Orange Blossom is a French band that plays a mix of electronic and world music.

The band was formed in Nantes in 1993 with Pierre-Jean Chabot (known as PJ Chabot) on violin and Jean-Christophe Waechter (known as Jay C.) on percussions and vocals. In 1994, Éric (organ) joined the band and a first audio tape was recorded in September. In 1995 the band stabilized with the arrival of Carlos Robles Arenas on drums, djembé, and sample, and the departure of Éric.[1] Their first disc, Orange Blossom, came out in 1997 on the Prikosnovénie label, selling 15,000 copies.

Before their second album came out, the group was influenced by ethnic and traditional music. They met and collaborated with several non-French artists, like Ivorian percussion group Yelemba D'Abidjan and Egyptian group Ganoub. They toured in Egypt, France, and Belgium. Vocalist Jay C. left the band in 2000 and created Prajña. In 2002, percussionist Mathias Vaguenez and vocalist Leïla Bounous joined the group. The album Everything Must Change came out in 2005 on the Bonsaï Music label.

Carlos Robles Arenas is Mexican. Leïla Bounous is part Algerian, part Breton.She later left and Hend Elwary from Egypt, joined the band in 2014.



1997 Orange Blossom




1 Anaconda Girl 
2 Maria Del Sol 
3 Bata 
4 N. 
5 Die Stadt 
6 I'm Dying 
7 Trinity 


2005 Everything Must Change



1 Maldito (Cursed) 
2 Habibi (My Darling) 
3 Cheft El Khof (I've Seen Fear) 
4 Desert Dub 
5 Nafsi (My Soul) 
6 Souffrance 
7 Blama 
8 Yazaman (A Long Time Ago) 
9 Denya (Life) 
10 Bendimina (My Heart Is Aching) 
11 Ayoub (hidden track) 



2014 Under the Shade of Violets 



1 Ommaty 
2 Lost 
3 Ya Sîdî 
4 Pitcha 
5 Jerusalem 
6 Maria 
7 Goodbye Kô 
8 Mexico 
9 The Nubian 
10 Black Box 
11 Pink Ma 
12 Aqua 




Vegetal Jam es una mermelada de ritmos con sabor a tierra de aquí y de allá, una mezcla de músicas de raíz, con sonidos clásicos y contemporáneos. Para ser degustada con los cinco sentidos, saboreada con los oídos y escuchada por los pies.
Vegetal Jam son scottish, mazurkas, jotas, fandangos, arin arin, valses, rondos, chapeluas, bourrée, polkas y un sin fin, temas de composiciones propias inspirados siempre en la tierra. Música neo-trad, folk independiente. Vegetal jam es música natural, sin azúcares añadidos, aptas para bailar, escuchar, sentir y disfrutar. Los ingredientes de esta mermelada son Miguel Guallar (Chelo y violín) y David Aznar (Acordeón cromático)
Entre noviembre y diciembre de 2013, grabamos nuestro segundo disco Valnerols de nuevo en los estudios de Luna Nueva. Tiene 15 temas compuestos en su totalidad por el dúo. El 22 de febrero de 2014 lo mostramos al mundo en el Teatro Arbolé de Zaragoza.
 Es un disco auto financiado 100% En el disco colaboran Jonás Gimeno con las panderetas en "La Vascorelli" y "Tximeleta", Julian Ansuátegui con el Bodhran en "Tchai" y "Espantacierzos" y Susana Arregui (Violín), Pilar Gonzalvo (Arpa), Julián Ansuátegui (Udu) y Miguel Ángel Fraile (Whistle) del grupo O'Carolan en "Nana de Marzo". El diseño es de la gran María José Llorente de nuevo. "Soñar hace que un jardín se convierta en una gran montaña, que un canal sea un gran río, que un árbol con un agujero cuente cuentos y que la libertad se produzca cada noche junto a la almohada. Tal vez soñando se encuentre lo que tanto se busca. Sólo hay que querer, Sólo hay que soñar:; de todo lo demás se encargan esos seres de siempre, esos a los que nunca se les ha llamado; esos que siempre están ahí, felices, alegres y traviesos, en cualquier elemento de la naturaleza, esos que te aunan a ella; hojas, polen, aromas, sensaciones, recuerdos... Al final del día, cuando cierras los ojos, descubres todo aquello que te han aportado, incluso intuyes que alguno te ha acompañado... ya sabes quienes son los Valnerols."
 Podéis conseguir el disco a través de nuestro mail: vegetaljam@gmail.com



 Vegetal Jam-Valnerols



The new album Elwan by Tinariwen could well have been called Exile on Main Street. Others have already thought of that, but the idea is apt. As is the painful paradox, if you consider that while Tinariwen were criss-crossing the globe on their recent triumphant tours, the frontiers that encircle their desert home were closing and forcing them into exile to record their new album Elwan.

In recent years, Tinariwen's homeland, a Saharan mountain range between north-eastern Mali and southern Algeria, has been transformed into a conflict zone. While the songs on the new record evoke those cherished deserts of home, they were recorded a long way away in two distinctive bursts.

In 2014 the band stopped at Rancho de la Luna studios in the desert of California’s Joshua Tree National Park. While location proved particularly propitious in terms of creativity, the human climate was just as favorable, as musicians dropped by to add their own touch. Guitarist Matt Sweeny (Johnny Cash, Bonnie Prince Billy and Cat Power), Kurt Vile, musician Alan Johannes, who produced Queens of the Stone Age, a band with whom Mark Lanegan, the other guest has been a singer. All of it honed by engineer Andrew Schepps, who has worked with the Red Hot Chilli Peppers, Johny Cash, and Jay Z. Two years later in M’Hamid El Ghizlane, an oasis in southern Morocco, near the Algerian frontier, the band set up their tents to record, accompanied by the local musical youth and a Ganga outfit (a group of Berber ‘gnawa’ trance musicians).

The resulting album is called Elwan (‘The Elephants’), not Exile On Main Street, though it fits nicely into that ‘road record’ category. In American cinema, a road movie always unfolds the same way. Characters travel in search of some truth or revelation. But they always end up reconnecting with their own past. Of course, it’s an impossible return, because that past has been erased. It’s the same for this record, so musically powerful and yet poignant: every song evokes a land that can no longer be found, with all that this implies in terms of emotional range, from nostalgia for a joyous past to the tragic recent loss of a territory, and of the dream that it nourished.

