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Idir - Neveo (2013)


Cuando un joven Hamid Cheriet decidió adoptar el nombre artístico de Idir (Vivirá), en homenaje a la tradición ancestral del pueblo bereber de bautizar así a sus hijos amenazados por una esperanza de vida frágil, poco podía imaginarse que la buenaventura le iba a deparar una trayectoria musical longeva que le ha convertido en el gran referente de la música amazigh. A sus 63 años, Idir regresa a los escenarios de la mano de un nuevo trabajo discográfico, el primero en solitario de las dos últimas décadas.
Tras su doble incursión en el mestizaje cultural que dio como fruto el espléndido “Identités” (1999) y el más arriesgado “La France des Couleurs” (2007), la gran voz de la lucha cultural bereber regresa a sus raíces con un trabajo personal, que aparca la vertiente más reivindicativa de años pasados, para adentrarse en un terreno íntimo y emocional.
http://vocesdelmundo.wordpress.com/2013/02/21/el-idir-mas-intimo-regresa-a-sus-raices/



01 Saeid Ulaemara
02 Adrar Inu
03 Tuyac'n'Wanzul
04 Ccac L-Lwiz
05 Thedded Axxam
06 Ssiy Tafat
07 Ibeddel Zzman
08 Tajmilt i Ludwig
09 Uffiy
10 Targit
11 Tayemmatt

Roland Tchakounte - Ndoni (2012) [Cameroon]


Roland nació en la década de 1960 en Douala, la ciudad más grande de Camerún. Cuando tenía 10 años de edad, sus padres perdieron su pequeña tienda y medio de vida en un incendio. Sus recuerdos traumáticos, incluyendo la humillación de ver a sus padres tener que pedir ayuda hacen que sea difícil hablar con sus hijos sobre su infancia en Camerún. Como un adolescente que estaba enfadado, orando por el día en que sería capaz de migrar, diciendo que prefería estar en la cárcel en Francia que libre en Camerún.
Necesitaba años de trabajo duro y el ahorro de dinero, sólo para tener la oportunidad de arriesgar su vida en un barco de pesca endeble de la costa de Nigeria, con pocas posibilidades de llegar al destino final. Uno de sus amigos a la izquierda en uno de los barcos. Cuando estaban en el mar, los contrabandistas pidieron a los migrantes por más dinero. Su amigo no pudo pagar, por lo que los contrabandistas lo arrojaron por la borda.
Viaje en barco de Roland a Europa fracasó y finalmente se fue a París en avión en 1989 después de años de lucha para obtener una visa. Después de un corto tiempo en la universidad, consiguió un trabajo y encontró a su esposa. Tchakounte hace malabares con la vida familiar y la música que siempre ha sido parte de su vida. Además de las canciones de cuna tradicionales que había oído sus tías cantar cuando era niño, él recuerda haber aficionado a los lamentos del pueblo peul, las tribus nómadas del Sahel que viajó a Camerún con sus rebaños.
El incentivo para el juego vino cuando un amigo le dio la guitarra presentado por los padres que esperaban sería apaciguar sus instintos. Al final, era la sed de Roland para una existencia significativa que tocar la guitarra templada: lideró su propia banda de New Bell, un obrero Douala barrio tristemente célebre por su prisión y alta tasa de criminalidad. Además de Jimi Hendrix, cuya versión de Hey Joe le dio los tres acordes básicos del blues, Roland imitó los grandes del soul James Brown y Wilson Pickett.
Su primer álbum fue criado Bouh Shuga Blues (1990). Aunque él viajó por muchos años y se presentó en el Festival de Blues-sur-Seine, Tchakounte todavía necesitaba una dirección clara para su música. Luego, en 2002 escuchó una grabación de John Lee Hooker de 'Crawling King Snake' en la sección de CD de un supermercado! Ese fue un momento revelador para Roland y él descubrió el verdadero significado de la palabra "depresión". El título de su primer álbum tenía la palabra blues en él y él era consciente de BB King y otros, pero su música realmente no hablar con él. Y en Camerún, 'blues' era el término genérico que se usa para la danza lenta. Roland dice que la espontaneidad, la aparente falta de estructura, el fuego y la energía cruda, la honestidad que estaba oyendo cambió toda su percepción de la música.
El ejemplo dado por el cantante y guitarrista maliense Ali Farka Touré dio Roland el incentivo para cantar en su propio idioma. Mezcla el espíritu del blues de primas con su dialecto bamiléké hace sus canciones único.
Otro punto de inflexión ocurrió cuando Roland se reunió el primero de sus dos miembros de la banda actual. El guitarrista Mick Ravassat estaba actuando en un club donde Roland ocurrió ir una noche y le oyó hacer el tipo de trabajo de la guitarra slide Roland quería para un nuevo proyecto. Al día siguiente se contrató a Mick después de hablar con él por menos de 5 minutos!
Con Ravassat a bordo, Roland estaba listo para grabar y Abango fue lanzado en 2005.
Roland se dio cuenta de algunos elementos rítmicos siguen desaparecidas y Ravassat sugirió que en contacto con el percusionista Mathias Bernheim. Waka fue lanzado en 2008, con los azules delicados licks de Mick y excelentes patrones rítmicos de Mathias equilibrar perfectamente las raíces africanas de Roland.
Podría ser considerado como contrario que Roland llama a sí mismo un músico de blues cuando Douala está geográficamente tan lejos de la delta del Mississippi. Está claro que la nota azul, una pieza pura de la cultura americana, nació de la trágica colisión de tres mundos generados por el triángulo vicioso de la trata de esclavos. El espíritu del blues se hace eco fuertemente en África, donde el destino muchas veces rima con la tragedia.
Azules Menessen (2011) aporta el talento de la banda Roland Tchakounte a un clímax. Mientras deambula por los pasillos oscuros de su mente, Roland no puede dejar de cuestionar cómo la gente puede infligir tanto dolor y sufrimiento a sus vecinos. La música de Roland es un grito sagrado que nace de un deseo desesperado por creer en la humanidad. A través del canto él lucha la amargura que a menudo lo mantiene despierto por la noche. Él demuestra que, independientemente de su origen, que es la esencia de un hombre de blues, porque escribir canciones y cantarlas es una manera de afrontar la vida. Sus canciones cuentan las mismas historias una vez contadas por los azules pioneros.


