Every Song Has Its End- Sonic Dispatches from Traditional Mali

El alcance y la diversidad de la música que actualmente procede de Malí es bastante inmensa. La música que ha influido y forma parte de las culturas de todo el mundo, pero lo más importante ha revelado la increíble profundidad de talento que debe ser oído de la zona.

Cada canción tiene su final se concentra en temas de áreas, regiones e incluso los pueblos, ya que presenta música que es a la vez cruda y único. El crecimiento sin precedentes de la capital del país, Bamako es el envío de los jóvenes alejados de las ciudades y, como consecuencia, la vida tradicional se está moviendo lentamente. Con ella va la música y los ancianos se enfrentan ahora a dificultades en la retención de su patrimonio.

Paul Chandler, un productor y educador ha documentado el cambio en la música de Malí durante la última década y es el descubrimiento de sonidos que se pueden escuchar en esta nueva compilación con el dvd que acompaña. Se embala con doce pistas que ofrece una amplia variedad de canciones que inspiran el pasado musical de Mali.

Visitando ciudades y pueblos a lo largo de Mali, Chandler ha revelado "en peligro" los sonidos que ahora tienen la oportunidad de ser preservado y disfrutado por las generaciones futuras dando impresionantes conocimientos sobre la riqueza de sonidos.

A menudo, el crudo en el juego, pero nunca inhábil, las pistas ofrecen estilos y técnicas rara vez se escuchan hoy individuales. Ya sea el avión no tripulado como Super-Onze de la hipnótica Mianka compañía cultural, todos y cada pieza es tan entretenido como el último, y tal vez esto no es del gusto de todos, pero su educación no se puede negar.

 https://glitterbeat.bandcamp.com/album/every-song-has-its-end-sonic-dispatches-from-traditional-mali







Lista:

1. Group Ekanzam - Le Souvenir 04:02 
2. Group Tagout - Taganraratt 05:26 
3. Kimsy Bocoum / Afel Bocoum / Hama Sankare - Nianju Wardè (Walk in a Way That Shows We Are Important) 04:56 
4. Super Onze - Houmeïssa (The Gold Chain) 09:05 
5. Boukader Coulibaly - Taka Kadi (That Adventurer's Song) 06:52 
6. Bina Koumaré & Madou Diabate - N’Djaba (The Person I Love) 03:52 
7. Mianka Cultural Troupe - Apolo (Do Not Give Your Daughter to a Coward) 06:36 
8. Kassoun Bagayoko - Kabako (Incredible) 06:41 
9. Sidiki Coulibaly - Donzo Fasa (Praise for the Hunter) 05:07 
10. Inna Baba Coulibaly - Sidi Modibo (Hommage to the Marabout - Saint Sidi Modibo) 05:08 
11. Cultural Troupe of Nioguébougoula - Sigui lé (It's the Wild Buffalo) 07:04 
12. Ibrahim Traoré - Woyika (The Sorrow) 02:10

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N.O.H.A. - Circus Underground

N.O.H.A. "Noise Of Human Art", es una banda cosmopolita de música electrónica y músicas del mundo formada en Praga (Rep. Checa) en 1995, desde entonces el colectivo no ha cesado de crear, experimentar e innovar, a la par de crecer como marca y movimiento, inculcando su propia filosofía de vida "Circus Underground". Así es como se titula su quinto disco que ahora nos presentan, han sido premiados como una de las mejores bandas europeas de directo. Hits como “Tu Café”, “Balkan Hot Step” o “Di-Nero” de su reciente álbum, han dado la vuelta al mundo, llevando a la banda a actuar en los escenarios más importantes.

Cuando están sobre el escenario, N.O.H.A. se destaca como un ser vivo, un tornado que respira. La banda emite una energía positiva altamente contagiosa que navega por el ambiente de sus conciertos. N.O.H.A. pulveriza las fronteras entre distintos géneros de música cómo jazz, D&B, hiphop, funk, balkan, flamenco, brasilian beats, swing o afro y así conecta de forma natural con un groove dinámico, trancero, alegre y juguetón, siempre con una base onmipresente de electronica, dubbies y bajos poderosos. De ahí que les hayan mencionado como los creadores del Ethno-Bass. Esta fuerza que tiene la banda se ha visto incrementada gracias a la presencia de la cantante estadounidense Kaia Brown, cuya voz, encantadora, única, añade una nueva dimensión a la música y al directo de NOHA. Tras consagrarse este verano 2014 en nuestra tierra tras las actuaciones en los festivales Alrumbo, Reperkusión y Fuerteventura en Música, y la gran demanda, N.O.H.A.

