La historia que esconde la grabación recuperada por Quilapayún

Los originales de la "Cantata Santa María de Iquique" fueron destruidos luego del golpe militar, pero esta semana apareció una copia casi intacta que servirá para una reedición. "Nunca imaginé la importancia que tenía", dice la mujer que encontró el registro.

En enero de este año82014), Maritza Las Heras tenía que embalar todas sus pertenencias para una mudanza. Se vio obligada a escarbar en un viejo baúl que nunca había explorado a fondo y que guardaba un tesoro casi intacto: una caja escondía una cinta copiada desde el máster de la Cantata Santa María de Iquique.
Inspirado por la matanza ocurrida en la Escuela Santa María en 1907, Luis Advis escribió la obra especialmente para Quilapayún, quienes la grabaron junto al actor Héctor Duvauchelle y la editaron en 1970, a través del sello Dicap.
¿Cómo llegó la cinta a ese baúl? Maritza fue parte del Ballet Folklórico de Chile Pucará, que en esos años montó un espectáculo de danza junto al grupo, y la copia fue hecha para apoyar las actuaciones o los ensayos. “No sé si la ocupamos para los recitales o para otra cosa, pero llegó a mis manos y alguien me dijo que la guardara”, recuerda la ex bailarina. “Y yo, fiel a las órdenes, la guardé tan guardada que durante años olvidé que la tenía en la misma bolsa y caja, tal como me la pasaron”, añade.
La caja lucía el nombre del disco con la letra de Eduardo Carrasco, uno de los fundadores de Quilapayún, a quien Maritza contactó para contarle de su hallazgo. “Nunca me imaginé que tenía tanta importancia”, dice.
Eduardo Carrasco, en cambio, no tuvo dudas sobre el valor del hallazgo. Quilapayún grabó la Cantata Santa María de Iquique en el estudio que IRT tenía en un subterráneo de calle Catedral, junto a la Plaza de Armas, pero las cintas originales fueron destruidas luego del golpe militar, tal como ocurrió con muchos registros de la Nueva Canción Chilena.
Años más tarde, el disco fue reeditado a partir de copias de vinilo, pero la cinta recién encontrada tiene un interés único: “No es la misma calidad. Comparé las dos cosas y realmente la diferencia es impresionante, porque es un sonido mucho más potente y tiene muchas más frecuencias”, asegura Carrasco. “Cuando haces un disco desde una cinta, pierdes bastante del sonido original, entonces lo bonito es que tenemos la cinta en buen estado y con los procedimientos actuales podemos recuperar un sonido mucho mejor”.
La copia solo tiene daños menores en la parte final del disco, los que deberán ser reparados en un proceso que ya comenzó. La grabación fue digitalizada por Juan Pablo Carvajal y ahora es masterizada por Jorge Fortune en los estudios Triana, con miras a una próxima publicación en CD y en vinilo.
“La idea es sacar de circulación los discos y reemplazarlos por esta versión, que es mejor”, adelanta Carrasco. “Creo que la próxima semana ya vamos a tener la masterización hecha y eso hay que entregarlo al sello Warner, que tiene los derechos para editar la Cantata. Luego trataremos de armar algo, como un concierto especial”.
Mientras, la cinta seguramente será destinada al Fondo Quilapayún, que contiene innumerables archivos, fotografías, afiches, grabaciones y cartas, entre otros objetos, y que es resguardado por el Instituto de Música de la Universidad Católica.

http://radio.uchile.cl/2014/03/21/la-historia-que-esconde-el-m%C3%A1ster-recuperado-de-la-cantata-santa-mar%C3%ADa-de-iquique/


La «Cantata de Santa María de Iquique» es una cantata compuesta por el músico chileno Luis Advis hacia fines de 1969 e interpretada principalmente por el grupo Quilapayún. La obra musical está compuesta por dieciocho partes, incluyendo cinco relatos interpretados por Héctor Duvauchelle, en que se narran los sucesos de la Matanza de la Escuela Santa María, ocurrida el 21 de diciembre de 1907 en la ciudad de Iquique, en el norte de Chile, y perpetrada por el general Roberto Silva Renard, en el gobierno del presidente Pedro Montt.
La Cantata Popular, como también se denomina, es considerada como una de las obras cumbres de la llamada Nueva Canción Chilena que se desarrolló desde fines de los Años 1960 y los Años 1970. Es el séptimo álbum de estudio oficial de Quilapayún, lanzado originalmente en 1970 bajo el nombre de Santa María de Iquique, y mezcla elementos de la música folclórica con otros de la música docta y religiosa.
En abril de 2008, la edición chilena de la revista Rolling Stone situó a este álbum en el cuarto lugar dentro de los 50 mejores discos chilenos de todos los tiempos.
https://es.wikipedia.org/wiki/Cantata_de_Santa_Mar%C3%ADa_de_Iquique





1.Pregón (Luis Advis) 
2.Preludio instrumental (Luis Advis) 
3.Relato I (Luis Advis) 
4.Canción I (Luis Advis) 
5.Interludio instrumental I (Luis Advis) 
6.Relato II (Luis Advis) 
7.Canción II o [Vamos mujer] (Luis Advis) 
8.Interludio instrumental II (Luis Advis) 
9.Relato III (Luis Advis) 
10.Interludio cantado (Luis Advis) 
11.Relato IV (Luis Advis) 
12.Canción III (Luis Advis) 
13.Interludio instrumental III (Luis Advis) 
14.Relato V (Luis Advis) 
15.Canción letanía (Luis Advis) 
16.Canción IV (Luis Advis) 
17.Canción pregón (Luis Advis) 
18.Canción final (Luis Advis) 







Joe Driscoll & Sekou Kouyate Continue Their Musical Quest for Common Ground New album Monistic Theory released May 13th on Cumbancha.

"African, funk and rap influences combine in an energetic performance that ends with a powerfully political surge. They have developed into a tight, attacking unit, in which the virtuoso kora work is integrated into sturdy playing from the band. Exuberant virtuosic fusion."- The Guardian

Recently released in May, Joe Driscoll & Sekou Kouyate’s electrifying second album, Monistic Theory, derives its title from the concept that reality is a unified whole and that all existing things can be ascribed to or described by a single concept or system. It's an apt philosophy for this boundary-crossing collaboration, one that brings together two musicians from vastly different backgrounds in search of the commonalities that are uniquely revealed by artistic expression.