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1. Tiwàyyen
2. Sastanàqqàm
3. Nizzagh Ijbal
4. Hayati
5. Ittus
6. Ténéré Tàqqàl
7. Imidiwàn n-àkall-in
8. Talyat
9. Assàwt
10. Arhegh ad annàgh
11. Nànnuflày
12. Intro Flute Fog Edaghan
13. Fog Edaghàn








Abou Diarra es un músico Malíen de la región de Sikasso que ahora vive en París. Su instrumento principal es el kamale ngoni o arpa joven, una versión secularizada del donso ngoni (arpa de cazador) que tiene usos principalmente ceremoniales es algo así como un cruce entre el pequeño ngoni y la kora. Diarra era discipulo del último Vieux Kante, ampliamente reconocido como el gran innovador del instrumento. Este es su cuarto álbum; Su concepto es unir las tradiciones Mandé con el blues americano. Está trabajando con el director musical Nicolas Repac, el hombre detrás de los maravillosos álbumes de Mamani Keita, conocidos como Mali-meets-electro, y el resultado es otro éxito. La unidad de trabajo de Diarra, la Banda de Donko, es aumentada por una serie de invitados: Repac está en la guitarra y muestras en todas partes, Toumani Diabate se sienta en kora, el arpista de blues Vincent Bucher sobresale en varios números. La pista 2 es la más directamente basada en blues, pero también cuenta con Simon Winse en la flauta exagerada de Fula y una voz principal de la madre de Abou, Koya. 4 saca una página del cancionero Amadou & Mariam, 9 es un atasco atmosférico bluesy 10 recuerda a las colaboraciones de Repac-Keita. Este es Afropop de primera categoría.



1 Né Nana 05:09
2 Koya Blues 03:04
3 Djarabi (feat. Toumani Diabaté) 04:07
4 Tunga 03:35
5 Djalaba 03:19
6 Mogo Djigui 03:51
7 Sougou Mandi 03:52
8 Kamalen Kolon 04:40
9 AbouNicolas 04:08
10 Ma chérie 03:47
11 Labanko (feat. Toumani Diabaté) 04:40




Las canciones de edad media - melodías suaves, vocales espléndidos - un repertorio compuesto de Cantigas de St. Maria, Carmina burana, Libre Vermell, canciones antiguas sefardíes, occitanas, nórdicas y centroeuropeas acompañadas con instrumentos musicales históricos.
http://www.braagas.com/es/banda.html




The fourth studio-album by BraAgas. The title alone (Fuerte means strong in Spanish) shows that there were some changes compared to previous recordings, the album contains more dynamic, almost dance songs. Of course, it is still the typical production of BraAgas, selection of folk songs from Iberia or the Balkans, countries whose songs BraAgas love to arrange. Fuerte has no aspiration to be compared to previous successful album Tapas, more likely the album loosely picks up where Tapas left off, mostly in the more dynamic moments of the band.


Kateřina Göttlichová - voz, cistra, gitarra, gaita
Karla Braunová - voz, flutas, chalumeau, bastardillas, clarinet
Michala Hrbková - voz, fidula, cistra
Michaela Krbcová - percusiones, voz

01 Chin Glin Din
02 Jana i Turcin
03 Gledaj mi Libe
04 Caje Šukarije
05 La Serena
06 Lewone
07 Fraile Cornudo
08 Yo me Levantí
09 Nazad (Diginla Viper Version)
10 Tua Nai e Meiga (Diginla Dark Version)
11 Radule
12 Caje Šukarije (Balco Chromium Version)



Marc-André Hamelin's Hyperion disc in a state of jazz is not an example of a classical pianist letting his hair down, nor attempting to fuse jazz with classical music, or to create something a tad more commercial than, say, an album of Tausig transcriptions. This collection features works by four classical pianist/composers -- Friedrich Gulda, Nikolai Kapustin, Alexis Weissenberg, and George Antheil -- that fashioned piano music "in a state of jazz," though in fully notated form. The one exception to the rule is Alexis Weissenberg's Six arrangements of songs sung by Charles Trenet, which first appeared on a 45rpm record in the 1950s credited to "Mr. Nobody." This was Weissenberg, who was attempting to protect his career as a classical piano virtuoso through hiding under this made-up name; he did not write down these arrangements, and Hamelin has transcribed them from the record himself. Weissenberg's impulses were correct; had he released his jazz music under his own name it very well could have wrecked his career; Viennese composer Friedrich Gulda made major strides toward breaking down such barriers, and his work is represented through three exercises from his pedagogical collection Play Piano Play (1971) and a Prelude and Fugue (1965).

'Played with such astounding agility and aplomb that you end up mesmerised by virtually every bar. Indeed, it is no exaggeration to say that no other pianist could approach Hamelin in such music. Notes pour and cascade like diamonds from his fingers and he has an inborn flair for the music's wild, free-wheeling melodies and rhythms, for its glittering whimsy and caprice … superbly presented and recorded, this is a special addition to Hamelin's towering and unique discography' (Gramophone)

'Although this fine recording is entitled 'In a state of jazz' it includes no true jazz—every note is written down—but for all that it bursts with the daring vitality that is the hallmark of the best improvised music' (The Observer)

'The Canadian pianist Marc-André Hamelin possesses one of those musical brains that spark with maddening brilliance in whatever direction takes his fancy … it's hard to believe Hamelin didn't grow up within earshot of some dubious jazz haunt in New Orleans or Harlem … as Hamelin explains in his enjoyably lucid booklet notes, Gulda's astonishing pianistic pedigree deserves to be seen in a far wider context … Hamelin's evocations of these are wonderfully whimsical yet as crisp as celery. The syncopations 'sit' so comfortably under his fingers—exactly the right balance between ambition and restraint, warmth and edge—a pretty rare commodity in the performance of classical repertoire, let alone jazz-inspired music … this is a lovely, lovely disc; I highly recommend it' (International Record Review)

'Hamelin plays with such dexterous panache that he puts back much of the heat that the formalisation of jazz as 'composition' removes … dazzling and enchanting' (Classic FM Magazine)

'Nikolai Kapustin's remarkable Sonata No 2 is a convincing integration of classical form with jazz. Alexis Weissenberg's Sonate en état de Jazz, which evokes tango, Charleston, blues and samba in its four movements, is more idiosyncratic but no less dazzling' (The Scotsman)

'What an imaginative program Marc-André Hamelin has assembled: jazz-inspired works that are virtuosic like nobody's business and totally fun to listen to … technically, of course, Hamelin is beyond reproach … he's a serious contender for the first word in piano playing' (Classics Today)