Formación:

Philip Noha (Praga, R. Checa) co-fundador, productor, compositor y saxofonista
Kaia Brown Voz (NY, EEUU)
MC Chevy (NY, EEUU) letrista, voz co-fundador
Thom Herian (Praga, R. Checa) Batería, y baile
Jatrabass (R. Checa) bajista.







1. Ants 06:08 
2. Di Nero 03:32 
3. Family 04:50 
4. Park of lllusion 06:17 
5. Jungle Nuttah 04:46 
6. Wanna play?! 03:49 
7. Yemanja 07:15 
8. Way 01:3

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Kepa Junkera & Sorginak - Maletak (2016) [Euskadi]

Las maletas viajeras de Kepa Junkera regresan cargadas de folk en Maletak (Fol Música), su segundo disco compartido junto al joven grupo femenino Sorginak, un trabajo que sale hoy a la venta y en cuyo título alude a las fundas de sus trikitixas. “Es un disco más abierto y arriesgado”, explicó ayer Junkera, que grabó el álbum en casa impulsado por “las experiencias compartidas” junto a Xabier Solano, Eliseo Parra y Andoni Egaña, entre un centenar de colaboradores. “Es uno de mis lugares preferidos del Casco Viejo de Bilbao”, confesaba Junkera a DEIA. Se refería al Museo Arqueológico, Etnográfico e Histórico de Bilbao, donde ayer presentó Maletak, de negro, enfrentado al blanco prístino de la vestimenta del grupo Sorginak y junto a una instalación que reflejaba las fundas de sus trikis en una suerte de equilibrio inestable. Como no podía ser de otra forma, la trikitixa está en el origen del nuevo disco, pero “no las maletas de la ropa o de un viaje estándar sino las de los instrumentos”, indicó el músico. El de Rekalde reconoció que colecciona las fundas de sus trikis desde que empezó a tocar. “La triki es siempre protagonista y muchas veces me he olvidado de aquello que la rodea y complementa, la protege y guarda”, explicó. “A los músicos nos gusta tener varios instrumentos y algunos de ellos son antiguos. Van pasando de mano en mano y nos cuentan muchas historias”, apostilló. Tras contar con el concepto y el título, a raíz de una exposición que ofreció en Azkuna Zentroa, Junkera inició la composición de los 17 temas del disco, que se grabaron en su propia casa. “Aprendí a grabar todos los instrumentos de forma artesanal y el proceso resultó muy natural. Resulta sorprendente lo mágica que es la música porque cada parte o idea me llevaba a otra y otra más después”, indicó Kepa, que ha vuelto a contar con “el joven talento” del grupo femenino Sorginak en este disco. Tras la colaboración en el disco anterior, Trikitixaren historia txiki bat, “un disco más cerrado y centrado en el folk euskaldun, en las voces, las panderetas y las trikis”, en esta segunda colaboración se ha abierto el abanico estilístico y sonoro. El álbum se dirige hacia el horizonte a través de dos vías: una más experimental y con armonías más complicadas, con varias trikis dobladas y cierto aroma a riesgo; y otra más dinámica, fresca y festiva, ligada a la participación de Sorginak y al mundo del folk tradicional. abanico de colores y personas “Ha sido una gozada contar con tal abanico de colores y personas” en el disco, explicó Junkera, en alusión a Sorginak, “un proyecto pedagógico y formativo en el que ambos nos enseñamos y crecemos artísticamente”, y al resto de colaboradores de Maletak. En el CD aparecen músicos de Galicia, Aragón, Catalunya, Euskadi, Castilla y León…. Esta suerte de “viaje poético y musical” ofrece las colaboraciones musicales de Daniel Do Pando, Ibon Koteron, Oreka TX, José Luis Montón, Josete Ordóñez, Antonio Serrano, Diego Galaz, Germán Díaz y Pedro Lamas, mientras que las letras están firmadas por bertsolaris y escritores como Andoni Egaña, Jon Maia, Mikel Sarriegi y Xabier Sarasola Y aparecen también las voces de Ion Elustondo, Beloki, Imanol Urkizu, Xabi Solano, Eliseo Parra, Amadeu Rosell, Guillem Ballaz, Beatriz Bernard, Rocío Sapiña, Lourdes Escusol, Xabier Díaz… La mayoría de ellas en el último corte del disco. “Alude a las maletas llenas de experiencias compartidas con más de cien amigos que cantan en euskera, castellano, gallego y catalán. Es un encuentro a partir de la pandereta, un instrumento muy desarrollado en la península”, aclaró. Maletak, que está ya a la venta en un cuidado formato de disco-libro, presenta a sus autores con una estética animal, con cabezas de león, lobo, bisonte, tigre… “Me libera un poco esta imagen surrealista. Es un juego de imágenes muy visual y creativo que carece de una explicación clara. Es algo muy plástico”, concluyó ayer el músico de Rekalde.  
1. Ama 
2. Drakian 
3. Arrano Fandangoa 
4. Marea Zumaian 
5. Mikeldi 
6. Errauts Bihotza 
7. Errekarriak 
8. Amilotxa 
9. Trikua 
10. Txipiritona 
11. Sukarrieta
12. Animalizkoak 
13. Gernika 
14. Sandinderi 
15. Pottokak 
16. Mallokuko Sua 
 17. Maletak

