Emmanuel "Rico" Rodriguez MBE (17 October 1934–4 September 2015), also known as simply Rico , Reco or El Reco , was a Cuban-born Jamaican ska and reggae trombonist . He recorded with many producers, including Karl Pitterson , Prince Buster , and Lloyd "Matador" Daley . He was known as one of the first and most distinguished ska artists, and from the early 1960s performed and recorded in Britain, with the Specials , Jools Holland , Paul Young , and others.

Man from Wareika was the first album recording for Rico Rodriguez led by his own artistic imagination, and his first recording created for album release. It is notable for being the only roots reggae album to be released on Blue Note Records .

After recording one track ("Africa") in London with engineer Dick Cuthell as a kind of a demo for label owner Chris Blackwell - its arrangement is completely different in comparison to the rest of the album and contains flute and chorus - Rodriguez was offered a contract to record this album; and he could arrange to record in Jamaica .

After 15 years Rodriguez returned for the first time to Jamaica. He had left the country in 1961 when he was already heavily involved in creating the then new ska sound. In 1976 he added something new to reggae music. A critic wrote in 1977 that the album "does not just reflect the current popular trends, but ... expresses in a definitive way the Jamaican music tradition."

The nine self-composed tracks on the album offer Jamaican rhythms with horn lines between a melodic use (eg on "This Day", "Lumumba") and jazz; the latter helped to define something like a new genre, Jamaican jazz, transforming the experience from early ska days into 1970s roots reggae. Most of the songs remain in Rodriguez's live repertoire until today. Some have been re-recorded by other artists as well as by himself. https://en.wikipedia.org/wiki/Man_from_Wareika





1 This Day 
2 Ramble 
3 Lumumba 
4 Africa 
5 Man From Wareika 
6 Rasta 
7 Over The Mountain 
8 Gunga Din 
9 Dial Africa



En algún momento del año 1992, Krystian descubrió su pasión por la música electrónica, después de haber tomado clases de piano durante más de 10 años. Inspirado por el viejo Vangelis y Jean Michel Jarre se encontró escuchando lo que se conocia en aquel momento como la música techno. Rápidamente decidió que él también quería hacer algo así. Sin saber cómo producir este tipo de música, y sin tener idea de qué tipo de aparato genera estos ritmos sintéticos, pasaron varios años antes de que Krystian casualmente hizo un descubrimiento que le llevó en la dirección correcta. Un amigo le dejo un ordenador Amiga 500 con una grabadora multi-pista, que era capaz de grabar las muestras. Desafortunadamente, los límites de los programas no tardaron en llegar, y él no sabía cómo continuar. Más tarde, aproximadamente a finales de 1994, finalmente averiguó cómo producir música de una manera mas profesional. Después de experimentar y probar durante un tiempo, Krystian hizo sus primeras grabaciones, sin ofrecerlas a nadie, sin embargo, no estaba contento con el resultado por el momento. A finales de 1997, el tiempo finalmente habia llegado Grabó tres pistas de las que era cierto, que eran excelentemente adecuadas para bailar.
Hoy Krystian es bien conocido por el lanzamiento de su Trip-Hop/Electronica en el sello FAX Label propiedad de Pete Namlook.


01. Slightly Breeze
02. Watching The Waves
03. De Minerale
04. Acapulco Nude
05. The Easy Way Of Life
06. Cocktail Hour
07. Unknown Situation
08. Fly Over The Ocean
09. Meeting Friends On A Walk
10. Blue Marine
11. Love Guitar
12. Coming Back Soon
13. Reality


Ibrahima Cissokho ofrece con su kora un auténtico groove de rock afro. Con un pie en la tradición de su condición de Griot, el otro en la música contemporánea con melodías amplificadas de rock y funk como referencias, creado por su forma de tocar la kora, música mandinga del siglo XXI.


Vive en Francia desde 2008, Ibrahima, en la voz y kora, es un artista completo. cantautor carismático, que no dudó en aprovechar las oportunidades que lo hacen un músico único. Se rodeó con su fiel banda de acompañamiento, Le Mandingue Foly, con quien realizó una gira europea y escenas de todo el mundo, creando asi un sabroso cóctel de influencias, su voz potente y cálida, cantó la solidaridad, el amor, el despertar de los espíritus. Él desea transmitir los valores que son queridos para él y engendrar la unidad a través de sus creaciones.



Ibrahima Cissokho: Voz, Kora
Françoise Veilhan: bajo, percusión, voces
Laurent Baradel: flauta peul
Gregory Boudras: Batería

Invitados:
Khadim Sene: Sabars
Petit Adama Diarra: Djembe, Guitarra acústica
Guillaume Lavergne: teclados
Hadja Kouyaté: Coros
Sory Diabaté: baláfon
Orlando Julius: Saxofón



01. Bayo
02. Solidarité
03. Tiedo (feat. Petit Adama Diarra & Sory Diabate)
04. Serigne Saliou
05. Yanfu (feat. Petit Adama Diarra & Hadja Kouyate)
06. Diula
07. Kanou (feat. Sory Diabate)
08. Manduleen
09. Dinala Setsi
10. Sénégal (feat. Orlando Julius)
11. Mouridoulaye
12. Mandingue Foly (feat. Petit Adama Diarra)



Cradle Of Humanity features Mulatu Astatke, the Father Of Ethiojazz, in collaboration with Australian musical collective Black Jesus Experience. Cradle Of Humanity is the funkified product of seven years of performances together around the world, brought to fruition in studios in Melbourne, Australia; Addis Ababa, Ethiopia; Koln, Germany and London, UK.

A meditation on the origins of humanity, rhythm and culture, this album combines the mystic tonalities of Ethiopia’s ancient and unique scales with deep grooves and the freedom principle. Cradle Of Humanity’s suite of songs includes re-interpretations of the Mulatu gems Sabye, Netsanet, and Yekatit, and the Ethio classic Wubit. The inspirations for Mulatu’s original works, love, freedom, revolution and culture, are recast and reinterpreted by Amharic songstress Enushu Taye, lyrical giant Liam ‘Mr Monk’ Monkhouse and genius stream of consciousness freestyler Tibor Bacskai, honed through mentorship and discussion with Mulatu while touring (Australia, Africa, UK, Europe, Oceania, including Glastonbury, Big Chill, WOMAD, Bushfire, United Nations etc….). The album’s new compositions, by one of Australia’s finest jazz composers Peter Harper muse upon the liberation of selflessness on Until, letting go on We Pray and socialist anthem It’s Time.