Joe Driscoll has gained fame over the last decade for his unique blend of folk, funk and hip-hop. Sekou Kouyate, from Guinea, is one of the most innovative and virtuosic players of the kora, the 21-stringed West African harp. When these two seemingly disparate artistic forces are combined, an incendiary musical reaction takes place. "Our styles are totally different but complementary," Driscoll explains, "It's like putting baking soda and vinegar together."

Joe and Sekou first met in 2010 at a festival in Marseille, France and this explosive combustibility was evident in their jaw-dropping live shows and energizing debut album, Faya, which was released by Cumbancha Discovery in 2014. Performing as a quartet, backed by drums and bass, Joe & Sekou have performed at hundreds of festivals and venues across Europe, North America and Africa, earning rave reviews whenever they set foot on stage.

It hasn't always been an easy ride. Music may be their common language, but that doesn't help much with the day-to-day communication needed for touring, recording and promotion. Visa issues have provided a harsh reality check to their utopian vision more then once. Add to that the fact that Sekou's homeland was a victim of the Ebola crisis for over two years, making anyone traveling with a Guinean passport a target of excessive scrutiny. Once, when driving across the border from Canada into the US, the band was detained by border agents in HAZMAT suits, refusing to let them enter the country until they were cleared by medical personnel. A group of spirited, creative people stuck together in a small van for long stretches of hard touring will do more then anything to put the unifying power of music to the test.

Yet no matter what happens behind the scenes, the minute Joe & Sekou get on stage or in the studio, all of the travails of daily life in the music industry fall away and magic erupts. While their personal histories and personalities are quite different, there is an undeniable music-umbilical connection that connects these two brothers from another mother. When Joe & Sekou make music together, there is a chemical reaction that is impossible to explain and even more difficult to restrain.

Joe & Sekou's sophomore album, Monistic Theory was recorded at the Cumbancha studios in Vermont during one of the coldest winters on record. While the weather outside was frightening, the studio was ablaze with Kouyate's scorching kora licks, Driscoll's lyrical acrobatics and the potent rhythmic underpinning of drummer Jimbo Breen and bassist John Railton. After years of presenting their high energy, broadly appealing show to stages across the world, the ensemble had settled into a deep groove. This dramatic evolution and solidification of their musical interaction is clearly evident on Monistic Theory, which features a selection of tight, catchy, and funky songs.

The album opens prophetically with the sound of trickling water and the voice of Oren Lyons, a Native American author, activist and Faithkeeper from upstate New York, near Joe Driscoll's hometown of Syracuse. "Water is life, water is the foundation of life. It is life. We are water," muses Lyons. From there it's off to the races of the instrumental opener "Tamala," as Sekou Kouyate's fingers fly effortlessly across the kora like water trickling over rocks in a mountain stream.

The album's second track, "Just Live" finds Joe Driscoll waxing poetic on his philosophy of life. "Now history's a mystery with the ages unsung / We've forgotten all of their myths, even our mother tongue / Some folks learn to compete, others love to create / Some could eat until content, and yet they leave a full plate … So keep your minds in the moment, the moment in the mind / Open the doors, raise the blinds, cause it's about time / Just live." Rarely has there been such a head-bobbing life lesson.

"Tokira" is Monistic Theory's sing along anthem, the song that will have lighters held high at future concerts. With "Tokira" Sekou reveals he is not just a kora virtuoso, he's also a talented songwriter with a gift for crafting a great melody. Driscoll's lyrics give the song added poignancy, as he reflects on what his 10-year old self would think about where life has taken him so far.

Other highlights on Monistic Theory include the jaw-dropping kora playing on "Barra" and the inspirational and timely call for unity on "Rising Tide," on which Driscoll sings over a children's chorus, "When we realize / There'll be nowhere to hide / They can't divide once they see we're all one tribe." Driscoll continues to provide words of wisdom on the dreamy jam "Badiya," reminding us "Whether you break or bend / Whether you fade or mend / The only true salvation is love in the end."

The album ends with a live, instrumental cover of the Stevie Wonder classic "Master Blaster," although you've surely never heard it played quite like this before. Recorded in front of packed house at the Westcott Theater in Syracuse, New York on a hot summer night, the track demonstrates the remarkable musicianship and unstoppable groove of this astonishing pairing.

There's been a lot of water under the bridge for Joe & Sekou after over five years of collaboration, and neither of them could have predicted that night they met in Marseille that they'd still be making music together this far downstream. "I met Sekou, and I said, 'Hey, man, let's work on this for a while.' It was one of those 'follow the river' things, and I went with it," Driscoll recalls. With Monistic Theory, Joe & Sekou reveal that their odyssey is far from over, and if their fans around the world have anything to say about it, it’s a voyage that will continue for years to come.

 http://store.cumbancha.com/album/monistic-theory






1. Tamala 03:31 
2. Just Live 03:29 
3. Tokira 04:16 buy track 
4. Monistic Theory 03:59 
5. Batafa 03:49 
6. Barra 04:21 
7. Rising Tide 03:33 
8. Wama 04:34 
9. Badiya 04:17 
10. Master Blaster (Live) 03:47




El grupo folk Quempallou celebra once años de fiesta en los escenarios con una recopliación con lo mejor de su discografía. Cinco cortes de cada uno de sus discos, que hacen que quien escuche este Once anos mallando (Zouma Records 2010), se pueda hacer una buena idea del espíritu y la evolución del grupo.

Fue allá por el año 99 del pasado siglo, cuando un grupo de mozos gallegos se juntaron para dar forma a un proyecto folk que se llamó Quempallou. Palabra sonora con una historia que contar y que incluso se transmutó en Galinglish de mano de sus seguidores al grito de: “let’s go, Quempallou!!”.
Una formación que tuvo que ir cambiando por circunstancias naturales, pero que siempre buscó un camino claro: el folk gallego sin complejos; alegre, con calidad y originalidad.

https://gl.wikipedia.org/wiki/Quempallou










1. A Rabuda (3:53) 
2. Quempallou (4:00) 
3. Moreniña (3:55) 
4. Muiñeira do Incio (2:53) 
5. Quen teña viño (4:16) 
6. Xan (3:08) 
7. En que Terra me botaches (4:36) 
8. Os sucos... casiquecola (5:14) 
9. Xota da relúa (3:55) 
10. Rosiña... na Quinta (4:20) 
11. Que chova!! (4:03) 
12. Levados do mar (4:53) 
13. Muller miña (3:44) 
14. Coa lingua de fóra (3:18) 
15. Ninguén!! (Quempa-hop) (5:01)



Первобытная энергия тувинской земли стонет в каждом звуке, звенит в меди саксофона и неуемном реве электрогитары, грохочет в барабаннных ударах, отбивающих ритм степных табунов. Ты легко уносишься под это медитативное камлание в едином потоке вместе с искрами костра в звездное тувинское небо.