1. Exercise No. 1 from Play Piano Play (Freiderich Gulda)
2. Allegro molto (Sonata No. 2, Op. 54 - Nikolai Kapustin)
3. Scherzo: Allegro assai
4. Largo - Allegro
5. Allegro vivace
6. Exercise No. 4 from Play Piano Play -Allegro ma non troppo (Gulda)
7. Evocation d'un tango (Sonata in a state of jazz- Alexis Weissenberg)
8. Remininscence d'un charleston
9. Reflets d'un blues
10. Provocation de samba
11. Exercise No 5 from Play Piano Play- Moderato poco mosso (Gulda)
12. Prelude and Fugue (Gulda)
13. Coin de rue (6 arrangements of songs sung by Charles Trenet - Alexxis Weissenberg)
14. Vous oubliez votre cheval (Trenet and Brachlianoff)
15. En Avril a Paris (Trenet and Eiger)
16. Boum ! (Trenet)
17. Vous qui passez sans me voir (Hess & Misraki)
18. Menilmontant (Trenet)
19. Jazz Sonata - (George Antheil)



Awa Poulo es una cantante procedente de Mali, más concretamente de los Peulh, el pueblo nómada más grande del mundo.
Awesome Tapes From Africa presenta ahora la nueva grabación de Poulo, con grandes dosis de folk-pop y con una visión contemporánea de la música de los Peulh. No es muy común encontrar a una cantante femenina que actúe en directo entre los Peulh, pero casualmente la otra mujer del marido de la madre de Poulo es Inna Baba Coulibaly, también una reconocida cantante en Mali.
http://www.mondosonoro.com/noticias-actualidad-musical/awa-poulo-sacara-un-nuevo-disco-en-enero/
Awa Poulo is a singer of Peulh origin from Dilly commune, Mali, near the border with Mauritania. Largely pastoral and often nomadic, Peulh- (or Fula-)speaking peoples are found from Senegal to Ethiopia but predominate in the Sahel region of West Africa. Awesome Tapes From Africa is proud to release Poulo’s newest recording of highly virtuosic folk-pop, fresh from the studio, broadcasting her vision of Peulh music beyond the grazing grounds and central markets of her remote home region in southwestern Mali.

It’s not very common to find a female singer performing publicly among the Peulh. But Poulo’s mother’s co-wife is Inna Baba Coulibaly, who is a celebrated singer most Malian music fans know. Coulibaly herself was brought into music by forces outside her control when a regional music contest required an entry from her village and she was chosen to be a singer. So, set in motion by a surprising series of events, young Poulo’s entree into the music world was auspicious as she gained popularity across the region. After several locally released tapes and CDs, this record is Poulo’s first internationally-distributed record.

On Poulo Warali, she and her band combine the hallmarks of Peulh music—warm flute floating over cross-rhythmic n’goni (lute) riffs and resonant calabash gourd hand percussion—with broader Malian sounds like lightly-distorted guitar and a heavier, rollicking inertia. Shape-shifting layers of rhythm and woody overtones match Poulo’s commanding voice in a jocular yet deliberate dance.

This is a relatively rare example of Malian Peulh music played in a modern, cosmopolitan context, reflecting the mixed society of Dilly, where Bambara, Soninke and Peulh-speaking people live among each other.
Poulo’s conscious lyrics about community concerns speak to the distinctive identity of her broadly-flung people. While Peulh represents less than 10% of Mali’s melting pot of languages, the dynamic music here powerfully resonates well beyond the linguistic borders.

credits


Awa Poulo — Voice
Kande Sissoko — N’goni
Cheickne Diabate — Guitar, Bass Guitar
Souley Guindo —Flute
Sana Diarra — Calabash

Produced by Paul Chandler & Studio Mali Recordings
Recorded by Konan Kouassi at Studio Mali Records in Bamako, Mali
Edited by Philip Sanmiguel
Photography by Oumou Diarra

Awa Thanks:
Inna Baba Coulibaly — My mother, my mentor and inspiration
Mamadou Djadje Bah — My helpful friend
Abdoulah Aziz Diallo — President of the Association of Peulh in Mali
Abba Coulibaly — My brother, who helped in the recording studio
 https://awapoulo.bandcamp.com/album/poulo-warali





1. Dimo Yaou Tata 04:34
2. Djulau 04:13
3. Djara Wilam 04:31
4. Mido Yirima 03:32
5. Noumou Foli 04:24
6. Poulo Hoto Ngari 03:39
7. Poulo Warali 04:47
8. Sidy Modibo 04:31





Emmanuel "Rico" Rodriguez MBE (17 October 1934–4 September 2015), also known as simply Rico , Reco or El Reco , was a Cuban-born Jamaican ska and reggae trombonist . He recorded with many producers, including Karl Pitterson , Prince Buster , and Lloyd "Matador" Daley . He was known as one of the first and most distinguished ska artists, and from the early 1960s performed and recorded in Britain, with the Specials , Jools Holland , Paul Young , and others.

Man from Wareika was the first album recording for Rico Rodriguez led by his own artistic imagination, and his first recording created for album release. It is notable for being the only roots reggae album to be released on Blue Note Records .

After recording one track ("Africa") in London with engineer Dick Cuthell as a kind of a demo for label owner Chris Blackwell - its arrangement is completely different in comparison to the rest of the album and contains flute and chorus - Rodriguez was offered a contract to record this album; and he could arrange to record in Jamaica .

After 15 years Rodriguez returned for the first time to Jamaica. He had left the country in 1961 when he was already heavily involved in creating the then new ska sound. In 1976 he added something new to reggae music. A critic wrote in 1977 that the album "does not just reflect the current popular trends, but ... expresses in a definitive way the Jamaican music tradition."