 01 – Fang Am [00:03:58]
02 – Kemen [00:02:56]
03 – Farafina [00:03:51]
04 – Bouden Ndjabou [00:04:13]
05 – Mbak Tchann Yogsou Kidi [00:04:12]
06 – Smile [00:05:47]
07 – Adenja [00:04:46]
08 – Lana [00:02:40]
09 – Chuboula [00:05:43]
10 – Meden Mbwoga [00:05:28]
11 – If You Try Black Woman [00:03:58]
12 – Anetchana [00:05:05]

Idir - Identités (1999)


Idir es el nombre artístico de Hamid Cheriet, cantautor argelino nacido en la región de Kabilia en 1945.
Es uno de los máximos exponentes de la música folk amazigh.
A mediados de los 70 logra popularizar "A vava Inouva", canción cabileña en lengua bereber.
En 1999, Idir graba el álbum Identités, donde colaboran Khalida Toumi, Karen Matheson, Manu Chao, Geoffrey Oryema, Brahim Izri, Thierry Titi Robin, Orchestre National de Barbès, Dan Ar Braz, Maxime Le Forestier, Zebda y Gnawa Diffusion, entre otros.
Wiki.
http://idir-officiel.fr/


1. A Vava Inouva 2
2. A Tulawin (Une Algerienne Debout)
3. Un Homme Qui N'a Pas De Frere...
4. Exil (Da Y Rib)
5. Tizi Ouzou
6. Revolution (Tagrawla 2)
7. Fable (Tamacahuts 2)
8. Illusions (Awah Awah 2)
9. Le Jour Du Don (Tiwizi 2)
10. Memoires (Cfi Y 2)

