

(Una breve explicación de lo que es Müsica de Librería, que no es, obviamente, música para que suene en las librerías, sino que este concepto surge de la necesidad de tener música enlatada para usos varia¬dos o circunstanciales, sobre todo en medios de comunicación —radio y TV—, pe¬¬lículas, seriales, publicidad o videojue¬gos, y que, además, sea fácil de licenciar para tales cometidos. Los discos de librería poseen todos los derechos de autor asociados a esta y pueden ser licenciadas sin que el compositor original tenga que dar el permiso para su uso, porque ya lo cedió en el momento de cobrar su trabajo para la librería en cuestión).+INFO



1. Interstellar Fantasy 06:11
2. Journey to Arcturus 07:48
3. Solar Pirates 03:26
4. Mines of Andromeda 03:26
5. Stasis Loop 01:59
6. The Lonely Robot 04:26
7. Cruising Home 05:53

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Yo Maps - My Hero (2024)

Yo Maps is a Zambian professional singer who has grown his fan base through his notable songs like, “Location, Mr Romantic, Aweh and Somone”. Yo Maps recently won The Zambian Man Of Year award. Moreover, this song “My Hero” is more than music it’s a celebration of the people, moments, and stories that shape us. Yo Maps has dedicated this song to his music fans or rather listeners. https://en.wikipedia.org/wiki/Yo_Maps






01 – Bana Bandi (Intro)
02 – Yesu
03 – Ma Rules
04 – Jealous
05 – Ex Wamunandi
06 – Nkalapembela
07 – Judas
08 – My Hero
09 – Dear Nancy
10 – Pace Of Mind
11 – Kanofye
12 – Musunge
13 – Tamunaka
14 – Hallelujah

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Seay - I Voice XXIV (2024)

Seay is an -award-winning recording artist, singer, songwriter and humanitarian known for her distinct voice and sound. Her music is full of rich world elements and her songs delve into the depths of the human experience. She has released multiple recordings that have charted on Billboard and include a Grammy® featured artist nomination. Seay brings inspiration to the world of music with her captivating voice and evocative artistry

Seay's 1 Voice (XXIV), is a special collection of newly remixed and reimagined pieces from Seay’s 2005 debut album 1 Voice. Mixed and mastered in Dolby Atmos by award-winning engineer Jeff Silverman of Palette Music Studio Productions (MSP), 1 Voice (XXIV) is a showcase for Seay’s distinct voice and compositions, produced with lush orchestration, elegant pianos, and indigenous rhythms. Featuring a new version of Seay’s iconic vocal chant “Orion’s Gate” and the new reprise of “Love Is The Ocean”, 1 Voice was named a top-10 album of the year, and launched XM Satellite’s HD Surround, pioneering the immersive sound on radio. Multilevel listening at its finest, 1 Voice (XXIV) breathes new life into the new album and is sure to transport both old and new listeners with Seay’s captivating voice and music. 

www.seayinthegarden.com
www.seaymusic.com
www.tuscansunmusic.com



01 – 1 Voice XXIV
02 – Love is The Ocean XXIV
03 – Orion’s Gate XXIV
04 – Cannon In B XXIV
05 – Gothica XXIV
06 – The Calling (Ohm A Yehu) XXIV
07 – Angelica XXIV
08 – Love Is The Ocean (Reprise) XXIV

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