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Zomba Prison Project - I Will Not Stop Singing

Follow-up release to the Grammy-nominated album "I Have No Everything Here" by the Zomba Prison Project, once again produced by Grammy winner Ian Brennan (TV on the Radio). Album recordings of inmates at a dilapidated prison in Milawi, Africa. Their recordings have brought international attention to prison injustices.

If you wish to donate to the Zomba Prison Project, please do so at the following link where you can send funds directly to Sister Anna in Malawi via her Paypal account.
www.sixdegreesrecords.com/zomba-prison-project-donations/


1. I Am Done With Evil 02:35 
2. Men Must Repent 00:30 
3. I Will Never Stop Grieving For You, My Wife 03:08 
4. All Is Loss 01:49 
5. Sister, Take Good Care Of Your Husband 01:47 
6. Ambush Of The Slaves 01:52 
7. I Will Not Return To Prison 02:37 
8. Leave My Daughter Alone 02:18 
9. AIDS Has No Cure 01:03 
10. Take Care of Yourself 01:17 
11. Everything Has An Owner 04:50 
12. I Wonder (HIV) 00:27 
13. Protect Me 03:01 
14. Sharing Joy 02:31

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Colin Stetson-Sorrow-A Reimagining of Gorecki's 3rd Symphony

It is only fitting that on Sorrow, groundbreaking, multi-instrumentalist, composer, and improviser Colin Stetson should "reimagine" Henryk Górecki's Symphony No. 3 ("Symphony of Sorrowful Songs"). Górecki's work is itself a "reimagining" of medieval modalism, one that doesn't strictly adhere to its compositional formulae.

Written in the seventies, it signaled Górecki's hard break with serialism. Instead, he composed a minimally harmonic work in three slow, repetitive movements accompanying texts whose themes were loss and grief. The first is a folk lament from Mary the mother of Jesus witnessing his death; the second is a note from a teenage girl to her mother that was scrawled on the wall of a concentration camp prison; the last comes from a folk song, portraying a mother calling out to her lost son killed during the Silesian Uprisings. The 1992 version recorded by conductor David Zinman with soprano Dawn Upshaw is one of the best-selling classical recordings of all time.

Stetson doesn't change Górecki's notation, but he changes the orchestration and tonal palette considerably. Originally written for a 60-piece orchestra, Stetson's 12-player ensemble includes violin, cellos, electric guitars, drums, keyboards, reeds, and mezzo-soprano (Megan Stetson, his sister). In altering the arrangements and instrumentation, he radically shifts the textural, dynamic, and harmonic pillars of Górecki's composition. They underscore its core and uncover a cavernous well of sounds, unsettling, even overwhelming emotions, and a heightened sense impressions.

At over 28 minutes, the first movement is longer than the other two combined. Its simple melody commences with a hushed solo baritone saxophone -- with fingerwork and breathing audible -- followed by more horns, cellos, violin, reeds, synths, tremolo-picked electric guitars, flailing cymbals, and kick drums. A black metal squall ensues and then suddenly vanishes. The lyric restatement introduces Megan Stetson. Her singing is physical, she inhabits the ensemble, articulating the words rather than soaring above them. (Her emotional depth recalls the 1978 debut recording that featured Polish soprano Stefania Woytowicz.) The second movement emerges more gently with strings at the fore. Before long, it becomes a dirge, an elegy the mezzo claims as the rumbling center. The music retreats back toward folk melody briefly, but propulsive tribal rhythms drive the ensemble painted by swarming blurs of electronics; the mezzo rises to respond. In the final movement, trebly, strummed black metal guitars, doom-laden processional drums, walls of noise, ululating reeds, and electronic drones engulf the listener. Megan Stetson's voice is the only element binding the music to earth. But just as crashing cymbals, sweeping strings, cascading keyboards, and circular horns assume the plateau of tension, Megan Stetson's singing breaks it wide open; her voice transforms the entire swell into a spiritually resonant, redemptive acceptance of, and answer to, inconsolable grief.