Вы услышите два лучших голоса Тувы: Альберта Кувезина и Начына Чореве в сопровождении группы “Хартыга”. Игил, дошпулуур, электрогитара и саксофон - гармоничное сочетание звука, медитации и шаманства, музыка столетий в современной мировой культуре.

Альберт Кувезин – певец, гитарист и композитор, создатель легендарной этно – роковой группы “Ят-Ха”, со-основатель знаменитого тувинского ансамбля “Хуун-Хуур-Ту”. Оба коллектива гастролируют по всему миру с 1991 года и выпустили множество альбомов






01. Чаахоль (03:56)
02. Аазышкын (07:21)
03. Чавыдак (03:29)
04. Агитатор (04:42)
05. Мегечи Хам (04:49)
06. Кынгыргай - Кон (04:26)
07. Кокей - Ноян (03:19)
08. Борбак (06:18)
09. Тулаа - Шынаа (06:41)





Quilapayún es una banda chilena de música folclórica y que formó parte de la llamada Nueva Canción Chilena durante la década de 1960. Fue formada en Santiago de Chile el 26 de julio de 1965 por Julio Carrasco y Julio Numhauser, quienes invitaron en un primer momento al hermano del primero, Eduardo Carrasco, quien se suponía sería sólo un intérprete temporal.1

Quilapayún ha lanzado treinta y cuatro álbumes oficiales, de los cuales veinticinco son álbumes de estudio, seis en vivo y tres recopilatorios. Además de esto, posee numerosos álbumes de recopilaciones lanzadas por las casas discográficas, así como álbumes en conjunto con otras agrupaciones, EP, sencillos y vídeos musicales de sus giras.

https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Discograf%C3%ADa_de_Quilapay%C3%BAn







1.La muralla (Nicolás Guillén - Quilapayún)
2.Los hambrientos piden pan o [La carta] (Violeta Parra)
3.La batea.txt (3ª versión) (Rodolfo Parada - Hernán Gómez - Tony Taño)
4.Te recuerdo Amanda (Víctor Jara)
5.Julián Grimau o [Qué dirá el Santo Padre] (Violeta Parra)
6.Plegaria a un labrador o [La plegaria a un labrador] (Víctor Jara - Patricio Castillo)
7.Duerme negrito (Popular)
8.Canto a la pampa o [Canto a la huelga] (Francisco Pezoa - Tomás Gabino Ortiz)
9.Soy del pueblo (Carlos Puebla)
10.Tío Caimán (Carlos Francisco Chang Marín)
11.Premonición a la muerte de Joaquín Murieta (Pablo Neruda - Eduardo Carrasco)
12.Allende (Rodolfo Parada - Orlando Jimeno-Grendi - Patricio Wang)
13.Malembe (Quilapayún - Popular cubana)
14.El alma llena de banderas o [Con el alma llena de banderas] (Víctor Jara)
15.Mi patria (Fernando Alegría - Eduardo Carrasco) 16.Suite movie (Manos Hadjidakis)
17.Ronda del ausente (Fernando Alegría - Hugo Lagos)
18.El pueblo unido jamás será vencido (Sergio Ortega)




Zvuloon Dub System es la principal banda de reggae de Israel. Adoptando su nombre de una de las doce tribus de Israel, la banda fue formada en 2006 por los hermanos Smilan. Ellos compartieron la misma pasión por el reggae y el dub de las raíces, con influencias de estilos musicales variados, como el jazz etíope de los años 70, soul, funk y jazz de los Estados Unidos, junto con la música israelita mizrahi. 

Grupo:

Gili Yalo - voces principales
Inon Peretz - trompeta
Ilan Adiri - saxo tenor
Ilan Smilan - guitarra principal
Simon Nahum - guitarra rítmica
Lior Romano - piano y órgano
Mal Marcus - bajo
Asaf Smilan - batería y percusión
 

Artistas Invitados :

Mahmoud Ahmed - voz (5)
Zemene Melesse - voz (8)
Yaacov Lilay - voces (7)
Krar (1,7,10)
Dejen Manchelot - masinko (10)
Roei Hermón - trompeta (6, 9)
Yonatan Voltzok - trombón (1-5, 7)
Maayan Milo - trombón (6,8,9)
Omri Abramov - alto Sax (1-3, 5-7,9)
Elad Gellert - saxo baritono (1)
Shay Sattaman Jacovi - coros (8)





1.Alemitu 03:52
2.Tenesh Kelbe Lay 03:47
3.Sab Sam 03:55
4.Man Begelagelgni 03:30
5.Ney Denun Tieshe - feat. Mahmoud Ahmed 04:25
6.Yehoden Aweteche Lengeresh 03:52
7.Tsbukti Fetret – feat. Yaacov Lilay 04:06
8.Endemenesh - feat. Zemene Melesse 03:58
9.Zelel Zelel 04:09
10.Yene Almaz 03:39






Safir Nòu (Antonio Firinu) es un compositor, guitarrista y acordeonista. La música recogida en el álbum Groundless podría ser identificada como "música total", influenciada por diferentes estilos y géneros, de la música mundial al post-rock al jazz. Los sonidos y las melodías llevan al oyente a una dimensión etérea e hipnótica, que es la dimensión "sin fundamento".