The nine self-composed tracks on the album offer Jamaican rhythms with horn lines between a melodic use (eg on "This Day", "Lumumba") and jazz; the latter helped to define something like a new genre, Jamaican jazz, transforming the experience from early ska days into 1970s roots reggae. Most of the songs remain in Rodriguez's live repertoire until today. Some have been re-recorded by other artists as well as by himself. https://en.wikipedia.org/wiki/Man_from_Wareika





1 This Day 
2 Ramble 
3 Lumumba 
4 Africa 
5 Man From Wareika 
6 Rasta 
7 Over The Mountain 
8 Gunga Din 
9 Dial Africa



En algún momento del año 1992, Krystian descubrió su pasión por la música electrónica, después de haber tomado clases de piano durante más de 10 años. Inspirado por el viejo Vangelis y Jean Michel Jarre se encontró escuchando lo que se conocia en aquel momento como la música techno. Rápidamente decidió que él también quería hacer algo así. Sin saber cómo producir este tipo de música, y sin tener idea de qué tipo de aparato genera estos ritmos sintéticos, pasaron varios años antes de que Krystian casualmente hizo un descubrimiento que le llevó en la dirección correcta. Un amigo le dejo un ordenador Amiga 500 con una grabadora multi-pista, que era capaz de grabar las muestras. Desafortunadamente, los límites de los programas no tardaron en llegar, y él no sabía cómo continuar. Más tarde, aproximadamente a finales de 1994, finalmente averiguó cómo producir música de una manera mas profesional. Después de experimentar y probar durante un tiempo, Krystian hizo sus primeras grabaciones, sin ofrecerlas a nadie, sin embargo, no estaba contento con el resultado por el momento. A finales de 1997, el tiempo finalmente habia llegado Grabó tres pistas de las que era cierto, que eran excelentemente adecuadas para bailar.
Hoy Krystian es bien conocido por el lanzamiento de su Trip-Hop/Electronica en el sello FAX Label propiedad de Pete Namlook.


01. Slightly Breeze
02. Watching The Waves
03. De Minerale
04. Acapulco Nude
05. The Easy Way Of Life
06. Cocktail Hour
07. Unknown Situation
08. Fly Over The Ocean
09. Meeting Friends On A Walk
10. Blue Marine
11. Love Guitar
12. Coming Back Soon
13. Reality


Ibrahima Cissokho ofrece con su kora un auténtico groove de rock afro. Con un pie en la tradición de su condición de Griot, el otro en la música contemporánea con melodías amplificadas de rock y funk como referencias, creado por su forma de tocar la kora, música mandinga del siglo XXI.


Vive en Francia desde 2008, Ibrahima, en la voz y kora, es un artista completo. cantautor carismático, que no dudó en aprovechar las oportunidades que lo hacen un músico único. Se rodeó con su fiel banda de acompañamiento, Le Mandingue Foly, con quien realizó una gira europea y escenas de todo el mundo, creando asi un sabroso cóctel de influencias, su voz potente y cálida, cantó la solidaridad, el amor, el despertar de los espíritus. Él desea transmitir los valores que son queridos para él y engendrar la unidad a través de sus creaciones.



Ibrahima Cissokho: Voz, Kora
Françoise Veilhan: bajo, percusión, voces
Laurent Baradel: flauta peul
Gregory Boudras: Batería

Invitados:
Khadim Sene: Sabars
Petit Adama Diarra: Djembe, Guitarra acústica
Guillaume Lavergne: teclados
Hadja Kouyaté: Coros
Sory Diabaté: baláfon
Orlando Julius: Saxofón



01. Bayo
02. Solidarité
03. Tiedo (feat. Petit Adama Diarra & Sory Diabate)
04. Serigne Saliou
05. Yanfu (feat. Petit Adama Diarra & Hadja Kouyate)
06. Diula
07. Kanou (feat. Sory Diabate)
08. Manduleen
09. Dinala Setsi
10. Sénégal (feat. Orlando Julius)
11. Mouridoulaye
12. Mandingue Foly (feat. Petit Adama Diarra)



Cradle Of Humanity features Mulatu Astatke, the Father Of Ethiojazz, in collaboration with Australian musical collective Black Jesus Experience. Cradle Of Humanity is the funkified product of seven years of performances together around the world, brought to fruition in studios in Melbourne, Australia; Addis Ababa, Ethiopia; Koln, Germany and London, UK.

A meditation on the origins of humanity, rhythm and culture, this album combines the mystic tonalities of Ethiopia’s ancient and unique scales with deep grooves and the freedom principle. Cradle Of Humanity’s suite of songs includes re-interpretations of the Mulatu gems Sabye, Netsanet, and Yekatit, and the Ethio classic Wubit. The inspirations for Mulatu’s original works, love, freedom, revolution and culture, are recast and reinterpreted by Amharic songstress Enushu Taye, lyrical giant Liam ‘Mr Monk’ Monkhouse and genius stream of consciousness freestyler Tibor Bacskai, honed through mentorship and discussion with Mulatu while touring (Australia, Africa, UK, Europe, Oceania, including Glastonbury, Big Chill, WOMAD, Bushfire, United Nations etc….). The album’s new compositions, by one of Australia’s finest jazz composers Peter Harper muse upon the liberation of selflessness on Until, letting go on We Pray and socialist anthem It’s Time.

Cradle Of Humanity features Mulatu’s vibes playing at its most expansive, and his signature approach to African percussion. Australian music legend Bob Sedergreen adds his hard funking magic on keyboards, whipped by the driving horns of Peter Harper on sax and Ian Dixon on flugelhorn. All stirred into a grooving ‘wot’ by Matt Head on kit, Chris Frangou bass and Zac Lister guitar with Nui Moon and Malamine Sonko percussion and special guests toaster Jornick Joelick and masinko virtuoso Asrat. Cradle Of Humanity is the joyous fruit of a seven year journey of love, joy and artistic dedication.

https://blackjesusexperience.bandcamp.com/album/cradle-of-humanity




1. Wubit 06:27 
2. Sabye 04:05 
3. Until 08:49 
4. Yekatit 05:36 
5. We Pray 05:44 
6. Netsanet 08:03 
7. It's Time 07:52




Aurelio, cantautor , guitarrista y percusionista es uno de los artistas más talentosos de Centroamérica. Nacido en Honduras en 1969 , el músico se destaca por su inigualable voz poderosa y melodiosa. Se trata también del principal portavoz de la cultura y de la música Garífuna tanto a nivel nacional como a nivel internacional . Los Garinagu o mejor conocido s como los Garífunas , son el fruto de un mestizaje entre pueblos amerindio s y africano s , cuyo origen proviene de una pequeña isla de las Antillas Menores conocida con el nombre de San Vicente. Según los relatos históricos, tras numerosos conflictos con los colonos europeos por la hegemonía d e l territorio insular, en 1797, el Gobierno Británico optó por deportarlos hacia una de sus ex - colonias: la isla de Roatán , ubicada en las Islas de la Bahía de Honduras. Es así como desde entonces , el pueb lo Garífuna se extiende a lo largo de las costas de Belice, Guatemala, Honduras y Nicaragua, convirtiéndose de este modo en una comunidad transnacional en el istmo centroamericano .

