Posiblemente el contrabajista más asombroso en el mundo, Renaud García-Fons es conocido por su virtuosismo apabullante, su sentido melódico mediterráneo y su sonido con arco parecido a una viola. Antiguo estudiante particular del legendario bajista sirio François Rabbath, García-Fons no sólo se encuentra bajo la inflluencia del jazz y la música clásica, sino también del flamenco, del nuevo musette, del tango, de las tradicionales celtas, Andaluzas, africanas, latinoamericanas, árabes e indias. Su arte único condujo a muchas excitantes y acertadas colaboraciones con otros músicos de mente abierta como Rabih Abou-Khalil, Michael Riessler, Dhafer Youssef, Nguyên Lê, Gérard Marais, Pedro Soler, Cheb Mami y Michel Godard.
García-Fons nació en la región parisina en 1962 en una casa artística. Siendo de origen catalán, la afinidad de García-Fons por la cultura española y oriental es comprensible. A principios de los años 80 se matriculó en el Conservatoire de la Ville de Paris, donde estudió con Jean-Pierre Logerrot. A partir de 1987 y hasta 1993 fue parte del único conjunto de bajistas francés L’Orchestre de Contrebasses antes del comienzo de su tour como un solista que condujo a la emancipación plena de su instrumento. “He desarrollado una nueva lengua para él”, dice Garcia-Fons, “parece ser en algún momento, una guitarra española por el tipo de rasgueo, luego sonando como un guembri, el bajo de los beréberes, o de nuevo puede sonar como una viola o un violín persa”.
1. Sueño Vivo
2. Crístobal
3. Entremundo
4. Mahoor
5. 40 Días
6. Entre Continentes
7. Mursiya
8. Rosario
9. Doust
10. Sareban
11. Aqâ Jân
Tambolero es el "nuevo" trabajo de la cantante Totó la Momposina, considerada tesoro cultural de su país. Desde la década de 1970 ha estado cantando y bailando a la música de la costa caribeña de Colombia en los escenarios de todo el mundo.
Su álbum La Candela Viva, que grabó para Real World Records de Peter Gabriel en 1993, fue su disco debut, a nivel internacional, pese a ser una artista con mucha experiencia en los escenarios, un estallido definitivo de la vibrante mezcla de influencias africanas, indígenas y españolas que componen el majestuoso sonido de su tierra a lo largo de la costa del Caribe.
Su última colección, Tambolero, es una recreación de ese álbum seminal.
Revisando las grabaciones originarias, el productor John Hollis descubrió más de 20 canciones que no habían sido utilizadas. Para esta nueva producción se restauraron las cintas originales, se llevaron a formatos digitales y se reeditaron y mezclaron. También se agregaron algunos instrumentos y se reforzaron los coros con la voz de dos nietas de Totó, Mª del Mar y Oriana Melissa Hollis.
Tambolero es otra manifestación artística definitiva de una artista que acaba de entrar en su 75 aniversario llevando sesenta y siete como intérprete.
01. Adiós Fulana
02. El Pescador
03. Chi Chi Mani
04. Curura
05. Gallinacito
06. La Sombra Negra
07. Dame la mano Juancho
08. La Candela Viva
09. Dos de Febrero
10. Malanga
11. La Acabación
12. Tambolero
Ayub Ogada es uno de los mejores músicos de Kenia, un cantante intimista y exponente de la lira nyatiti que ha disfrutado de una carrera extraordinaria. En la década de 1980 ejercía como músico callejero en el metro de Londres. Posteriormente, captó la atención del Real World de Peter Gabriel, grabó el álbum (considerado un clásico) En Mana Kuoyo en 1993 y ejerció de telonero de la gira para Europa de Gabriel.
Ahora reside de nuevo en Kenia, donde grabó este nuevo álbum Kodhi (2015) con el productor y guitarrista Trevor Warren que, en 2012, se trasladó con un equipo móvil para realizar la grabación. Ogada le gusta interpretar al aire libre, y viene acompañado por un pequeño grupo que añaden guitarras, bajo y percusión (Dudley Phillips y Hossam Ramzy), junto con los sonidos ambientales que se recogen en las grabaciones. Un conjunto que resulta de un relax exquisito con secciones que suenan como un alegre ensayo o a jam session, donde destaca su voz suavemente hipnótica junto con los riffs solos de su querida lira. Un trabajo esperado que posee la misma simplicidad transparente que hizo de su disco anterior un elemento básico de las compilaciones de world music desde 1993.
01. Dero
02. I Para Ango Yawa
03. Kodhi
04. Otenga
05. Waritarita
06. Harmonic
07. Conversation
08. Funeral
09. Extreme
10. Traditional
11. A Prayer
Conocida después del éxito conseguido con la formación, L’Ham de Foc, uno de los nombres más aclamados surgidos de la escena española en la primera década del siglo XXI y de haber dado conciertos por todo el mundo desde 1995 incluyendo toda Europa, Noruega, Marruecos o China representando las músicas de raíz tradicional, el repertorio sefardita y proyectos de composición propia.
Dos décadas durante las cuales ha investigado y cantado músicas turcas, griegas, occitanas y músicas antiguas, medievales y sefardíes, que han dejado como resultado casi una veintena de discos propios de excelente factura merecedores de premios y reconocimiento por parte de público y también de medios especializados.
Ha realizado, además, colaboraciones con grupos de la talla de ensemble Speculum, Oni Wytars o ensemble Unicorni. Mención, a parte, merece su trabajo con Capella de Ministrers con los cuales graba ‘Los viajes del Tirant lo Blanch’,’El ciclo de la vida’, ‘La cité des dames’ y ‘su último trabajo en torno a la música judeo-española, grabado en el Palau de la Música en directo
Artaica propone una visión inédita y contemporánea de la Tradición, habiéndola hecho evolucionar de manera sutil, partiendo de la premisa del culto y respeto a la belleza.
Mara Aranda, refleja en este trabajo el equilibrio entre la fuerza del dramatismo de los registros tradicionales y la poética de un estilo más depurado y elegante, cediendo en su discurso vocal un amplio espacio a la parte instrumental, desarrollada y ricamente expuesta por Sergi Rajadell (piano), Agustí Vidal (clarinete y violín) y Xavi Folch, contrabajista y director de la formación.
Tradición y contemporaneidad, se dan la mano para crear un clima de elegancia y armonía que en su periplo crean un sonido único, a la vez de raíz y de modernidad, dotando al trabajo de un homogéneo concepto global, sólido y de máxima calidad .
1 - Picaina 2 - El cos en dos 3 - El mariner 4 - Lustige Asidim 5 - L'hereu Riera 6 - Havanera dels peixets 7 - La Dama d'Aragó 8 - Flors per demà 9 - Nits cosides
"Wolf Totem" is a boundless adventure into music. Starting from its first, title song, it's a fascinating combination of traditional Mongolian music and western-styled electronica, even electric rock ("Distant place"). It reminds a little of a fantastic Finnish band, Kemopetrol, because both bands know no musical boundaries. Any ideas, any instruments, any moods are fine, as long as they serve the album.