Antonio Firinu nació en Iglesias (Cagliari) en 1981. Es compositor, guitarrista y acordeonista. Estudió guitarra en Bolonia, en la Academia "Ivan Illich" y estudió guitarra de jazz en los "Nuoro Jazz Seminars 2008 a 2010". Experimentó diferentes bandas en Bolonia, Milán y Ámsterdam, y colaboró ​​con muchos artistas. Fundó la Banda Zudemà en Bolonia, y compuso con ellos tres Álbumes: "Nur" (2007), "Sapuri" (2008) y "Parole e Cous Cous" (2010). Fue acordeonista en la "Banda Katapulta" de Amsterdam de 2011 a 2012, y en "Yacobay klezmer Band" en Cagliari de 2013 a 2016. Ha colaborado con muchos músicos

Antonio Firinu - Guitarra clásica Acordeón y electrónica
Yaacob González García - Violín
Matteo Marongiu - Contrabajo
Andrea Cogoni - Baterías y percusiones
Gianluca Pischedda - Violonchelo
Marco Caredda - Vibrafono
Sergio González Cuervo - Paisajes sonoros

https://safirnou.bandcamp.com/album/groundless





1.Safir nòu - Imaginary Cloud 06:32
2.Safir nòu - New Lunacy 06:56
3.Safir nòu - Floating on a note 08:52
4.Safir nòu - Blue dance 08:19
5.Safir nòu - Land-escape 04:18   
6.Safir nòu - Puppets' waltz 03:54
7.Safir nòu - Diary from the groundless land 04:2
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 • Texto de Amancio Prada que aparece en la separata adjunta al disco: «"Rosas a Rosalía" quiere ser un homenaje a Rosalía de Castro, cuya obra poética me produce una admiración reiterada y creciente. Al presentar este disco, lo primero que quiero expresar es mi agradecimiento a las amigas actrices y cantantes que, con tanto talento como generosidad, me han regalado sus voces para tejer esta guirnalda sonora. Su compañía ha sido un regalo y un lujo que me apresuro a compartir. Mi gratitud también a la Orquesta Real Filharmonía y a su director, Maximino Zumalave, así como a la Xunta de Galicia, cuyo apoyo institucional fue fundamental para llevar a cabo este proyecto. "Rosas a Rosalía" es un álbum de canciones y poemas con una sola imagen, para que todas las voces y sonidos confluyan en el rostro de Rosalía de Castro, cuyo poemario contiene a su vez una pluralidad de rosas y de sombras. Reflejar esa variedad es lo que he pretendido al contar y cantar con artistas de estilos y timbres distintos. Pues la poesía, que nace en el poeta, es como un río –el poeta, un manantial– que crece, se prolonga y se alimenta con el coro de gentes que la dicen o la cantan. Rosalía de Castro es poeta que ha tenido la suerte de trascenderse a sí misma, “anque en verdade, ¿qué lle pasará a ún que non sea como se pasase en todol-os demáis?”: ella ha expresado el alma de un pueblo y la gente ha hecho suya su poesía, igual que Rosalía, a su vez, había hecho suyos versos de coplas populares al tomarlos como motivo de inspiración y punto de partida. Un proceso de influencia recíproca, hacia el feliz anonimato, semejante al que, hasta hace poco tiempo, determinaba la música y la canción popular.»

   

1. Campanas de Bastabales (Rosalía de Castro - Amancio Prada). Con Maria del Mar Bonet. 
2. Paseniño, paseniño (Rosalía de Castro - Amancio Prada). 
3. ¿Qué pasa ó redor de min? (Rosalía de Castro - Amancio Prada). 
4. Corre o vento, o río pasa (Rosalía de Castro - Amancio Prada). Con Maria del Mar Bonet. 
5. Como chove muidiño (Rosalía de Castro - Amancio Prada). (Con Amelia Muge). 
6. Pra a Habana (Rosalía de Castro - Amancio Prada). 
7. Adivínase el dulce y perfumado (Rosalía de Castro - Amancio Prada) . (Con Marisa Paredes). 8. Mayo longo (Rosalía de Castro - Amancio Prada). 
9. Vamos bebendo (Rosalía de Castro - Amancio Prada). (Con Martirio). 
10. Un repoludo gaiteiro (Rosalía de Castro - Amancio Prada). 
11. Axusticia pola man (Rosalía de Castro - Amancio Prada). (Con Nuria Espert). 
12. Adiós Ríos, Adiós Fontes (Rosalía de Castro - Amancio Prada). 
13. Cando era tempo (Rosalía de Castro - Amancio Prada). (Con María Dolores Pradera). 
14. Algúns din: ¡miña terra! (Rosalía de Castro - Amancio Prada). (Con Marisa Paredes). 
15. Ya que de la esperanza (Rosalía de Castro - Amancio Prada). (Con Ginesa Ortega). 
16. ¿Quén no xime? (Rosalía de Castro - Amancio Prada). 
17. Airiños, aires (Rosalía de Castro - Amancio Prada). (Con las Pandereteiras de Baio). 
18. Negra sombra (Rosalía de Castro - Xoán Montés Capón).

 Músicos, equipo técnico y colaboraciones:
• Orquesta Real Filharmonica de Galicia.
• Director de orquesta: Maximino Zumalave.
• Orquestaciones: – Joan Albert Amargós: Temas 1, 2, 3, 4, 5, 15 y 17. – Peter Hope: Temas 6, 8, 12 y 18. – Jesús Gluck: Temas 9 y 13. – Joan Valent: Tema 11
• Producción de Camaina dirigida por Antoni Parera Fons y Amancio Prada.
• Grabación, mezclas y edición digital: Steve Taylor.
• Portada: Oukalele.
• Diseño gráfico: Roberto Sanmartín.




NOTA DISCOGRAFICA:
La Casa Gitana: Como se unieron gitanos virtuosos y grandes músicos de Cuba en el proyecto Gypsy Cuban Project - Havana Nights en las sensuales noches habaneras.
 A comienzos de este pasado verano, quince músicos gitanos abordaron en París un vuelo con destino a La Habana. Esperándoles había docenas de músicos cubanos quienes ansiaban descargar con los gitanos aun cuando se preguntaban cómo o si sus raíces musicales podrían mezclarse.
Al frente de este gigantesco experimento se encontraba Damian Draghici, un músico rumano, activista político y de herencia gitana obsesionado con la impactante y vibrante música de la isla. Él congregó a los mejores músicos gitanos de Europa Central y Oriental así como a grandes de la música cubana (entre ellos Omara Portuondo, Haila Mompié, Beatriz Marquez y Alexander Abreu) y, a continuación, les instó a crear música juntos.
Draghici es un dinamo digno de tomar en consideración ya que junto a una intensa carrera musical, ha servido a los ciudadanos de Rumania como senador y, más recientemente, como miembro del Parlamento Europeo.
Inicialmente, durante la primera semana de colaboración en Cuba, Draghici y el director del proyecto no estaban satisfechos con lo que escuchaban. Parecía como si los dos estilos musicales, diferentes rítmicamente, se encontraban irremediablemente distantes.