Como Garífuna , Aurelio proviene de Plaplaya, un pequeño pueblo caribeño situado en el noreste de Honduras, en donde creció rodeado por una familia de músicos . S u padre, un trov ador local , tocaba la guitarra e improvisaba canciones de un género musical llamado P aranda, cuya originalidad radica en la mezcla de ritmos tradicionales g arífuna s y sonidos latinos. Desde temprana edad y gracias a la influencia de su abuelo y de sus tíos , el artista se convirtió en un talentoso y brillante percusionista .

De su madre, una cantautora tradicional , heredó el don del canto , permitiéndole a su vez , grabar muchas de las canciones que ella misma compuso . Sin embargo, Además de la influencia musical de su familia, merece la pena mencionar que aun siendo solo un niño, Aurelio comenzó a realizarse como músico asistiendo a las ceremonias rituales celebradas en honor a los ancestros Garífunas . Asistía inclusive a los eventos más sagrados del culto en donde normalmente no se admitía la presencia de menores de edad.

http://www.aureliomusic.net/bio/





  1. Dondo Yalifu
  2. Yange
  3. Laru Beya
  4. Sielpa
  5. Dugu
  6. Sananaru
  7. Landini
  8. Funa Tugudirugu
  9. Narigolu
  10. Lumalali Limaniga
  11. Naguya Nei






Subido por Marhali.

Ghazalaw (2015) celebra la afinidad entre el género lírico ghazal de India y la tradición popular de Gales. El cantante y compositor de Bombay Tauseef Akhtar y la cantautora galesa Gwyneth Glyn entretejen la poesía de amor de sus dos tradiciones culturales junto con el acompañamiento de arpa, tabla, guitarra y armonio. Aparentemente dispares pero con resultados deliciosos.

En Ghazalaw los tonos sonoros de Akhtar se adaptan perfectamente para transmitir "birha", el dolor del amor inalcanzable tan popular en la poesía Ghazal del norte de India. Por su parte, la voz de Glyn aporta, desde las letras del folk galés, el concepto de "hiraeth" (un intenso deseo por una persona o lugar) de la belleza de la vida.

Mientras que los poemas de cada pista trabajan bien temáticamente, es la profundidad de la emoción con la que Akhtar y Glyn recitan que hace que la transición del urdú al galés apenas sea perceptible. El arpa de Georgia Ruth, la adición de un violín (que difumina los estilos galeses e hindúes) y el ritmo crujiente de la tabla proporcionan una experiencia de sonido hipnótico y envolvente. En definitiva, Ghazalaw es un proyecto fascinante y un recordatorio oportuno de que la humanidad es global y que tenemos en común grandes confluencias dignas de celebración.

01. Tum nazar se - Cyfri’r sêr
02. Teri aankhon mein - Seren syw
03. Apni Ruswaayee - Sefyll yn stond
04. Hosh apne - Y botwm du
05. Hud se - Cainc yr aradwr
06. Moliannwn - Ishq karo
07. Khoobsorat koi sazaa - Cosb mor dlos
08. Lusa lân
09. Guzur jaayenge jab din – Hiraeth
10. Jugnu ke sitara tha - Hen ferchetan


Subido por Marhali.

Khiyo es una banda, establecida en Londres, que interpreta el patrimonio musical bengalí, formada en 2007 como una colaboración entre la cantante británica-bangladeshí Sohini Alam y el multiinstrumentista y compositor Oliver Weeks (a quienes se unió el bajo y las guitarras de Ben Heartland) para explorar nuevas formas de presentar la música tradicional bengalí, pero preservando su esencia.

Las canciones de este disco debut (2015) representan una mezcla ecléctica de clásicos bengalíes de Bangladesh e India, basándose en lo popular, películas, canciones protesta conmemorativas de la independencia bangladeshí y otros géneros tradicionales como las Rabindra Sangeet (canciones de Rabindranath Tagore) y las Nazrul Sangeet (canciones de poeta nacional bengalí Kazi Nazrul Islam). La potente y expresiva voz de Sohini Salam se acompaña a la perfección con arreglos dinámicos y originales que se alimentan de los sonidos del sur de Asia y de la tradición clásica, del rock y del jazz. El resultado es un sutil equilibrio entre las culturas y tradiciones de Oriente y Occidente.

01. Akashta Kanpchhilo Kyan?
02. Doyal Tomaro Lagiya
03. Rum Jhum Rumu Jhumu
04. Nishi Raat
05. Amar Protibaader Bhasha
06. Murshidi (Kachhe Nao Na, Dekha Dao Na)
07. Koi Jao Rey
08. O Ke Udashi Benu Bajayey
09. Purbo Digontey
10. Hai Rey Amar Mon Matano Desh
11. Amaro Deshero Matiro Gondhe
12. Ek Shagori Rokter Binimoyey
13. Kotobaaro Bhebechhinu
14. Bareer Kachhe Arshinogor




Gutter Creek was founded by multiinstrumentalist Robo Spitters beginning 2014. After a long journey experimenting with different musical styles Robo came back to his roots and started writing new songs and Gutter Creek was born … Along came longtime musical partners Mario Sprong on Banjo,,guitars and dobro ,Marck Heusshen on Guitars…


Robo Spitters
Vocals, Guitar, Fiddle, Mandoline,Dobro, and more
Mario Sprong
Banjo ,classic guitar and dobro
Marck Heusschen
guitars
JJ Malved
Double-bass








01. On the Run
02. Kill You, Kill Me
03. Old Joe
04. I Need It Bad
05. Invisible
06. Gallows Pole
07. Running Blind
08. Nobody's Watching
09. Trouble
10. Running Blind






hello,

my name is Misha Mishajashvili and i am musician from lasnamae, estonia. i do not write very well english, so excuse bad language. this is album named 2017 i have made portraying time and life of soviet timce. i portray music about time of soviet and life in poverty area of city of lasnamae. cd is full found on link here for no payment and for stream and download here:
 http://misha-mishajashvili.bandcamp.com/

http://www.mediafire.com/file/8kbnkwffyrgw2ql


  Misha Mishajashvili provides a batch of intriguing, oddly designed compositions which are immersed with very surprising aspects and crossways. More concretely, it chimes like a chronicle of the industralization of the USSR and the creation of a new human race. Moreover, it can be viewed as a sonic evidence of the socialist realism where the dominating industrial-tinged axis is embellished with ethnic music motives (a loads of tabla rhythms below the sound layers), church choirs, jazzy samples and spoken word snippets which in turn used to depict relentless propaganda of the Red Plague. MM used to masterfully treat and distort these hiss-soaked elements, however, therefore amplifying and widening certain bits and spots from within the tremendous whole giving it an anxious milieu and distinct touch. Powerful!