Cradle Of Humanity features Mulatu’s vibes playing at its most expansive, and his signature approach to African percussion. Australian music legend Bob Sedergreen adds his hard funking magic on keyboards, whipped by the driving horns of Peter Harper on sax and Ian Dixon on flugelhorn. All stirred into a grooving ‘wot’ by Matt Head on kit, Chris Frangou bass and Zac Lister guitar with Nui Moon and Malamine Sonko percussion and special guests toaster Jornick Joelick and masinko virtuoso Asrat. Cradle Of Humanity is the joyous fruit of a seven year journey of love, joy and artistic dedication.

https://blackjesusexperience.bandcamp.com/album/cradle-of-humanity




1. Wubit 06:27 
2. Sabye 04:05 
3. Until 08:49 
4. Yekatit 05:36 
5. We Pray 05:44 
6. Netsanet 08:03 
7. It's Time 07:52




Aurelio, cantautor , guitarrista y percusionista es uno de los artistas más talentosos de Centroamérica. Nacido en Honduras en 1969 , el músico se destaca por su inigualable voz poderosa y melodiosa. Se trata también del principal portavoz de la cultura y de la música Garífuna tanto a nivel nacional como a nivel internacional . Los Garinagu o mejor conocido s como los Garífunas , son el fruto de un mestizaje entre pueblos amerindio s y africano s , cuyo origen proviene de una pequeña isla de las Antillas Menores conocida con el nombre de San Vicente. Según los relatos históricos, tras numerosos conflictos con los colonos europeos por la hegemonía d e l territorio insular, en 1797, el Gobierno Británico optó por deportarlos hacia una de sus ex - colonias: la isla de Roatán , ubicada en las Islas de la Bahía de Honduras. Es así como desde entonces , el pueb lo Garífuna se extiende a lo largo de las costas de Belice, Guatemala, Honduras y Nicaragua, convirtiéndose de este modo en una comunidad transnacional en el istmo centroamericano .

Como Garífuna , Aurelio proviene de Plaplaya, un pequeño pueblo caribeño situado en el noreste de Honduras, en donde creció rodeado por una familia de músicos . S u padre, un trov ador local , tocaba la guitarra e improvisaba canciones de un género musical llamado P aranda, cuya originalidad radica en la mezcla de ritmos tradicionales g arífuna s y sonidos latinos. Desde temprana edad y gracias a la influencia de su abuelo y de sus tíos , el artista se convirtió en un talentoso y brillante percusionista .

De su madre, una cantautora tradicional , heredó el don del canto , permitiéndole a su vez , grabar muchas de las canciones que ella misma compuso . Sin embargo, Además de la influencia musical de su familia, merece la pena mencionar que aun siendo solo un niño, Aurelio comenzó a realizarse como músico asistiendo a las ceremonias rituales celebradas en honor a los ancestros Garífunas . Asistía inclusive a los eventos más sagrados del culto en donde normalmente no se admitía la presencia de menores de edad.

http://www.aureliomusic.net/bio/





  1. Dondo Yalifu
  2. Yange
  3. Laru Beya
  4. Sielpa
  5. Dugu
  6. Sananaru
  7. Landini
  8. Funa Tugudirugu
  9. Narigolu
  10. Lumalali Limaniga
  11. Naguya Nei






Subido por Marhali.

Ghazalaw (2015) celebra la afinidad entre el género lírico ghazal de India y la tradición popular de Gales. El cantante y compositor de Bombay Tauseef Akhtar y la cantautora galesa Gwyneth Glyn entretejen la poesía de amor de sus dos tradiciones culturales junto con el acompañamiento de arpa, tabla, guitarra y armonio. Aparentemente dispares pero con resultados deliciosos.

En Ghazalaw los tonos sonoros de Akhtar se adaptan perfectamente para transmitir "birha", el dolor del amor inalcanzable tan popular en la poesía Ghazal del norte de India. Por su parte, la voz de Glyn aporta, desde las letras del folk galés, el concepto de "hiraeth" (un intenso deseo por una persona o lugar) de la belleza de la vida.

Mientras que los poemas de cada pista trabajan bien temáticamente, es la profundidad de la emoción con la que Akhtar y Glyn recitan que hace que la transición del urdú al galés apenas sea perceptible. El arpa de Georgia Ruth, la adición de un violín (que difumina los estilos galeses e hindúes) y el ritmo crujiente de la tabla proporcionan una experiencia de sonido hipnótico y envolvente. En definitiva, Ghazalaw es un proyecto fascinante y un recordatorio oportuno de que la humanidad es global y que tenemos en común grandes confluencias dignas de celebración.

01. Tum nazar se - Cyfri’r sêr
02. Teri aankhon mein - Seren syw
03. Apni Ruswaayee - Sefyll yn stond
04. Hosh apne - Y botwm du
05. Hud se - Cainc yr aradwr
06. Moliannwn - Ishq karo
07. Khoobsorat koi sazaa - Cosb mor dlos
08. Lusa lân
09. Guzur jaayenge jab din – Hiraeth
10. Jugnu ke sitara tha - Hen ferchetan


Subido por Marhali.

Khiyo es una banda, establecida en Londres, que interpreta el patrimonio musical bengalí, formada en 2007 como una colaboración entre la cantante británica-bangladeshí Sohini Alam y el multiinstrumentista y compositor Oliver Weeks (a quienes se unió el bajo y las guitarras de Ben Heartland) para explorar nuevas formas de presentar la música tradicional bengalí, pero preservando su esencia.

Las canciones de este disco debut (2015) representan una mezcla ecléctica de clásicos bengalíes de Bangladesh e India, basándose en lo popular, películas, canciones protesta conmemorativas de la independencia bangladeshí y otros géneros tradicionales como las Rabindra Sangeet (canciones de Rabindranath Tagore) y las Nazrul Sangeet (canciones de poeta nacional bengalí Kazi Nazrul Islam). La potente y expresiva voz de Sohini Salam se acompaña a la perfección con arreglos dinámicos y originales que se alimentan de los sonidos del sur de Asia y de la tradición clásica, del rock y del jazz. El resultado es un sutil equilibrio entre las culturas y tradiciones de Oriente y Occidente.

01. Akashta Kanpchhilo Kyan?
02. Doyal Tomaro Lagiya
03. Rum Jhum Rumu Jhumu
04. Nishi Raat
05. Amar Protibaader Bhasha
06. Murshidi (Kachhe Nao Na, Dekha Dao Na)
07. Koi Jao Rey
08. O Ke Udashi Benu Bajayey
09. Purbo Digontey
10. Hai Rey Amar Mon Matano Desh
11. Amaro Deshero Matiro Gondhe
12. Ek Shagori Rokter Binimoyey
13. Kotobaaro Bhebechhinu
14. Bareer Kachhe Arshinogor




Gutter Creek was founded by multiinstrumentalist Robo Spitters beginning 2014. After a long journey experimenting with different musical styles Robo came back to his roots and started writing new songs and Gutter Creek was born … Along came longtime musical partners Mario Sprong on Banjo,,guitars and dobro ,Marck Heusshen on Guitars…


Robo Spitters
Vocals, Guitar, Fiddle, Mandoline,Dobro, and more
Mario Sprong
Banjo ,classic guitar and dobro
Marck Heusschen
guitars
JJ Malved
Double-bass








01. On the Run
02. Kill You, Kill Me
03. Old Joe
04. I Need It Bad
05. Invisible
06. Gallows Pole
07. Running Blind
08. Nobody's Watching
09. Trouble
10. Running Blind






hello,

my name is Misha Mishajashvili and i am musician from lasnamae, estonia. i do not write very well english, so excuse bad language. this is album named 2017 i have made portraying time and life of soviet timce. i portray music about time of soviet and life in poverty area of city of lasnamae. cd is full found on link here for no payment and for stream and download here:
 http://misha-mishajashvili.bandcamp.com/

http://www.mediafire.com/file/8kbnkwffyrgw2ql


  Misha Mishajashvili provides a batch of intriguing, oddly designed compositions which are immersed with very surprising aspects and crossways. More concretely, it chimes like a chronicle of the industralization of the USSR and the creation of a new human race. Moreover, it can be viewed as a sonic evidence of the socialist realism where the dominating industrial-tinged axis is embellished with ethnic music motives (a loads of tabla rhythms below the sound layers), church choirs, jazzy samples and spoken word snippets which in turn used to depict relentless propaganda of the Red Plague. MM used to masterfully treat and distort these hiss-soaked elements, however, therefore amplifying and widening certain bits and spots from within the tremendous whole giving it an anxious milieu and distinct touch. Powerful!





