Posiblemente el contrabajista más asombroso en el mundo, Renaud García-Fons es conocido por su virtuosismo apabullante, su sentido melódico mediterráneo y su sonido con arco parecido a una viola. Antiguo estudiante particular del legendario bajista sirio François Rabbath, García-Fons no sólo se encuentra bajo la inflluencia del jazz y la música clásica, sino también del flamenco, del nuevo musette, del tango, de las tradicionales celtas, Andaluzas, africanas, latinoamericanas, árabes e indias. Su arte único condujo a muchas excitantes y acertadas colaboraciones con otros músicos de mente abierta como Rabih Abou-Khalil, Michael Riessler, Dhafer Youssef, Nguyên Lê, Gérard Marais, Pedro Soler, Cheb Mami y Michel Godard.
García-Fons nació en la región parisina en 1962 en una casa artística. Siendo de origen catalán, la afinidad de García-Fons por la cultura española y oriental es comprensible. A principios de los años 80 se matriculó en el Conservatoire de la Ville de Paris, donde estudió con Jean-Pierre Logerrot. A partir de 1987 y hasta 1993 fue parte del único conjunto de bajistas francés L’Orchestre de Contrebasses antes del comienzo de su tour como un solista que condujo a la emancipación plena de su instrumento. “He desarrollado una nueva lengua para él”, dice Garcia-Fons, “parece ser en algún momento, una guitarra española por el tipo de rasgueo, luego sonando como un guembri, el bajo de los beréberes, o de nuevo puede sonar como una viola o un violín persa”.
1. Sueño Vivo
2. Crístobal
3. Entremundo
4. Mahoor
5. 40 Días
6. Entre Continentes
7. Mursiya
8. Rosario
9. Doust
10. Sareban
11. Aqâ Jân
Tambolero es el "nuevo" trabajo de la cantante Totó la Momposina, considerada tesoro cultural de su país. Desde la década de 1970 ha estado cantando y bailando a la música de la costa caribeña de Colombia en los escenarios de todo el mundo.
Su álbum La Candela Viva, que grabó para Real World Records de Peter Gabriel en 1993, fue su disco debut, a nivel internacional, pese a ser una artista con mucha experiencia en los escenarios, un estallido definitivo de la vibrante mezcla de influencias africanas, indígenas y españolas que componen el majestuoso sonido de su tierra a lo largo de la costa del Caribe.
Su última colección, Tambolero, es una recreación de ese álbum seminal.
Revisando las grabaciones originarias, el productor John Hollis descubrió más de 20 canciones que no habían sido utilizadas. Para esta nueva producción se restauraron las cintas originales, se llevaron a formatos digitales y se reeditaron y mezclaron. También se agregaron algunos instrumentos y se reforzaron los coros con la voz de dos nietas de Totó, Mª del Mar y Oriana Melissa Hollis.
Tambolero es otra manifestación artística definitiva de una artista que acaba de entrar en su 75 aniversario llevando sesenta y siete como intérprete.
01. Adiós Fulana
02. El Pescador
03. Chi Chi Mani
04. Curura
05. Gallinacito
06. La Sombra Negra
07. Dame la mano Juancho
08. La Candela Viva
09. Dos de Febrero
10. Malanga
11. La Acabación
12. Tambolero
Ayub Ogada es uno de los mejores músicos de Kenia, un cantante intimista y exponente de la lira nyatiti que ha disfrutado de una carrera extraordinaria. En la década de 1980 ejercía como músico callejero en el metro de Londres. Posteriormente, captó la atención del Real World de Peter Gabriel, grabó el álbum (considerado un clásico) En Mana Kuoyo en 1993 y ejerció de telonero de la gira para Europa de Gabriel.