Más, una noche, inesperadamente Draghici obtuvo la respuesta que deseaba. Un grupo de músicos, gitanos y cubanos, se presentaron en un bar de La Habana llamado ‘La Flauta Mágica’ y allí, en medio de una melodía gitana, "Djelem, Djelem", se alcanzó el balance perfecto entre las dos culturas. La famosa canción se tornó triste, dramática como una lenta marcha procesional, mientras que al mismo tiempo era bailable, alegre y jazzy.
"Yo sabía que esa era la sonoridad que buscaba. Fue como oprimir un interruptor y la luz se hizo”, dijo Draghici. "Ahora, sólo quedaba encontrar una docena de canciones que garantizaran el éxito del álbum".
Así encontraron la forma de conectar las dos culturas y después de varias semanas de ensayos y  grabaciones a altas horas de la noche al igual que descargas y actuaciones en las calles de Santiago y La Habana, Draghici supo que finalmente estaban en algo.
El resultado final, The Gypsy Cuban Project - Havana Nights, totalmente grabado en La Habana, contiene excitantes rumbas acompañadas de acordeón y brillantes números de salsa cubana con interesantes resonancias de metales y violines gitanos.
Etiqueta: Universal Rumania
Gypsy Productions
Fecha de lanzamiento: 28 de octubre, 2016









01 - Saraiman (feat. Amadito Valdes)
02 - Serenata en Batanga (feat. Omara Portuondo)
03 - Hopai Diri Da
04 - Cuando Tu Me Querias (feat. Beatriz Marquez y Barbarito Torres)
05 - Ileana, Ileana
06 - Jungali (feat. Haila Mompie)
07 - Magdalena
08 - Jelem, Jelem (feat. Haila Mompie)
09 - Gitanos (feat. Alexander Abreu y Havana d'Primera)
10 - Zaraza (feat. Beatriz Marquez y Carlos Calunga)
11 - Corazon Yo Te Dare (feat. Antonio Carmona y Marina Carmona)
12 - Ay, Mama Inez (feat. Tete Caturla)
13 - Chan Chan (feat. Carlos Calunga)




Conjunción de artistas vascos y gallegos en ayuda de las costas gallegas, invadidas de alquitrán a raíz de la pérdida de fuel oil por rotura en altamar del barco petrolífero Prestige, barco de Liberia gestionado por Grecia que llevaba carga propiedad de Suiza.







01. Tripulazioa - Galizia Euskadi [Kepa Junkera - Xabier Amuriza]
02. Oskorri - Galiziara noa [J.Salbide - J. Sarasua - A. Deive - A. Sanmartin]
03. Carlos Nuez - A irmandade das estrellas [Tradicional - Kepa Junkera]
04. Ruper Ordorika - Alberto Ceiroran bisita [Sarrionaindia - Ordorika]
05. Faltriqueira - Agarrado de braas verdes [tradicional]
06. Berrogetto - Alboka [Anxo Pintos]
07. Kepa Junkera - Fasio & Lurra-Terra [Kepa Junkera]
08. Emilio Cao - Simbad en Galicia [Emilio Cao]
09. Jabier Muguruza - Casa de pedra [Jose Luis Padron - Muguruza]
10. Chouteira - Chalarieiro [Tradicional - Cesar Longa]
11. Oskorri - Argi oilarrak [Folk - Konponketak .Jose Urrejola]
12. Uxia - Aquestas noites tan longas [Julio Bolseiro-S XIII- Quintas Canella]
13. Ibon Koteron & Kepa Junkera - Barakaldotik Arratiara [Kepa Junkera]
14. Leilia - Se souveras [Tradicional - Felisa Cegade]
15. Xose Manuel Budio - Lostregos [X.M.Budio]
16. Susana Seivane - Na terra de Trasancos [Andres Toxeiro]
17. Askoren artean-Varios- Ibilaldia 2001 [Xabier Amuriza-Kepa Junkera]


Lo es todo en la música tradicional, el folklore y la tradición oral castellana y leonesa. Músico y estudioso de renombre y triunfador en medio mundo, Joaquín Díaz nació en 1947 en Zamora pero con tan sólo cuatro años se trasladó a Valladolid junto a toda su familia. Desde pequeño se dejaba retratar con una pequeña guitarra de madera que luego cambiaría por otra más grande: con ella creó su propio grupo en el Colegio de Lourdes, centro donde cursó sus primeros estudios; con esta primera formación acudió al programa de Televisión Española Salto a la Fama. «Lo que me contaban mis padres es que con dos o tres años ya cantaba. Una muchacha que tenía mi madre, que era de Sanabria, me enseñó canciones y yo las cantaba por el patio». Abandonó la carrera de Filosofía y Letras desilusionado por el funcionamiento de aquella Universidad de los años franquistas, formó su grupo musical y grabó el álbum Recital (1967): «Mi aspiración era estudiar antropología o algo similar, pero no se enseñaba en ningún sitio. Así que después de tres años, dejé la Universidad... Descubrí que el mundo de la creación artística y el de la Universidad eran incompatibles».

Junto a Ángel Álvarez puso en marcha, en 1968, el mítico grupo de folk «Nuestro Pequeño Mundo», del que se separaría después de grabar dos álbumes. Entre 1968 y 1974 recorrió los escenarios más diversos, actuó en las Universidades éstadounidenses de Harvard, Austin y Boston, en las portuguesas de Lisboa, Coimbra y Oporto, en Alemania, Francia y, por supuesto, en España. Dirigió programas de radio y televisión, publicó artículos en revistas musicales especializadas y grabó, a finales de los sesenta, cuatro discos importantes: Canciones de Navidad (1968), De mi álbum de recuerdos (1969), De la picaresca tradicional (1970) y El viaje (1970). Su fama era imparable: nombrado Ciudadano Honorario del Estado de Texas, graba The Music of Spain (1973) y Sephardic Songs (1974), y publica los libros Palabras ocultas en la canción folklórica (1971; y Música pop y música folk (1975), este último en colaboración con José María Íñigo.




1.- A Belén pastores 
2.- San José carpintero 
3.- Al zagal que desvelan amores 
4.- Tanto es el niño que ves 
5.- Es día de parabién 
6.- Pajarito que cantas 
7.- Rabadán 
8.- Campana sobre campana 
9.- A mi niño tierno (1665) 
10.- A la nanita nana 
11.- En el portal 
12.- Si de que tembléis (1671) 
13.- Pues que la estrella (1550) 
14.- ¡Ay del chiquirritín!