1. Далеко от Бабеля 02:52 
2. Небо никогда не катит 03:20 
3. колоти́ть 05:16 
4. у ворот Сиона 04:25 
5. сладкий предвестником смерти 04:35 
6. Заполнение пробелов 02:28 
7. прощение 01:35 
8. Он разбил мое сердце 03:30 
9. Усталый и измученный 04:12 
10. Я любил тебя, как никто другой, Ханна 07:24


Yoshida Brothers o también conocidos en Japón como Yoshida Kyōdai 吉田兄弟 (よしだ きょうだい), son un dúo compuesto por los hermanos Ryōichirō Yoshida y Ken’ichi Yoshida que tocan tsugaru shamisen, un antiguo instrumento japonés de tres cuerdas. Esta descripción puede llevar a pensar que se trata de otro grupo de música folclórica de su país, pero lo cierto es que los Yoshida Brothers han sabido mezclar las melodías y sonidos tradicionales de Japón con ritmos e instrumentos contemporáneos,lo que genera una mezcla musical única, muy dinámica, sensible y profundamente refinada.
El remix de su canción "Kodo" se hizo mundialmente conocida por haber sido utilizada en los comerciales de la Nintendo Wii.

https://es.wikipedia.org/wiki/Yoshida_Brothers






01-Prelude: Hishou [ 2:38 ]
02-Ibuki (Hishou Version) [ 6:29 ]
03-Kodo (Hishou Version) [ 3:20 ]
04-Ringo Bushi [ 2:37 ]
05-Ajigasawa Jinku [ 3:07 ]
06-Yasaburou Bushi [ 3:54 ]
07-Panorama [ 3:07 ]
08-Tsugaru Yosare Bushi (Hishou Version) [ 6:24 ]
09-Time of Sand [ 4:36 ]
10-Tsugaru Aiya Bushi (Hishou Version) [ 5:43 ]
11-Modern (Hishou Version) [ 2:26 ]
12-Dual [ 4:28 ]
13-Tsugaru Jongara Bushi (Hishou Version) [14:41 ]
14-Postlude: Hishou [ 0:46 ]



Dances and Canons is the debut ECM recording of both composer Kate Moore and pianist Saskia Lankhoorn. Moore was born in England in 1979 and lives now in the Netherlands (where she studied with Louis Andriessen). However, it is Australia, where she grew up, which has left the strongest impression on her creative imagination, its teeming natural soundscapes transmuted in her music of hypnotically-swarming pulse patterns and shifting, layered planes of sound. In Dutch pianist Lankhoorn (also born 1979), Moore has a dedicated and resourceful interpreter. “It’s impossible to listen to this music,” writes George Miller in the liner note, “and not wonder about the enormous technical demands it makes of the performer.” Moore and Lankhoorn have collaborated regularly since 2003. As well as compositions for solo piano, the programme includes pieces for two pianos, four pianos and multiple pianos, realized in the Auditorio svizzera, Lugano, with Manfred Eicher as producer.





1 Spin Bird 03:24 
2 Stories For Ocean Shells 09:06 
3 The Body Is An Ear 11:01 
4 Canon 15:39 
5 Zomer 04:01 
6 Joy 12:03 
7 Sensitive Spot 09:08 
8 Spin Bird 03:38






Favoring traditional Chinese music over the type of slick, western-influenced Asian pop that is big in China, Korea and other Asian countries, Yu Hong-Mei is among the Chinese instrumentalists who plays the erhu--one of China's top string instruments for centuries. Born in China's Shangdong Province in 1971, Hong-Mei was only eight when she began studying the erhu under Su An-guo. In 1984, a 12-year-old Hong-Mei entered China's High School of the Central Music Academy and continued to study the erhu under Zhang Shao, who was considered a master of the instrument. In 1990, she entered the Central Music Academy on the college level and majored in traditional Chinese music before graduating with honors in 1994. As an undergraduate, Hong-Mei recorded her first album, The Blooming Red Plum, in 1992. Hong-Mei's first visit to the U.S. came in 1999, when she visited Santa Barbara, CA and recorded String Glamour for the Wind label.






1 Dancing Music Of Amis Tribe
2 Singing Tune
3 Mellow Grape-Fullness
4 Mei-Hu Tune
5 The Shepherdess
6 Going To The Fair
7 Spring Song
8 Three Sighs At The Guan Pass
9 Tending My Camels



Raúl di Blasio (n. 14 de noviembre de 1949) es un pianista argentino, originario de la localidad de Zapala, provincia de Neuquén, Argentina.
Siendo un chico de ocho años se mostró de repente interesado en tocar piano, al grado de cuando sus padres le preguntaron si él quería estudiar música, él no dudó en responder afirmativamente.

Durante un lapso de cuatro años empezó a practicar en los pianos de sus maestros, reconociendo lo difícil que era conseguir un piano decente. Mientras experimentaba y tocaba con los diferentes sonidos en el piano, Raúl silbaba con su padre, lo que le estimulaba a tocar nuevas melodías en el piano.

Ese fue el comienzo del famoso pianista Raúl di Blasio, que aunque él afirma que ha sido formado con la técnica clásica, le gusta de igual manera tocar música popular. Di Blasio admite que a la edad de diecisiete formó parte del movimiento de rock que surgía del fenómeno de Los Beatles, pero sus padres le instaron a ir a la Universidad y hacer una verdadera carrera en su vida.

Pero su siguiente escalón fue salir de su pueblo natal y trasladarse a Buenos Aires, donde a la edad de veinte empezó a practicar el piano por doce horas diarias, a lo que él comenta “Sentía las alas en mis dedos”.

Él se considera a sí mismo una persona que constantemente necesita de cambios en su vida. A la edad de 27, sabiendo que algo pasaba con su personalidad ahora con más energía e hiperactividad, decidió mudarse a Chile, en donde decidió tocar piano con música clásica, tradicional y rock. Para aquel entonces ya componía sus propias melodías y trabajaba como pianista en un bar y aunque confesara que lo hacía para sobrevivir, estaba feliz con lo que hacía. En Viña del Mar llegó a tocar para artistas como Rocío Dúrcal o Julio Iglesias.

Dos años después alguien le sugirió producir un disco, el cual él logró realizar con sus propios recursos. Sin embargo, esta primera producción no tuvo el éxito esperado, a pesar de haber contenido temas de grandes artistas como Roberto Carlos, José Luis Perales, entre otros. Afortunadamente para Di Blasio, un productor de la casa discográfica BCS-S en Chile le sugirió un segundo álbum, en el cual, aparte de música tradicional y clásica, se incluyó música latinoamericana, como la gran melodía Piano de Bebu Silvetti, de quien se declara gran admirador y una de las personas más influyentes en su vida.

En 1984, Raúl di Blasio tomó la decisión de hacer del piano su compañero de vida. Un año más tarde, grabaría la versión instrumental del Himno de la VI Teletón, que interpreta Fernando Ubiergo.