Ahora reside de nuevo en Kenia, donde grabó este nuevo álbum Kodhi (2015) con el productor y guitarrista Trevor Warren que, en 2012, se trasladó con un equipo móvil para realizar la grabación. Ogada le gusta interpretar al aire libre, y viene acompañado por un pequeño grupo que añaden guitarras, bajo y percusión (Dudley Phillips y Hossam Ramzy), junto con los sonidos ambientales que se recogen en las grabaciones. Un conjunto que resulta de un relax exquisito con secciones que suenan como un alegre ensayo o a jam session, donde destaca su voz suavemente hipnótica junto con los riffs solos de su querida lira. Un trabajo esperado que posee la misma simplicidad transparente que hizo de su disco anterior un elemento básico de las compilaciones de world music desde 1993.
01. Dero
02. I Para Ango Yawa
03. Kodhi
04. Otenga
05. Waritarita
06. Harmonic
07. Conversation
08. Funeral
09. Extreme
10. Traditional
11. A Prayer
Conocida después del éxito conseguido con la formación, L’Ham de Foc, uno de los nombres más aclamados surgidos de la escena española en la primera década del siglo XXI y de haber dado conciertos por todo el mundo desde 1995 incluyendo toda Europa, Noruega, Marruecos o China representando las músicas de raíz tradicional, el repertorio sefardita y proyectos de composición propia.
Dos décadas durante las cuales ha investigado y cantado músicas turcas, griegas, occitanas y músicas antiguas, medievales y sefardíes, que han dejado como resultado casi una veintena de discos propios de excelente factura merecedores de premios y reconocimiento por parte de público y también de medios especializados.
Ha realizado, además, colaboraciones con grupos de la talla de ensemble Speculum, Oni Wytars o ensemble Unicorni. Mención, a parte, merece su trabajo con Capella de Ministrers con los cuales graba ‘Los viajes del Tirant lo Blanch’,’El ciclo de la vida’, ‘La cité des dames’ y ‘su último trabajo en torno a la música judeo-española, grabado en el Palau de la Música en directo
Artaica propone una visión inédita y contemporánea de la Tradición, habiéndola hecho evolucionar de manera sutil, partiendo de la premisa del culto y respeto a la belleza.
Mara Aranda, refleja en este trabajo el equilibrio entre la fuerza del dramatismo de los registros tradicionales y la poética de un estilo más depurado y elegante, cediendo en su discurso vocal un amplio espacio a la parte instrumental, desarrollada y ricamente expuesta por Sergi Rajadell (piano), Agustí Vidal (clarinete y violín) y Xavi Folch, contrabajista y director de la formación.
Tradición y contemporaneidad, se dan la mano para crear un clima de elegancia y armonía que en su periplo crean un sonido único, a la vez de raíz y de modernidad, dotando al trabajo de un homogéneo concepto global, sólido y de máxima calidad .
1 - Picaina 2 - El cos en dos 3 - El mariner 4 - Lustige Asidim 5 - L'hereu Riera 6 - Havanera dels peixets 7 - La Dama d'Aragó 8 - Flors per demà 9 - Nits cosides
"Wolf Totem" is a boundless adventure into music. Starting from its first, title song, it's a fascinating combination of traditional Mongolian music and western-styled electronica, even electric rock ("Distant place"). It reminds a little of a fantastic Finnish band, Kemopetrol, because both bands know no musical boundaries. Any ideas, any instruments, any moods are fine, as long as they serve the album.
There really is no sensible way to describe Haya's music on "Wolf Totem" - it's beyond any genres. Yet, it's strong, melodic, powerful, both very Mongolian, very much world music - and, sometimes, even pop-like in a good way. There are surprises everywhere. Few if any western bands could create music quite like this: a real musical synthesis of East and West.
Although quite different, the sequel "Silent Sky" is also a must for anyone interested in great music out of the ordinary. On that album, fantastic young vocalist Daiqing Tana sings on all tracks whereas on "Wolf Totem" band's men dominate on vocals. Highly recommended!
01. Wolf Totem
02. Lucky Bird
03. Mongolian forefathers
04. Lonely
05. Snow-capped mountain
06. Endless walker
07. Deep in grasslands
08. Young camel
09. Mother
10. Distant place
La música popular de la Península Ibérica ha recibido un impulso revolucionario en las últimas décadas. Auténticos guerrilleros culturales decidieron echarse al monte para reencontrar las fuentes primigenias y, emborrachándose con sus jugos esenciales, empapándose de arriba abajo de formas, usos y costumbres, con paciencia de ratón de biblioteca, trocar todo ese bagaje de siglos en una amalgama valiosa desde la que comenzar a construir algo absolutamente nuevo que, partiendo de la tradición, pudiera conformarse como el folklore hispano del siglo XXI.