There really is no sensible way to describe Haya's music on "Wolf Totem" - it's beyond any genres. Yet, it's strong, melodic, powerful, both very Mongolian, very much world music - and, sometimes, even pop-like in a good way. There are surprises everywhere. Few if any western bands could create music quite like this: a real musical synthesis of East and West.
Although quite different, the sequel "Silent Sky" is also a must for anyone interested in great music out of the ordinary. On that album, fantastic young vocalist Daiqing Tana sings on all tracks whereas on "Wolf Totem" band's men dominate on vocals. Highly recommended!
01. Wolf Totem
02. Lucky Bird
03. Mongolian forefathers
04. Lonely
05. Snow-capped mountain
06. Endless walker
07. Deep in grasslands
08. Young camel
09. Mother
10. Distant place
La música popular de la Península Ibérica ha recibido un impulso revolucionario en las últimas décadas. Auténticos guerrilleros culturales decidieron echarse al monte para reencontrar las fuentes primigenias y, emborrachándose con sus jugos esenciales, empapándose de arriba abajo de formas, usos y costumbres, con paciencia de ratón de biblioteca, trocar todo ese bagaje de siglos en una amalgama valiosa desde la que comenzar a construir algo absolutamente nuevo que, partiendo de la tradición, pudiera conformarse como el folklore hispano del siglo XXI.
Y Carles Dénia es uno más entre ellos. Su apuesta particular consiste en recuperar la música de los Países Valencianos y presentárnosla con otra mirada: fresca, luminosa y excitante. El paradís de les paraules es hasta ahora su último proyecto discográfico y en él, Carles se muestra como un cantaor emocionante que recupera un estilo de cante original y, lo que es más importante, misteriosamente olvidado en el resto de la Península. Porque sólo el maestro Miquel Gil (tras la labor pionera de Al Tall) había sabido transmitirnos esa fuerza atávica, esa mezcla de cante hondo (que no jondo, aunque también…) y sentimiento desnudo del que Carles es su mejor heredero.
Pero la fuerza real de Carles Dénia está escondida en su música, esa atractiva fusión de elementos en la que destaca el jazz, marcadas gotas de flamenco y un incondicional amor por la canción popular (con ese cante d’estil que marca a fuego su personal sello). Una explosiva renovación de formas para recuperar la poesía del Al-Andalus valenciano entre los siglo XI y XIII, objeto de ese paraíso de las palabras reivindicado en su disco. Poetas del Levante hispano, como Marj Al-Khul, Ibn Lubbun, Ibn Yanniq o Ibn Al-Abbar que han sido adaptados por otro poeta de Gandía, Josep Piera, en textos vivos que trascienden el espacio y el tiempo en las canciones de un álbum que es como un tesoro que se hubiera desenterrado del áspero terreno del olvido. Ahí está parte del mérito de Carles Dénia, un gran artista (sin olvidar a su estupendo grupo, La Nova Rimaire) que ha sabido hallar la aguja en el pajar: recuperar lo mejor de una quasi olvidada cultura popular valenciana y darle una visión moderna, hermosa y viva. http://mimundocultura.blogspot.com.es/2014/05/el-paradis-de-les-paraules-carles-denia.html
Carles Dénia – voz, guitarras, palmas Albert Sanz – piano, teclados Efrén López – cuerdas, guitarra eléctrica fretless Tóbal Rentero – cuerdas, charango Mario Mas – guitarra, laúd Aleix Tobias – bateria y percusiones Guillem Aguilar – bajo
01. Tot i que em creia fort i ferm com una roca 2:40 02. Era un jonc emocionat 4:15 03. Quina plaent vesprada al llit 4:58 04. Si de vora meu un dia 3:43 05. 12:10 a.Valencians, quin goig el vostre b. Flor estranya 06. Benvingunda siga l’estança 3:45 07. Deixeu-vos de retraure’m les passions 2:56 08. Mira aquesta panerola de gesmils 2:40 09. Riu que de tan bell 2:42 10. Seguiu-me al desert, amics 3:36 11. Com si fos argent 4:16 12. Per sempre més adéu a la terra estimada 1:35 13. Bonus track: Del desti en tinc prou de saber 3:20
Un viaje al corazón de África, a las raíces ancestrales de Blues. Un regreso a casa como éste, que habla al alma y respira autenticidad. Ismaël Lô, Salif Keita, Omar Pene, Sékouba Bambino, Africando o Boubacar Traoré, las estrellas más grandes del continente africano compartirán una selección de obras impresionantes, muchos inéditos. Una compilación de emociones! Mira, mira, el Blues y el arte de los griots son uno.
‘GOTRASAWALA’ significa ‘reunión global’, y describe el fascinante encuentro entre músicos de Oriente y Occidente. La compositora e intérprete de músicas del mundo Ana Alcaide trabaja junto a destacados músicos de Java Oeste (Indonesia), buscando nuevas ideas y estructuras, fusionando formas occidentales con instrumentos y patrones de la música tradicional sundanesa. http://www.anaalcaide.com/shop/ana-alcaide-tales-of-pangea-gotrasawala-ensemble
Ana Alcaide is a Spanish singer, composer and producer whose varied musical background enables her to produce a fusion of cultures in her music. Her concerts feature rich, international sound worlds and a variety of instruments that transport audiences and open portals to ancient traditions. Tales of Pangea is a cross-cultural collaboration between Ms. Alcaide and traditional Indonesian musicians. The album combines Anas music with Sundanese lyrics and traditional Indonesian instruments.
Neshama Carlebach (born October 9, 1974 in New York) (נשמה קרליבך), daughter of the Jewish singer-songwriter Rabbi Shlomo Carlebach, is a singer, the protégé of her late father.
Neshama Carlebach began training as a singer and actress at the age five and began singing with her father, Shlomo Carlebach, at 15. She began her professional career soon after her father's death in 1994.
Her full name is said to be "Esther Neshama Tehora Shlucha" (a pure soul that descended to this world).
Carlebach performs in a number of venues, including Jewish Community Centers, synagogues, Hillels, clubs, and summer camps worldwide. She also performs alongside The Green Pastures Baptist Church Choir singing Reb Shlomo's Hebrew and English collaborations.
From the moment I was old enough to know I was alive, I knew I wanted to
perform. I trained as a singer and actor from when I was five years
old, and began singing with my father, Rabbi Shlomo Carlebach, of
blessed memory, when I was fifteen. Never in my lifetime did I imagine
that I was developing the strength, knowledge and skill to follow in his
footsteps. I began my singing career three weeks after I lost my
father, my best friend. At first I felt compelled to sing, knowing in my
heart he would have wanted me to. The beginning was a time of great
sorrow, as I traveled around the world singing for thousands of people,
all of us unable to accept the fact that we would never again be in his
holy presence.
In 1996 I met my producer, pianist David Morgan. He
changed the way I listened to the music all around me as we began to
arrange my father’s songs together and to collaborate. When I started to
compose I discovered that by singing I was not only continuing in my
father’s way but was accomplishing my own life‚s work as well. The high
moments on stage with my bandmates, my brothers David Morgan, Brian
Glassman, Mat Gurman and Jake Jacobs, give me the deepest inspiration.