El cantautor Amancio Prada aseguró que la grabación del disco Ecos Navideños , realizada en la sala de un centro tecnológico usada para analizar el ruido provocado por el motor de los coches, ha dado «un sonido tan natural como si los villancicos se hubieran grabado en el mismo Portal de Belén». La iniciativa surgió de José Luis Chacel, patrono de la Fundación Cidaut, un centro tecnológico que se dedica a la investigación de la industria de la automoción y que está ubicado en el Parque Tecnológico de Boecillo, en Valladolid. Chacel ofreció a intérpretes de música tradicional como el propio Amancio Prada, Joaquín Díaz y el grupo Candeal, entre otros, la posibilidad de grabar un disco de villancicos en la sala semianecoica de las instalaciones, donde se analizan técnicamente las diferencias entre la sonoridad de unos y otros modelos de vehículos. Para Amancio Prada, la experiencia de la grabación en un lugar tan original ha producido «un sonido tan natural como si los villancicos hubieran sido grabados en el mismo portal de Belén, ha sido a contracorriente, contra todo tipo de tecnología», a pesar de encontrarse en un centro tecnológico.

El disco, que incluye un libro en el que se relatan anécdotas y costumbres navideñas, se presentó ayer en Valladolid con 16 temas, de los que Amancio Prada interpreta tres. Según destacó el promotor de la iniciativa, José Luis Chacel, en el disco-libro, del que se han editado 10.000 ejemplares, se incluyen «hechos curiosos y poco conocidos por el público de la comunidad autónoma, como que en la localidad salmantina de Ledesma se encuentran los restos de tres pastores que adoraron al Niño Jesús». Prada aseguró que vivimos «de espaldas a la tradición, estamos empeñados en ver como dicotomía la tradición y la modernidad cuando la realidad es que no podemos hacer nada sin la tradición». El cantautor se quejó de que «hoy en día se ha dejado de cantar» porque «la música ambiental nos invade y se ha convertido en algo rumoroso, en un ruido que se superpone a las voces». En la grabación también ha participado el columnista del Diario de León Pedro García Trapiello, quien con su potente voz declama varios poemas navideños. José Luis Chacel, que es un apasionado belenista, ha incluido en el libro una variada ilustración de los belenes y dioramas procedentes de su colección particular. El mentor de esta aventura musical y solidaria desveló que ofreció a este grupo de intérpretes de música tradicional la posibilidad de grabar un disco de villancicos en la sala semianecoica de las instalaciones «para comprobar cómo es el sonido limpio de una sala carente de ruidos». 

http://tidido.com/a35184372149447/al540719dc196deee83f8d127d/t54080135196dee947592e5eb



1.Pensamiento 1 - No la debemos dormir (Pedro García Trapiello y Jesús Prieto) 1:54
2.Tarantán (Joaquín Díaz) 1:42
3.San José es carpintero (Candeal) 2:00
4.Id tranquilo rabadán (Pedro García Trapiello y José Luis Chacel) 2:56
5.Zagalejo de perlas (Amancio Prada y Jesús Prieto) 3:14
6.Porque ya ha nacido el niño (Javier Bergia y Luis Delgado) 4:28
7.Pensamiento 2 - Nana del portal (Javier Castrillo y Jesús Prieto) 3:08
8.Variaciones sobre ´El verbo divino´ (Amancio Prada, Félix Pérez, Javier Castrillo, José Antonio Ortega y Javier Bergia) 3:02
9.Atención al Misterio (Joaquín Díaz) 1:36
10.Pensamiento 3 (Pedro García Trapiello) 1:58
11.Antes de las doce (Javier Bergia y Luis Delgado) 2:40
12.Villancico laico gitano (Amancio Prada y Javier Bergia) 3:24
13.Pensamiento 4 - Canción de cuna (Pedro García Trapiello - Jesús Prieto) 2:05
14.Esta noche es Nochebuena (Candeal) 2:18
15.Celebración navideña (Javier Castrillo y Jesús Prieto) 2:07
16.Vámonos ´iendo´ (Antonio Ortega y Pedro G. Trapiello) 1:11




Tom Zé, de nombre completo Antônio José Santana Martins (nacido en Irará, Bahía, el 11 de octubre de 1936) es un músico brasileño, compositor de canciones y multiinstrumentalista, del género denominado música popular de Brasil

Nacido en una familia acomodada, gracias a un boleto premiado de lotería, la infancia de Tom Zé transcurre en la agreste región bahiana de Irará. Posteriormente se muda a Salvador para estudiar gimnasia. De adolescente, comienza a interesarse por la música y estudia guitarra clásica. Toca esporádicamente en algunos shows de aficionados de la televisión brasileira en los años 60, y acaba ingresando en la Escola de Música da Universidade Federal da Bahia que cuenta, entre su profesorado de la época, con la presencia de Ernst Widmer, Walter Smetak y el dodecafonista Hans Joachim Koellreutter.
En la misma época, se junta con Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa y Maria Bethânia en el espectáculo Nós, Por Exemplo nº 2, en el Teatro Castro Alves, en Salvador. Con el mismo grupo, va a São Paulo a escenificar Arena Canta Bahia, bajo la dirección de Augusto Boal, y graba el álbum manifiesto del movimento Tropicalista, Tropicália ou Panis et Circensis, en 1968.
En 1968, obtiene el premio en el IV Festival da Música Brasileira, del canal de televisión TV Record, con su tema São, São Paulo, Meu Amor.
Pasó los años 70 y los años 80 avanzando aún más su concepto de pop experimental editando álbumes relativamente desconocidos, sin lograr atraer la atención del gran público.
A finales de los años 80, es “descubierto” por el músico británico David Byrne (ex Talking Heads) quien edita un recopilatorio en dos volúmenes de Tom Zé, a través del sello Luaka Bop, con gran éxito entre el público y la crítica.
Lentamente, su carrera se va recuperando y Tom Zé pasa a llenar escenarios en toda Europa, Estados Unidos y Brasil especialmente a partir del lanzamiento de su CD Com Defeito de Fabricação en 1998. Hoy, en 2010, a sus 74 años de edad, sigue en plena efervescencia creativa.