A Lammas Ladymass - 13th-14th century English Chant & Polyphony



In the 13th and 14th centuries, votive masses to the Blessed Virgin were celebrated daily or weekly in many of the larger churches in England. These were special services dedicated to Mary and set to texts written in her honor. Masses were not composed in complete cycles by single composers until the late-14th century, so any recorded version of a medieval mass is a reconstruction, in the same way that each day's mass would have been constructed from different sources. Pieces were chosen to match the occasion or the purpose of the service, since most liturgical texts were related to specific feasts.

A LAMMAS LADYMASS uses anonymous English music of this period, drawing together a variety of liturgical settings including motets with multiple texts, monophonic and polyphonic conductus (songs generally used at transitional points), and a troped Kyrie (one which has additional text inserted into the standard Kyrie text, as a type of commentary) to produce a Ladymass as it might have been celebrated in the 14th century. As is usual for Anonymous 4, the singing is lovely and simple, without sounding mannered or labored.



Anonymous 4 es un cuarteto neoyorquino de voces femeninas a capella. Principalmente interpretan música medieval, aunque también han interpretado trabajos de compositores actuales como John Tavener o Steve Reich.

Inicialmente, el grupo estuvo formado por Marsha Genensky, Susan Hellauer, Johanna Maria Rose, y Ruth Cunningham. En 1998, Jacqueline Horner, sustituyó a Ruth Cunningham.

A lo largo de su carrera, han participado en numerosos festivales de música a lo largo de todo el mundo. En el año 2003 anunciaron que abandonarían las giras y grabaciones, si bien subrayaron que se juntarían de nuevo para participar en ocasiones especiales.

El nombre del grupo proviene del nombre de un musicólogo medieval de finales del siglo XIII, Anónimo IV, por el cuál conocemos a dos de los principales compositores de la Escuela de Notre Dame, Léonin y Pérotin.
http://www.harmoniamundi.com/mobile/pages/Artiste01.php?lang=ES&id=8
http://es.wikipedia.org/wiki/Anonymous_4
http://www.anonymous4.com/




1 Antiphon (Anonymous) Que est ista 0:54 
2 Hymn O quam glorifica 3:27 
3 Conductus Ave tuos benedic 2:51 
4 Motet In odore 1:35 
5 Conductus Salve mater salvatoris 3:47 
6 Introit Salve sancta parens 3:45
7 Kyrie 2:22 
8 Gloria 2:29 
9 Gradual Benedicta et venerabilis 4:14 
10 Conductus Ave gloriosa mater 2:04 
11 Alleluia Virga ferax aaron 3:33 
12 Sequence O maria stella maris 6:24 
13 Sequence O ceteris preamabilis 2:51 
14 Motet O quam glorifica... 1:30 
15 Recordare Virgo Mater Offertory 4:34 
16 Sanctus 2:47 
17 Agnus Dei 2:26 
18 Communion Alma dei genitrix 0:51 
19 Conductus Salve mater salvatoris 3:45 
20 Conductus Paradisi porta 1:11 
21 Dismissal Ite missa est 0:32 
22 Sequence Pangat melos grex devotus 4:50




Hughes de Courson- Mozart in Egypt 1 & 2



'Mozart in Egypt' is a 1997 album by various artists. It represents a fusion of Mozart's work with the sounds, rhythms and instruments typical of contemporary Egyptian music. The album saw considerable success in continental Europe, especially France, but had only limited success elsewhere. In August 2005 a second volume was released in Europe only, entitled Mozart in Egypt 2.

There are problems, of course, in trying to marry Mozart and Egypt. Western music takes pride in the vertical arts of harmony and counterpoint. Arabic music is linear, one event following another. The result then is what the producers describe as a "crazy diagonal." And yet it works. Mozart sounds just fine on the oud [ancestor of the lute], and its way of decorating a melodic line is not at all dissimilar to the Western approach. Best of all is hearing the piano and oud together, when one player takes the melodic line, the other harmony.