I
perform concerts in a variety of different venues ranging from JCC’s,
synagogues, Hillels, clubs, and summer camps all over the world. In
addition to the regular performances, I also do Shabbaton’s where I
teach and tell stories. I enjoy this aspect of my work immensely. It
tends to be more intimate than the usual concert and it gives me the
opportunity to talk and connect to my audience in a different way. I
hope that through my teaching about different Jewish issues and telling
stories about how different Rebbes and holy people of the past lit the
way to clarity and peace, I can give people a taste of how beautiful it
is to love and be close G-d. To be close to G-d gives meaning to
everything in life and in a very simple way, gives people the hope to
continue dreaming.
My father always said that when we sing, it‚s
like we’re praying twice. When I am on stage I experience prayer in the
deepest sense. In this crazy world, sadly enough, people often are too
afraid to feel. We too terrified to open our souls to our deepest
prayers, yet so broken at all we are missing inside. Somehow, when we
don‚t have the words to express all that we need, music says it for us.
Music can somehow break our hearts and allow us to feel so whole all at
the same time.
This miracle is what I feel when I sing. I thank
G-d every moment of my life that I have the honor of praying and singing
with the people I meet all over the world. I thank you all for your
love and support and for giving me the chance to live my dreams. May we
all have the courage to keep singing...
El Mutakallimûn (Masters Of The Word) (2015) es el último trabajo de Souad Massi, dedicado a grandes poetas árabes (desde Al Andalus hasta el siglo XX), diez canciones que son diez poemas que, pese a la belleza de sus versos, pocas veces han sido traducidos. Poemas que hablan de la libertad, el amor, la rebelión y la vida.
El presente trabajo es el resultado de un proceso de descubrimiento personal de Souad que le llevó a conocer la Córdoba de Al Andalus y su legado, la ciudad más poblada y sofisticada de la Europa Medieval. Pero no fue el legado de matemáticos, astrónomos, juristas, teólogos, filósofos y poetas lo que le asombró, ni sus suntuosos palacios, mezquitas, sinagogas, iglesias y baños públicos, ni su biblioteca de medio millón de libros -la más grande de Europa en aquel momento-. Fue el hecho de que durante siglos, las religiones judía, cristiana e islámica convivieron en relativa paz y armonía bajo el dominio musulmán.
En Al Andalus, la aplicación de la razón y la lógica para la mayoría de los temas básicos de la vida –la libertad, la naturaleza de la existencia, la naturaleza de Dios y de la fe- era el propósito de los estudiosos de la "kalam" o "el discurso" ("mutakallimûn" en plural). Científicos, filósofos, geógrafos, historiadores, matemáticos y poetas, todos podrían ser considerados mutakallimûn o "maestros de la palabra". Celebraban asambleas donde el conocimiento, el pensamiento y la habilidad verbal eran altamente apreciadas. En estos crisoles del discurso y de la interacción confiada se forjó la riqueza intelectual de Al-Andalus.
Esta revelación da a luz a su impulso: "Estaba harta de todas las imágenes asociadas con el mundo árabe en general", dice Souad. "Quería rendir homenaje a estos mutakallimûn porque nos dejaron muchas cosas hermosas. Quería compartir todo esto con la gente que realmente no conoce la cultura árabe", celebrar la gran literatura árabe clásica y recordar al pueblo árabe de hoy sus orígenes, su historia, su cultura antigua, la lucha contra la tiranía y la opresión.
Así que eligió sus medios: la música, la caligrafía y la poesía. Para componer y traducir las diez canciones (que también se explican por diez grafías), Massi ha necesitado la ayuda de algunos expertos en poesía árabe clásica, ya que su origen es bereber y su formación es principalmente bereber y árabe Chaabi.
Para Souad Massi, la Poesía es fundamental, ya que es acción, es el poder de la palabra que da fuerza a las acciones de los hombres y de las mujeres. Y la poesía árabe, que siempre ha jugado un papel de liderazgo en toda la producción literaria árabe, desde antes de la llegada del Islam (hoy en este momento de dolor, confusión y desinformación que rodea el mundo árabe) puede continuar desempeñando un papel esclarecedor. Un retrato de la filosofía del amor, la paz y la tolerancia del Islam.
01. Bima El´Taaloul – What Is There To Feel Happy About?
02. Lastou Adri – I Do Not Know
03. Ayna – The Visit
04. Hadari – A Message To The Tyrants Of The World
05. Sa´imtou Takalifa Al Hayati – I Am Tired
06. El Houriya – Freedom
07. Faya Layla – I Remember
08. El Khaylou Wa El Laylou – The Horse And The Night
09. El Boulbouli – The Sound Of The Whistling Nightingale
10. Saàïche – The Song Of The Powerful
Landing on the Windham Hill label, Samite (having dropped the "Of Uganda" from his name several years back) offers a collection of songs inspired by his return to the African continent after approximately a decade of residence in the U.S. as a political refugee. The music is largely in keeping with his introspective folk style, but this time, several prominent Windham Hill artists make appearances, including Will Ackerman, Michael Manring, and Tuck & Patti's Patti Cathcart. The results are an intriguing fusion of African pop and new age whose sound actually leans more toward the latter.
Samite Mulondo is at once a refugee and a pilgrim, a wanderer with as many homes as his music leads him to enter. He sings in a bright, sweet tenor; accompanied by his extended family of thumb pianos and percussion instruments that have come to him at different points during his travels. His demeanor is austere and remote when he is confronted with strangers one-on-one and he is unclear about their motives. Yet, he is relaxed, open, and lovable when facing huge crowds from the stage, safe within his art and protected by his beloved instruments. Up close, the latter impression turns out to be by far the more accurate one, as he tells his difficult and inspiring tale with grace, warmth and wit.
1 Tindiba 4:19
2 Esawayo 5:52
3 Bring Back The Music 3:52
4 Old Man's Wisdom 4:00
5 Sala Endongo 3:47
6 Stars To Share 6:12
7 Cradle With Love 3:42
8 Having A Good Time 6:05
9 Siwa 4:53
10 I'll Be Strong 3:27
11 Mountains Of The Moon 3:40
12 Night Stories 5:41
4 años en la fabricación, en colaboración con Teranga vencer a la etiqueta que lleva actual de la música senegalesa, África analógica ofrece con orgullo una idea de las aventuras musicales que estaban teniendo lugar en las principales ciudades de Senegal durante los años 60 y 70. Esta compilación, refleja las fusiones únicas de Funk, Mbalax, son cubano y sonidos de guitarra Mandigue que transformó Dakar en las ciudades más sorprendentes del oeste de África.
Todo comenzó en 2009, cuando Adamantios Kafetzis viajó desde Grecia a Senegal con una nueva máquina de cinta de la marca que utiliza para digitalizar los tesoros musicales que había descubierto en la ciudad de Thiès. Estos tesoros tomaron la forma de cintas de carrete, y que habían sido registrados por el ingeniero de sonido Moussa Diallo, que había pasado las cuatro décadas anteriores inmortalizar, en cinta magnética, las bandas que actuarán en su club, el legendario Sangomar.