Y Carles Dénia es uno más entre ellos. Su apuesta particular consiste en recuperar la música de los Países Valencianos y presentárnosla con otra mirada: fresca, luminosa y excitante. El paradís de les paraules es hasta ahora su último proyecto discográfico y en él, Carles se muestra como un cantaor emocionante que recupera un estilo de cante original y, lo que es más importante, misteriosamente olvidado en el resto de la Península. Porque sólo el maestro Miquel Gil (tras la labor pionera de Al Tall) había sabido transmitirnos esa fuerza atávica, esa mezcla de cante hondo (que no jondo, aunque también…) y sentimiento desnudo del que Carles es su mejor heredero.
Pero la fuerza real de Carles Dénia está escondida en su música, esa atractiva fusión de elementos en la que destaca el jazz, marcadas gotas de flamenco y un incondicional amor por la canción popular (con ese cante d’estil que marca a fuego su personal sello). Una explosiva renovación de formas para recuperar la poesía del Al-Andalus valenciano entre los siglo XI y XIII, objeto de ese paraíso de las palabras reivindicado en su disco. Poetas del Levante hispano, como Marj Al-Khul, Ibn Lubbun, Ibn Yanniq o Ibn Al-Abbar que han sido adaptados por otro poeta de Gandía, Josep Piera, en textos vivos que trascienden el espacio y el tiempo en las canciones de un álbum que es como un tesoro que se hubiera desenterrado del áspero terreno del olvido. Ahí está parte del mérito de Carles Dénia, un gran artista (sin olvidar a su estupendo grupo, La Nova Rimaire) que ha sabido hallar la aguja en el pajar: recuperar lo mejor de una quasi olvidada cultura popular valenciana y darle una visión moderna, hermosa y viva. http://mimundocultura.blogspot.com.es/2014/05/el-paradis-de-les-paraules-carles-denia.html
Carles Dénia – voz, guitarras, palmas Albert Sanz – piano, teclados Efrén López – cuerdas, guitarra eléctrica fretless Tóbal Rentero – cuerdas, charango Mario Mas – guitarra, laúd Aleix Tobias – bateria y percusiones Guillem Aguilar – bajo
01. Tot i que em creia fort i ferm com una roca 2:40 02. Era un jonc emocionat 4:15 03. Quina plaent vesprada al llit 4:58 04. Si de vora meu un dia 3:43 05. 12:10 a.Valencians, quin goig el vostre b. Flor estranya 06. Benvingunda siga l’estança 3:45 07. Deixeu-vos de retraure’m les passions 2:56 08. Mira aquesta panerola de gesmils 2:40 09. Riu que de tan bell 2:42 10. Seguiu-me al desert, amics 3:36 11. Com si fos argent 4:16 12. Per sempre més adéu a la terra estimada 1:35 13. Bonus track: Del desti en tinc prou de saber 3:20
Un viaje al corazón de África, a las raíces ancestrales de Blues. Un regreso a casa como éste, que habla al alma y respira autenticidad. Ismaël Lô, Salif Keita, Omar Pene, Sékouba Bambino, Africando o Boubacar Traoré, las estrellas más grandes del continente africano compartirán una selección de obras impresionantes, muchos inéditos. Una compilación de emociones! Mira, mira, el Blues y el arte de los griots son uno.