Conocido como "El piano de América" desde 1988, apelativo surgido tras la entrevista realizada por la periodista Mayra Vargas para Prensa Libre de Guatemala de acuerdo a declaraciones del artista a dicho diario y que él usaría como título para un disco dos años después.

En 1997 participa en el tema "después de ti... qué?", a dúo con el famoso cantante mexicano Cristian Castro, unos años después se filmó el videoclip, en que se apreciaba a Raúl tocando el piano.

Ha tocado a lado de artistas como Rocío Dúrcal, José José, Julio Iglesias, Juan Gabriel, Marco Antonio Solís, Armando Manzanero, Carlos Cuevas, Richard Clayderman, Luis Jara entre otros. En 2001, El Consorcio le acompañó en cinco temas del material titulado Di Blasio–Gardel
https://es.wikipedia.org/wiki/Ra%C3%BAl_di_Blasio



1. Volviendo a casa (4:30)
2. Piano Caribe (4:50)
3. Melissa (4:33)
4. El retrato de Silvia (6:38)
5. Gitano (3:46)
6. Corazón de niño (3:42)
7. Rosalinda (5:44)
8. Maria (3:52)
9. Medley: En tiempo de amor (10:11)



Se iniciaron en 2007 con un nombre tan poco manuable como el de “Luis Advis, Cantata Rock Santa María de Iquique, cien años después, con Chancho en Piedra, Ismael Oddó y Caíto Venegas de Quilapayún, Camilo Salinas y Fernando Julio de Inti-Illimani Histórico“. Pero dos años más tarde la identidad quedó más clara: el Colectivo Cantata Rock es el conjunto formado por músicos de esos tres grupos para recrear en una versión rockera el histórico disco Cantata Santa María de Iquique (1970), original de Luis Advis e interpretado por los propios Quilapayún.

En dos etapas se desarrolló el plan. El grupo hizo el estreno de la obra el 12 de diciembre de 2007 con un concierto al aire libre en la Plaza Bulnes de la capital, con motivo del centenario de la masacre obrera nortina que motivó el LP original. Y luego registró en un disco el trabajo, titulado De Luis Advis, Cantata Rock Santa María de Iquique (2009), en el que dejó prensada su nueva aproximación a la obra de Advis.

Bajo la dirección del músico Ismael Oddó, hijo de uno de los fundadores de Quilapayún, Willy Oddó, el colectivo propone nuevas interpretaciones para estas partituras, a base de guitarras eléctricas, teclados electrónicos, bajo y batería, y con arreglos vocales entre los que se distinguen los reconocibles timbres de Lalo Ibeas y los hermanos Pablo y Felipe Ilabaca, de Chancho en Piedra, junto a los relatos del actor Patricio Pimienta.

Ismael Oddó, voz, guitarras, coros y dirección
Camilo Salinas, voz, piano, teclados y coros
Pablo Ilabaca, voz, guitarra, theremin y coros
Ricardo Caíto Venegas, voz, guitarra, teclado y coros
Eduardo Lalo Ibeas, voz, teclado y coros
Felipe Ilabaca, voz, bajo, theremin y coros
Leonardo Toño Corvalán, voz, batería, percusión y coros
Fernando Julio, contrabajo y coros
Patricio Pimienta, relato




01. Pregón I
02. Preludio instrumental
03. Relato I
04. Canción I e interludio instrumental ------El Sol en Desierto Grande
05. Relato II
06. Canción II e interludio instrumental ------Vamos Mujer
07. Relato III
08. Interludio Cantado Se han unido
09. Relato IV
10. Canción III e interludio instrumental ------Soy Obrero
11. Relato V
12. Canción Letanía
13. Canción IV ------A los Hombres de la Pampa
14. Pregón II
15. Canción Final



Touré Kunda is a Senegalese band noted for their musical versatility and political activism. Their 36-year career encompasses recordings in over six languages and collaborations with well-known musicians such as Carlos Santana and Talking Heads. They have had considerable success in Africa and Europe and are active in social causes such as Children's rights and advocates for the homeless.

Born twenty-two days apart in 1950 in Ziguinchor in Casamance, Senegal, Ismaïla and Sixu Tidiane Touré were introduced to music by their elder brother Amadou, a singer and musician. They moved to Paris to complete their musical education. They worked their way up in the Parisian scene. The group sings in Soninké, Wolof, Fula, Mandingo, Diola, and Portuguese creole, reflecting the multilingual mixture of the people of Casamance. Their first album, Ismaïla do Sixu, was released in 1979. It was followed by E'Mma Africa in 1980 and Touré Kunda in 1982. In 1985, following the death of their brother and mentor Amadou, Ismael and Sixu Tidiane toured throughout Africa. Upon returning to France, they found considerable success and critical acclaim among the French music press. In 1992, they were invited to play for Nelson Mandela at the Courtyard of Human Rights. In 1999 their album Légendes, a retrospective of their 20-year career, was released. Shortly thereafter, they participated in Carlos Santana's album Supernaturel and toured with him. A greatest hits album, Best Of, was released in 2006. Their most recent album, Santhiaba, came out in 2008. Ismaïla and Sixu Tidiane Touré are members of the sponsoring committee of the United Nations' Decade for the Promotion of a Culture of Peace and Non-Violence for the Children of the World.

https://en.wikipedia.org/wiki/Tour%C3%A9_Kunda




01. Cindy [00:04:51]
02. Mininna [00:03:18]
03. Maria Bonitou [00:05:30]
04. Is Do Si [00:04:22]
05. Emitay [00:04:22]
06. Saporta [00:03:15]
07. Djiremait [00:02:56]
08. Coladera [00:03:40]
09. Roupouli [00:04:23]
10. Fondinke [00:02:40]
11. Mame Malick Sy [00:03:23]
12. Soninko [00:04:50]
13. Ikodi [00:04:35]
14. Djiloly [00:04:12]




From Saint-Petersburg, Russia: the band constists of professional musicians including: - Boris Roubekin (Aquarium band) studies Irish whistle from world’s famous flutist Brian Finnegan. - Dmitry Olegovich (piano accordeon) is also a leader of the Orquestra Primavera tango band - Andrew Bajramov (bodhran) is the winner of the World Bodhran Championships’2010 Milltown, Co.Kerry, Ireland - Evgeny Vikki plays octave mandolin and DADGAD guitar.