300 canciones senegaleses que nadie nunca había oído antes fueron descubiertos - cinco de ellos fueron seleccionados para esta recopilación.
Gracias a su historia de influencias externas, Senegal - el punto de África occidental - se había convertido en un crisol musical. Marineros cubanos y estadounidenses habían traído son montuno de Cuba, Jazz de Nueva Orleans y melodías soul americano: sonidos que fueron rápidamente abrazaron y adoptados por orquestas de baile urbano e intuitivamente se fusionaron con los estilos de música locales.
Una banda en particular, se destacó en esta fusión. 1960 marca la formación de Star Band de Dakar, un hito que dejó una huella indeleble en el paisaje musical de Dakar. De hecho, todo el país estaba pronto ranurado a su mezcla embriagadora de los ritmos afrocubanos y Wolof de lengua letras.
La década de 1970 trajo una nueva generación de bandas estelares; Le Sahel, Orchestre Laye Thiam, número uno de Dakar, Orquesta Baobab, Dieuf Dieul de Thies y Xalam1 que fusiona instrumentos de percusión senegalesa tradicionales, Sabra, Tama y Bougarabou con órganos y teclados, dando nacimiento a nuevos híbridos. La fusión de lo folclórico y lo experimental, estos sonidos, abrazado por los jóvenes, tomaron el centro del escenario y dio la música cubana previamente dominante un plazo para su dinero.
Con esta explosión de creatividad musical y artística, impulsado principalmente por la visión moderna del presidente Senghor, Dakar comenzó a atraer a estrellas internacionales. The Jackson Five, James Brown, Tabou Combo (Haití), Celia Cruz (Cuba) y una serie de estrellas africanas como Tabu Ley Rochereau (Congo), Manu Dibango (Camerún) y Bembeya Jazz (Guinea) se unieron con la escena local, improvisando jam sessions y trayendo nuevos sabores a una escena de la música que estaba siempre abierto a nuevas inspiraciones e influencias. Johnny Pacheco inmortalizó su pasión por la ciudad con una canción llamada "Dakar, Punto Final".
"Om" es un CD de referencia. Unidas la interpretación y la voz de Laize con la música de Aurio, este CD te lleva a un clima de profunda paz interior. Una adaptación de la música occidental de los mantras de la India, este trabajo es fundamental para el oyente que busca experiencias atemporales, y también para aquellos que simplemente quieren un momento de serenidad y paz interior.
1.Om
2.Om Mani Padme Hum
3.Govinda
4.Benares
5.Om Nama Shivaya
6.Ganges
7.Hare Krishna Maha Mantra
8.Visions
Seamus Egan se inspiró en su historia familiar para crear Shamrock City su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Shamrock City cuenta la historia de Butte, MT, un pueblo minero en el umbral del siglo 20, como se ve a través de los ojos de un inmigrante irlandés el tatara-tatara tío de Seamus, Michael Conway zarpó en 1910 de Cobh, en el condado de Cork en Irlanda a Filadelfia y luego se dirigió a Butte a trabajar en las minas de cobre. Seis años más tarde, a la temprana edad de 25 años, murio de un golpe en la cabeza. Con el audio grabado en Filadelfia y filmaciones en Butte, Shamrock City busca descubrir no sólo la vida y la muerte del joven de Conway, sino para iluminar también la vida de los inmigrantes durante la Revolución Industrial.
The story of ‘Shamrock City’, their 11th album, is a story of all these things but also of the hope, resistance and humour that those immigrants had and is the band’s most ambitious project to date. The album tells the story of Michael Conway, the great-great-uncle of Seamus Egan. Having left Ireland in 1910 he arrived in Butte, Montana aka Shamrock City (named so for the influx of Irish immigrants). 5000 miles from home in Roscommon only to find work in the copper mines. A family story of immigration, mining and murder.
solasMost of Butte’s Irish came directly or indirectly from West Ireland, predominately County Cork, but in large numbers from Mayo and Donegal as well. Six years after arriving in Butte Michael aged 25 was beaten to death by local policemen rumoured to be because of a row over fixing a boxing match.
An impressive list of musicians guest with Aoife O’Donovan singing the beautiful ‘Arbor Day’ and then fiery Irish-Scot folk veteran Dick Gaughan true to form on the angry ‘Labour Song’. Highly impressive fiddle work on the emotional ballads ‘Far Americay’ and ‘Welcome The Unknown’ by Horan and some fine instrumentals as well as the bluegrass influenced ‘Tell God And The Devil’, the LP’s standout track, and ‘No Forgotten Man’ make this outstanding album a must have for anyone with a interest in Irish music and history. Filled to the brim with stories its beauty is that it doesn’t stand as just one song or two but as a whole. As a testament to those 1000s of Irish who came to Butte. For many it was a death sentence and a sentence that came to them as young men. That sadness extends through Shamrock City but ends with the ‘No Forgotten Man’ and truly we shall remember them with pride. The live show is an interactive multi-media stage show featuring stories from and projected images of Butte that is receiving rave reviews so we can only hope that it wings ‘across the broad atlantic’…
solasOne hundred years later, it’s their story, but the struggles of the working class and immigrants are the same.
Shamrock City is for those then and now that believe in a better life, and are willing to risk it all for a chance at something more. It is to the credit of Irish-America that many are able to trace their ancestors right back to places like those copper tunnels of Butte or the hotels and hospitals of the great cities. It is only to be hoped that they can also sympathise and support those that have today taken the place of the Irish in those dirty, dangerous and low paid jobs that once only Irish need apply. https://londoncelticpunks.wordpress.com/2013/10/07/album-review-solas-shamrock-city-2013/
1 Intro
2 Far Americay
3 Tap 'Er Light
4 Tell God and the Devil
5 Michael Conway
6 Girls on the Line
7 My Fancy
8 Lay Your Money Down
9C olumbia Gardens
10 Arbor Day
11 Welcome the Unknown
12 And Now, a Banjo Moment
13 High, Wide, and Handsome (The Wagoner / Twenty-Eighth of January)
14 Labour Song
16 No Forgotten Man
Grupo folklórico de Ourense que hizo su primer álbum en 1999, Habelas Hailas.Además de la expansión de los componentes, Camerata Maga también condujo a una creciente gama no instrumental, con la introduccion de instrumentos poco frecuentes en bandas populares gallegas, como el rabel o el laúd. En el disco colabora la cantante portuguesa Amélia Muge y el trabajo es un acercamiento a la tradición, desde diversas perspectivas y fusiones, lo que resulta un deisco World Music y no puiramente tradicional.
01 - Praza Do Ferro 02 - A Tentacao 03 - Brincadeira 04 - Ai La! 05 - Bailai Ben 06 - Camino De Prata 07 - Danza Do Entroido 08 - Da Follina Dunha Rosa 09 - Canto De Sereas 10 - Introduccion E Jota Do Obradoiro 11 - Marcha Do Pelegrin 12 - Adios Meu Menino, ¡Adios! 13 - Mare Vostrum 14 - Hora Meiga
Dalla terra del mare, del sole, del vento, tutto il meglio della Taranta, la travolgente espressione musicale del Salento. Vivi l’emozione dell’autentica musica etnica salentina, con un imperdibile Doppio CD: 40 brani originali tutti da ascoltare e da ballare! Fatti pizzicare dalla Taranta!