Sorrow is a radical, challenging reinterpretation of Górecki's symphony, but it is also an accessible one. Stetson and his ensemble deliver a musically diverse, acute, deep reading that underlines its intention as an extended, focused, powerful, and utterly beautiful meditation on unspeakable loss.
http://www.colinstetson.com/sorrow/




TRACK

1 I. Colin Stetson 28:25
2 II. Colin Stetson 10:13
3 III. Colin Stetson 13:45

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Anoushka Shankar – Home

Subido por Marhali.

Home (2015) es el último disco de Anoushka Shankar, editado por el prestigioso sello de música clásica Deutsche Grammophon, una vuelta a las raíces de la música clásica hindú y, a la vez, un homenaje a su padre, el gran Ravi Shankar, que fue el primer músico hindú que abrió la música de su país al mundo. En definitiva, Home es una vuelta a casa y puede considerarse como una antología pura, donde despliega su virtuosismo al sitar y se muestran las cualidades meditativas y virtuosas del raga.

El proyecto, dirigido por ella misma, viene acompañado por unas largas e interesantes notas en las que explica qué es y cómo funciona la música india, su profundidad espiritual y sus formas melódicas y rítmicas, todo en aras de lograr un mayor acercamiento a esta música por parte de las y los oyentes occidentales. Con Home, Anoushka Shankar continúa su viaje explorando formas modernas y frescas de reinterpretar y mantener vivas las hermosas tradiciones musicales de India.

Guru: Raga Jogeshwari
01. Alaap
02. Jod, Jhala
03. Gat in Rupaktaal
Celebration: Raga Manj Khamaj
04. Aochar, Dadra, Teentaal, Coda

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Kélétigui Diabaté - Sandiya (2004)

Kélétigui Diabaté (1931 - 30 de noviembre de 2012) fue un músico de Mali, conocido como un "maestro indiscutible" del baláfon, y como "una de las más grandes figuras de la música contemporánea de Mali"

Kélétigui Diabaté, nació en 1931 en una familia de músicos bien conocidos, y aprendió a tocar la guitarra y el saxofón, así como el baláfon. A finales de 1950, ayudó a formar la Orchestre de la Garde Républicaine (Primera Formación), con la que recorrió África Occidental. Se convirtió en un miembro fundador, a la guitarra, de L'Orchestre National "A" de la République de Mali,, también conocida como Formación A, que se estableció en la independencia de Malí en 1960. Un álbum de la banda fue lanzado tardíamente en Alemania en 1970 por el sello Bärenreiter-Musicaphon.

Luego se unió a Les Ambassadeurs , la banda liderada después de 1972 por el cantante Salif Keita.  Desarrolló su estilo de tocar después de actuar en concierto con músicos de jazz americanos, entre ellos el vibrafonista Lionel Hampton y la cantante Ella Fitzgerald , en 1978 comienza una gira por los EE.UU, patrocinado por la Fundación Rockefeller, y posteriormente, utiliza a menudo dos balafons juntos, compensados por un semitono.



Se reunió con Salif Keita en 1989, realizando el álbum de Keita Ko-Yan, y apareció en álbumes de muchos otros músicos, incluyendo Zap Mama, Ketama y Bonnie Raitt. A partir de 1993, trabaja con la Symmetric Orchestra, dirigida por el maestro de la kora Toumani Diabaté . Entre 1998 y 2009, tocó con la banda del guitarrista Habib Koité Bamada's, participando en el proyecto itinerante del grupo con el Art Ensemble of Chicago, The Art Ensemble of Africa. También grabó su propio álbum, Sandiya, en 2004, con la etiqueta belga Contre-Jour.

Kélétigui Diabaté murió en Bamako en noviembre de 2012 a la edad de 81 años.
Él había estado trabajando hasta un mes antes de su muerte.
Wikipedia

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Spiritu 986

Anxo Lorenzo (n. 28 de diciembre de de 1974) es un músico gaitero orginario de Moaña, que es un municipio situado en la parte meridional de la comarca del Morrazo en la provincia gallega de Pontevedra, en el noroeste de España.

Junto con Pedro González formó el grupo Spiritu 986 cuyo primer disco salió al mercado en 2001 consiguiendo la unánime alabanza de la crítica por la perfecta fusión entre tradición y modernidad, uniendo el sonido de la gaita más ancestral con la más vanguardista producción musical a través de la más moderna tecnología.