Paulo Lepetit – arranjos finais, produção – Estúdio Outra Margem
Daniela Maia – arranjos de base – Produção Estúdio Vale do Silício
Tom Zé – composição
Elifas Andreato, Dennis Vecchione e João Rocha Rodrigues – capa e encarte
Marcelo Blanck – desenvolvimento buzinório, hertzé, invenção berimblanck, arranjos de base Cadê, Mané?
Marcelo Segreto – estudos sobre tese do disco; parceria em letra
Neusa Martins – produção executiva
Tania Lopes – produtora assistente
Leonardo Nakabayashi – materização – Estúdio Banzai


https://es.wikipedia.org/wiki/Tom_Z%C3%A9






  1. Sexo
  2. Descaração Familiar
  3. Urgência Didática
  4. Sobe Ni Mim
  5. Orgasmo Tercerizado
  6. USP x GV
  7. No Tempo Em Que Ainda Havia Moça Feia
  8. Dedo
  9. Arroz, Lenda e Buquê
  10. Por Baixo
  11. Cadê, Mané?
  12. Levada: Sobe Ni Mim
  13. Um Circo Voador



The cult Peckham soul artist caps the release of three highly praised EPs with an album featuring his most confident songwriting to date. The album paints a collage of dusty drum hits, Sly Stone-esque bass lines and Mamode’s own one-take vocals. Themes go from the personal, such as relationship communication breakdown, to the universal, in the anti-war theme of ‘The Value’.

It remains grounded in a love of syncopated drums, played out in the Dilla-esque ‘Talk To Me’, or the free jazz of ‘Omas Sextet’. Elsewhere, on album opener ‘Bruk Out’, the broken beat scene collides with the groove based jazz fusion of Herbie Hancock and the Headhunters, whilst on ‘Drums Of The Positive’, Mamode channels the “slave island music of my father’s heritage… Maloya, Sega, Nyabinghi”.

"Nowadays music seems to be used more as a crutch for humanity.. Most people seem to have forgotten it's a life blood of our species. The natural rhythms of our hearts beating and the melodic instrument 'the voice' gifted to us at birth, are some physical examples of how inherent music is within our being. We all need this thing we call music. Just as all our ancestors did."
- Reginald Omas Mamode IV

This past year has seen Mamode perform live and DJ at the relaunch of London’s Jazz Cafe, Shapes, Ronnie Scott’s, Gottwood festival and dates in France, Netherlands and beyond. Headline UK and EU live dates will follow the album’s release in the autumn.

Along with Mo Kolours, Jeen Bassa, Henry Wu, Al Dobson Jr and Tenderlonious; he’s helped forge in the 22a co-operative that The FADER calls “a kaleidoscopic patchwork of hip-hop, house, and groove investigations bound by one thread: a timeless belief in rhythm as a universal language”.

Part percussive ancestral music, part post-Dilla funk, Mamode’s debut album is a galactic, joyful, and above all funky record. It is a statement of intent from this rising underground star.
credits
released October 14, 2016

 https://fiveeasypieces.bandcamp.com/album/reginald-omas-mamode-iv




1. Bruk Out 02:54
2. Talk To Me 03:34
3. Drums Of The Positive 01:00
4. If You Want To Know 03:18
5. Interlude 00:37
6. Hush 03:30
7. Bump It Up 02:53
8. Round N Round 03:18
9. Omas Sextet (Time, Rhythm, and Change) 01:44
10. Simmer Down Now 02:37
11. The Value 03:39
12. Interlude 00:25
13. From The Soul 03:03
14. The Message 01:20
15. Trust Me 03:27





Taraf de Haïdouks es un conjunto musical romaní, originario de la comuna de Clejani, del distrito Giurgiu (judeţ) en Rumania. Es el grupo más célebre del género en la era postcomunista. Son conocidos en su Rumania natal como "Taraful Haiducilor". Su traducción cuasi literal sería "Banda de los hombres malvados o fuera de la ley", aunque "taraf" es también el nombre tradicional de un grupo de lăutari(músicos gitanos de la tradición rumana). "Haiduc" o "haiduk" es una palabra de origen búlgaro, que significa "bandolero"; en rumano tiene una connotación arcaica o rústica. El nombre del grupo es conocido internacionalmente como "Taraf de Haïdouks" (construcción genitiva francesa). La agrupación se formó en 1989, poco antes de la muerte del dictador Nicolae Ceauşescu, pero actualmente fueron descubiertos por el etnomusicólogo rumano Speranţa Rădulescu, quien primero los grabó en 1983 para el archivo del Instituto de Etnografía y Folklore. La formación original reunía cerca de 12 músicos; a veces suelen incluir algunos más llegando a tener 30 artistas en sus filas. El primer encuentro serio con el mundo occidental se llevó a cabo gracias al etnomusicólogo suizo Laurent Aubert y los músicos belgas Stéphane Karo y Michel Winter.


Los nombres históricos del grupo:
  • Nicolae Neacşu ("Culai"), violín y voz, murió en septiembre de 2002.
  • Dumitru Baicu ("Cacurică"), pequeño cymbalom y voz, murió en septiembre de 2007.
  • Ion Manole ("Şaică" ou "Boşorogu"), violín y voz, fallecido.
  • Ilie Iorga, voz, originario de Mârşă cerca de Clejani.
  • Paul Giuclea ("Pasalan"), violín y voz, originario de Mârşă.
  • Constantin Boieru Lautaru ("Costica"), violín y voz, originario de Mârşă.
  • Gheorghe Anghel ("Caliu"), violín.
  • Gheorghe Fălcaru ("Fluierici"), flauta, contrabajo.
  • Marin Manole ("Marius"), acordeón.
  • Ionitsa Manole, acordeón.
Integrantes invitados ocasionalmente:
  • Constantin Sandu ("Dinu"): pequeño cymbalom y voz.
  • Florea Pârvan: contrabajo, acordeón y voz.
  • Marin Sandu: ("Ţagoi"): contrabajo, acordeón y voz.
 https://es.wikipedia.org/wiki/Taraf_de_Ha%C3%AFdouks






1988 Roumanie - Musique des Tsiganes de Valachie



01. Lunca Obedeanului (14:57)
02. Leliță cîrciumăreasă (11:01)
03. Rînd de hore (06:21)
04. Bogatul și săracul (11:32)
05. Șarpele (18:20)