CD 1
1 . PARAFONE' - No suli no luna – 5.05
( B. Tassone )
(P) Centofanti Ed. Mus.
2 . RESPIRO - La mia terra – 3.10
Musica: F. Del Prete / Testo: L. Ingrosso
Respiro : Francesco Del Prete & Lara Ingrosso
(P) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
3. BOOMDABASH - Troppo strano – 3.27
Musica : L. Porzio – F. Clemente
Testo: A. Rogoli – C. Maccaro
(P) Sym Music / Cantastorie
4. ARSURA – E cca' me pizzicau – 3.27
( R. Giangreco )
(P) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
5. MUNICIPALE BALCANICA feat. Ligonziana - Carovana – 3.38
( Piccolomini – Ippolito )
(P) Ass. Cult. Mus. Municipale Balcanica
6. TARANTAFIL – U chiandature – 3.09
(A. Pellicoro – F. Vasca)
(P) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
7. COREPOLIS – Jamme Nennilli – 4.23
( E. Di Donato )
(P) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
8. I CALANTI – Pizzica di Galatone – 3.20
(Tradizionale)
9. TARANTOLATI DI TRICARICO – Tarantrain – 3.32
( F. Ferri – R. Paradiso – P. Cirillo / Testo F. Ferri – R. Paradiso )
(P) iCompany s.r.l.
10. ARIACORTE – Balla ca balla – 4.37
( B. De Francesco )
(P) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
11. CLAUDIO MOLA & RAGNATELA FOLK BAND – Pizzica Materana – 4.22
( C. Mola )
(P) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
12. ETNOSOUND – U pasturi – 3.18
( D. D'Agostino Macrì )
(P) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
13. KORALIRA – Spagnu – 3.02
( F. Speziale – D. R. Buda )
(P) 2015 Swithmuse Ed. Mus. / Redland Ed. Mus.
14. ANGELO GACCIONE / CHOREARUM – Carpaty – 3.25
( V. Gaccione)
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus. / Cristiani Ed. Mus.
15. MED FREE ORKESTRA – Dondolo il Mondo – 3.25
( Musica: Fofi – Ceccarelli – Clementi – De Fazio / Testo : C.Fofi )
(p) CNI – Compagnia Nuove Indie
16. KARADROS – Quarteroti e Madonnisi – 3.58
( M. Soriano )
(P) Centofanti Ed. Mus.
17. JONICA ARANEA – La fontanella – 4.07
(Tradizionale)
18. FRANCESCO DEL PRETE – La pizzica del prete – 3.19
( F. Del Prete)
(P) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
19. PETRAMERIDIE – Tarastenia – 4.15
( D. Vigna )
(P) Swithmuse Ed. Mus. / Redland Ed. Mus.
20. PICCOLO CORO " Mariele Ventre " dell'ANTONIANO – La Tarantola – 3.17
( Antonio Buldini )
(P) 2014 Antoniano Ed. Mus.
Per gentile concessione dell'Antoniano di Bologna
CD 2
1 . DAMA MINERVA – La fia de lu Re – 2.00
( G. Ciullo )
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
2 . YICUVRA – Zumb e cand – 4.00
( L. Caragnano )
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
3 . NUOVA COMPAGNIA SOLELUNA– Pizzica della luna – 3.33
( N. Aiello )
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus. / Redland Ed. Mus
4 . MASCARIMIRI'– Lu ballu – 3.48
( C. Giagnotti – A. Amato )
Proprietà dell'autore
5 . GIULIANO GABRIELE – Madre – 3.43
( G. Gabriele – L. Cremonesi – D. Scarsella )
(p) iCompany srl
6 . U' PAPADIA– Cugghimu li fierri – 3.04
( U. Papadia )
(p) 2015 Redland Ed. Mus – La Musica Ed. Mus.
7 . SARA GALIMBERTI & GRAZIANO GALATONE– E' l'amore ca vaje – 3.52
( L. D'Aprile – M. Tateo – A. Licchetta)
Arranged, mixed and mastered by Gabriele Ciullo at Soundland Studio (Castro Marina - Italy).
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
8 . MBL PROJECT – Canto di primavera – 3.48
( B. Vecchio )
(p) Blond Records
9 . ANGELO BELMONTE feat. MIMMO FREEZER – Puerteme nu bicchiere – 3.57
( A. Belmonte )
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
10. SCAZZICAPIETI – Visciu na stella – 4.18
( M. Calcagnile )
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus. / Redland Ed. Mus.
11 . CANTO ANTICO – Sannicandro – 4.04
( A. Illario – F. Di Ieso )
(p) 2015 Redland Ed. Mus.
12 . FABBRICA FOLK – Tambureddu – 4.20
( Domenico Modugno – Romagnoli Ranieri) - cover
(p) Accordo Ed. Mus.
13 . SUD SOUND SYSTEM – La megghiu medicina – 3.28
Musica: F. Blasi – F. Miglietta – F. Vaglio
Testo: F. Blasi – F. Miglietta – F. Vaglio – R. Leo
(p) Salento Sound System Srl
14 . ZULEJCA– Pizzica de lu core infrantu – 3.00
( B. Pipoli )
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
15 . NITROPHOSKA – Tele visioni – 3.37
( Musica : G. Losavio / Testo: A. Belmonte )
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
16 . TABURELLISTI DI TORRE PADULI – Il morso della taranta – 3.00
( D. C. Nuzzo – P. De Giorgi – S. Iascone )
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
17. SOSSIO BANDA – Schieve senza padrune – 4.34
( F. Sossio Sacchetti )
(p) La Contemporanea Srl
18 . ELISABETTA MACCHIA dei ZIMBARIA – Scinnaru – 3.22
( A. Baccassino)
Pianoforte: Gabriele Ciullo
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus.
19 . LUIGI PANICO – Pizzica rem – 4.57
( L. Panico – D. Vigna )
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus. / Redland Ed. Mus
20 . CRIFIU– Al di là delle nuvole – 3.43
( Musica :L. De Pauli – A.Cavazzuti / Testo:L. De Pauli – A.Rogoli )
(p) 2015 Swithmuse Ed. Mus. / Redland Ed. Mus.
l múltiinstrumentista y compositor valenciano ha completado un ciclo de tres lustros navegando el sustrato musical mediterráneo: lo ha estudiado, se ha impregnado de la tradición viajando hasta las fuentes (especialmente ha realizado estancias en Grecia, Creta, Turquía,…) y lo ha compartido con decenas de excelentes músicos. “Llevo 15 años pisando los escenarios de medio mundo con algunos de los proyectos más exitosos e innovadores de la música de raíz y antigua de ambos extremos del Mediterráneo, la occidental (L’Ham de Foc, Evo, Carles Dénia, Maria del mar Bonet, Pep Gimeno “Botifarra”, Miquel Gil, Capella de Ministrers, Luigi Cinque, Elena Ledda …) y la oriental (Ross Daly & Labyrinth, Stelios Petrakis, Trío Petrakis / López / Chemirani, Kelly Thoma, Göksel Baktagir , Zohar Fresco …)”.