Guest Musicians:
Brian Finnegan (Flute 03, 05)
Alexandra Kurkova (singing 02, 08)
Asya Sergeeva (Harp 08)
Darja Saunina (Harp 02








01 - The Tough Maids of Bryansk (Leslie's - Shake a Leg reels).mp3
02 - The Frost Is All Over (song) - feat A. Kurkova and D. Saunina.mp3
03 - Silver Spear - Humours Of Tullah - Shake A Leg (reels) - feat B. Finnegan.mp3
04 - North Star - Michael Russell's - Club Ceili (jigs).mp3
05 - Slip reels (Garech's Wedding - Cavan Potholes) - feat B. Finnegan.mp3
06 - Ronan's March - Vikki's favorite.mp3
07 - Road To Recovery - Trip To Herves - Fisherman's Lilt (reels).mp3
08 - The Blacksmith (song) - feat A. Kurkova.mp3
09 - Trip to Skype (Greg Dolan and Inmates feat B. Roubekin).mp3







Petros Gaitanos (Greek: Πέτρος Γαϊτάνος born on October 31, 1967) is a Greek singer. He was born in Drama, Greece, and raised in the village of Kokkinogeia, where he remained until the age of 18 years. He studied at the Athens Hellenic Odeum and has a degree of Byzantine music. He is deeply influenced by Byzantine music and has produced a series of records with Byzantine works and hymns. During his artistic career he served as artistic director of the Foundation "Karitteion Melathron".https://en.wikipedia.org/wiki/Petros_Gaitanos




1. Eklomenos pros to pa8os (5:22)
2. Eis to pretorion (3:20)
3. Ide o vasileus ymon (6:37)
4. Aima kai ydor (4:29)
5. Ina h grafh plhrw8h (4:10)
6. Ehkan ton Ihsous (4:48)
7. Shmera mauros ouranos (1:08)
8. To katwloi ths panagias (4:33)
9. Kai ws ete8h to swma autou (3:05)
10. Blepeis ekeino to bouno (3:28)
11. Epi xylou blepousa (4:36)
12. Nenikhka ton kosmon (3:47)




El pasado sigue siendo una fuente inagotable de inspiración para Salif. Grabado entre París y Londres, Folon ofrece una relectura de algunos estándares como Mandjou, con el teclado Cheick Tidiane Seck. A lo largo del álbum, que impone el rigor de su groove, como el batería Mokhtar Samba. En sintonía con los acontecimientos actuales, Salif dedica la canción a presidente Mandela de Sudáfrica.

   

01. Tekere (06:35) 
02. Mandjou (10:38) 
03. Africa (06:01) 
04. Nyanyama (06:19) 
05. Mandela (04:31) 
06. Sumun (06:58) 
07. Seydou (05:48) 
08. Dakan-Fe (05:07) 
09. Folon (04:28)



You would be hard pressed to find an ambient composer/musician out there with a more clearly defined minimalist aesthetic than Baltimore-based M. Ostermeier.  He describes his compositions as often featuring “skeletal piano melodies that are augmented with electronics, acoustic recordings, and occasionally guitar”. True to that aesthetic, his most recent work draws inspiration from simple and elegant structures found in both the seen and unseen world, a propensity which perhaps has its origins in his background as a professor of chemical and biomolecular engineering.

In the case of Still, released on his own Tench label last year, the inspiration was architecture, a musical echo of the clean and spacious designs of the likes of Frank Lloyd Wright or Frank Gehry.  On his latest, about to be released by Home Normal, it is the marvelously lightweight and compact natural engineering of the humble bird.

    …amongst the gorgeous little melodies at play here, there is a careful depth of sound design from a variety of found sounds and field recordings…It is just the kind of album we love around these parts: namely, a work that takes its time to develop as it sees fit, without any need to rush to its restrained conclusion. – Ian Hawgood

Marc Ostermeier ProfileIndeed this collection of 13 songs and sketches has a real integrity of style and purpose throughout effectively creating a miniaturized world for the listener to inhabit, a sonic menagerie of rustling creatures that flit and skitter about. It comes across as a sort of musical origami and is equally enchanting. The piano lines themselves are exquisite, straddling modern classical and jazz motifs in a way that should appeal to fans of either genre while also pleasing the ambient music crowd who will appreciate the sound design, stillness and abstraction that permeates the entire captivating journey.

An added bonus is the appearance of Christoph Berg (aka Field Rotation) on the opening pair of tracks. He adds a pleasantly surprising element of additional beauty in just the right measure for this particular album, but it makes for a tantalizing prospect should the artists consider expanding this partnership in the future.







1. Glide 02:07 
2. Of A Feather 02:08 
3. Rafters 02:30 
4. Watcher 01:51 
5. Duo 03:25
6. Flutter 01:46 
7. Flying South 04:07 
8. Head Cut Off 01:12
9. Nesting 04:04 
10. Caged 01:55 
11. Skitter 03:04 
12. Twin Crested Peaks 02:19 
13. Albatross 03:51








Ash Dargan is an indigenous Australian didgeridoo player. He is a member of the Larrakia people but did not find out about his aboriginality until he was 21. He teaches and performs all over the world. He is a former member of Coloured Stone, appearing on their 1999 album Rhythm of Nature.





1. Ghost Story
2. Yirrakala
3. Dinga (Stone)
4. Bora (Initiation Ceremony)
5. Bullfrog
6. Spirit Song
7. Narkindie (Cave)
8. Arinya
9. Birubi (Southern Cross)
10. Kaoota (Evening Dance)
11. Yamanalee (Digging Song)





La dinastía Han fue la segunda dinastía imperial de China, (206 aC-220 dC), precedida por la dinastía Qin (221-206 aC) y sucedida por el período de los Tres Reinos (220- 280 dC). Que abarca más de cuatro siglos, el período Han se considera una edad de oro en la historia de China. A día de hoy, En China el grupo étnico mayoritario se refiere a sí mismo como el pueblo Han y la escritura china se conoce como caracteres Han. fue fundada por el líder rebelde Liu bang , y brevemente interrumpido por la dinastía Xin (9-23 dC) de la ex regente Wang Mang. Este interregno separa la dinastía Han en dos períodos: el Han del Oeste o ex Han (206 aC - 9 dC) y la dinastía Han del Este o posterior Han (25-220 dC).

Con el fin de expresar mejor esta identidad se graba esta obra épica musical, para la grabación de este álbum han invitado a decenas de músicos. Chang Jing tocando el GuZheng, Jiang Yan el laúd chino, Mu Xiangzheng Sanxian, el maestro Du Cong shakuhachi, flauta, flauta de bambú, la percusión de Shang Wei, La Orquesta Sinfónica Nacional de China, coro de la Filarmónica China, y otros músicos de la Universidad de Beijing.



01 韩信拜将 Han Xin Will Worship
02 背水为营 Back Water For The Camp
03 四面楚歌 Eexposed To Attacks On All Sides
04 木罂渡军 Cross The Army Wood Trader
05 伪游云梦 Pseudo Cloud Dream
06 韩信点兵 Han Xin Point Soldier
07 霸王别姬 Farewell My Concubine
08 半渡而击 Half Crossing And Blow
09 十面埋伏 Ambush On All Sides
10 明修栈道 Repairing The Plank Road


Yu Hong Mei
Yu Hong Mei has won many awards during her brilliant career. Most recently, she won the China Golden Record Award for Best Solo Recording. She is the recipient of the Pro Musicis International Award in New York City (2001). She is the first Chinese musician to win the coveted Indie Award (1999) in the category of Best Traditional World Music for the CD String Glamour. Another solo CD, Red Plum Blossom Capriccio, won the Best Chinese Musical Art Production in 1998. Her other awards include the 1989 Chinese Traditional Music Competition for Erhu and the 1997 Taipei Concerto Competition
Yu Hong Mei was a soloist with the Chinese National Traditional Orchestra on their 2000 American Tour. Later that year, the same orchestra went to Paris for the China Cultural Arts Concert. She has given several solo and concerto concerts with other prestigious groups such as the China Philharmonic Orchestra, the China National Symphony Orchestra and the Chinese Traditional Orchestra of Hong Kong. She has participated in numerous national and international festivals, such as the International Computer Music Conference in Hong Kong (1996) and in Beijing (1999), the Art Festival of Macao, the Kurashiki International Music Festival in Japan, Beijing Modern Music Week, and many more.
She has introduced Chinese music to audiences in such prestigious concert halls as Avery Fisher Hall and Carnegie Hall in New York, the Eisenhower Theatre at the Kennedy Arts Centre in Washington DC, Chicago Symphony Orchestra Centre, Davis Symphony Hall in San Francisco, Symphony Hall, Boston, and the Theatre des Champs-Elysees in Paris She has always been highly praised for her wonderful performances.