1. Далеко от Бабеля 02:52 
2. Небо никогда не катит 03:20 
3. колоти́ть 05:16 
4. у ворот Сиона 04:25 
5. сладкий предвестником смерти 04:35 
6. Заполнение пробелов 02:28 
7. прощение 01:35 
8. Он разбил мое сердце 03:30 
9. Усталый и измученный 04:12 
10. Я любил тебя, как никто другой, Ханна 07:24


Yoshida Brothers o también conocidos en Japón como Yoshida Kyōdai 吉田兄弟 (よしだ きょうだい), son un dúo compuesto por los hermanos Ryōichirō Yoshida y Ken’ichi Yoshida que tocan tsugaru shamisen, un antiguo instrumento japonés de tres cuerdas. Esta descripción puede llevar a pensar que se trata de otro grupo de música folclórica de su país, pero lo cierto es que los Yoshida Brothers han sabido mezclar las melodías y sonidos tradicionales de Japón con ritmos e instrumentos contemporáneos,lo que genera una mezcla musical única, muy dinámica, sensible y profundamente refinada.
El remix de su canción "Kodo" se hizo mundialmente conocida por haber sido utilizada en los comerciales de la Nintendo Wii.

https://es.wikipedia.org/wiki/Yoshida_Brothers






01-Prelude: Hishou [ 2:38 ]
02-Ibuki (Hishou Version) [ 6:29 ]
03-Kodo (Hishou Version) [ 3:20 ]
04-Ringo Bushi [ 2:37 ]
05-Ajigasawa Jinku [ 3:07 ]
06-Yasaburou Bushi [ 3:54 ]
07-Panorama [ 3:07 ]
08-Tsugaru Yosare Bushi (Hishou Version) [ 6:24 ]
09-Time of Sand [ 4:36 ]
10-Tsugaru Aiya Bushi (Hishou Version) [ 5:43 ]
11-Modern (Hishou Version) [ 2:26 ]
12-Dual [ 4:28 ]
13-Tsugaru Jongara Bushi (Hishou Version) [14:41 ]
14-Postlude: Hishou [ 0:46 ]



Dances and Canons is the debut ECM recording of both composer Kate Moore and pianist Saskia Lankhoorn. Moore was born in England in 1979 and lives now in the Netherlands (where she studied with Louis Andriessen). However, it is Australia, where she grew up, which has left the strongest impression on her creative imagination, its teeming natural soundscapes transmuted in her music of hypnotically-swarming pulse patterns and shifting, layered planes of sound. In Dutch pianist Lankhoorn (also born 1979), Moore has a dedicated and resourceful interpreter. “It’s impossible to listen to this music,” writes George Miller in the liner note, “and not wonder about the enormous technical demands it makes of the performer.” Moore and Lankhoorn have collaborated regularly since 2003. As well as compositions for solo piano, the programme includes pieces for two pianos, four pianos and multiple pianos, realized in the Auditorio svizzera, Lugano, with Manfred Eicher as producer.





1 Spin Bird 03:24 
2 Stories For Ocean Shells 09:06 
3 The Body Is An Ear 11:01 
4 Canon 15:39 
5 Zomer 04:01 
6 Joy 12:03 
7 Sensitive Spot 09:08 
8 Spin Bird 03:38






Favoring traditional Chinese music over the type of slick, western-influenced Asian pop that is big in China, Korea and other Asian countries, Yu Hong-Mei is among the Chinese instrumentalists who plays the erhu--one of China's top string instruments for centuries. Born in China's Shangdong Province in 1971, Hong-Mei was only eight when she began studying the erhu under Su An-guo. In 1984, a 12-year-old Hong-Mei entered China's High School of the Central Music Academy and continued to study the erhu under Zhang Shao, who was considered a master of the instrument. In 1990, she entered the Central Music Academy on the college level and majored in traditional Chinese music before graduating with honors in 1994. As an undergraduate, Hong-Mei recorded her first album, The Blooming Red Plum, in 1992. Hong-Mei's first visit to the U.S. came in 1999, when she visited Santa Barbara, CA and recorded String Glamour for the Wind label.






1 Dancing Music Of Amis Tribe
2 Singing Tune
3 Mellow Grape-Fullness
4 Mei-Hu Tune
5 The Shepherdess
6 Going To The Fair
7 Spring Song
8 Three Sighs At The Guan Pass
9 Tending My Camels



Raúl di Blasio (n. 14 de noviembre de 1949) es un pianista argentino, originario de la localidad de Zapala, provincia de Neuquén, Argentina.
Siendo un chico de ocho años se mostró de repente interesado en tocar piano, al grado de cuando sus padres le preguntaron si él quería estudiar música, él no dudó en responder afirmativamente.

Durante un lapso de cuatro años empezó a practicar en los pianos de sus maestros, reconociendo lo difícil que era conseguir un piano decente. Mientras experimentaba y tocaba con los diferentes sonidos en el piano, Raúl silbaba con su padre, lo que le estimulaba a tocar nuevas melodías en el piano.

Ese fue el comienzo del famoso pianista Raúl di Blasio, que aunque él afirma que ha sido formado con la técnica clásica, le gusta de igual manera tocar música popular. Di Blasio admite que a la edad de diecisiete formó parte del movimiento de rock que surgía del fenómeno de Los Beatles, pero sus padres le instaron a ir a la Universidad y hacer una verdadera carrera en su vida.

Pero su siguiente escalón fue salir de su pueblo natal y trasladarse a Buenos Aires, donde a la edad de veinte empezó a practicar el piano por doce horas diarias, a lo que él comenta “Sentía las alas en mis dedos”.

Él se considera a sí mismo una persona que constantemente necesita de cambios en su vida. A la edad de 27, sabiendo que algo pasaba con su personalidad ahora con más energía e hiperactividad, decidió mudarse a Chile, en donde decidió tocar piano con música clásica, tradicional y rock. Para aquel entonces ya componía sus propias melodías y trabajaba como pianista en un bar y aunque confesara que lo hacía para sobrevivir, estaba feliz con lo que hacía. En Viña del Mar llegó a tocar para artistas como Rocío Dúrcal o Julio Iglesias.