Además de su vertiente tradicional, artistas de los más variados estilos han solicitado su colaboración como Mónica Molina, Skape, Chambao, Poncho Ka, Los Feliz, Amistades Peligrosas, Kathryn Tickell o Rory Campbell, logrando una fusión natural de la gaita gallega con el pop, el rock y la música electrónica. También se destaca su trabajo con Lúnasa, Michael McGoldrick, The Chieftains, Daimh, The National Jazz Orchestra, LuigiLai, Diarmaid Moynihan, Brian Finnegan, Xarabal, Om/Off, Tejedor, Angus Mackenzie, Iain MacDonald, Germán Díaz y Celtas Cortos.

https://es.wikipedia.org/wiki/Anxo_Lorenzo





1. Noche De Luna Llena
2. La Sombra Del Lobo
3. Luar "Luz De Luna"
4. Ataque De Panico
5. Vente Vindo "Galicia Rave"
6. Dulce Noche
7. La Ruta
8. El Misterio
9. Santo Spiritu
10. Malela
11. La Sombra Del Lobo (Kadoc Radio Remix)
12. Vente Vindo Galicia Rave (D & D Remix)
13. La Ruta (Wally & Kucho Remix)
14. Malela (Ferrero & Del Moral Remix)

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Barcelona Gipsy Klezmer Orchestra: "Balkan Reunion" (2016) [España]

Al igual que en el anterior trabajo, entre todos se pasean por la música klezmer y gitana, pero sin dejar de lado el mejor jazz manouche o la música romaní. Antes de comentarte algunos de los momentos más destacados del disco te diremos que el precursor y fundador, Robindro Nikolic, ha dejado la formación y que por eso pasarán a llamarse Barcelona Gipsy Balkan Orchestra. Me parece adecuado también pues los sonidos balcánicos tienen cada vez más protagonismo en su sonido multicolor. Además se suman el clarinete de Joaquín Gil y el violín del ucranio Oleksandr Sora. Seguirán tocando sin parar y te podrás informar también en www.aliciaweb.es. Pero vayamos con las nuevas canciones que comienzan con la fiesta zíngara instrumental, ‘Gankino horo’. El saxo del gitano King Feruz Mustafov brilla ya en ‘I barval pudela’ bien acompañado de las voces. ‘Dut agäci’ es un estupendo lento que combina aires gitanos con copla y latir sudamericano y brila el precioso acordeón de Mattia. La turca Nihan emociona con su voz en la lenta ‘Namesto koga roza cveti’. La trepidación y la energía rodea ‘Verka kaludjerka cocek’ con el saxo del gitano mafioso. Regresan la calma y los matices con la reposada ‘Yagmun yagar’ y se despiden con la preciosa y melódica ‘Dobri den’. ¡Toda una fiesta sonora llena de color y calor que se hace más tórrida aún en directo! Tracklist 1. Gankino Horo 2. I Barval Pudela 3. Ferco Cocek 4. Dut Agaci 5. Djelem Djelem 6. Namesto Koga Roza Cveti 7. Mardjandja 8. Verka Kaludjerka Cocek 9. Yagmur Yagar 10. Nocoj Igramo Za Vas 11. Dobri Den 320 k + covers

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Fatou Seidi Ghali & Alamnou - Akrouni Les Filles de Illighadad

Sublime recordings from rural Niger. Two very different sides of Tuareg music - dreamy ishumar acoustic guitar sessions, and the hypnotic polyphonic tende that inspires it. Guitarist Fatou Seidi Ghali and vocalist Alamnou Akrouni lead the troupe, named after the village. Recorded in the open air studio of the desert.





1. Achibaba 02:46 
2. Eliss Wan Anas Douban 03:13 
3. Inigradan 03:16 
4. Erilegh Ifanata 02:54 
5. Telilit 06:24 
6. Tende 17:50

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La caravane passe - Canis Carmina

La Caravane Passe est un groupe de musique français, créé en 2001. Toma Feterman et Olivier Llugany sont les initiateurs du projet, sa musique métissée est un mélange de jazz manouche, de fanfare balkanique, de rock alternatif et d'électro. En 2014, Toma Feterman devient également membre du groupe Soviet Suprem.






1 Le Chien 
2 Klaxon of a bip 
3 La barmaid 
4 La traversée du désert 
5 Baba (feat. Rachid Taha) 
6 Joselito 
7 Bulibasha (DJ Click remix, feat. Erika Serre & Marko Marković) 
8 Cocooning on da bivouak style (Tom Fire remix) 
9 I wanna be your slave (DJ Tagada remix) 
10 Perdu ta langue (S.O.A.P. remix, feat Rachid Taha)

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Kiran Ahluwalia – Sanata: Stillness

Subido por Marhali.

Sanata: Stillness (2015) es el nuevo trabajo de Kiran Ahluwalia, creando al frente de su sólida banda un sonido transcultural e innovador a la vez que contemplativo y seductor para el baile. Grooves paquistaníes se aunan con ritmos de raga hindú y se fusionan de manera natural con los hipnóticos blues saharianos y el concepto improvisatorio del jazz occidental.