Mozart in Egypt 1

1. Ikhtitaf Fi Assaraya
2. Double Quartet In F, K. 496
3. Lamma Bada Yatathenna (Symphony No. 40)
4. Mahdiyat (Lullabies)
5. Concerto For Oud & Piano No. 23 6. Hamilu Lhawa Tahibou (Papageno's Aria No. 20)
7. Yaman Hawa (Thamos, King Of Egypt)
8. Mawwall
9. Double Quartet In E Flat, K. 374
10. Ouazat Al Kahira (L'oca Del Cairo)
11. Egyptian Symphony No. 25
12. Dhikr / Requiem / Golgotha

Mozart in Egypt 2

1. Al Bedaya 2. Mozart In Egypt (from Cosi Fan Tutte)
3. Al Sahm Al Taen (from Soave Sia Il Vento)
4. Alatul (Concerto For Kaval & Flute)
5. Al Sahara (from Fantasy In D)
6. Al Maghfera (from Qui Tollis)
7. Ninna Nam
8. Al Raqs (Minuet)
9. Ya Shady Symphony (Final Symphony No. 40)
10. Alexandria Quintet K. 581
11. The Queen Of The 1,001 Nights
12. Egyptian March
13. Layla Misriya (Eine Kleine Nachtmusik)
14. The Quarrel In The Seraglio
15. Nubian Prayer (Mawal)


Cécile Corbel - Songbook vol. 4 - Roses


Desde Pont-Croix, en Finisterre, Cécile Corbel vuelve con nuevas canciones que alternan composiciones y melodías tradicionales. Este álbum no es solo una búsqueda sobre el amor en temas como Jenovefa, Francesco, La Ballade De Rose, sino también sobre el miedo en la bella canción sefardí Hija Mia. Cecile frota voluntariamente lo esotérico en (Garden District o The Riddle) y elementos de la naturaleza riegan algunas de sus canciones como Les Capitaines y Le Long De L'Eau.
La variedad de emociones que se pueden encontrar escuchando este álbum satisface cada parte de nosotros, incluso con dulzura e inocencia. Cécile Corbel demuestra una vez más su talento al cruzar los pasos de la perfección musical.



01 - Les Capitaines
02 - Jenovefa
03 - Francesco
04 - Garden District
05 - Prayer
06 - Folia
07 - Hija Mia
08 - Le Long De L'Eau
09 - A Suivre
10 - The Riddle
11 - La Ballade De La Rose
12 - Eirin

Chano & Josele - Chano & Josele (2014) [España]