1. Yu Hong Mei - Idyllic tune (8:00)
2. Yu Hong Mei - Weeping river of sorrow (8:08)
3. Yu Hong Mei - Celebrating the harvest of grapes (5:11)
4. Yu Hong Mei - Ode to Shanmenxia Gorge (9:16)
5. Yu Hong Mei - Birdsong echoing in a quiet valley (3:53)
6. Yu Hong Mei - A bunch of flowers (8:59)
7. Yu Hong Mei - Moon reflected in the Twin-spring Lake (7:27)
8. Yu Hong Mei - Ballad of North Henan Province (10:03)





 “Khusugtun” es una banda originaria de Mongolia, fundada en 2009 bajo la “National Folk Song and Dance Academic Ensemble”.

El objetivo principal de la banda, es el de acercar la música popular de mongola, a todo el resto del mundo, “Nos sentimos inspirados por nuestra ascendencia nómada y por nuestra civilización histórica”.

Aparte de los instrumentos tradicionales de su cultura que estos mongoles utilizan, lejos lo que más llama la atención, es la forma cómo hacen trabajar todo el aparato fonador a la hora de cantar. Al escucharlo, se puede apreciar cómo logran una suerte de vibrato con sus cuerdas vocales, causando un efecto de sobretono bastante “freak” para los que desconocemos esta técnica folclórica originaria de Mongoli





1Toroi Bandi 



2Four Springs 



3For Daughter 



4Golden Martin 



5Torguud Land 



6Three Toom 



7Mongol 



8First Snow 



9Samgaldai 



10Shoferkhon 



11Altargana 



12Khusugtun 




De origen de Granada ( país que no ciudad española) , criada en Londres y con enorme apego por Paris ALA.NI se ha embarcado en una suerte de retro soul un tanto especial ya que su base es el jazz vocal de los años 30 a 50 y los musicales americanos de tales datas pero adaptado de forma exquisita y genial a los tiempos modernos que corren

No es una mera artista de disco y obra de jazz vocal tan pulido y aséptico en busca de servir de canal sonoro para viejos financieros neoyorquinos ni snobs de whisky de malta. Tampoco forma parte soul fandanguero de chasquidos de dedos que se aplaude por las masas que no saben quién es Otis Redding. Ella es algo tan simple como ARTE EN ESTADO PURO Tras una carrera de corista , el año pasado se despacha con una serie de eps coincidiendo con la llegada de las estaciones del año (SPRING , SUMMER, AUTUMN AND WINTER) que desembocan en el lp de próxima aparición YOU AND I que los reúne con nuevas grabaciones en un formato especial de doble cd

DIVAS como JUDY GARLAND, LENA HORNE, ESTHER PHILLIPS, LAVERN BAKER, la admitirían sin lugar genero de dudas a su grupo de damas de sensibilidad extrema . No es jazz , ni es soul , ni blues ni gospel aunque si son parte de ella . Un recorrido por sonidos de eras de blanco y negro con la salvedad de que la ausencia de adornos y su tono minimalista los convierte en algo actual y más asequible en tiempos de la High Definition Visual.http://rockthebestmusic.com/2016/05/ala-ni-you-i-critica.html

Executive-Producer – Laurent Bizot, Thibaut Mullings
Flugelhorn – Graeme Flowers
Guitar, Bass Guitar – Rob Updegraff
Harp – Maria Christina Harper
Lacquer Cut By – SST MW
Lead Vocals, Backing Vocals, Steel Drums [Steel Pan], Percussion, Keyboards [Hohner Guitaret] – ALA.NI
Mastered By – Huntsmen Music Percussion – João Caetano
Photography By – Irina Kolesnikova
Piano – James Welland
Recorded By – Jonathan Tams
Recorded By, Mixed By – Stephen Sedgwick Written-By, Producer – ALA.NI




A1 Cherry Blossom 2:59
A2 Woo Woo 0:41
A3 Ol'Fashioned Kiss 2:52
A4 Come To Me 1:50
A5 Suddenly 3:14
A6 One Heart 2:31
B1 Roses & Wine 2:42
B2 Planet To Your Sun 0:58
B3 Darkness At Noon 3:51
B4 I'll Remember 2:23
B5 To The River 2:39
B6 Circle 3:15




Ali Project 蟻プロジェクト (también conocidos mayúsculamente por: ALI PROJECT) es un grupo musical japonés con una fuerte imagen Gothic Lolita, de los grupos más famosos de ese estilo en Japón y cuyos integrantes son Arika Takarano (宝野アリカ Takarano Arika?) (vocal y lírica) y Mikiya Katakura (片倉三起也 Katakura Mikiya?) (música y arreglos). Debutaron en 1988 con el nombre Ari Project (蟻プロジェクト Ari Purojekuto?) con su álbum Gensō Teien (幻想庭園?). En 1992 cambian el nombre del grupo y hacen su mayor debut con su sencillo Koi-seyo otome (恋せよ乙女?). Muchos de sus discos son lanzados por Toshiba-EMI, Victor Entertainment y Tokuma Japan.

Presenta una combinación de música clásica y moderna. Arika Takarano tiene su tipo de voz muy cercana al Soprano. Los violines, el teclado, el piano, y en ocasiones orquestas son sus componentes musicales. En sus inicios se destacó en el género de rock progresivo. Pero ya en la actualidad destaca más en pop barroco, rock progresivo, rock sinfónico, neoclassical (darkwave), jpop con toques de electropop, y dark rock. Tiene una gran influencia de la música clásica, incluso toma algunas partes sinfonías de músicos como Mozart, Chopin, Prokofiev, Bach, Lizt, Brhams, etc. para incluirlas en sus canciones La mayor parte de sus registros son liberados por Toshiba-EMI, Victor Entertainment y Tokuma Japan.

https://es.wikipedia.org/wiki/Ali_Project




01. 遊蝶花(パンジー)ワルツ (Yuuchoka (pansy) Waltz) "El vals de la violeta tricolor"
02. 恋は芸術気質 (Koi wa geijutsu kishitsu) "El amor es un temperamento artístico"
03. 修道院の廃庭にて(Shuudoi no haitei nite) "En el jardín abandonado del monasterio"
04. L'Amour Looks Something Like You "El amor luce algo como tú"
05. すみれの花咲くころ (Sumire no hanasaku koro) "Cuando brota una violeta"
06. Tico Tico no Fubá "Tico-tico en la harina de maíz"
07. 小夜すみれ~ある夜の森の小さなお話 (Sayo sumire~Aruyo no mori no chiisana ohanashi) "Violeta del atardecer ~El pequeño relato de una noche en el bosque"
08. 少女忌恋歌 (Shoujo Irenka) "La canción de amor prohibido de las chicas"
09. Das Veilchen "La violeta"
10. 星菫 (Hoshi sumire) "Violeta estrella"






Akino Arai (新居昭乃 Arai Akino) es una cantante japonesa (aunque también compone y escribe letras), más conocida por sus trabajos en anime como Outlaw Star, Noir, Macross Plus, muchos otros. Nació el 21 de agosto de 1959, en Tokio.
Ha actuado con Yōko Kanno, ZABADAK, Samply Red, Yayoi Yula, y una vez estuvo en un grupo llamado Marsh-Mallow. Arai debutó en 1986, con la canción "Beautiful Star".
"Voices", de Macross Plus, es posiblemente la canción más famosa de Arai hasta la fecha.