Dos años después alguien le sugirió producir un disco, el cual él logró realizar con sus propios recursos. Sin embargo, esta primera producción no tuvo el éxito esperado, a pesar de haber contenido temas de grandes artistas como Roberto Carlos, José Luis Perales, entre otros. Afortunadamente para Di Blasio, un productor de la casa discográfica BCS-S en Chile le sugirió un segundo álbum, en el cual, aparte de música tradicional y clásica, se incluyó música latinoamericana, como la gran melodía Piano de Bebu Silvetti, de quien se declara gran admirador y una de las personas más influyentes en su vida.

En 1984, Raúl di Blasio tomó la decisión de hacer del piano su compañero de vida. Un año más tarde, grabaría la versión instrumental del Himno de la VI Teletón, que interpreta Fernando Ubiergo.

Conocido como "El piano de América" desde 1988, apelativo surgido tras la entrevista realizada por la periodista Mayra Vargas para Prensa Libre de Guatemala de acuerdo a declaraciones del artista a dicho diario y que él usaría como título para un disco dos años después.

En 1997 participa en el tema "después de ti... qué?", a dúo con el famoso cantante mexicano Cristian Castro, unos años después se filmó el videoclip, en que se apreciaba a Raúl tocando el piano.

Ha tocado a lado de artistas como Rocío Dúrcal, José José, Julio Iglesias, Juan Gabriel, Marco Antonio Solís, Armando Manzanero, Carlos Cuevas, Richard Clayderman, Luis Jara entre otros. En 2001, El Consorcio le acompañó en cinco temas del material titulado Di Blasio–Gardel
https://es.wikipedia.org/wiki/Ra%C3%BAl_di_Blasio



1. Volviendo a casa (4:30)
2. Piano Caribe (4:50)
3. Melissa (4:33)
4. El retrato de Silvia (6:38)
5. Gitano (3:46)
6. Corazón de niño (3:42)
7. Rosalinda (5:44)
8. Maria (3:52)
9. Medley: En tiempo de amor (10:11)



Se iniciaron en 2007 con un nombre tan poco manuable como el de “Luis Advis, Cantata Rock Santa María de Iquique, cien años después, con Chancho en Piedra, Ismael Oddó y Caíto Venegas de Quilapayún, Camilo Salinas y Fernando Julio de Inti-Illimani Histórico“. Pero dos años más tarde la identidad quedó más clara: el Colectivo Cantata Rock es el conjunto formado por músicos de esos tres grupos para recrear en una versión rockera el histórico disco Cantata Santa María de Iquique (1970), original de Luis Advis e interpretado por los propios Quilapayún.

En dos etapas se desarrolló el plan. El grupo hizo el estreno de la obra el 12 de diciembre de 2007 con un concierto al aire libre en la Plaza Bulnes de la capital, con motivo del centenario de la masacre obrera nortina que motivó el LP original. Y luego registró en un disco el trabajo, titulado De Luis Advis, Cantata Rock Santa María de Iquique (2009), en el que dejó prensada su nueva aproximación a la obra de Advis.

Bajo la dirección del músico Ismael Oddó, hijo de uno de los fundadores de Quilapayún, Willy Oddó, el colectivo propone nuevas interpretaciones para estas partituras, a base de guitarras eléctricas, teclados electrónicos, bajo y batería, y con arreglos vocales entre los que se distinguen los reconocibles timbres de Lalo Ibeas y los hermanos Pablo y Felipe Ilabaca, de Chancho en Piedra, junto a los relatos del actor Patricio Pimienta.

Ismael Oddó, voz, guitarras, coros y dirección
Camilo Salinas, voz, piano, teclados y coros
Pablo Ilabaca, voz, guitarra, theremin y coros
Ricardo Caíto Venegas, voz, guitarra, teclado y coros
Eduardo Lalo Ibeas, voz, teclado y coros
Felipe Ilabaca, voz, bajo, theremin y coros
Leonardo Toño Corvalán, voz, batería, percusión y coros
Fernando Julio, contrabajo y coros
Patricio Pimienta, relato




01. Pregón I
02. Preludio instrumental
03. Relato I
04. Canción I e interludio instrumental ------El Sol en Desierto Grande
05. Relato II
06. Canción II e interludio instrumental ------Vamos Mujer
07. Relato III
08. Interludio Cantado Se han unido
09. Relato IV
10. Canción III e interludio instrumental ------Soy Obrero
11. Relato V
12. Canción Letanía
13. Canción IV ------A los Hombres de la Pampa
14. Pregón II
15. Canción Final



Touré Kunda is a Senegalese band noted for their musical versatility and political activism. Their 36-year career encompasses recordings in over six languages and collaborations with well-known musicians such as Carlos Santana and Talking Heads. They have had considerable success in Africa and Europe and are active in social causes such as Children's rights and advocates for the homeless.

Born twenty-two days apart in 1950 in Ziguinchor in Casamance, Senegal, Ismaïla and Sixu Tidiane Touré were introduced to music by their elder brother Amadou, a singer and musician. They moved to Paris to complete their musical education. They worked their way up in the Parisian scene. The group sings in Soninké, Wolof, Fula, Mandingo, Diola, and Portuguese creole, reflecting the multilingual mixture of the people of Casamance. Their first album, Ismaïla do Sixu, was released in 1979. It was followed by E'Mma Africa in 1980 and Touré Kunda in 1982. In 1985, following the death of their brother and mentor Amadou, Ismael and Sixu Tidiane toured throughout Africa. Upon returning to France, they found considerable success and critical acclaim among the French music press. In 1992, they were invited to play for Nelson Mandela at the Courtyard of Human Rights. In 1999 their album Légendes, a retrospective of their 20-year career, was released. Shortly thereafter, they participated in Carlos Santana's album Supernaturel and toured with him. A greatest hits album, Best Of, was released in 2006. Their most recent album, Santhiaba, came out in 2008. Ismaïla and Sixu Tidiane Touré are members of the sponsoring committee of the United Nations' Decade for the Promotion of a Culture of Peace and Non-Violence for the Children of the World.

https://en.wikipedia.org/wiki/Tour%C3%A9_Kunda




01. Cindy [00:04:51]
02. Mininna [00:03:18]
03. Maria Bonitou [00:05:30]
04. Is Do Si [00:04:22]
05. Emitay [00:04:22]
06. Saporta [00:03:15]
07. Djiremait [00:02:56]
08. Coladera [00:03:40]
09. Roupouli [00:04:23]
10. Fondinke [00:02:40]
11. Mame Malick Sy [00:03:23]
12. Soninko [00:04:50]
13. Ikodi [00:04:35]
14. Djiloly [00:04:12]




From Saint-Petersburg, Russia: the band constists of professional musicians including: - Boris Roubekin (Aquarium band) studies Irish whistle from world’s famous flutist Brian Finnegan. - Dmitry Olegovich (piano accordeon) is also a leader of the Orquestra Primavera tango band - Andrew Bajramov (bodhran) is the winner of the World Bodhran Championships’2010 Milltown, Co.Kerry, Ireland - Evgeny Vikki plays octave mandolin and DADGAD guitar.