A ese trémolo de guitarra de los primeros compases, que remite directamente al Tárrega de `Recuerdos de la Alhambra', Niño Josele le da en seguida aire flamenco: a él le gusta especificar que es flamenco de gitano.
Si Niño Josele toca `Alma de mujer', composición de Chano Domínguez, en solitario con su guitarra Vicente Carrillo -la que le regaló Paco de Lucía-, unos cuantos cortes más tarde es el pianista de Cádiz quien se lanza él solito a por `¿Es esto una bulería?', que lleva la firma del guitarrista de Almería.
Dice Fernando Trueba que Juan José Heredia y Chano Domínguez estaban condenados a encontrarse. Trueba sabe de lo que habla. Cuando sueña, y luego se le mete entre ceja y ceja, que dos músicos que él admira deberían hacer algo juntos, ya se pueden éstos ir preparando, que acaban por encontrarse. El cineasta y productor discográfico es paciente y, sobre todo, tozudo, muy tozudo. Se pudo comprobar con Bebo Valdés y Diego El Cigala, en aquellas `Lágrimas negras' que se convertirían en un fenómeno internacional avalado por medios como el New York Times y corroborado con ventas de cientos de miles de ejemplares.
Tanto Niño Josele, nacido en 1974 a la vera del Mediterráneo, como Chano Domínguez, que creció desde 1960 a orillas del Atlántico, han bebido del flamenco y se han empapado de jazz. Cada uno por su lado. Y cada uno a su aire. Chano, que a finales de los años setenta militaba en una referencia del llamado rock andaluz, el grupo Cai, antes de irse adentrando en el jazz con Hiscadix, heredó de su padre la afición al flamenco; Josele, descendiente de tocaores y cantaores, a quien el suyo puso una guitarra entre las manos con seis añitos, ya andaba por los treinta cuando descubrió al pianista Bill Evans y se metió de cabeza en el jazz, en un amoroso aprendizaje de armonías y progresiones, que le ha llevado a tocar con Phil Woods, Chick Corea, Marc Johnson...
Con Paco de Lucía, su ídolo, Josele tuvo la dicha de compartir los viajes de `Cositas buenas' por el mundo. Paco, al que considera un segundo padre, y que le cuidó y enseñó, le espetó un día: "Sigue adelante sin mí. Te toca empezar tu carrera". Y se van a cumplir veinte años de aquel día de agosto en que Chano Domínguez, el pianista que mejor ha entendido las finas claves que llevan del jazz al flamenco y viceversa, entró en unos estudios de Madrid para grabar 10 de Paco. De Chano son las introducciones de `Because', de Lennon y Mc Cartney, o de `Django', que el pianista del Modern Jazz Quartet John Lewis dedicó al legendario guitarrista, en este disco que respira emoción.
La mano de Trueba -productor ejecutivo con Nat Chediak-, se nota en el repertorio. Su huella está en una selección de obras brasileñas que nunca resultan obvias. Por ejemplo, las dos delicadas composiciones del maestro Jobim, `Luiza' -debilidad confesa de Trueba, que ya la había incluído en uno de sus recomendables recopilatorios de `Música para los amigos'-, y `Olha María'. Y la `Rosa', del ilustre Pixinguinha, recordada hace unos años por Marisa Monte, o la inesperada, y más antigua aún, de 1912, `Lua branca', de Chiquinha Gonzaga, pionera de la música popular de Brasil y de las luchas por la igualdad de derechos entre hombres y mujeres.


 1. Alma de mujer (Ch. Domínguez)
2. Django (J. Lewis)
3. Because (J. Lennon/P. McCartney)
4. Je t’attendral (M. Legrand)
5. Lua Branca (Ch. Gonzaga)
6. ¿Es esto una bulería? (J.J. Heredia 2Josele”)
7. Two for the road (H. Mancini)
8. Rosa (Pixinguinha)
9. Lulza (A. C. Jobim)
10. Olha Maria (A.C. Jobim/V. de Moraes/Ch. Buarque)
11. Solitude in Granada (Ch. Domínguez)

flac + covers

neønymus-ø



http://www.neonymus.com/


neønymus es un singular proyecto musical de Silverio Cavia (Silberius de Ura), donde crea en directo una muy personal mezcla de voces, sonidos e instrumentos, utilizando armonías vocales de música antigua, contemporánea, folk y quizá un poco de jazz. Comenzó este proyecto en solitario en 2010, tras recibir distintas influencias de los artistas noruegos que han pasado por Covarrubias -Burgos- (su lugar de residencia).

Su personalísima voz, y la originalidad de sus canciones y formato, donde las líneas vocales creadas en directo se tejen y entralazan levantando acordes o pequeñas frases en contrapunto, y se fusionan con una atrevida combinación de tecnología, pequeños instrumentos musicales y algunos útiles insólitos (huesos, tuberías, peines, campanas…), trasladan al oyente a unos lugares imaginarios que recrean paisajes sonoros desde el Paleolítico a la modernidad, algunas veces con una enorme carga emocional.




Hughes de Courson-Lux Obscura: Un Projet Electro-Medieval



Hughes de Courson, autor por cuyo nombre es poco conocido en nuestro país (no así su obra), maneja de forma magistral las fusiones atípicas y originales.