01. Hoshi no Ame
02. Haruka na Rondo
03. Moon Light Anthem ~Enju 1991~
04. Mikazuki no Shindai
05. Kooru Suna
06. Kaze to Tori to Sora ~reincarnation~ 07. Adesso e fortuna ~Honoo to Eien~
08. VOICES
09. Kiniro no Toki Nagarete
10. Lição do Vento
11. Utawanai Uta
12. Tsuki Kara no Inori to Tomoni
13. Siva ~Tatazumu Hito~
14. Mikazuki to Watashi
15. WANNA BE AN ANGEL




Mit ihrer Do-it-yourself-Philosophie ist die Deutsch-Französische Band Äl Jawala seit ihrer Gründung im Jahr 2000 erstaunliche Wege gegangen.
Sie waren damals unter den Ersten, die Club Beats und Hip Hop mit wilden, orientalischen Bläsersätzen kombinierten. Und das völlig ohne Elektronik - denn sie tingelten als Strassenmusiker vom Süddeutschen Freiburg aus durch halb Europa und entfachten auf unzähligen Trommeln und zwei Saxophonen das Feuer einer ganzen Gypsy Brass Band.
Inzwischen rocken Äl Jawala Konzertbühnen vom Atlantik bis zum Schwarzen Meer und scharen selbst nach dem Höhepunkt des sogenannten “Balkan Hypes” eine stetig wachsende Fangemeinde um sich. Sie tourten bis nach China, Jordanien und Kanada und steuerten unlängst einige ihrer Songs zum Soundtrack der MTV Reihe "Rebel Music" bei.
Balkan Big Beats nennen sie ihren Stil - Fat Boy Slim trifft Folklore! Die virtuosen Saxophon-Bläsersätze, gepaart mit Dance-Beats und fetten elektronischen Bässen, bringen sämtliche Tanzflächen zum Kochen. Mal urban und Club-orientiert mal geheimnisvoll, dunkel und mit einer dicken Dosis Rock ´n´ Roll Attitüde, liefern Äl Jawala eine einzigartige Mischung aus Party und Konzerterlebnis. Bedingungslos tanzbar, laut und zügellos, ohne dabei musikalischen Tiefgang und Facettenreichtum zu verlieren.
Äl Jawala spielen geschickt mit Klischees und verschiedenen Genres. Aus Gegensätzen und Spannungen erschaffen sie einen völlig eigenen, universellen Sound. Dabei entsteht etwas Elementares, Übergreifendes, das unterschiedlichste Menschen zusammen bringen und in kollektive Tanz-Ekstase versetzen kann - egal ob Balkan Party, Jazzclub oder Rock Festival.


https://aljawala.bandcamp.com/



1. Wake Up 03:04
2. Al Bint El Chalabiya (feat. Bayan Faroun) 03:20 
3. Road to Eldorado (feat. Rukie) 04:56 
4. Voodoo Rag (feat. Rukie) 04:28 
5. Heart Overload 04:05 
6. Satellite (feat. Rukie) 04:32 
7. Dancefloor Dervish 04:06 
8. What do you care? 05:26 
9. Intergalactic Medusa (feat. Flo Mega) 03:32 
10. Djanto (feat. Mamoudou Doumbouya) 03:51 
11. Be Anybody 03:29 
12. Circles 04:31









Damon Albarn and Africa Express organized this concert with 50 musicians from the Syrian National Orchestra. Featuring Julia Holter, Albarn, and others, it reaffirms that art at its best is a gesture of empathy.

The Syrian Civil War started five years ago, following the violent response of Bashar al-Assad’s security forces to protests in the southern city of Deraa. Nationwide opposition demanded Assad’s resignation, which was met by swift and violent governmental retribution. In the years since, the violence has widened to an unimaginable scope: a multi-front conflict with numerous international and domestic players vying for control or stability of the region. In April, a UN envoy estimated that as many as 400,000 have been killed as a result of the conflict, and millions of Syrians (some estimates say 11 million) have been displaced from their homes, becoming the subject of a global refugee crisis.

In the election cycles of the past year, Syrian refugees have been used as a scapegoat by any number of demagogues to stoke fear in people that their communities and jobs will be threatened by a slow encroaching wave of “otherness.” Just two days after the British people chose to leave the European Union in a controversial referendum colloquially known as Brexit, in London at the Southbank Centre’s Royal Festival Hall, Damon Albarn and the music collective Africa Express organized a concert with 50 musicians from the Syrian National Orchestra. (Damon Albarn recorded with the Syrian National Orchestra for the Gorillaz’ 2010 album Plastic Beach, beginning a longstanding love affair with the region’s music.) Many of the musicians in this venerable troupe have been scattered across the globe, stranded behind miles of red tape.

The event almost didn’t happen. A week before the rehearsals for the concerts were supposed to begin, it wasn’t yet clear if the organizers were going to be able to get Schengen visas for the 50 Syrian musicians to secure flights. The Guardian mentions “dark rumors about desperate calls to British officials”; apparently Africa Express co-founder Ian Birrell chartered a Boeing 737 for the musicians.

But it did happen, and the concert is finally being offered as an album. During a year when multiculturalism and globalism enduring a severe, sustained battering, the Syrian National Orchestra help prove that beauty, and true sublimity in art can exist even in the most pernicious and divisive of atmospheres. For those who celebrate the heterogenous, open-armed, and loving embrace of a global music community, this two-hour-plus concert one June night in the Royal Festival Hall represents a kind of small victory, as well as an incredible night of music.

The musical canvas for the project is vast. There is a traditional string orchestra onstage, accompanied by players of Arabian instruments like the ney (a kind of flute), string instruments like the qanun, zither, oud, and kora. In front of this assemblage are performers like Damon Albarn, Julia Holter, Paul Wells, and more. One of the first things you notice, listening, is the gobsmacking virtuosity of the players involved. In the thirteen minute track “Al Dahleh,” stand outs like ney player Moslem Rahal and Feras Charestan on the Arabian lap harp display stunning technical prowess. The performance is met with multiple ovations, and as an exercise in technical genius it is astounding. This group of players hadn't seen each other in years, and they cohere seamlessly.

Elsewhere, Julia Holter’s “Feel You” (a track from her resonant 2015 LP Have You in My Wilderness) is transformed by the presence of the Syrian orchestra. Here, it is more than just a piece of lush orchestral pop; it is a cross-cultural paean, proving collaborators who don’t share the same worldly experience can radically transform a piece of art, often for the better. Damon Albarn told The Guardian when organizing this event he said he was disappointed by the rhetoric surrounding the crisis as a “homogenous shadow” to be feared. What he wanted to do with this event is to show an audience the “experience to humanity” that these refugees can express in their art. Some of these musicians still live in Syria, dodging danger so they can continue to practice. Defying all bureaucracy, borders, and strife, this concert and this orchestra proves that art at its very best is a grand gesture of empathy above all.