‘GOTRASAWALA’ significa ‘reunión global’, y describe el fascinante encuentro entre músicos de Oriente y Occidente. La compositora e intérprete de músicas del mundo Ana Alcaide trabaja junto a destacados músicos de Java Oeste (Indonesia), buscando nuevas ideas y estructuras, fusionando formas occidentales con instrumentos y patrones de la música tradicional sundanesa. http://www.anaalcaide.com/shop/ana-alcaide-tales-of-pangea-gotrasawala-ensemble
Ana Alcaide is a Spanish singer, composer and producer whose varied musical background enables her to produce a fusion of cultures in her music. Her concerts feature rich, international sound worlds and a variety of instruments that transport audiences and open portals to ancient traditions. Tales of Pangea is a cross-cultural collaboration between Ms. Alcaide and traditional Indonesian musicians. The album combines Anas music with Sundanese lyrics and traditional Indonesian instruments.
Neshama Carlebach (born October 9, 1974 in New York) (נשמה קרליבך), daughter of the Jewish singer-songwriter Rabbi Shlomo Carlebach, is a singer, the protégé of her late father.
Neshama Carlebach began training as a singer and actress at the age five and began singing with her father, Shlomo Carlebach, at 15. She began her professional career soon after her father's death in 1994.
Her full name is said to be "Esther Neshama Tehora Shlucha" (a pure soul that descended to this world).
Carlebach performs in a number of venues, including Jewish Community Centers, synagogues, Hillels, clubs, and summer camps worldwide. She also performs alongside The Green Pastures Baptist Church Choir singing Reb Shlomo's Hebrew and English collaborations.
From the moment I was old enough to know I was alive, I knew I wanted to
perform. I trained as a singer and actor from when I was five years
old, and began singing with my father, Rabbi Shlomo Carlebach, of
blessed memory, when I was fifteen. Never in my lifetime did I imagine
that I was developing the strength, knowledge and skill to follow in his
footsteps. I began my singing career three weeks after I lost my
father, my best friend. At first I felt compelled to sing, knowing in my
heart he would have wanted me to. The beginning was a time of great
sorrow, as I traveled around the world singing for thousands of people,
all of us unable to accept the fact that we would never again be in his
holy presence.
In 1996 I met my producer, pianist David Morgan. He
changed the way I listened to the music all around me as we began to
arrange my father’s songs together and to collaborate. When I started to
compose I discovered that by singing I was not only continuing in my
father’s way but was accomplishing my own life‚s work as well. The high
moments on stage with my bandmates, my brothers David Morgan, Brian
Glassman, Mat Gurman and Jake Jacobs, give me the deepest inspiration.
I
perform concerts in a variety of different venues ranging from JCC’s,
synagogues, Hillels, clubs, and summer camps all over the world. In
addition to the regular performances, I also do Shabbaton’s where I
teach and tell stories. I enjoy this aspect of my work immensely. It
tends to be more intimate than the usual concert and it gives me the
opportunity to talk and connect to my audience in a different way. I
hope that through my teaching about different Jewish issues and telling
stories about how different Rebbes and holy people of the past lit the
way to clarity and peace, I can give people a taste of how beautiful it
is to love and be close G-d. To be close to G-d gives meaning to
everything in life and in a very simple way, gives people the hope to
continue dreaming.
My father always said that when we sing, it‚s
like we’re praying twice. When I am on stage I experience prayer in the
deepest sense. In this crazy world, sadly enough, people often are too
afraid to feel. We too terrified to open our souls to our deepest
prayers, yet so broken at all we are missing inside. Somehow, when we
don‚t have the words to express all that we need, music says it for us.
Music can somehow break our hearts and allow us to feel so whole all at
the same time.
This miracle is what I feel when I sing. I thank
G-d every moment of my life that I have the honor of praying and singing
with the people I meet all over the world. I thank you all for your
love and support and for giving me the chance to live my dreams. May we
all have the courage to keep singing...
El Mutakallimûn (Masters Of The Word) (2015) es el último trabajo de Souad Massi, dedicado a grandes poetas árabes (desde Al Andalus hasta el siglo XX), diez canciones que son diez poemas que, pese a la belleza de sus versos, pocas veces han sido traducidos. Poemas que hablan de la libertad, el amor, la rebelión y la vida.