Gracias a un encuentro casual con los legendarios Tinariwen, Kiran quedó fascinada por las guitarras tuareg del desierto del Sahara. Después de estudiar estas y otras músicas de África Occidental, quedó convencida de que tenía que añadir a sus ideas compositoras sus ritmos adictivos, hipnóticos y cíclicos. El resultado fue el extraordinario Aam Zameen: Common Ground (2011), con la participación de los malienses Tinariwen y Terafakt.

En Sanata: Stillness esta influencia se sigue dejando sentir, encontrándonos un buen híbrido de la música indo-sahariana, una especie de síntesis de música de India, jazz y los sonidos subsaharianos, todos aderezados con un estilo únicamente suyo. El resultado carece de temporalidad y fronteras, entrando en un contexto global y moderno que abarca el futuro pero se mantiene con sólidas raíces en la tradición.

01. Hayat
02. Jaane Na
03. Sanata
04. Tamana
05. Hum Dono
06. Jhoom
07. Taskeen
08. Qaza
09. Lament

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Seckou Keita - 22 Strings

Subido por Marhali.

Después de su sublime álbum Clychau Dibon, con la arpista galesa Catrin Finch (que ganó el premio "Cross-Cultural Collaboration" de los Songlines Music Awards de 2014), Seckou Keita presenta su nuevo disco en solitario: 22 Strings (2015), las de su ancestral instrumento, la kora, gracia de meditación y elegancia consumada.

El título 22 Strings hace referencia a un cuento sobre la kora, que tiene 21 cuerdas. Según una vieja leyenda, cuando los espíritus (djinns) de la selva africana dieron la primera kora al griot Jali Mady "Wuleng", ésta tenía 22 cuerdas. Cuando Jali Mady murió, sus compañeros griots tomaron una cuerda en su memoria. En su lugar de nacimiento en el sur de Senegal y Guinea Bissau, la kora de 22 cuerdas ha sobrevivido, dando ventajas especiales en términos de alcance tonal. Para Seckou Keita, esta cuerda adicional representa el hogar, el lugar donde reside su corazón.

Seckou nos muestra la kora en su pureza, un instrumento maravilloso que puede llevar al espíritu humano a un lugar de meditación profunda, quietud y belleza. Como botón de muestra, el tema que cierra el álbum ("Future Strings in E", que también aparecía en Clychau Dibon), un escaparate impresionante de la inventiva de Seckou en estas veintidos cuerdas.

01. The Path From Gabou
02. N'Doké (Little Bro)
03. Mikhi Nathan Mu-Toma (The Invisible Man)
04. If Only I Knew
05. Alpha Yaya
06. Kana-Sila
07. Tatono
08. Mandé
09. Abdou N'Diaye
10. Future Strings in E

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Noura Mint Seymali - Arbina

Noura Mint Seymali hails from a Moorish musical dynasty in Mauritania, born into a prominent family of griot and choosing from an early age to embrace the artform that is its lifeblood. Yet traditional pedigree has proven but a stepping-stone for the work Noura and her band have embarked upon in recent years, simultaneously popularizing and reimagining Moorish music on the global stage, taking her family’s legacy to new heights as arguably Mauritania’s most widely exported musical act of all time. Gamely wielding the griot’s idiom, a form itself distilled from centuries of trans-Saharan musical knowledge, Noura Mint Seymali’s sound as heard on this record carves out a unique position in the musical cartography of West Africa, at once her country’s leading proponent of the avant garde and yet a rigorously devoted tradition-bearer.

Arbina is Noura Mint Seymali’s second international release. Delving deeper into the wellspring of Moorish roots, as is after all the tried and true way of the griot, the album strengthens her core sound, applying a cohesive aesthetic approach to the reinterpretation of Moorish tradition in contemporary context. The band is heard here in full relief; soaring vocals and guitar at the forefront, the mesmerizing sparkle of the ardine, elemental bass lines and propulsive rhythms swirling together to conjure a 360 degree vibe. Arbina refines a sound that the band has gradually intensified over years of touring, aiming to posit a new genre from Mauritania, distinct unto itself; music of the “Azawan.”

Supported by guitarist, husband and fellow griot, Jeiche Ould Chighaly, Seymali’s tempestuous voice is answered with electrified counterpoint, his quarter-tone rich guitar phraseology flashing out lightning bolt ideas. Heir to the same music culture as Noura, Jeiche intimates the tidinit’s (Moorish lute) leading role under the wedding khaima with the gusto of a rock guitar hero. Bassist Ousmane Touré, who has innovated a singular style of Moorish low-end groove over the course of many years, can be heard on this album with greater force and vigor than ever before. Drummer/producer Matthew Tinari drives the ensemble forward with the agility and precision need to make the beats cut.