  1. Intro – The Orchestra of Syrian Musicians
  2. 3azely – The Orchestra of Syrian Musicians
  3. Wild Wood – Paul Weller & The Orchestra of Syrian Musicians
  4. Yah Mahla El Fus’ha – Faia Younan & The Orchestra of Syrian Musicians
  5. Out of Time – Damon Albarn & The Orchestra of Syrian Musicians
  6. Rakeb 3al Hamra – Mounir Troudi & The Orchestra of Syrian Musicians
  7. Feel You – Julia Holter & The Orchestra of Syrian Musicians
  8. Al Ajaleh – The Orchestra of Syrian Musicians feat. Bassekou Kouyaté & Seckou Keita
  9. Blackbird – The Orchestra of Syrian Musicians feat. Damon Albarn & Paul Weller
  10. Old Damascus – The Orchestra of Syrian Musicians
  11. Richa – Noura Mint Seymali & The Orchestra of Syrian Musicians
  12. White Flag – Damon Albarn & The Orchestra of Syrian Musicians feat. Eslam Jawaad, Malikah, Ceza & Bu Kolthoum
  13. Ya Rayeh – Rachid Taha & The Orchestra of Syrian Musicians
  14. Oghneyat Men Baladi – The Orchestra of Syrian Musicians

Dictamen

Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que, una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tienda habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible.
En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.

La Música


La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso.
La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido.
La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
Con la tecnología de Blogger.

Wikipedia

Resultados de la búsqueda

Seguidores

Páginas vistas en total

Traslate Blog

ESTILOS

afro-jazz (1) Afrobeat (7) AfroPop (2) Al-Andalus (5) Ambient (6) Amigos (1) Arabe (13) Arpa (7) Avant-garde (2) Balafon (1) Bali (1) Balkan (21) Benin (2) bluegrass (1) Blues (21) bossa nova (13) Brass (7) Bretona (4) BSO (13) Budhist music (1) Byzantine Music (1) Cantautor (13) Caribe (8) Celta (62) Chamamé (1) Christmas (1) Clasica (6) Clásica (13) Classical (1) Contemporanea (1) cowpunk (1) CUBANO (21) Darkwave (3) DesertBlues (1) Didgeridoo (3) Documental música (2) Dub (4) electronica (30) Electronico (4) Ethnic (6) Ethnic Jazz (4) Experimental (14) fado (10) flamenco (13) flauta (1) Folk (113) folk chileno (2) folk electronico (5) folk finlandes (2) folk griego (3) folk Hungaro (1) Folk ingles (3) folk Iran (2) Folk Irlandes (1) Folk italiano (3) folk moderno (2) folk ruso (5) Folk-pop (3) Folk-rock (7) Folk/Fusion (46) Folk/rock (7) free jazz (1) Funk (5) fusion (19) Fusión (81) Gaita (5) Gamelan (2) Garifuna (2) Guitarra (10) Guquin (2) Gypsies (8) hawaiana (1) Hip Hop (1) Indie (1) infantil (1) Instrumental (47) Instumental (1) jazz (45) jazz-rock (5) JazzFusion (41) Judio (2) Klezmer (10) kora (12) Kundalini (1) latin (1) Latinoamericana (68) marroqui (7) Medieval (7) Meditacion (9) Mestizaje (6) minimalismo (2) minimalista (1) Mozambique (1) MPB (10) Mugam (1) Music Box (1) música colonial (2) Nanas (1) Native american (2) Navidad (2) Neo-Medieval (1) Neofolk (4) New age (50) nordic ritual folk (1) Nu-Jazz (1) opera (1) Organo (1) Oud (2) Percusion (9) Piano (15) Pipa (1) pop (8) Popular (3) Putumayo (4) qawwali (2) Raï (1) RAICES (2) Recopilatorio (2) Reggae (35) Retro (1) rock (13) rock progresivo (23) Rumba (2) Sahara (6) salsa (5) samba (5) Sefardi (1) Sevdah (1) Ska (3) son (1) Soul (3) sufí (3) Swing (2) Tango (11) touareg (4) Tradicional (24) tribal (2) tropical (2) txalaparta (3) Vallenato (3) Varios Artistas (28) versiones (1) violín (5) vocal (21) World Electronico (1) World Music (192) Yiddish (1) Yoga (1)

PAISES

AFRICA (138) Alemania (10) America (1) ANTILLAS (1) Argelia (10) Argentina (73) Armenia (13) ASIA (10) AUSTRALIA (5) BALCANES (5) Bali (1) Benin (2) Bosnia (1) brasil (55) Bulgaria (3) Cabo Verde (18) Camerún (2) Canada (8) Canarias (1) Caribe (8) Centroamérica (6) Chile (5) China (19) Colombia (8) congo (1) Costa de Marfil (3) Costa Rica (1) croacia (1) Cuba (3) CUBANO (21) El Salvador (3) Eritrea (1) Escocia (6) España (73) EUROPA (71) Euskadi (5) Filipinas (2) Finlandia (10) FRANCIA (38) Gabón (2) Gales (1) Galicia (6) Ghana (3) gnawa (1) Grecia (30) Guatemala (7) Guinea (3) Haití (5) Holanda (1) Honduras (3) Hungria (9) india (18) Indonesia (4) Inglaterra (9) irak (1) iran (6) IRLANDA (26) Isla Reunion (2) Israel (3) italia (16) Jamaica (13) Japon (27) Kenia (1) kurdistan (2) Laponia (3) Latinoamericana (68) Libano (3) mali (54) Marruecos (3) Mauritania (1) Mexico (7) Mogolia (3) Moldavia (1) Mongolia (6) Mozambique (1) Mugam (1) Nicaragua (2) nigeria (6) noruega (6) OCEANIA (7) Oriente Medio (1) Palestina (3) panama (1) Papúa Nueva Guinea (1) Perú (1) POLONIA (6) portugal (17) Puerto Rico (2) Rajastán (1) Reino Unido (7) Republica Checa (2) Rumanía (5) Rusia (17) Sahara (6) Scandinavia (1) Senegal (15) Siberia (1) Siria (2) Slovakia (1) Sudafrica (11) SUDAMERICA (18) Sudán (1) Suecia (11) Suiza (2) Tailandia (2) Tibet (4) Túnez (2) TURQUIA (12) tuva (9) Ucrania (2) Uganda (1) Uruguay (4) USA (46) VENEZUELA (2) vietnan (4) Zaire (1) Zanzibar (1) Zimbabwe (1) Zimbabwean (1)

Comentarios

Atento

ATENCIÓN
Apuntate este blog por si cierran GPS Sonoro
http://musicaparaminorias.blogspot.com/

ATTENTION
Subscribe this blog if GPS Sonoro closed for violating the copyright law.
ATTENTION
Abonnez-vous ce blog, si son GPS Sonoro pour avoir violé le droit d'auteur.
ACHTUNG
Abonnieren diesem Blog, wenn GPS Sonoro für Verletzung des Urheberrechts geschlossen.
ATENÇÃO
Inscrever-se neste blog Som GPS Sonoro por violar a lei de direitos autorais.
注意
訂閱本博客,如果GPS Sonoro 導航影音違反著作權法關閉。


Comentamos