En el caso de 'Lux Obscura', la mezcla entre sonidos trip-hop y tanto vocales como instrumentos medievales, se ha inclinado en gran parte hacia el lado tradicional, habiendo respetado De Courson los sonidos originales hasta el punto de que en algunas de las canciones no hay apenas atisbo de electrónica. El disco se compone de 13 cortes, de los que destacaría personalmente los primeros temas, especialmente 'Stella splendes', 'Alle' y 'Muort Oramal', por el acierto al combinar los estilos. 'Saltarell' con su sonido de gaitas recuerda bastante a músicos como Hevia, y los últimos temas son más melancólicos, y en los que hay menos sonido electrónico, aunque no desmerecen el conjunto.




  1. Stella splendens (4:43)
  2. Passu torratu (4:46)
  3. Muort' oranai (6:27)
  4. Alle (4:27)
  5. Fera pessima (2:47)
  6. Loyaute (3:39)
  7. Saltarell (5:18)
  8. Lux obscura (6:43)
  9. Canon eniç̜matique (0:31)
  10. Sederunt principes (3:40)
  11. Biaute (3:25)
  12. Puzzle canon (1:40)
  13. Qui n'aroit autre deport (10:23)


Hughes de Courson - O'Stravaganza - Fantaisie autour de Vivaldi et des musiques celtiques d'Irlande


"Hughes de Courson ha explorado la fusión de culturas musicales en diferentes proyectos, entre los más destacados figuran un encuentro entre Vivaldi y la música celta "O'Stravaganza" -2001- o "Songs of Innocence" -1999-, canciones infantiles populares de todos los rincones del mundo, en contraposición con "Lux Obscura" -2003-, un viaje fantasmagórico a través del tiempo que recorre desde los cantos de la Edad Media hasta los del siglo 21. Hughes de Courson fue fundador de la mítica banda de folk Malicorne aparte de destacar como un excelente instrumentista."
Fuente: WIKIPEDIA

"Los mismos que en su día mezclaron los sonidos de Mozart con la musica popular egipcia, ahora experimentan con los instrumentos celtas. Fantasy on Vivaldi and the Celtic music of Ireland (La fantasía de Vivaldi y la musica celta de Irlanda). Intento de aproximación, fusión entre la tradición celta irlandesa y las partituras de Vivaldi y por extensión, la música e instrumentos barrocos. Un experimento legitimado por la difusión que gozó el compositor italiano en Irlanda de mano del gran músico celta Turlough O'Carolan (1670-1738)."

"La idea, así expresada en el libreto, era constituir un repertorio basado en todos los modelos de aproximación posibles, como la sustitución de instrumentos irlandeses por barrocos, el acompañamiento con instrumentos barrocos en temas tradicionales irlandeses, la creación de diálogos entre ambos y la improvisación. La formación barroca "Le orfanelle della Pieta" combina aquí de este modo sus tres violines primeros, sus tres violines segundos, la viola, dos cellos y el harpsichord con la artillería celta habitual, donde no faltan el fiddle, la flauta irlandesa, whistles, Uillean pipes, bouzoukis irlandeses, huesos de buey, tambores bodhran y la lira celta."
Fuente:Dr. MUsic



Le Orfanelle della Poeta (Baroque ensemble)
Nollaig Casey - fiddle
Emer Maycock - Irish flutes, Uilleann pipes
Ronan Le Bars - Uilleann pipes
Youenn Le Berre - Low whistles
Donal Siggins - bouzouki, mandolin
Myrdhin - Celtic harp
Isabelle Oliver - Celtic harp
Breda Maycock - singing
Suzan Hamilton - singer

1. O'Stravaganza (3:46)
2. Damhsaigh (3:12)
3. Berceuse de Grainne pour Diarmait (5:09)
4. Estro-Reel (2:51)
5. Il Sonno (4:11)
6. Ceol cuaine (4:21)
7. Il Duello (4:59)
8. A Chlairseach (6:21)
9. Jig della Inquietudine (4:30)
10. Eirin sonata (5:31)
11. Bunch of rushes (1:56)
12. Am cain (3:40)
13. Mister Bethag and the Princess (3:44)
14. La Ciacconna rossa (3:58)