El repertorio del que se nutre este trabajo está basado en composiciones instrumentales propias de Efrén López creadas en los últimos años. “El conjunto de estas melodías, sin proponérmelo en un principio, dibuja con todo detalle la loca y enrevesada senda artística, vital y filosófica que emprendí hace ya un tiempo. A través de diversas etapas de estudio en profundidad –música medieval, griega, turca y afgana– junto con maestros que hoy día son mis amigos, este camino me ha llevado a ser quien soy ahora mismo, ya defender los ideales como músico y ser humano que estas composiciones tratan de expresar”.
01
Kurtoğlu Zeybeği
6:59 02
Plaerdemavida
7:59 03
Como al Pie del Suplicio Estuve
7:54 04
Ο Γιος Του Λύκου
4:45 05
Aralik (Ferahfezâ)
8:15 06
Asbe Sangi
6:27 07
Lo Boièr / Iria
11:24 08
Vallsabollera
5:13 09
Bourrées de la carrasca de la vaca
5:50 10
Azinhaga
3:42 11
Abracadabra
7:40
Décimo disco en la ya larga carrera de esta banda. Kila es una de las formaciones más emblemáticas de la música
irlandesa, porque desde mediados de los 90 su propuesta ha evolucionado, pero no han dado un paso atrás en sus
convicciones. No hacen versiones de canciones tradicionales y se apartan del esfuerzo por llenar la música irlandesa de una pátina de intelectualidad.
Suas Síos es un más que digno sucesor de Gambler’s Ballet, a la altura casi del enorme Luna Park. La banda ha
conseguido unas composiciones frescas, llenas de vitalidad, pero que no suenan a copia de lo anterior. El tema que da título al álbum y lo abre es una de esas piezas en las que todo parece girar en torno a Rónán Ó Snodaigh y Dee
Armstrong. Caótica y frenética. Con Mac Lir entramos en esos medios tiempos que tan bien se les da y que explotan
también en Rachel Corrie, Am y Last Mile Home. Entre medias tenemos composiciones más clásicas, como Jigs, una intensísima Skinheads o la breve y maravillosa Mikar Dypnic’s Transient Nights.
1. Suas Sios
2. Mac Lir
3. Jigs
4. Rachel Corrie
5. Abair
6. Length of Space
7. Mikar Dypnic's Transient Nights (In Adult Situations)
8. Am
9. Skinheads
10. Last Mile Home
11. Fainne Or an Lae
Flaugier s / n es el resultado de una particular forma de entender la evolución de la música tradicional de origen universal y su traducción en sonidos reales. instrumentos tradicionales fusionados con otros sonidos actuales de nuestros antepasados que deben vivir con sonidos de nuestros descendientes.
El proyecto Nebeda nació cuando el núcleo de la banda, formada por músicos de la música popular y tradicional catalana, se decidió fichar a nusicos de otros estilos, desde la música clásica hasta el jazz más ortodoxo y más fresco.
El resultado es una mezcla explosiva con influencias de todo tipo, pero nunca perdió el encanto y los instrumentos acústicos tradicionales. Trabajamos en re-desarrollo de la música popular adaptado a los tiempos actuales, con el eclecticismo como nuestra bandera. Jugar con los ritmos balcánicos, piezas de música antigua, los temas de nuestra tierra, sus propias composiciones ... no importa. Todo esto aderezado con la salsa especial que hacemos: las dos caras de una energía inagotable, una sensibilidad y una frescura. Mezclar bien y servir en el escenario con una buena dosis de humor.
Tengry Lab was formed in 2010 with the idea of experimenting with siberian folk music in context of modern sound production culture. It took its time before concept matured and the style of Tengry Lab converged to the mix of rock, electronic and world music. Tengry Lab now is alteration of groovy and deep psychedelic sounds grown on surrealistic vision of traditional siberian culture. Deeply effected guitar, throat singing, elegiac tunes and beatbox grooves – that’s what should submerge listener in mood of meditation and subtle northern melancholia.
Diez años después de su debut internacional con Keçe Kurdan (que la convirtió en una de las máximas exponentes de la cultura y la música kurda), Aynur Doğan presenta Hevra (“Juntos” en kurdo), en una línea similar a la de sus trabajos anteriores: una equilibrada conjugación de canciones tradicionales actualizadas y nuevas composiciones con influencias diversas.
En Hevra (2013) Aynur añade nuevos colores a su propuesta mostrando, al mismo tiempo, un innegable respeto por su cultura originaria y una intención por llevarla un paso más allá. Para ello cuenta con la brillante producción de Javier Limón, que enriquece el bagaje de la cantante kurda desde un sobrio y elegante trabajo en los arreglos llenos de acentos mediterráneos y orientales. Javier Limón consigue entrecruzar a la perfección instrumentos tradicionales como tembur, kaval y nay con ráfagas de guitarra, clarinete, piano y percusión (e, incluso, el cante) con la voz poderosa y expresiva de Aynur, que sobrevuela hasta límites insospechados.
Hevra combina composiciones propias con tradicionales y de otros autores, y cuenta con un plantel de artistas al servicio de la intención del disco. Por ejemplo, Saúl Quirós pone su cante en “Derya Kenarında Bir Ev Yapmışam”; Cermil Qoçgirî acompaña sólo con el tembur en el precioso “Sîsilê”, al igual que el piano de Ariadna Castellanos en el impresionante “Xerîw”. La percusión corre, en la mayoría de las veces, a cargo de José Ruíz “Bandolero”. Y la guinda, el zapateado de Belén López en “Yar Melek e”, otra de las muestras de la genialidad en la realización de Javier Limón. Hevra es, sencillamente… un disco espléndido.
01. Peş Nare (It Makes No Headway)
02. Ûrmiye (Urmia)
03. Sîsilê
04. Tobedar im (I Repent)
05. Derya Kenarında Bir Ev Yapmışam (I Have Built a House by the Sea)
06. Min Digo Melê (Remembering My Little Angel)
07. Diyarbekir
08. Xerîw (Poor Fellow)
09. Reng Esmerê (Come, Come You with the nut coloured skin)
10. Dil Ji Min Bir (She Stole My Heart Away)
11. Yar Melek e (My Lover is an Angel)
Espíritu del Sol (2014) es el tercer álbum de la cantante y compositora Amparo Sánchez. Tras la publicación de Alma de Cantaora (2012) y su primer trabajo en solitario Tucson-Habana (2009), ahora, de la mano del sello discográfico World Village, la artista andaluza presenta 12 temas llenos de color y positivismo grabados en Tucson, México, Córdoba (Argentina), Barcelona y Andoain.