Many of the songs on Arbina call out to the divine, asking for grace and protection. “Arbina” is a name for God. The album carries a message about reaching beyond oneself to an infinite spiritual source, while learning to take the finite human actions to necessary to affect reality on earth. The concept of sëbeu, or that which a human can do to take positive action on their destiny, is animated throughout. While final outcomes rest in the hands of the creator, the duty to use one’s capacities as a human to work towards our hopes and highest intentions roots us in life and relationship to God. The title track ‘Arbina’ applies this concept to specifically empower women in their decisions about preventative healthcare. It advocates for the concrete task of early screening to prevent breast and uterine cancer, sickness that claimed Noura’s own mother at a premature age, while offering an appeal to the ultimate benevolence of God. “Ghizlane” invokes the concept through metaphor, describing the elusive nature of our dreams and the innate obligation to follow. “Richa” reflects of the power of music as a vehicle.

Lyrically, the Moorish griot tradition is complex and associative. Poetry is held in a continuum between author and audience in which a singer may draw on disparate sources, selecting individual lines here or there for musicality to form a lyrical patchwork expressing larger ideas via association. A griot may relate her own thoughts and poetry, sing poetry written for and about her by a third party, and transmit lines from one party addressing another in the course of a single song. With this ever-fluid narrative voice, stories are told.

Arbina is a musical act of devotion, calling upon the creator to channel grace through us and uplift our actions.

http://www.nouramintseymali.com






1 Arbina 3:47 
2 Mohammedoun 4:49 
3 Na Sane 2:57 
4 Suedi Koum 3:14 
5 Richa 5:15 
6 Ghlana 3:44 
7 Ghizlane 4:39 
8 Ya Demb 4:09 
9 Soub Hanak 3:54 
10 Tia

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This is Kologo Power! - A Bolgatanga Ghana Compilation

This Is Kologo Power!

Various Artists

MR 16 LP 2016

Atamina - Ghana Problem (Mind Your Own)

In 2014 I played on the launching of King Ayisoba's V-CD "Kologo Spirit" at the cultural center in Kumasi, Ghana. The event started at three o'clock in the afternoon with a local children circus, then DJs and then a drumming group from the North East Region of Ghana, the region where kologo music is from. Around six the first kologo player entered the stage and the open-air theatre was filled with about two-and-a-half thousand people, mostly Frafra (the popular name for people from the North East Region and the name of their language). Many kologo players followed that night, which went on until three in the morning. I must have seen about twenty for sure. But backstage there were more guys who didn't even make it to the stage but were playing anyway, backstage, outside and around the scene. Ayuune Sule, Sambo, Stevo, Guy One and of course King Ayisoba played, the audience was amazing, lots of people entered the stage throwing money at the musicians, others came to dance, the night was seriously on fire. It was one of the most amazing musical events I have ever attended.
Ayuune Sule and King Ayisoba told me later there are more than eighty-five kologo players already in and around Bolgatanga, the capital of the North East Region. And two years later I was going to see more. In January 2016 King Ayisoba invited me to Ghana again to join in on his "Batakari Festival" ("batakari" is the name of the traditional cloth many of the kologo players wear). One night in Accra and one night in Bolgatanga and I sure did hear and see many more kologo players and not only on those festival nights. Also in the pito-bars ("pito" is a traditional drink based on fermented millet), cafes, FM stations, houses and studios and at a traditional funeral in Bongo (a village near Bolgatanga) I saw lots of amazing kologo players. 

 

The idea of making a compilation had been discussed on our European tours already a few times. In the van we listen almost solely to kologo music and there is no lack of great tracks. So together we started picking out the tracks we really liked. There was one dogma: "no computer beats". King Aysioba wants to show what is the real kologo power and that is made by, as he calls it: "man power".
Most of the tracks are recorded in studios in Ghana. Some are sung in Frafra, others in pidgin English. Some are with a live band and some are just solo kologo and voice. But all songs represent a force and unveil a very strong musical power. The connection between kologo music and (delta) blues has been made more than once and that resemblance is not written on ice; the personal and the social messages, the strong rhythms, the push that this instrument - with only two strings spanned over a goatskin on a calabash - can give to people to make sure they do not ignore the dance floor, all that makes it worth the work and effort of making at least one kologo compilation.
So in January 2016, when meeting all the kologo players, I had the chance to take pictures and do interviews with everybody. Which you find on the insert. And you should know this is just a tip of the syncopating savannah iceberg, but it's a good start I think.