1991 Musique des Tziganes de Roumanie


1 Rînd De Hore (Suite De Danses - Succession Of Dances) 7:46
2 Ardeleneasca / Sîrba Bulgara 4:52
3 Balada Conducatorolui (La Ballade Du Dictateur - The Ballad Of The Dictator) 4:20
4 Sîrba Lui Mitica Gîndac 2:34
5 Sîrba De La Ruseanca 2:03
6 Dragoste De La Clejani (Chanson D'Amour De Clejani - Love Song From Clejani) 5:12
7 Sîrba Lui Cacurica 3:06
8 Sîrba De La Golasei / Sîrba De La Obedeni 3:26
9 Cîntec Batrinesc De Haïduk (Ballade De Haïdouk - Ballad Of The Haïdouk) 8:53
10 Cîntec De Superare Tiganesc (Chanson Triste Tzigane - Sad Gypsy Song) 3:38
11 Jamparale Ca La Vadulat 2:23
12 In Curte La Stefan Voda (Ballade À La Cour Du Seigneur - Ballad In The Lord's Court) / Ca La Breaza 11:36
13 Cîntec De Superare Tiganesc (Chanson Triste Tzigane - Sad Gypsy Song) 7:17
14 Cimpoiu 4:43
15 Indiaca 3:04

1994 Honourable Brigands, Magic Horses and Evil Eye





1. old peasant song
2. old style hora
3. romance of the suburbs
4. Gypsy dance
5. chronicle of a peasant uprising
6. wedding dance
7. love song and dance
8. doina and flute song
9. Gypsy lament
10. dance in Turkish style
11. ballad of Corbea the Haïdouk
12. variations
13. Gypsy song to listen to
14. fast dance
15. jail song and dance
16. old instrumental song


1998 Dumbala Dumba



01. Introduction (00:59)
02. Dumbala Dumba (02:14)
03. Sabarelu (cit e Argesul de mare) (04:35)
04. Rustem (02:01)
05. Foii de prun si foii de praz (06:48)
06. Cuculetu (05:38)
07. Terno chelipé (03:09)
08. Catar o birto mai opre (04:04)
09. Pe deasupra casei mele (04:26)
10. Mesteru Manole (04:25)
11. Cîntece de jale (04:37)
12. Pe drumul mînastiresc (03:25)
13. Padure verde, padure (07:01)
14. Tambal solo (04:21)
15. Tot taraful (07:16)
16. Hora ca la ursari (04:04)

1999 Taraf de Haïdouks 



01. Spune, spune, mos batrîn (05:31)
02. Rustem (01:55)
03. Balada Conducatorolui (04:21)
04. Dragoste de la Clejani (05:14)
05. Brîu (02:03)
06. Hora ca la usari (04:03)
07. Hora din Caval (03:11)
08. Dumbala dumba (02:15)
09. Sabarelu (04:35)
10. Sîrba lui Cacurica (03:07)
11. Indiaca (03:07)
12. Turceasca (06:10)


2001 Band of Gypsies



01. Sirba pompierilor - Dance of the Firemen (01:31)
02. Turcoaica angali - A la Turk (06:09)
03. Doru meu e numai dor - Sorrow, Only My Sorrow (04:08)
04. Intoarcerea cailor magici - The Return of the Magic Horses (05:02)
05. Un tigan avea o casa - A Gypsy Had a House (03:47)
06. Barza nachlea a pai, arachlieape la Ciorai - A Stork Crosses the Danube, in t... (06:36)
07. Pelin bau, pelin maninc - Absinth I Drink You, Absinth I Eat You (05:04)
08. Joc a lui Cacurica - Cacurica Dances (01:31)
09. Carolina (05:27)
10. Foaie verde, foaie trifoi - Green Leaf, Clover Leaf (03:56)
11. Barbugiu - I'm a Gambling Man (06:47)
12. Mugur, mugurel - Little Buds (04:58)
13. Louloudji - Bride in a Red Dress (04:37)
14. Jea kere - Back to Clejani (02:56)


2006 The Continuing Adventure. Live




01. The Return Of The Magic Horses (05:26)
02. Little Buds (05:12)
03. Cintec De Dragoste SiJoc (09:15)
04. Hora De Mina Si De Picior (01:19)
05. A Stork Crosses The DanubeIn The Company Of A Raven (13:10)
06. Pe Poteca Strimte (06:15)
07. Back To Clejani Variations (04:39)
08. Briu Opsa (01:16)
09. Bouns (04:26)

2007 Maskarada



01. Ostinato & Romanian Dance (04:20)
02. Lezghinka (02:35)
03. Danza Ritual Del Fuego (03:17)
04. Waltz From Masqerade (03:37)
05. In A Persian Market (06:08)
06. De Cind Ma Aflat Multimea (02:48)
07. Romanian Folk Dances (07:34)
08. The Missing Dance (01:14)
09. Asturias (05:28)
10. Parca Eu Te-Am Vazut (04:42)
11. Hora Moldovenesca (03:42)
12. Les Portes De La Nuit (04:43)
13. Parlapapup (04:19)
14. Suita Mascarada (05:36)

 
2011 Band of Gypsies 2 and Kocani Orkestar



01. I am a Gigolo (04:09)
02. Pe Drumul Odesei (05:43)
03. Mandrulita Mea (06:31)
04. Talk to Me, Duso (06:25)
05. Turceasca a lu Kalo (05:23)
06. Jarretelle (03:56)
07. Ou Cours-tu, Nostalgie Apres toi mon Amour (04:36)
08. Dikhel Khelel (05:12)
09. A Couteaux Tires, Atika (07:19)
10. Sara (08:40)
11. 100 Millions (03:26)
12. Gypsy Sahara (06:36)


2015 Of Lovers, Gamblers and Parachute Skirts

01. Balalau From Bucharest (03:06)
02. Moldavian Shepherds' Dance (03:16)
03. Cold Snowball (04:32)
04. The Fields Are Blooming (03:40)
05. Clejani Love Song (11:12)
06. Manele Pomak (04:32)
07. The High Balcony In Ciolpan (05:53)
08. Where Do You Come From, Dear Lady? (03:26)
09. No Snow, No Rain (07:43)
10. I'll Tell You How It Is In The Other World (06:06)
11. Dance Suite a la clejani (05:08)
12. Mother, My Little Mama (06:32)
13. I've Got A Parachute Skirt (03:33)
14. Marius' Lament (02:34)


Dictamen

Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que, una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tienda habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible.
En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.

La Música


La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso.
La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido.
La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
Con la tecnología de Blogger.

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