El presente trabajo es el resultado de un proceso de descubrimiento personal de Souad que le llevó a conocer la Córdoba de Al Andalus y su legado, la ciudad más poblada y sofisticada de la Europa Medieval. Pero no fue el legado de matemáticos, astrónomos, juristas, teólogos, filósofos y poetas lo que le asombró, ni sus suntuosos palacios, mezquitas, sinagogas, iglesias y baños públicos, ni su biblioteca de medio millón de libros -la más grande de Europa en aquel momento-. Fue el hecho de que durante siglos, las religiones judía, cristiana e islámica convivieron en relativa paz y armonía bajo el dominio musulmán.
En Al Andalus, la aplicación de la razón y la lógica para la mayoría de los temas básicos de la vida –la libertad, la naturaleza de la existencia, la naturaleza de Dios y de la fe- era el propósito de los estudiosos de la "kalam" o "el discurso" ("mutakallimûn" en plural). Científicos, filósofos, geógrafos, historiadores, matemáticos y poetas, todos podrían ser considerados mutakallimûn o "maestros de la palabra". Celebraban asambleas donde el conocimiento, el pensamiento y la habilidad verbal eran altamente apreciadas. En estos crisoles del discurso y de la interacción confiada se forjó la riqueza intelectual de Al-Andalus.
Esta revelación da a luz a su impulso: "Estaba harta de todas las imágenes asociadas con el mundo árabe en general", dice Souad. "Quería rendir homenaje a estos mutakallimûn porque nos dejaron muchas cosas hermosas. Quería compartir todo esto con la gente que realmente no conoce la cultura árabe", celebrar la gran literatura árabe clásica y recordar al pueblo árabe de hoy sus orígenes, su historia, su cultura antigua, la lucha contra la tiranía y la opresión.
Así que eligió sus medios: la música, la caligrafía y la poesía. Para componer y traducir las diez canciones (que también se explican por diez grafías), Massi ha necesitado la ayuda de algunos expertos en poesía árabe clásica, ya que su origen es bereber y su formación es principalmente bereber y árabe Chaabi.
Para Souad Massi, la Poesía es fundamental, ya que es acción, es el poder de la palabra que da fuerza a las acciones de los hombres y de las mujeres. Y la poesía árabe, que siempre ha jugado un papel de liderazgo en toda la producción literaria árabe, desde antes de la llegada del Islam (hoy en este momento de dolor, confusión y desinformación que rodea el mundo árabe) puede continuar desempeñando un papel esclarecedor. Un retrato de la filosofía del amor, la paz y la tolerancia del Islam.
01. Bima El´Taaloul – What Is There To Feel Happy About?
02. Lastou Adri – I Do Not Know
03. Ayna – The Visit
04. Hadari – A Message To The Tyrants Of The World
05. Sa´imtou Takalifa Al Hayati – I Am Tired
06. El Houriya – Freedom
07. Faya Layla – I Remember
08. El Khaylou Wa El Laylou – The Horse And The Night
09. El Boulbouli – The Sound Of The Whistling Nightingale
10. Saàïche – The Song Of The Powerful
Landing on the Windham Hill label, Samite (having dropped the "Of Uganda" from his name several years back) offers a collection of songs inspired by his return to the African continent after approximately a decade of residence in the U.S. as a political refugee. The music is largely in keeping with his introspective folk style, but this time, several prominent Windham Hill artists make appearances, including Will Ackerman, Michael Manring, and Tuck & Patti's Patti Cathcart. The results are an intriguing fusion of African pop and new age whose sound actually leans more toward the latter.
Samite Mulondo is at once a refugee and a pilgrim, a wanderer with as many homes as his music leads him to enter. He sings in a bright, sweet tenor; accompanied by his extended family of thumb pianos and percussion instruments that have come to him at different points during his travels. His demeanor is austere and remote when he is confronted with strangers one-on-one and he is unclear about their motives. Yet, he is relaxed, open, and lovable when facing huge crowds from the stage, safe within his art and protected by his beloved instruments. Up close, the latter impression turns out to be by far the more accurate one, as he tells his difficult and inspiring tale with grace, warmth and wit.