Hugues De Courson - Lambarena, Bach to Africa (1995)

El impulso detrás de este álbum, desarrollado por Mariella Berthéas, era crear un homenaje a Albert Schweitzer al reunir a las dos tradiciones musicales que son fundamentales para su vida: las obras de JS Bach y las músicas de Gabón, donde dedicó su vida al servicio como misionero médico en la ciudad de Lambaréné. Llamar a esto un álbum crossover, sin embargo, sería tergiversar ella; esto no es una síntesis inteligente de dos tradiciones dispares. Es difícil de caracterizar la relación entre las dos culturas musicales. Decir que las músicas se "coordinan" no alcanza la sorprendente espontaneidad de las yuxtaposiciones, pero decir que son "lanzados juntos" sugiere una aleatoriedad que subestima la habilidad y el arte de los arreglistas, Hughes de Courson y Pierre Akendengué. La música de Bach y las tradiciones musicales de Gabón coexisten sin renunciar a su propia integridad, e interactuar con diversos grados de conexión obvia. El CD incluye formación clásica músicos europeos, 10 conjuntos de Gabón, y varios músicos argentinos, quienes trabajaron juntos en el estudio de muchos meses para crear el álbum. Las canciones más exitosas misteriosamente capturar el impulso musical subyacente común a las dos tradiciones, y el resultado abre nuevas significaciones, y los sonidos naturales y orgánicos. Por ejemplo, es asombroso, en la pista 2, qué bien una canción tradicional de Gabón encaja y se superpone con "Lasset uns nicht den Zerteilen," de la Pasión según San Juan, y la forma en que se complementan entre sí en su afirmación exuberante de la vida. En la pista 6, la realización simultánea de un ritual que incluye un patrón de palmas y vocalizaciones ululantes y un coro de la Pasión según San Juan es impresionante. No todos los esfuerzos tienen el mismo éxito; el canto al final del Agnus Dei de la Misa en si menor, simplemente suena tachuelas en. Pero cuando la mezcla funciona, como lo hace normalmente, el efecto es reveladora y transformadora. El sonido es intensamente limpio y muy bien diferenciada, destacando la maravillosa extrañeza de la mezcla de tradiciones.




1 Cantate 147 0:13
2 Sankanda (traditionnel arr. P Akendengué) 5:70
3 Mayingo (traditionnel arr. P. Akendengue): Fugue sur Mayingo (T. Gubitsch) 2:12
4 Herr, Unser Herrscher 4:36
5 Mabo Maboe (traditionnel arr. P. Akendengué): Gigue de la Quatrième Suite en mi bémol majeur pour violoncelle 3:38
6 Bombé/Ruht Wohl Ihr Heiligen Gebeine 3:46
7 Pepa Nzac Gnon Ma (traditionnel arr. P. Akendengué): Prélude de la Partitia pour violon no3 4:23
8 Mamoudo Na Sakka Baya Boudouma Ngombi (traditionnel arr. P. Akendengué): Prélude No.14 BWV 883 4:28
9 Agnus Dei (Messe en si BWV 232 — arr. P. Akendengué) 5:60
10 Ikokou (traditionnel arr. P. Akendengué) 2:11
11 Inongo (traditionnel arr. P. Akendengué et H. de Courson): Invention à trois voix No3 en ré majeur BWV 789 5:40
12 Okoukoué (traditionnel arr. P. Akendengué et H. de Courson): Cantate 147 1:54
13 Was Mir Behagt, Ist Nur Die Muntre Jagd (Chorus "La Chasse" — J.S.Bach arr. P. Akendengué et H. de Courson) 3:30
14 Cantate 147 "Jesus que ma joie demeure" (J.S.Bach arr. P. Akendengué et H. Courson) 2:14

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