Espíritu del Sol es un álbum positivo, femenino, y con una visión esperanzadora del mundo y del papel de la mujer en esa nueva humanidad. "El eje principal del disco podría decir que trata sobre el empoderamiento de la mujer, la toma de decisiones, el conectar con el espíritu interior, el lanzarles un mensaje a las mujeres —mi público mayoritario— de que «somos hermanas», que estamos juntas". Musicalmente, va de la rumba al latino, pasando por la cadencia del desierto y los distintos sones del Caribe. Un trabajo nómada y viajero que se deja impregnar por las raíces de algunos de los lugares predilectos de la artista, en el que además ha querido incluir dos soberbias versiones en forma de homenaje: una de Manu Chao y Mano Negra interpretada junto a Joey Burns ("Long long nite"), y otra de la gran Chavela Vargas ("El último trago") con arreglos de Johny Contreras en la que Amparo Sánchez está acompañada por los Mariachis de Tucson. Un álbum de agallas, con mucha alma y lleno de luz.
01. Plegaria
02. Mi gitana
03. Luces en el mar
04. De este amor
05. Hermosa
06. El último trago
07. De lluvia y barro
08. Rio turbio
09. Cuarteto en Paris
10. No pudo ser
11. Sin nombre
12. Long long nite
Caravasar es una palabra llena de fuerza y belleza procedente del
persa. Literalmente significa "palacio de las caravanas". Los
caravasares son edificios de Oriente situados a lo largo de las rutas
que frecuentan las caravanas y que servían para albergar a los viajeros y
facilitar sus intercambios comerciales. Pero Caravasar es también el
nombre de un grupo musical sevillano que ahora celebra su décimo
aniversario.
Caravasar lleva 10 años empuñando la antorcha del mestizaje musical.
La divulgación de las músicas del mundo es uno de sus objetivos
principales. El grupo se asoma a una fuente rica y llena de maravillosos
secretos por descubrir: el patrimonio artístico del Mediterráneo
oriental.
Canciones de los Balcanes, ritmos sufíes de Turquía y bailes de los
países del Magreb son recreados y fundidos con las corrientes musicales
de Occidente. El grupo funciona como un crisol de instrumentos
orientales y occidentales que trascienden fronteras. El espectáculo
musical que ofrece Caravasar ha recorrido España, Portugal y Marruecos
integrando las sugerentes melodías de un mundo que se niega a ser
clasificado en compartimentos estancos. Caravasar ha publicado dos
discos: La ruta de la seda (1998) y el reciente Alminares mediterráneos, editado por Resistencia.
El grupo está integrado por Joaquín Rodero, Amin Chaachoo, Chiqui
García, Álvaro Garrido, Ignacio Béjar y Nacho Gil. Garrido relata su
historia: "Caravasar comenzó siendo un trío hace 10 años. Nos juntamos
tres personas que tocábamos lo que ahora se llama músicas del mundo. Con
nosotros se vieron por primera vez en Sevilla cierto tipo de
instrumentos que hasta entonces no eran conocidos, como el ud (laúd árabe), el saz (laúd turco), los bendires
(panderos árabes)... Instrumentos que pertenecían a culturas
mediterráneas. Caravasar tiene el espíritu que refleja su nombre: esos
pequeños poblados que en la ruta de la seda servían para descanso de las
caravanas".
"El alma mater de Caravasar fue Joaquín Rodero, profesor de
literatura en un instituto. El grupo siempre ha estado en torno a la
empresa Zanfoñamóvil. Nació con Zanfoñamóvil. Los tres fundadores fuimos
Joaquín Rodero, Chiqui García y yo. Duró así unos meses. Luego, entró
Nacho Gil y nos e convertimos en cuarteto", agrega Garrido.
"Al cabo de dos años se grabó el primer disco, La ruta de la seda. El pasado agosto, hemos publicado nuestro segundo disco, Alminares mediterráneos.
El primero era un viaje musical por ese camino mágico. Había algún tema
chino, otro de la zona de la India...", comenta Garrido. "En Alminares mediterráneos
hay música turca, griega, marroquí... En un tema ha colaborado el
pianista flamenco Dorantes. Caravasar lo tamiza todo y lo lleva a su
terreno. Desde hace cinco años somos un quinteto con la entrada del
músico marroquí Amin Chaachoo, que toca el violín y canta. Chaachoo le
da un sello todavía más auténtico y tradicional al grupo. Finalmente, el
sexto integrante de Caravasar entró en hace tres años. Se llama Ignacio
Béjar. Toca instrumentos tradicionales, como el ney (flauta oriental) y también saxos", explica Garrido.
"Celebrar el 10º aniversario en el panorama de la música local y
nacional es casi un milagro porque es muy difícil mantener tanto tiempo
una marca de grupo. Nos gusta viajar. Somos muy mediterráneos. En
Caravasar tamizamos la música que viene de otros países y la adaptamos a
nuestro criterio. Se puede hablar de recreación de temas. La gente
disfruta y aprende con nosotros", concluye.
Xabier Díaz compagina sus facetas de músico y compositor con una laboriosa actividad como investigador y compilador del folclore tradicional gallego. Fruto de este trabajo es el álbum Coplas para Icía (2007) en el que contó con la participación de Pedro Lamas y Suso Iglesias.
Ha sido cantante titular de la compañía Nova Galega de Danza con la que llevó a escena los espectáculos Alento, Engado y Tradicción por toda la península ibérica. También formó parte del grupo Berrogüeto desde inicios de 2008 hasta este mismo año en el que la banda anunciaba su disolución. Durante estos años obtuvo con dicha banda un premio de la Academia de la Música a la mejor canción en gallego (2011), así como el premio al mejor grupo de música folk en la primera edición de los Premios Galegos da Música Martín Codax (2013) y el galardón a la mejor banda sonora en los Premios Mestre Mateo (2014) con la película Inevitable.
Participa con Guadi Galego, Guillermo Fernández y Xosé Lois Romero en el proyecto ACadaCanto. A lo largo de su carrera debemos destacar numerosas colaboraciones en discos y conciertos con diversos artistas y formaciones, tales como Luar na Lubre, Amancio Prada, Os Cempés, Marful, Nordestinas, Kepa Junquera, Uxía, Xosé Manuel Budiño, etc. Su presencia en los escenarios no solo se circunscribe al ámbito gallego si no a lugares tan dispares como México, Zimbawe, Alemania, Uruguay, Italia o Perú.
Actualmente, trabaja en el que será su nuevo disco en solitario, un proyecto tremendamente ambicioso para el que contará con doce cantoras y percusionistas tradicionales al que se les sumará un set de acordeón y zanfona. El resultado será un trabajo impregnado de polirritmias y melodías populares filtradas a través de una singular manera de reinterpretar la tradición. Se trata de un trabajo de renovación de la música gallega desde un enfoque vanguardista y personal.
El Disco
The Tambourine Man es un disco en el que, junto a las Adufeiras de Salitre (grupo compuesto de 11 percusionistas y cantoras de música tradicional) y dos músicos (los hermanos Gutier, a la zanfona y violín; y Javier Álvarez, con el acordeón diatónico), muestra una renovación de la música popular gallega añadiéndole un enfoque vanguardista, a lo largo de los 11 temas tradicionales gallegos y 1 en castellano que componen el disco.
También colaboran destacados músicos de la música tradicional ibérica, como Kepa Junkera, Carmen París y Aleix Tobias (Coetus), además de otros músicos gallegos como Xosé Manuel Budiño, Fernando Barroso o Alfonso Merino.