1 Tindiba 4:19
2 Esawayo 5:52
3 Bring Back The Music 3:52
4 Old Man's Wisdom 4:00
5 Sala Endongo 3:47
6 Stars To Share 6:12
7 Cradle With Love 3:42
8 Having A Good Time 6:05
9 Siwa 4:53
10 I'll Be Strong 3:27
11 Mountains Of The Moon 3:40
12 Night Stories 5:41
4 años en la fabricación, en colaboración con Teranga vencer a la etiqueta que lleva actual de la música senegalesa, África analógica ofrece con orgullo una idea de las aventuras musicales que estaban teniendo lugar en las principales ciudades de Senegal durante los años 60 y 70. Esta compilación, refleja las fusiones únicas de Funk, Mbalax, son cubano y sonidos de guitarra Mandigue que transformó Dakar en las ciudades más sorprendentes del oeste de África.
Todo comenzó en 2009, cuando Adamantios Kafetzis viajó desde Grecia a Senegal con una nueva máquina de cinta de la marca que utiliza para digitalizar los tesoros musicales que había descubierto en la ciudad de Thiès. Estos tesoros tomaron la forma de cintas de carrete, y que habían sido registrados por el ingeniero de sonido Moussa Diallo, que había pasado las cuatro décadas anteriores inmortalizar, en cinta magnética, las bandas que actuarán en su club, el legendario Sangomar.
300 canciones senegaleses que nadie nunca había oído antes fueron descubiertos - cinco de ellos fueron seleccionados para esta recopilación.
Gracias a su historia de influencias externas, Senegal - el punto de África occidental - se había convertido en un crisol musical. Marineros cubanos y estadounidenses habían traído son montuno de Cuba, Jazz de Nueva Orleans y melodías soul americano: sonidos que fueron rápidamente abrazaron y adoptados por orquestas de baile urbano e intuitivamente se fusionaron con los estilos de música locales.
Una banda en particular, se destacó en esta fusión. 1960 marca la formación de Star Band de Dakar, un hito que dejó una huella indeleble en el paisaje musical de Dakar. De hecho, todo el país estaba pronto ranurado a su mezcla embriagadora de los ritmos afrocubanos y Wolof de lengua letras.
La década de 1970 trajo una nueva generación de bandas estelares; Le Sahel, Orchestre Laye Thiam, número uno de Dakar, Orquesta Baobab, Dieuf Dieul de Thies y Xalam1 que fusiona instrumentos de percusión senegalesa tradicionales, Sabra, Tama y Bougarabou con órganos y teclados, dando nacimiento a nuevos híbridos. La fusión de lo folclórico y lo experimental, estos sonidos, abrazado por los jóvenes, tomaron el centro del escenario y dio la música cubana previamente dominante un plazo para su dinero.
Con esta explosión de creatividad musical y artística, impulsado principalmente por la visión moderna del presidente Senghor, Dakar comenzó a atraer a estrellas internacionales. The Jackson Five, James Brown, Tabou Combo (Haití), Celia Cruz (Cuba) y una serie de estrellas africanas como Tabu Ley Rochereau (Congo), Manu Dibango (Camerún) y Bembeya Jazz (Guinea) se unieron con la escena local, improvisando jam sessions y trayendo nuevos sabores a una escena de la música que estaba siempre abierto a nuevas inspiraciones e influencias. Johnny Pacheco inmortalizó su pasión por la ciudad con una canción llamada "Dakar, Punto Final".
"Om" es un CD de referencia. Unidas la interpretación y la voz de Laize con la música de Aurio, este CD te lleva a un clima de profunda paz interior. Una adaptación de la música occidental de los mantras de la India, este trabajo es fundamental para el oyente que busca experiencias atemporales, y también para aquellos que simplemente quieren un momento de serenidad y paz interior.
1.Om
2.Om Mani Padme Hum
3.Govinda
4.Benares
5.Om Nama Shivaya
6.Ganges
7.Hare Krishna Maha Mantra
8.Visions
Este álbum de 2008 representa una maravillosa colaboración entre Rabih Abou-Khalil (un gran laudista o intérprete de oud) y uno de los p...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
LEE
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
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