Arnold de Boer, Amsterdam, March 2016.

tracklist

• 01 King Ayisoba - Africa
• 02 Ayuune Sule - Who Knows Tomorrow
• 03 Agongo - I Am Suffering
• 04 Prince Buju - Afashee
• 05 Atimbila - I Have Something To Say
• 06 Atamina - Ghana Problem (Mind Your Own)
• 07 Amoru - Yaaba
• 08 Barnasko - Nsoh Yaaba
• 09 Asaa Naho - Home Witches
• 10 King Ayisoba - Nerba

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Legend Of Funan-The Forbidden Music Of The Cape Verde Islands

Cabo Verde es el más conocido para las baladas melancólicas morna de finales de Cesaria Evora, pero eso no es la única buena música en las islas. Funaná es un estilo vehemente, a base de acordeón que se desarrolló de la música de los esclavos africanos en las comunidades rurales, y fue prohibida antes de la independencia en 1975 debido a que los colonialistas portugueses consideran las canciones para ser subversivo.

Victor Tavares, más conocido como Bitori, fue uno de los mejores exponentes, aunque la estrella de acordeón no recibir todo el año a la grabación hasta 1997, cuando fue acompañado por la joven cantante exuberante Chando Graciosa, con la conducción bajo y batería que proporciona ahora el ritmo sección en lugar de la tradicional Ferrinho, una barra de metal raspado. Su música se hizo popular en los clubs de baile urbano gracias a canciones hipnóticas, pisando fuerte como Cruz Di Pico o Didi Di Rez, y ahora estas grabaciones célebres están siendo relanzado como Bitori se prepara para su primera gira europea.




Cara 1 

1. "Bitori Nha Bibinha" (5:36)
2. "Rabelado" (5:18)
3. "Cruz Di Pico" (5:42)
 4. "Cabalo" (5:27)

Cara 2 

1. "Munana" (4:19)
2. "Natalia" (5:07)
3. "Julinha" (4:59)
4. "Didi Di Rez" (5:19)

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Anna Sato - Wanshima (2008)

En este nuevo álbum, se puede disfrutar plenamente de los raros talentos vocales de Anna.
Wanshima comienza, con su voz algo así como el rugido de un guerrero, Anna nos arrastra a un lugar que nunca hemos estado antes. Es un nuevo mundo de sonido asiático.En su voz, vive el espíritu de las Islas Amami.
Es casi imposible describir su expresión vocal con palabras, tal vez "prehistórica"
Es la voz de un espíritu puro, alimentado con el instinto y la vida, antes de que nacieran las palabras.
Greg Mathieson, un músico respetado en la escena musical de Los Ángeles, proporcionó los arreglos para la canción del título "Wanshima".
Lyrics: Anna Music: Kazumasa Yoshioka
Arrangement: Greg Mathieson, Hiroshi Nagashima



1. Wanshima
2. Kanashaya
3. Harvest Moon
4. Neriyakanaya
5. Ikyunnyakana-Bushi
6. Matsuri
7. Kurudando-Bushi
8. Wanshima Another Version

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Vieux Kanté - The Young Man's Harp

Malian ngoni player and bandleader Vieux Kante died in 2005, aged just 31 years. Kante was on the cusp of international breakthrough and in the process of reinventing the way the ngoni is played. His genius was to find a way of playing sharps and flats on the pentatonic instrument, vastly increasing its harmonic possibilities - including allowing him to play the flattened thirds, diminished fifths and flattened sevenths that are the signature tones of jazz and blues.

Blind from childhood, Kante was bursting beyond Malian tradition from the get-go. In 1987, aged 13, he added two additional strings to the ngoni’s six. In 1997, he graduated to 10. In 2000, to 12. With each step, the instrument’s range was extended.

Shortly before he died, Kante and his six-piece band recorded the album which Sterns are releasing as The Young Man’s Harp. Kabadjan Diakite adds vocals to three of the seven tracks. It’s a blinder: the calling card of an acoustic musician who seemed destined, in his own way, to be as powerful a force for change as Jimi Hendrix was on the electric guitar decades earlier. No-one else has yet stepped up to the mark. The Young Man’s Harp delivers much, but also reminds us how much more we have been denied by Kante's early death.

Words by Chris May



01. Sans Commentaire 7:08 
02 Lambanco 6:34 
03 Fatoumata 5:06 
04 Saradia 5:10 
05 Sinamon 6:20 
06 Nafolo 7:26 
07 Kono 6:10

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Ablaye Cissoko - Kano Mbifé (Ep´s - I-II)

EP Kano Mbifé 4 titulos provenientes de su aclamado album "Mes Racines"
EP album "Kano Mbifé 2" Compuesto por nuevos tracks y rarezas

Kano mbifé Ep1
01. Champion (04:36)
02. Kano mbifé (03:02)
03. Kano (04:41)
04. Kimintang (04:28)

Kano mbifé Ep2 (feat. Mishra)
01. Kano mbifé, pt. 2 (03:01)
02. Niani (03:56)
03. Keurgui (03:02)
04. Salwato (03:59)

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