Componentes
Xabier Díaz (voz y percusiones)
Gutier Álvarez (zanfona y violín)
Javier Álvarez (acordeón diatónico)
Cristina Pico (voz y percusiones)
Iria Penabad (voz y percusiones)
Montse García (voz y percusiones)
Patricia Gamallo (voz y percusiones)
Maite López (voz y percusiones)
Noemi Basanta (voz y percusiones)
Carolina Vázquez (voz y percusiones)
Bea Mariño (voz y percusiones)
Lidia Sanmartín (voz y percusiones)
Gisela Sanmartín (voz y percusiones)
Mariña García (voz y percusiones)
“Bahar” is the ultimate musical expression of contemporary multicultural identity. It is a musical journey that begins from the soil of the Balkans, opens up into the big blue of the Mediterranean, to end in the trails of the East. The inspired compositions are by Makis Ablianitis. It is music shed by the sun of the Mediterranean.
The deep melodic voice of Manolis Lidakis, graces the two songs of the album. Poetic lyrics performed by the best Greek male vocalist.
The album also features four very prominent artists:
Hariprasad Chaurasia, the greatest Indian flutist, internationally acclaimed, known for his collaborations with Ravi Shankar, John McLaughlin and Jan Garbarek, among others Dragan Dautovski, the kaval and gajda virtuoso from FYROM Haig Yazdjian, the great Armenian oud player Petros Tabouris, the Greek canun virtuoso
In times when the borders of nations are falling and a new cultural identity is emerging, “BAHAR” takes on the role of the sound sample of this new culture. A sound that respects the diversities and individualities of the cultures that comprise this album, but at the same time is the median that presents us with a contemporary musical direction.
La música de Saint-Preux es universal y atemporal,
la combinación de las tendencias musicales clásicas, populares y contemporáneas.
Concerto pour une Voix (Concerto for one Voice) is a contemporary classical song written by the French composer Saint-Preux in 1969, combining elements from popular music and electronic music.The piece was first sung by Danielle Licari.
01. 04:05 - Concerto pour une voix
02. 02:42 - Concerto pour piano
03. 03:16 - Andante pour Trompette
04. 02:34 - Prélude pour piano
05. 03:42 - Adagio pour pour trompette
06. 02:11 - Divertissement
07. 02:33 - Variations
08. 01:55 - Sonate Vendéenne
09. 02:40 - Allegro
10. 02:23 - Harmonies
11. 02:12 - Impromptu
Hedningarna (Los paganos) es un grupo musical sueco formado en 1987 por Björn Tollin, Hållbus Totte-Matsson y Anders Stake. Realizan una música de corte tradicional pero con fusiones e influencias del techno, el rave y otras tendencias modernas. De hecho, la filosofía del grupo es la de bucear en las raíces de la música nórdica para producir un sonido que no siga las tendencias actuales del folk más tradicionalista. Es por eso que Anders Stake se dedicó a construir y modificar instrumentos tradicionales para desarrollar un sonido propio y único que, con el tiempo, les haría ubicarse en los lugares más destacados de la nueva música tradicional sueca. http://es.wikipedia.org/wiki/Hedningarna
1 Polska Efter Pelle Fors 3:30
2 Förtvivlans Polska 2:10
3 Häxpolskan 2:23
4 Skavlåten 3:02
5 Ölbackens Polska 4:05
6 Särna Gamla Brudmarsch 3:51
7 Multihalling 2:58
8 Fulinghalling 5:33
9 Polska Efter Olof Tillman 4:35
10 Doplåten 0:44
11 Polska Efter Hins Anders 1:44
12 Lacknafta 3:10
13 Björnlåten 3:49
The band Beltaine was formed in 2002 in Katowice. The first concerts the band played in the composition based on traditional instruments (guitar, violin, accordion, bodhran), at a later time their sound has been enhanced with a bass guitar and percussion.
The initial repertoire of the band consisted of popular Irish and
Scottish folk tunes. The original team consisted of - Grzegorz Chudy,
Adam Romański, Luke Kulesza, Bartlomiej Dudek, Danuta Anna Badura and
Adams.
In 2003 the band began touring outside the province of Silesia. The band performer among others in Toruń
and at the Celtic Culture Festival in Dowspud. Since then the group
performs intensively in the whole country. In September 2003 the first Celtic Music Festival "Castle" in Bedzin was organized, that Beltaine hosts and co-organizes until now.
In 2004 the band recorded their first album "Rockhill", that was the musical illustration of a Beltaine’s holyday celebrated in Ireland.
Tracks consisted mostly of traditional Celtic tunes and a few original
songs (such as Beltaine, The Sea of Irish Dream and Rockhill), the album
also began to show musical trends of the team to combine the music of Brittany, Ireland and Scotland,
with other types of music. Guest starring on the album include Jan
Gałczewski, Catherine Czerniak, and known from the group Viva Flamenco guitarist
Michael Czachowski. Album Rockhill was awarded the "Virtual Gesle"
(Internet opinion poll co-organized by the Polish radio station) for
Best Folk Album of 2004.[2]
Rockhill has also received the title of "megadisc 'Radio Krakow in the
competition. This year, the group violinist Anna Badura left, whereas
Jan Gałczewski joined the band permanently.
In 2005 Jan Kubek joined the ranks of the band playing percussion instrument (i.e. tabla, darabuka, conga, cajon
). Group has launched numerous concerts abroad, within 5 years their
credits include Beltaine in the Czech Republic, Slovakia, Moldova,
Switzerland, Lithuania, Portugal, France, Italy, Malaysia and Mexico.
Search for their own style and the possibility of expanding
repertoire resulted in invitation for the cooperation with 2006
percussionist Mateusz Sopata. The team also received a proposal to
contribute to the music accompanying the video game The Witcher.
The next year was marked by of recording of the KoncenTrad. The album is the brave combination of Celtic tradition and modernity. The album does not lack loud and rhythmic tracks like a Technogaita and ballads Ye Yacobites or Parcel of Rogues.The
album with a guest appearance of Indian musician Giridhar “Gathamˮ
Udupa, is regarded as the most rock in the band repertoire. A year later
the publishing house was awarded with the subsequent The Virtual Primitive Fiddles, which became the ticket to playing the live concert in Agnieszka Osiecka’s Studio on the air of The Third Programme of Polish Radio.
1
Two Dogs
4:11 2
Gellette Complete
7:51 3
Db
5:50 4
Health to the Company
3:56 5
Mjoo(Sic!)
3:56 6
Pol(S)Ka (feat. Tomasz Drozdek)
6:25 7
Seizh
6:25 8
Chicken in the Bucket
6:21 9
Cruel Sister
6:25
Este álbum de 2008 representa una maravillosa colaboración entre Rabih Abou-Khalil (un gran laudista o intérprete de oud) y uno de los p...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
Si alguna vez no puedes entrar en el blog GPS-SONORO ,apuntate el siguiente blog para no despistarte.(SOLO SE ABRIRA EL BLOG SI CIERRAN GPS)
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