Guest Musicians:
Brian Finnegan (Flute 03, 05)
Alexandra Kurkova (singing 02, 08)
Asya Sergeeva (Harp 08)
Darja Saunina (Harp 02








01 - The Tough Maids of Bryansk (Leslie's - Shake a Leg reels).mp3
02 - The Frost Is All Over (song) - feat A. Kurkova and D. Saunina.mp3
03 - Silver Spear - Humours Of Tullah - Shake A Leg (reels) - feat B. Finnegan.mp3
04 - North Star - Michael Russell's - Club Ceili (jigs).mp3
05 - Slip reels (Garech's Wedding - Cavan Potholes) - feat B. Finnegan.mp3
06 - Ronan's March - Vikki's favorite.mp3
07 - Road To Recovery - Trip To Herves - Fisherman's Lilt (reels).mp3
08 - The Blacksmith (song) - feat A. Kurkova.mp3
09 - Trip to Skype (Greg Dolan and Inmates feat B. Roubekin).mp3







Petros Gaitanos (Greek: Πέτρος Γαϊτάνος born on October 31, 1967) is a Greek singer. He was born in Drama, Greece, and raised in the village of Kokkinogeia, where he remained until the age of 18 years. He studied at the Athens Hellenic Odeum and has a degree of Byzantine music. He is deeply influenced by Byzantine music and has produced a series of records with Byzantine works and hymns. During his artistic career he served as artistic director of the Foundation "Karitteion Melathron".https://en.wikipedia.org/wiki/Petros_Gaitanos




1. Eklomenos pros to pa8os (5:22)
2. Eis to pretorion (3:20)
3. Ide o vasileus ymon (6:37)
4. Aima kai ydor (4:29)
5. Ina h grafh plhrw8h (4:10)
6. Ehkan ton Ihsous (4:48)
7. Shmera mauros ouranos (1:08)
8. To katwloi ths panagias (4:33)
9. Kai ws ete8h to swma autou (3:05)
10. Blepeis ekeino to bouno (3:28)
11. Epi xylou blepousa (4:36)
12. Nenikhka ton kosmon (3:47)




El pasado sigue siendo una fuente inagotable de inspiración para Salif. Grabado entre París y Londres, Folon ofrece una relectura de algunos estándares como Mandjou, con el teclado Cheick Tidiane Seck. A lo largo del álbum, que impone el rigor de su groove, como el batería Mokhtar Samba. En sintonía con los acontecimientos actuales, Salif dedica la canción a presidente Mandela de Sudáfrica.

   

01. Tekere (06:35) 
02. Mandjou (10:38) 
03. Africa (06:01) 
04. Nyanyama (06:19) 
05. Mandela (04:31) 
06. Sumun (06:58) 
07. Seydou (05:48) 
08. Dakan-Fe (05:07) 
09. Folon (04:28)



You would be hard pressed to find an ambient composer/musician out there with a more clearly defined minimalist aesthetic than Baltimore-based M. Ostermeier.  He describes his compositions as often featuring “skeletal piano melodies that are augmented with electronics, acoustic recordings, and occasionally guitar”. True to that aesthetic, his most recent work draws inspiration from simple and elegant structures found in both the seen and unseen world, a propensity which perhaps has its origins in his background as a professor of chemical and biomolecular engineering.

In the case of Still, released on his own Tench label last year, the inspiration was architecture, a musical echo of the clean and spacious designs of the likes of Frank Lloyd Wright or Frank Gehry.  On his latest, about to be released by Home Normal, it is the marvelously lightweight and compact natural engineering of the humble bird.

    …amongst the gorgeous little melodies at play here, there is a careful depth of sound design from a variety of found sounds and field recordings…It is just the kind of album we love around these parts: namely, a work that takes its time to develop as it sees fit, without any need to rush to its restrained conclusion. – Ian Hawgood

Marc Ostermeier ProfileIndeed this collection of 13 songs and sketches has a real integrity of style and purpose throughout effectively creating a miniaturized world for the listener to inhabit, a sonic menagerie of rustling creatures that flit and skitter about. It comes across as a sort of musical origami and is equally enchanting. The piano lines themselves are exquisite, straddling modern classical and jazz motifs in a way that should appeal to fans of either genre while also pleasing the ambient music crowd who will appreciate the sound design, stillness and abstraction that permeates the entire captivating journey.

An added bonus is the appearance of Christoph Berg (aka Field Rotation) on the opening pair of tracks. He adds a pleasantly surprising element of additional beauty in just the right measure for this particular album, but it makes for a tantalizing prospect should the artists consider expanding this partnership in the future.







1. Glide 02:07 
2. Of A Feather 02:08 
3. Rafters 02:30 
4. Watcher 01:51 
5. Duo 03:25
6. Flutter 01:46 
7. Flying South 04:07 
8. Head Cut Off 01:12
9. Nesting 04:04 
10. Caged 01:55 
11. Skitter 03:04 
12. Twin Crested Peaks 02:19 
13. Albatross 03:51








Ash Dargan is an indigenous Australian didgeridoo player. He is a member of the Larrakia people but did not find out about his aboriginality until he was 21. He teaches and performs all over the world. He is a former member of Coloured Stone, appearing on their 1999 album Rhythm of Nature.





1. Ghost Story
2. Yirrakala
3. Dinga (Stone)
4. Bora (Initiation Ceremony)
5. Bullfrog
6. Spirit Song
7. Narkindie (Cave)
8. Arinya
9. Birubi (Southern Cross)
10. Kaoota (Evening Dance)
11. Yamanalee (Digging Song)


Dictamen

Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que, una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tienda habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible.
En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.

La Música


La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso.
La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido.
La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
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